巴黎聖母院大火浩劫後:

巴黎聖母院大火浩劫後:現場實況

屋頂還橫誇著遭火洗禮過的聖母院整修鐵支架結構,

注意看右邊 -工作人員在升降天車上正忙著勘探聖母院災難現場的支架安全結構

教堂內一堆灰燼煙霧中神蹟地砌立一座金黃色的十字架 圖片來自歐新社傳媒

震驚而不可置信的巴黎市民擠滿了西提島周邊與塞納河沿岸圍觀

四周蔚為奇觀的全球媒體現場轉播車及記者們所包圍

蔚為奇觀在Tournelle橋上成為全球媒體現場轉播台(轉播車及現播帳棚)

圖文/陳奇相

昨晚震驚全球觸目驚心的巴黎聖母院嚴重火災,經過一晚打火弟兄消防隊們英勇的奮戰煎熬方平息這場大火,美哉的巴黎聖母院遭大火祝融,到底變成怎麼樣了呢?引起全球性的好奇及窺看,依傳媒災難性的報導,這座世界遺產似乎化為一堆灰燼,當然危言聳聽,製造新聞的效應,讓人不捨的是巴黎那份獨特「美」的消失。

如是的報導,保護巴黎人八百多年的守護神-「聖母」遭難,讓巴黎市民午夜夢中驚醒,從昨晚起西堤島幾乎被眾多軍警封鎖,及四周蔚為奇觀的全球媒體現場轉播車及記者們所包圍,震驚而不可置信的巴黎市民,與來自世界各地的朝聖者們則擠滿了西提島周邊與塞納河沿岸在警戒線外圍觀,我也十足的好奇蒞臨現場見證及記錄這歷史浩劫的一刻,默默地參與這場415另類集體意識朝聖與祈福禱告。

巴黎聖母院大火浩劫後,如是親證現場,奇蹟似的所有石頭結構的外觀幾乎都 無損原在,屋頂尖塔及木造建築主結構祝融一空全化為灰燼崩下倒榻,剩下南北繽紛燦爛玫瑰彩色玻璃花窗(據說無損)的石塊支架撐過祝融,屋頂中空上還橫誇著遭火洗禮過的聖母院整修鐵支架結構,只有中間被大火燻黑,工作人員在升降天車上正忙著勘探聖母院災難現場的支架安全結構。那麼,浩劫後在被封鎖的聖母院內部文物災情呢?有待災後的清算,目前只能從歐新社傳媒的一張圖片來加以想像,教堂內石柱間一堆灰燼煙霧中,一座金黃色的十字架砌立在大教堂神壇後,這豈不就是神蹟。

巴黎聖母院正烈火熊熊時,當晚法國總統馬克宏(Emmanul Macron)也親臨救災現場視察,也透過Twitter發出悼詞「巴黎聖母院被大火吞噬,整個國家的震撼難以言喻。今晚,我也為所有天主教友與整個法國禱告。與我的同胞一樣,今晚的烈焰就像灼傷我們一般,令我傷心欲絕」。總統也發表公開演說,闡述重建巴黎聖母院的決心,法國(或巴黎)很快的拭去眼淚,以恢復重整其守護神殿-聖母院為先。人類的意志力及毅力,是難以想像的神奇,確實所有文明都是從灰燼中誕生。

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我的天啊!世界最漂亮的巴黎聖母院正烈火熊熊;

大火正在吞噬聖母院 圖片來自BFMTV傳媒

巴黎聖母院大火浩劫 圖片來自CharlesPLATIAU/REUTERS傳媒

文/陳奇相

返回巴黎幾天,傍晚去拜訪幾月沒見的老朋友mimi後,在巴黎外圍乘輕軌電車返家,經過蜿蜒塞納河時,遠眺看到河的那一端遠處,一團團熊熊白色的煙霧竄上天空,覺得不妙,一定是場火災,但不知是在那裡。

沒想到回家不久,電話響了,mimi來電說巴黎聖母院正烈火熊熊,打開網路新聞大教堂頂上的尖塔熊熊烈火柱正在倒榻,大火正在吞噬聖母院,我的天啊!大火約傍晚七點左右從院內屋頂的修繕工程處竄出,失控極短時間內燒遍整棟主教座堂,到現在巴黎晚間十點半,烈火煙霧迷漫巴黎,打火消防隊總動員近四百位使盡所有辦法似乎還束手無策。世界最美的歌德式大教堂巴黎之徵象,世界朝聖者的聖地,少了聖母院,巴黎還是巴黎嗎?難以想像,巴黎鍾愛的情人也正在哭泣而淚流滿面,在這復活節來臨前夕,祈禱-願主保佑

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3月25日是何等的日子-美術節?

諸羅天光嘉義悲情火車站

由嘉義市桃山人文館-林瑞霞主持「諸羅天光追思228」緬懷先賢的嘉義火車站前賢拜陳澄波等四位嘉義參議員受難的歷史事件

由嘉義市桃山人文館-林瑞霞主持「諸羅天光追思228」緬懷先賢的嘉義火車站前之追憶紀念集會

圖文/陳奇相

在這集體昏迷的社會裡,這塊土地發生的歷史事件被選擇性的遺忘或是根本有意識的被掩飾與遺忘。喊著幾年來的轉型正義下,我們以甚麼心態面對自已的歷史呢?甚麼心態紀念我們的英靈不散的先賢呢?沒有勇氣解開歷史神秘面紗的人民,將沒有任何勇氣迎接及建構未來。

3月25日是何等的日子呢?該不是愚人節吧,是台灣三月大屠殺及前輩畫家陳澄波的受難日,國民桶政權下偷天換日將這歷史的一天化為「美術節」(美術節從甚麼時候開始?法國藝文深厚發達的國度沒有美術節),這節日是歡慶甚麼呢?是「莫名其意」紀念色彩的化身賢拜陳澄波?其意義是甚麼?喚起台灣人的美感集體意識嗎?還是眼目混珠?

從台灣的日常平常美學及美感經驗來看,325的美術節是虛設且是虛有其表,也沒有任何美術社群重視過這莫名其妙的節日,其意義是甚麼似乎沒人知道。我的年代裡全台只有三所大專院校有美術系(師大、文大及藝專),在解嚴前保密防諜的時候台灣的藝術教育環境還很保守很保守的監控時代裡,連使用顏色都有很多禁忌,例如紅色或黑色的。還記得北美館之李再鈐的雕刻事件嗎?該沒忘記吧!就是紅色惹的禍。

美術節是國民政府虛幌愚弄或殖民體制的障眼法,而且是一塊很不要臉的「遮羞布」,似乎有意扭曲1947年台灣三月大屠殺,諸羅天光嘉義悲情火車站前的歷史事件及(賢拜陳澄波等四位嘉義參議員)真相,將歷史蒙蔽在糖衣的鼓裡混淆視聽將歷史誤入歧途導入迷津。

在今年325嘉義火車站前被國民政府軍隊槍決殉難72周年的日子裡, 由嘉義市桃山人文館-林瑞霞策劃主持「諸羅天光追思228」,我們在嘉義火車站前追思二二八的主要意義,除了緬懷先賢的義行典範,更要思考的是背後的意義,以行動來擺脫真正存在的謊言。如文化部長鄭麗君所說:「我們也要時刻提醒自己,我們今日所擁有的言論自由、思想自由、藝術自由,都不是理所當然的,而是經過無數前人犧牲他們的青春,甚至生命所換來的」。(325嘉義市文化局舉辦了「望向山林-陳澄波戶外美術館」新聞稿)

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我家的後庭院-圓潭生態園區:

氣勢的磅礡高聳峭壁蔥鬱山林之一

氣勢的磅礡高聳峭壁蔥鬱山林之二

氣勢的磅礡高聳峭壁蔥鬱山林之三

圓潭生態園區峭壁山林風光之四

詩情畫意的圓潭瀑布

溪潤間充滿生機的自然生態

詩情畫意的溪潤風光

溪潤上生氣蓬勃的拉芭花

山谷中的自然生態園區

地質奇景-宏偉壯麗的巨石

圖文/陳奇相

住在阿里山下的庄腳都市諸羅城嘉義,阿里山甚至塔塔加之玉山都成為我家後花園了,有空時經常遨遊於阿里山至玉山的群山峰間、穿梭亞熱帶到寒帶的蔥鬱山林、欣賞山谷、溪潤、瀑布、五彩繽紛植物花草及自然生態,浸入山林都宛若忘憂谷般。阿里山大風景區有不少悠閒完善的雲霧間或山林間之步道,是漫遊散心優游自在的好去處,任隨我自在的翱翔,洗條我的身心,舒緩的我筋骨。如著名的二延平步道是穿梭茶園風光,觀賞雲瀑及夕陽的勝地。穿越杉林溪潤間的迷糊步道及霧之道,環繞茶園的頂石桌步道群,春天可賞櫻。西北廊道中的青年嶺步道,竹坑溪步道,圓潭步道、瑞太古道和鳥語花香的野薑花溪步道等,沿途可觀賞多條優美瀑布,悠享森林浴。都讓人傾倒在驚嘆的山光水秀明媚自然風光裡,不亦樂乎。

圓潭自然生態園則在竹崎經太興往瑞里的中途,是所有阿里山步道中最平易近人的地方,老少咸宜(順著圓潭溪推著輪椅都可欣賞溪潤及瀑布風光),入園很快就沐浴在高聳峭壁的立面山林間,服務中心不只有自然生態導覽,樓上還有特色的在地餐廳。圓潭自然生態園,進入好山好水蟲鳴鳥叫的自然腳想樂章劇場,最引人注目的是氣勢的磅礡高聳峭壁蔥鬱山林,山谷順著蜿蜒圓潭溪峰迴路轉,圓潭溪所流經沙頁岩地層奇景,形構戲劇性的厚實砂岩夾薄層頁岩溪流場景,清澈的溪流潺潺水聲,因為岩石節理發達,有多階層的瀑布及壺穴、高聳的峭壁、溪谷窄、坡度陡等特徵,是觀察中海拔溪谷地景最佳場所。

高聳峭壁蔥鬱山林盡端,來到詩情畫意的圓潭瀑布就在眼前,順著山林間的步道沿途會看到遠處的壯麗向山瀑布,最後山林內的心湖瀑布。跨過圓潭溪及蔥鬱山林,柳暗花明有一村,四面環山的植物園區,一座充滿生機的生態池潭,一座模仿吉維尼莫內花園的日本橋,周邊氣勢磅薄巨石林立,形構一幅壯麗雄偉的自然風光。

生態園區水氣充沛、溼度極高,適合性喜潮濕及著寄生植物生長,步道兩旁濃密成蔭的竹林及大樹林(常見的大樹有大葉楠、香葉樹、山香圓、樟葉槭、台灣朴樹、山黃麻、墨點櫻桃等),林間的植物:如台灣盧竹、姑婆竽、鐵線蕨、崖薑蕨、鐵角蕨及山蘇等等。其中有眾多蕨類及藤類寄居在樹上蔚為自然奇觀。眾多罕見保育類的鳥棲生在蔥鬱山林間:如林鵰、藍腹鵰、大冠鶩、鳳頭蒼鷹、紅尾伯勞等等。溪流分布亦有翠鳥、河鳥、小白鷺、粉色水鴨及黑冠麻鷺等。

竹林裡特殊環境孕育出眾多保育類兩棲爬蟲類:如盤古蟾蜍、艾氏樹蛙、黑蒙西氏小雨蛙、褐氏蛙、古氏草蜥及台灣滑蜥等等。園內眾多繽紛燦爛的蝴蝶:色彩美麗的鳳蝶、粉蝶、斑蝶,還有體色隱蔽的峽蝶及蛇目蝶。此外還有蜻蜓及每年4-5月的螢火蟲,加上水系生態從浮游生物、魚苗、蝦蟹,尤其是圓生種的:台灣鏟額魚、台灣石魚賓魚、台灣馬口魚等、羅織出整個園區無比豐富的生態體系,成為台灣唯一座豐富多元的生態戶外教學空間。

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阿里山的茶園風光:

傍晚「象山」風光 2019-03-09 16;07

朦朧迷霧裡的「象山」2019-03-09 16;07

中午「象山」 風光 2018-12-17 12;41

隙頂區阿里山高山茶園風光

隙頂區阿里山高山茶園風光

二延平步道上的茶園風光之一

二延平步道上的茶園風光之二

二延平步道上的茶園風光之三

二延平步道上的茶園風光之四

二延平步道上的茶園風光之五

二延平步道上的茶園風光之六

二延平步道上的茶園風光之七

圖文/陳奇相

這幾年來候鳥返台時都住在寶島最著名的阿里山下的庄腳都市-嘉義,海島型耶台灣眾多都會幾依山傍水,庄腳都市諸羅城開車半小時不只到山上也能去到海邊(東石或布袋),阿里山腳下-觸口青蔥翠綠的大草坪是我經常與友人帶狗出遊散步的地方,天晴時可眺望到宏偉壯麗的阿里山群峰,更驚嘆的是玉山則在映入眼簾。有時間經常阿里山裡鑽,投入綿延山峰的懷抱裡,悠遊自在的山林中,進入忘憂谷的人間仙境,自得其樂。經常與好友帶著狗找個方向深入山裡無目的閒逛,或是找個居高臨下的山延地方賞山林、茶園風光,選一條步道健行,或到山美吃一頓鄒族原住民風味餐,品嘗愛玉,喝杯台灣咖啡,有時到來吉部落廚房吃一頓美食,都不亦樂乎。對我而言,美好的生命並不複雜,能平凡的過著隨心所欲的日子,幸福自如如是。

在小時候就常聽到阿里山情歌-高山青,阿里山的姑娘美如水,阿里山的少年壯如山,印象深刻。也經常上阿里山綿延的山峰踏青遨遊,也喝過不少阿里山高山茶,近年來住在庄腳都市嘉義,一有閒空或是想放空,就投入阿里山的懷抱裡,除蔥籠茂密的山林外,吸晴的當然是二延平步道茶園風光,有時候會讓人驚嘆浸染在騰雲駕霧在雲海之飄渺山嵐裡而不亦樂乎,每每都讓人如癡如醉。

二延平步道(上阿里山的中途中海拔一千多公尺) 在隙頂是阿里山最迷人的步道之一,在省道旁的觀景台上,此處能觀覽宏偉壯麗綿延山峰全景,有一別開生面的景致象一頭巨象般的身影稱之「象山」,是隙頂的地標,站在觀景台上眺望過去彷彿一頭巨象。看,右手邊如象頭、象鼻和綿延的象背,栩栩如生。象山的地層屬於關刀山砂岩,多形成徒及的稄線地形。象山風光隨著時間、季節及氣候都有微妙的青綠基調色彩幻化與不同的情境,所以每次觀賞象山都有不同的風情景致。

上阿里山賞花賞景或旅遊,任何季節都有不多的風情及景致,百看不厭的自然,隨著季節更替都以最妖艷的美景吸引人們的眼光及撩人心境。阿里山茶園分佈在海拔900-1200公尺間,隙頂區則是阿里山高山茶生長的區域,是阿里山最早種植茶葉的地區之一,隙頂山頭因而又名「茶山林」,即是原生茶樹林立的地方。這裡一片片的茶園散佈在群山之間。高山上氣候炎涼,早晚雲霧籠罩,平均日照短,茶樹芽葉苦澀成分降低,在茶湯裡呈現甘味,充滿淡雅香氣,隙頂茶也主要的品種有:青心烏龍、金萱烏龍、東方美人及佛手茶等等。

我經常遨遊於阿里山峰間,宛若我家的後花園般, 蔥籠茂盛的山林、茶園風光、巨石山壁、溪潤及瀑布、植物花草等等,繽紛燦爛四季如春的寶島,台灣的大自然就像一座巨大宏偉的公園,自然風光的宏偉壯麗,那像西方經典園林的花裙秀腿呢?經常趟遊於隙頂區域的茶園風光裡,如忘憂谷讓人心涼俾朵開,精神滿滿。朋友們,來跟我去喝杯烏龍茶,感受及神遊一下台灣的茶園風光。

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意圖呈現台灣偉大風景畫的典範- 蘇國慶「消失的風景/時間/記憶」個展:

台灣土地銀行-館前藝文走廊-
蘇國慶「消失的風景/時間/記憶」個展:邀請卡

餘暉 112x290cm (二拚) 2018-19 油畫/畫布

浮雲 73x90cm 2019 油畫/畫布

春暖 73x90cm 2019 油畫/畫布

孤獨千年 130x97cm 2018-19 油畫/畫布

畫家蘇國慶於工作室 2018-12-09日拍於新北市-永和

圖文/陳奇相

「展示的作品基調是充滿感傷與哀愁的靈魂詠嘆,色彩雖然明亮艷麗,但在高彩度的背後,自然的災難、命運的無常、人生的漂泊、死亡的陰影,全是真實的反應。我以風景代言事物存在的荒繆,見證過程的艱辛,展覽的意義或許就是這般企圖淡化或抹平的行為。」

蘇國慶

展出時間: 3月13日至4月3日
展出地點:台灣土地銀行-館前藝文走廊

在這對風景畫寓意漠視的年代裡,對於鍾情風景畫的畫家蘇國慶無疑有一種深層苦悶感及孤獨感。在當今甚麼都可以的時代裡,以風景表現有何不可?當今如何畫風景畫,畫甚麼樣的風景呢?如何表現風景,現代或當代特色行風景面貌該如何之可能呢?是一大考驗,國慶似乎將風景作為生命的救贖,風景自然而然成為他生命的本地風光?

風景是國慶觸景生情之內心關照的主觀表達,他以文學的手法畫他心目中之人生的風景或心景,且隨著生活參照與觀察一直在幻變中,他一直在追尋生命的那把鑰匙想解開存在的密碼,他的風景畫是生命追尋的紀錄,是紀錄那消失。綜觀他的風景畫分為三:都會風景-具象、自然風景-意象、內心風景-心象,德國象徵主義畫家C‧ David Friedrich說:「風景即畫家的心境」,蘇國慶認為這有兩層面,一是「畫家用心眼在看世界」,另一說法則是「畫家用風景表達他的心象世界」。

他的風景絕不是伊甸園,具有強烈「孤寂美感」,而是畫家個人生命的隱喻?畫家寫道:「我作為一個畫家從事風景寫生在自然風景中啟開對話,從現場將場景搬到畫室在畫面,客觀和主觀不斷融合衍生,最終形成新的生命,一件繪畫作品,我很高興可以擺脫生命的束縛,可以永生,不會因風景時間和記憶的消失而毀滅,奈何這只是一種妄念。弔詭的是我們清楚卻無視毀壞的威脅仍然坦然面對,繪畫想表達以上的階段過程,想釐清自然的迷障恢復風景的清明樸實,於是我透過一件件的作品反覆細數在風景消失前種種的記憶」。

無可質疑地,風景觸擊到畫家內在深層意識,是存在的場域與情境,面對當下風景的冥想,與當下感情與經驗是不可分的,風景成為畫家自我內心的剖析,抒發的是對人間的感觸與體悟,在可見的與非可見的,指涉及隱喻中,闡述畫家壯闊生命裡美麗波濤洶湧風光,畫家說:「我用風景繪畫來傳遞內心底層的人類共同情感」,他雄心壯志探討,意圖呈現台灣偉大風景畫的典範。

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遙望天際 -向我心目中的南島騎士李俊賢致敬:

李俊賢 戳 II 2000 2008-2015 225x222cm 影像輸出 油彩 拚貼 畫布 拍攝於台灣雙年展-野根莖 2019-01

南島騎士李俊賢 2012-03-29於仁武工作室訪問時所拍 遙望天際-由衷祝福

圖文/陳奇相

南島騎士李俊賢是台灣藝壇上最有種與氣魄的硬漢,親身以行動實踐落實在地的藝術家之一,台到深處無怨尤之最「台」的一位,他作品頌哥午辣,豪邁又豐饒,動容又入骨,繪出阮台灣人心聲,有情有義,有血有淚,充滿台灣情感、意識、精神及氣慨,牽動台灣人的神經與土地靈魂,在強烈文化信仰下,見證在地精神,叫出阿母的名-台灣。唯一純道地的「台」滋味:酸、鹼、苦、澀擱辣,吃起來伙人嬤感動,心涼俾逗開,午葛頌,強葛武力表現出在地的震盪和神經。二十世紀大文學家勞倫斯寫道:「每個大陸都有其自己偉大的地方精神,每個民族也有其地方特性,那就是家,那就是故鄉。在這大地上,不同的地方有不同的活力,不同的震盪,不同的化學氣味,不同的星星,不同的特性,你要稱呼它甚麼都可以,但地方精神是一種偉大的實在」。

遙望天際 -在此僅以此文深深地合一向南島騎士致以最高敬意,感激你對這塊土地無怨無悔的耕耘及付出,你的勇猛開拓精神將化為這塊土地的能量,感召新生代。

「李俊賢 -台灣藝壇的南島騎士」一文,發表在台南鹽分地帶文學雙月刊,陳奇相台灣藝術家專欄上,2012-04。並發表在我的部落格上。

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一場客套、老套、無套至保險套的-展覽開幕:

Toph「無題」個展在嘉義地檢署開幕場景 圖片來自Sunny Fan 臉書

我受邀分享Toph的畫展 圖片來自Sunny Fan 臉書

圖文/陳奇相

Toph「無題」個展終於在嘉義地檢署開幕,讓我親眼見證到一場官場現形記,客套、老套、無套至保險套的-嘉義地檢署「無題」個展開幕盛會,匯集社會名流及何等榮耀的長官們、議員們(都身穿藍衣繡著大名,恐沒人認識他們)、獅子會、青商會、基金會董事長、地方權貴們等等貴賓分等級的列位入座,畫會會長、畫家們及藝術愛好者之民眾們奠後,與一堆莫名之名堂共襄盛舉。主持人以唱名或點名形式介紹,具有階級分化意識,媚俗長官與社會權貴,了了長,到處都是國際大師、世界名畫家、老師、莫名堂的名人樣樣都有等等。

長官或社會權貴上台致詞搬出十八班武藝,夭壽老套客套無套至保險套,說得比唱的好,妙言如珠,美容養顏的好話一堆,嘴角全潑。畫展或藝術展幾時成為長官及權貴估名釣譽的秀場或交誼廳?浪費眾人的時間。在藝術展或畫展開幕中,藝術及藝術家才是主角可不是嗎?想想,在藝術或藝術工作者眼中,該顛覆的是體制及社會規範,那來「長官」呢?狗屁一場,莫名長官是被獻媚出來的,其實,開幕儀式中藝術家最大,沒想到,畫家上台致詞,意猶未盡,因時間(三分鐘)就打住,藝術展覽是主辦單位的施捨嗎!感嘆藝術被遭榻?藝術家的角色是甚麼?被擺爛了嗎?

藝術成為官場粉妝打扮的儀容,社會的修辭學,逢場作戲,虛張聲勢的媚俗行徑,大都都忘了我是誰。開幕結束後,階層長官及議員們與各董事長族群會聚互相寒暄取暖,交換名片慰藉閒聊。很清楚,藝術展覽開幕是各族群的聯誼會。細心觀察這官場,沒有人真正靠近畫作品嚐,甚至連瞄一眼都太浪費了。在這藝術交流場域中,獨缺的卻是藝術,深感官僚體制的傲慢(獻媚及想像權力之交易下)。畫作在牆面掉眼淚眼睜睜的看著這一群衣冠楚楚的藝術盲夫們,行藝術之名,粉飾自已的身份。讓人懷疑展覽開幕的意義?嗚呼哀哉,讓我見證一場官場現形記。

附記-兩個插曲:
首先,開幕後,會場熱鬧滾滾,喧嘩聲宛若菜市場情境下,我受邀分享Toph的畫展,拿起麥克風做導覽,除了來棒我場的氣功班朋友外,則是一群貴婦業餘畫家們,她們明智-藝術確實能讓人們養顏美容,提昇個人的敏銳及感知。我賣力的配合演出,奉獻我對藝術的熱情,認真的為藝術服務。另一插曲,也證明藝術的無用論,開幕茶會,備有茶水及點心,盛放在另一端,開幕後,主辦單位宣布,請大家可盡情享用點心及茶水,沒想到,所備的多樣點心只剩下點心盤,觀眾驚嘆,糕點那裏去了呢?大家互相觀望,無解還是無解。終於有路人甲證人說,被一群到地檢署出庭的民眾,給吃光光了,證明,顧八度(肚子)勝過於顧菩祖,成為畫展博君一笑的插曲。這也是地檢署辦展覽會推管藝術人文活動別開生面的故事,藝術離我們有多遠,藝術成為現實生活的烏托邦。

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Christophe Chevance-「無題」的藝術哲理:中法對照

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之一

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之二

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之三

尚未完成的構築一個無題畫作 80S 2019 壓克力彩

畫室牆面及壓克力顏料

畫家在無題-挖洞畫作前 作者陳奇相拍攝於畫室

圖文/陳奇相

詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享請細心品嘗閱讀。

法文筆記:Christophe Chevance
中文翻譯:Chen Chi-Hsiang 陳奇相

作為一名藝術家並非易事。就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論國家如何,我們都需要找到在社會中生存的方式。
但藝術家必須找到一種生存之道,同時也需要繼續創作和參展行動。
為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持。

在談論我的藝術作品之前,我想回答我的問題。
什麼是藝術? 特別是造型藝術。

很難準確解釋藝術是什麼。我不假裝持有真相,而我的真相可能不屬於你。 每一個真理都是獨一無二的,沒有絕對的真理。
然而,現代社會一些觀點可解釋藝術的消極性如何對我們所有人都有利。

負面意味著藝術與我們社會中的有用性對立。
與技術之對立。
我的意思是通過技術在藝術中對人類活動的有用性。
用技術反對這一點並沒有錯,因為該技術旨在將其產品用於人類活動。從這個意義上說,藝術是無用的。
與自然的對立。

自然是遵循某些規律和純粹的機械過程,符合物理決定論。
藝術本身預示著自由行為的干預,這在作品中實現了預先存在這工作的目的。
從這個角度來看,這項工作是“無用的”,或者更確切地說是無私和有限的。
與身體的對立。
因為不能說藝術品的質量和審美愉悅對身體或感官具有“實用性”。
與道德的對立。

藝術不同於在道德責任意義上做“好”的感覺。
藝術不遵循任何規則,擁有所有權利,包括可怕和殘酷的美麗。
藝術不僅是在陽光的熱量上升起的樹,也是在黑暗的寒冷深處的根。

所有這些從技術到藝術,自然,物質本身 甚至是道德的“消極”對立都揭示了藝術活動中具體而恰當的“積極”。
與社會相對的藝術不是必要的,沒用的,在這個意義上它成為是不可或缺的。

作為一名藝術家,它分享了他自己對世界的看法。 他是一位探究人員,受強烈想像力所激發的巨大好奇心的激勵。它毫無疑問地繼續學習。它傾聽一個人的感受並教育一個人的敏感性,以便讓其他人在沒有約束,沒有規則和完全自由的情況下教育自己。

所有知識都始於感情。
藝術是為了教育你的敏感性並挑戰你的感受。藝術提問你。這就是他反對社會的原因。
當我談到自我教育時,我不是在談論一般知識,而是談論自我知識。

雖然掌握一些理解藝術作品的關鍵很重要,但總是問問為什麼是沒用的。
當你聽音樂時,你不會問音樂家他為什麼按順序放音符。你喜歡和不喜歡音樂。
它應該與我們看到的不同。視覺和聽覺都不是一種感覺嗎?我們不能超越我們所看到的。

外表可能具有欺騙性,但我們仍然相信我們所看到的。
為什麼總是問為什麼藝術在那裡與你溝通。
答案必須來自你,並且會與另一個人不同。
在一個物質主義社會中所有這些問題都來自於我們生活,每個目標和每個行為都必須具有意義,必須能夠得到解釋。
不管它是什麼所有這一切都是為了獲利。

但不要忘記,藝術的積極性來自於對社會的反對。
對我來說,在我的藝術作品中提出的問題往往沒有理由。
藝術並非旨在提供答案,而是幫助您提出問題。關於你自己的個人問題,你自己可以回答。

現實絕不是藝術作品,而是觀眾的心靈。
眼睛只是一種迴聲,是與我們大腦相關的共鳴。
就像我們的其他感官一樣。
對於任何能夠超越形式的人,都可以建立對話。
形狀,紋理和顏色的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。

這是藝術的本質,是與你的關係和對話。
在我的藝術作品中,我沒有尋找顏色的象徵意義。
顏色的象徵意義取決於我們的傳統和我們的時間起源,與我們的個人情感無關。

顏色對我來說最重要的是與我們的感官互動的能力。顏色有音樂,味道和氣味。
顏色的語言不能用文字轉譯。
顏色是在我們中呼喚或撫慰我們的情感和感受的語彙。
喚醒我們超越人類狀況的意識的感覺語彙。
對於大多數人來說,很難相信顏色可以是他們所看到的以外的任何顏色。
但顏色是音樂,氣味,味道,可以讓我們所有的感官與我們振動和對話。
顏色是對話的邀請,不能保持沉默。

只有黑色和白色的兩種極端顏色,從中散發出無限的灰色,鼓勵沉默,使對話更加平和。
但事實仍然是他們無法保持沉默。
所有其他顏色或多或少地表達自己,並根據他們的關聯或多或少地冷靜。
無論如何,顏色總是有話要說,你可以學習聽到它們,感受它們並聽取它們。

在我的藝術作品中,沒有無辜的顏色,他們聲稱,他們的不完美表現出他們的純潔。
純色是不完美的,這些缺陷揭示了純色。
如果你接受這樣一個事實,即純色是不完美的,並通過它的缺陷顯露出來,那麼顏色就會顯示出來,而不是它的外觀。

也許你只會繼續相信你看到的東西,只會在畫布上看到彩色斑點。
但在我的作品中,所有這些顏色都有理由。它們代表同一實體的三個符號。形成一個整體的三個原則。

它們不是存在的存在之三位一體。
他們是三位一體,不存在的存在。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

它們具有多元性,多樣性和獨特性。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

在我活生生主題中並因此受到有機過程的影響,主題內部的內容是多元性,多樣性和獨特性的來源。主題的外部是解構的來源。

但這不是生命的感官之一,也是許多恐懼的根源。
多重性,多樣性和獨特性是我認為是我們應該進化的世界本質,是每個人應該成為的本質,我們宇宙的本質。
他們反對我們社會所倡導的一致性。
這種均勻性在我的藝術作品中以單色代表。

在我的風景中,我希望通過我們周圍世界的互惠顏色來對待。如果綠色消失,我們的風景會是什麼?地球的顏色將變得占主導地位,而少數顏色如紅色和黃色則會強加於自身。
大自然遵循純粹的機械過程,絕不是慷慨或豐富。自然界豐富最常導致物種滅絕。

我的風景邀請您質疑您對沒有綠色的世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。他們邀請您提出有關所有生活形式和您想要的生活方式的問題。
我的風景由不同的顏色,形狀和材料組成,因為這裡也有多重性,多樣性和獨特性。
無論什麼主題,都可以應用這種多重性,多樣性和獨特性的三位一體。

我說無論主題是活的還是惰性的,因為一個物體,只要它們不是來自一個過程,它的目的是複制和復制相同的物體,三位一體的一部分。
作為一個對象,藝術作品從這個角度來看是這三位一體的完美例證。

如果這個標題“無題”的展覽,而我一些畫作沒有標題,那麼由於一個簡單的原因,它是一個無題的,沒有外表和沒有讓步的自我,它被認為是通過以同樣的方式,它是富繞的財富,一個人不能失去的,它是拒絕其他人的無知,因為我們經常相互交叉而從未真正相遇。
這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇。
成為一個無題是自由的。

重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。
做你自己,感受自己,與藝術對話。

通過藝術,無需不斷尋找答案,而是試著回答問題。所以也許有一天你會在沒有意識到的情況下生活在答案中。
藝術在那裡向你提問,答案只能是個人和個人。因為這裡又是多重性,多樣性和獨特性。
想要談論藝術工作經由作品等於隔離交響樂的音符。它將喪失了所有的意義。

孤立的藝術作品可以在特定的時刻表達一種感覺,一種感覺,但不表達藝術家整體的藝術研究。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。
要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。
藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。

藝術可以改變的是你對世界的看法。
藝術可以改變的是作為一個人的你。
因為如果藝術題問你,或你提正確的問題,那麼你對於你自己,將比你自己演練的那些更重大和更謙虛的…更有所掌握。

正如藝術家在創作中自由。
你可以自由地愛或不愛。
你可以自由地感受到。
你可以自由地質疑自己。
你對藝術作品沒有任何解釋。
你沒有任何想像力。
你可以自由地適應作品。
藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。
成為屬於自己的自由。

你是這種多元性,多樣性和獨特性三位一體的一部分嗎?
你是多色還是單色?
你的內心世界和周圍的人是完美的還是不完美的?
它是土地,行星還是宇宙?
這也是我的藝術作品對你的質疑。
除了你所有的外表外,它質問你一個簡單的問題。
你到底是誰?

Toph法文原稿;
Etre un artiste n’est pas une vie facile. Tout comme la majorité d’entre nous, que nous soyons artiste ou non et quelques soit le pays, il faut trouver un moyen de survivre dans notre société.
Mais un artiste doit trouver un moyen de survivre mais aussi un moyen de continuer à travailler et exposer.
Pour cela je voudrais remercier … pour leur support à cette exposition et le support qu’ils apportent a la création artistique de Chiayi.

Avant de parler de mon travail artistique, je souhaiterai apporter ma réponse à une simple question qui n’en demeure pas moins complexe.
Qu’est-ce qu’est l’art ? Et principalement l’art plastique.

Il est difficile d’expliquer précisément ce qu’est l’art. Je ne prétends pas détenir la vérité, et ma vérité n’est peut-être pas la vôtre. Chaque vérité est propre à chacun et il n’y a pas de vérité absolue.
Toutefois il y a certains points de vue de la société moderne qui explique à quel point la négativité de l’art peut être positive pour chacun d’entre nous.
J’entends par négatif, l’opposition de l’art par rapport à son utilité dans notre société.

Une opposition avec la technique.
J’entends par technique l’utilité de l’art dans l’activité humaine.
Il n’est pas faux de faire cette opposition avec la technique car la technique vise l’utilité de son produit dans les activités humaines. Dans ce sens l’art est inutile.
Une opposition avec la nature.
La nature suit certaines lois et procédés purement mécaniques, se conforme à un déterminisme physique.
L’art lui-même suppose l’intervention d’un acte libre, qui réalise dans l’œuvre une fin qui préexiste à cette œuvre.
De ce point de vue, l’œuvre est « inutile » ou plus exactement désintéressée et fini.
Une opposition avec le physique.
Car on ne peut pas dire que la qualité et le plaisir esthétique de l’œuvre d’art ait une « utilité » pour le corps ou les sens.
Une opposition avec la morale.
L’art se distingue du sentiment d’accomplir quelque chose de « bon » au sens d’un devoir moral.
L’art ne suit aucunes règles et a tous les droits, y compris celui d’être terrible et d’une beauté cruelle.
L’art n’est pas seulement un arbre s’élevant sous la chaleur du soleil mais aussi les racines s’enfonçant profondément dans la froideur des ténèbres.
Toutes ces oppositions « négatives » de l’art à la technique, à la nature, au physique et même, au moins parfois à la morale, révèlent ce qui est spécifique et proprement « positif » dans l’activité artistique.
L’art par opposition à la société n’est pas nécessaire et n’a aucune utilité, c’est en ce sens qu’il est indispensable.
Etre un artiste, c’est partagé sa propre perception du monde. C’est continué à apprendre sans aucunes certitudes. C’est être à l’écoute de ses sentiments et éduquer sa sensibilité. C’est permettre aux autres de s’éduquer eux-mêmes, sans contraintes, sans règles et en toute liberté.
Quand je parle de s’éduquer soi-même, je ne parle pas de connaissance générale, mais de connaissance de soi.
Toutes connaissances commencent par les sentiments.
L’art est là pour éduquer votre sensibilité et interpeler vos sentiments. L’art vous questionne sans jamais affirmer.
C’est aussi en cela qu’il se situe en opposition par rapport à la société.
Même si il est important d’avoir certaines clefs afin de comprendre un travail artistique, il est inutile de demander tout le temps pourquoi.
Quand vous écoutez une musique, vous ne demandez pas au musicien pourquoi il a mis les notes de musique dans cet ordre. Vous appréciez la musique ou non.
Doit-il en être diffèrent avec ce que l’on voit. La vision n’est-elle pas un sens au même titre que l’ouïe. Ne peut-on pas voir au-delà de ce que l’on voit.
Les apparences peuvent être trompeuses mais nous continuons à croire en ce que l’on voit.
Pourquoi toujours demandé pourquoi alors que l’art est là pour communiquer avec vous.
Les réponses doivent venir de vous et seront différentes d’une autre personne.
Toutes ces questions viennent du fait que nous vivons dans une société matérialiste ou chaque but et chaque acte doivent avoir un sens, doivent pouvoir s’expliquer.
Tout ce que l’on fait doit apporter un bénéfice quel qu’il soit.
Mais n’oubliez pas que la positivité de l’art vient, entre autre, de son opposition à la société.
Bien souvent les questions qui me sont posées sur mon travail artistique ont, à mes yeux, aucunes raisons d’être.
L’art n’a pas pour but d’apporter des réponses mais est là pour vous aider à vous poser des questions. Des questions personnelles propres à vous-même dont vous êtes les seuls à pouvoir répondre.
La réalité n’est jamais dans le travail artistique mais dans l’esprit du spectateur.
Les yeux ne sont qu’un écho, une résonance liée à notre cerveau.
Tout comme nos autres sens.
Pour quiconque sait voir au-delà des formes, un dialogue peut être établi.
Un langage de formes, de textures et de couleurs qui ont la capacité de mettre en résonance nos sens.
C’est l’essence même de l’art, d’être en relation et de dialoguer avec vous.

Dans mon travail artistique, je ne recherche pas la symbolique des couleurs.
La symbolique des couleurs dépende de nos traditions et de nos origines dans le temps et n’a rien à voir avec nos émotions personnelles.
Ce qui m’importe dans les couleurs c’est cette habilité à dialoguer avec nos sens. Les couleurs ont une musique, un gout et une odeur.
Les couleurs ont un langage qui ne peut pas être retranscrit par les mots.
Les couleurs sont le langage des émotions et des sentiments qui crient en nous ou nous apaisent.
Le langage des sentiments qui éveille notre conscience au-delà de notre condition humaine.

Il est difficile pour la plupart des gens de croire que les couleurs peuvent être autre chose que ce qu’ils voient.
Mais les couleurs sont musiques, odeurs, gouts et peuvent mettre tous nos sens en vibration et dialoguées avec nous.
La couleur est une invitation au dialogue et ne peut se taire.
Seul les deux couleurs extrême que constituent le noir et le blanc, d’où émanent une infinité de nuances de gris, incitent au silence et rendent le dialogue plus paisible.
Mais il n’en reste pas moins qu’elles ne peuvent se taire.
Toutes les autres couleurs s’expriment de manière plus ou moins bruyante et selon leurs associations d’une manière plus ou moins calme.
Les couleurs ont toujours quelque chose à dire et c’est à vous d’apprendre à les entendre, à les sentir et à les écouter.
Dans mon travail artistique, il n’y a pas de couleurs innocentes, elle revendique, elles clament et leurs imperfections révèlent leurs puretés.
Une couleur pure se veut imparfaite, une couleur pure se révéler grâce à ces défauts.
SI vous accepter le fait qu’une couleur pure se veut imparfaite et se révèle grâce à ses défauts, des lors la couleur se révèle telle qu’elle est et non pas telle qu’elle parait.

Peut-être continuerez-vous à ne croire que ce que vous voyez et ne verrez que des points de couleurs sur une toile.
Mais dans mon travail artistique, tous ces points de couleurs ont une raison d’être.
Ils représentent trois symboles d’une même entité. Trois principes qui forment un tout.
Ils sont multiplicité, diversité et unicité.
Ils sont la trinité non pas de l’existence mais d’exister.
Ils sont la trinité non pas de l’être mais d’être.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes qui nous entourent.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes à l’intérieur de nous.
Dans mes sujets vivant et donc assujettie a un processus organique, ce qui est intérieur du sujet est source de multiplicité, de diversité et d’unicité. Ce qui est extérieur du sujet est source de décomposition.
Mais n’est-ce pas là un des sens de la vie et la source de nombreuses peurs.
La multiplicité, la diversité et l’unicité sont ce qui constitue, à mes yeux, l’essence même du monde dans lequel nous devrions évoluer, l’essence même de ce que chacun devrait être, l’essence même de notre univers.
Ils se trouvent en opposition à l’uniformité préconisé par notre société.
Cette uniformité qui dans mon travail artistique est représenté par la monochromie.

Dans mes paysages, j’ai voulu traité par le biais de la couleur de la réciprocité du monde qui nous entoure. Que serait nos paysages si le vert venait à disparaitre. Les couleurs terre deviendraient prédominantes et des couleurs minoritaire tel que le rouge et le jaune s’imposerait d’elle-même.
Mes paysage invitent à vous questionnez sur votre vision d’un monde sans vert et ce que serait notre place dans une nature ou le vert disparaitrait. Ils vous invitent à vous questionner sur le chemin que prend toutes forme de vie et celui que vous souhaitez emprunté.
La nature suit un procédé purement mécanique et n’est en aucun cas généreuse ou abondante. L’abondance dans la nature mène le plus souvent à l’extinction d’une espèce.
Mes paysages se composent de diverses couleurs, forme et matière, car là aussi il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Quel qu’en soit le sujet, cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité peut être appliquée.
Et je dis bien quel qu’en soit le sujet, vivant ou inerte, car un objet, à la condition qu’ils ne soient pas issus d’un procédé ayant comme finalité la duplication et la reproduction d’objets identiques, fait lui aussi partie de cette trinité.
L’œuvre d’art, en tant qu’objet, est de ce point de vue une parfaite illustration de cette trinité.

Si cette exposition a pour titre « Sans titre » et que certains de mes tableaux sont des sans titres, c’est pour la simple raison qu’être un sans titre et être soi sans apparence et sans concession.
C’est pensé par soi-même.
C’est être riche d’une richesse que l’on ne peut pas perdre.
C’est refusé l’ignorance des autres, car trop souvent nous nous croisons sans jamais vraiment se rencontré.
C’est refusé l’ignorance des choix car dans un monde ou l’information est si facilement accessible, l’ignorance est devenu un choix.
Etre un sans titre, c’est être libre.

Soyez vous-même, loin de toute apparence, car la société quel qu’elle soit, est trop souvent dénué de sentiments et l’uniformité et la moralité y règne en maitre.
Pensez, ressentez par vous-même et dialoguer avec l’art.
La connaissance de soi commence par les sentiments et l’art peut vous aidez à éduquer votre sensibilité.
A travers l’art, ne cherchez pas continuellement des réponses mais essayé de vivre la question. Alors peut-être un jour vivrez-vous dans la réponse sans même vous en rendre compte.
L’art est là pour vous questionner et la réponse ne peut être que personnel et individuelle. Car là encore il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Vouloir parler d’un travail artistique à travers une œuvre équivaut à isoler les notes de musique d’une symphonie. Elle en perd tout son sens.
Une œuvre d’art isolée peu exprimer un sentiment, un ressentit a un moment donné, mais n’exprime en rien la recherche artistique de l’artiste dans sa globalité.
Un véritable artiste a pour vocation à évoluer et son travail artistique évolue avec lui.
Pour comprendre un travail artistique, il est plus important de comprendre le créateur que sa création.
Un travail artistique ou un artiste ne changera jamais le monde et ceux qui pensent le contraire vivent dans une illusion, car la perception de l’art est individuelle et non collective.
Ce que l’art peut changer, c’est votre perception du monde.
Ce que l’art peut changer, c’est vous en tant que personne.
Si l’art vous interroge et que vous vous posez les bonnes questions.
Il n’y aura pas de maitrise plus grande et plus humble que celle que vous exercerez sur vous-même.
Tout comme l’artiste est libre dans sa création.
Vous êtes libre d’aimer ou non.
Vous êtes libre de ressentir ou non.
Vous êtes libre de vous questionner ou non.
Vous êtes libre de toute interprétation du travail artistique.
Vous êtes libre de toute imagination.
Vous êtes libre de vous appropriez l’œuvre.
La seule liberté que l’art ne pourra pas vous donner car cette décision n’appartient qu’à vous.
C’est la liberté d’être vous-même.
Faites-vous parti de cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité ?
Etes-vous multi couleur ou monochrome ?
Votre monde intérieur et celui qui vous entoure se conjugue-t-il au parfait ou à l’imparfait ?
Est-ce une terre, une planète ou un univers ?
C’est aussi en cela que mon travail artistique vous questionne.
Par-delà toutes vos apparences, il vous pose une simple question.
Qui êtes-vous ?

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Christophe Chevance-「無題」個展:

左-無題-挖洞 120s 中- 無題-在雨中 200F 右-無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

無題-挖洞 120s 2018 壓克力彩

無題-在雨中 200F 2018 壓克力彩

無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

構築一個無題 80S 2019 壓克力彩

沒有綠色的景觀 各60F 2018 壓克力彩

沒有綠色的景觀 120F 2018 壓克力彩

風暴臨窗 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

混沌中心 100F 2016 油畫克力彩

左-風暴臨窗 80F 2016 右-沒有綠色的景觀 100F 2016 壓克力彩

左-窗口 80F 2018 壓克力彩 右-在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

蘋果 80F 2018 壓克力彩

Christophe Chevance 簡稱為Toph與國際藝評人陳奇相

圖文/陳奇相

「要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。」

Christophe Chevance (簡稱為Toph)

時間:2月18日至3月15日
地點:嘉義市地檢處大廳

前言-「無題」:
「無題」個展呼應其「無題」畫作,「無題」並非無內容物,盡在不言中之沉默語言,話語是多餘地,多元多樣與豐富獨特性造型語彙,賜給觀眾一雙翅膀展翼翱翔,敞開其感知與想像空間,自由心證。身為異鄉人Toph有一種特立獨行的處世態度、哲理及美感,認為他的生活也是「無題」,其實真實的存在是無解的。畫家說:「這『無題』個展標題,眾多畫作也『無題』,那因這個無題的,沒有任何表象和沒有讓步的自我,它被認為是通過 以同樣的方式,它富饒而豐富,是一個人無法丟失的,它是拒絕他人的無知,因為我們經常相互交會而從未真正相遇,這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇」「作為一個『無題』,它是自由的」。(註1)

在嘉義的一個法國畫家的故事:
Christophe Chevance 簡稱為Toph是位大叢朵鼻啊法國人,〝 嫁〞給一位纖細精明能幹的台灣夫人Sunny,並為愛漂泊至異鄉-美麗島嶼,家-成為法國佬的避風港,台灣人的洋女婿,三個台灣孩子的巴,桃城成為其落地生根的-家,天涯一方舟他鄉成為我鄉。他敏銳善感,有一對尖銳的眼睛擅長於觀察與思考,做事認真細心,其法國身分隱藏於流利的英文裡,「無題」的有意選擇不學(講)台語或中文,放下身段做個若隱若離的異鄉人,隱世於台灣社會複雜的人情世故後,喜歡獨處及家庭生活,過著他簡樸而富繞且自如的「無題」生活,這完全是個人的選擇。

異鄉人Toph從小就對畫情有獨鍾,一生著迷於畫,為追求藝術,很年輕就離開他心愛的海岸故鄉布列塔尼到巴黎奮鬥,生活的坎坷經由職訓成為劇場舞台設計技能,擅長畫及裝修的他,白天從事劇場舞台設計晚上熱情奮進的揮毫其藝術。為了追求自已的夢,不管生存多坎坷困難都一值念念不忘初衷-想望藝術之夢,畫是存在的出口駛向意識汪洋大海,藝術的道途千辛萬苦想望生命的未來。婚後,為愛漂泊至異鄉台灣,首先落腳於台北奮進,而後又跟隨愛妻從繁華的都會來到南島庄腳都市,落腳定居在桃城-嘉義娘家。

Toph很清楚身為畫家並非易事, 就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論在那個國家,我們都必需找到一種在社會中生存的方式。藝術家必須找到一種生存之道,同時也必須繼續創作和參予活動。搬回桃城觸礁於現實生活裡,為了基本餬口與創作資源,下海開啟法國迷惑人的餐飲料理,開了間個性風味小餐廳。精於畫及裝修的他,將一間廢棄破舊木屋整整發了一年時間,日以繼月親自一手整裝成一間溫馨個性嘉義法式餐酒館,生意蒸蒸日上,成為桃城最有質感且亮麗的個性小餐廳之一,為追憶巴黎蒙馬特取名為「小黑貓」,經營一年因租約到期,便將所有建立的一切讓渡與屋一同歸還屋主。

他接受命運之安排,一切歸零,異鄉人不免心生吶喊「無題」遭遇,帶著重挫所攜帶的力量,再次至林森路一間倒塌危樓破舊木屋重新起灶,大費周章一年多,再次傾其心力整修一番,為了生活捲土重來,「小黑貓」又重出桃城。小小法式餐飲店,在愛妻大力協助與支持下,夫婦倆用心經營下的「小黑貓 」一如旭日再次東昇,逐漸佳績,佳評廣播,成為地方異國婚姻融入社會成功案列,吸引在地眾多傳媒的關注。然而每次的「小黑貓」嘉義法式餐酒館之新聞報導,都讓Toph哭笑不得,漠視地稱他為法國廚師,陰錯陽差下畫家心底在哭泣,台灣人舌尖文化太糜爛了,命運捉弄,為了現實生活而遠離其想望的繪畫創作,其心理是多麼的掙扎與困惑。三年多來經常徘迴在午夜夢醒的藝術,念念不忘創作的初衷,
Toph由衷感謝這次台灣嘉義地方檢察署的邀請個展,讓他重拾起畫筆耕耘其心所愛的藝術心田,畫家說:「為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持」。

「無題」沉默之言的新作:
Toph三年多沒創作的空白日子裡,無可承受的生命之輕以及對藝術深思的沉澱,孕育出他深厚的藝術哲理,與受強烈想像力所激發的巨大好奇心所驅使的創作。明顯地,藝術是Toph盡在不言中且最強而有力之沉默語言及內心的呼喚。感謝這次的個展及內人的支持,讓他敞開心胸鼓起十足勇氣重拾畫筆,克服萬難的創作,擁抱自已的熱情,煥然一新的創作視野,讓他的創作脫胎換骨。相由心生,境隨心轉,從早期盤根錯節的樹(根)作為其漂泊離鄉背井的徵象寫照主題中解放出來,遵循本能感性的表現,強烈感受與覺知下,借題移情抒發其情感及安撫其生靈,簡而意駭闡述其異鄉人存在意識。

Toph認為我們周圍世界是充滿多元性,多樣性和獨特性,他的創作及作品也不列外,解構是其創作源泉。他只探討一些純屬個人的東西,在主觀、本能、感性及表現性下擺脫全部模擬觸點及慣性圖畫,創作表現是多元與多樣,新系列:人物系列、風景系列及風暴在窗口系列,簡化形式下給予色彩一種感性的意義,意圖表現每樣東西的本質及同時回應情感上的沖擊之強度。

人物系列:
異樣穿草綠色彩迷裝如軍人之人物系列,是在這冷漠無感的世界裡,永遠看不到臉孔的人物,暗喻與指涉人類的虛無與自負虛榮,簡化人物形象及不實的身軀,行屍走肉經常相互交會而從未真正相遇的情境,畫面呈現一股強烈張力 。三位被淋著粗曠黑(筆觸)雨空間場景所吞沒之行人、一位巨大背向觀眾的中空人物及一位充滿肢體語彙軀體被畫框住的人物,另一最具徵象性手持電鑽開挖馬路的工人,示意對這無感無知冷漠社會之關愛。闡述Toph異鄉人的存在之焦慮、孤獨、苦悶、困頓、無助的心靈寫照,畫家寫道:「重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。做你自己,感受自己,與藝術對話。」

風景系列:
色面化的主觀意識之紅土高原風景,於後自然的超現實荒謬情境中,錯置的空間及想像,在現實及超現實,抽象及意象間。畫家邀請觀眾質疑對沒有綠色世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。 邀請我們提出有關所有生活形式和您想要過的生活方式的問題。其中一幅讓Toph憶起他故鄉的海灘風景意象,午夜夢醒的情境或遊子對故鄉思念的情懷。

窗上的風暴系列:
依畫面支架成型,垂直平性劃分窗戶架構,以對照性的色彩及大筆揮毫個性筆觸,借景移情抒發其情感及覺知意識。氣候就像脾氣反映人們強烈地的情緒感受,畫家睿智的借此系列覺知自已內在情緒風光,回應心情沖擊之強度梳理其能量,外境是內在的顯現,更是內心場景寫照,闡述畫家生命之起伏,藉此看見自已,傾聽自已內在聲音。畫家說:「我們都受情緒的影響。 這與良心無關,與任何人或我們以外的任何事物都沒互相關係。有時候,這些情緒可能是風暴發出必須通過的能量。如果被忽略或扼殺這種內在力量,它就會變成負能量並經常導致退縮。無論我們面對這場風暴的立場如何,無論我們是演員還是觀眾,我們都會受苦。如果我們與之力量對抗,它可能是破壞性的,但如果我們讓自己順其所然的梳理,它也可以成為更新的源泉。」(註2)

形式、色彩與質感:
本能及感性之大筆觸揮灑下的徵象性人物、風景或窗戶,都在簡化、平面化、色面化及主觀化特徵上,加上有溫度會說話的色彩,大器的構圖,畫面總是覆蓋著一層或多層白色隱藏眾多大小筆觸,細膩紋理的質感,彰顯形式的主體。形式化為畫的軀體,色彩成為靈魂,筆觸為情感的溫度,紋理質地作為感覺的載體。「形式、色彩及紋理質地的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。且無論什麼主題,都可以應用這種多元性、多樣性和獨特性的三位一體。這多元性、多樣性和獨特性,畫家認為是我們應該發展的世界之本質,是每個人應該成為的本質。反對我們社會所倡導的一致性,這種均勻性在他的藝術作品中以單色來表現。」(註3)

具洞察力的「無題」藝術思維與哲理:
詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享,這文章結論擷取片段如下,請細心品嘗閱讀。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。藝術可以改變的是你對世界的看法。藝術可以改變的是你作為一個人。因為如果藝術題問你和你正確的提題,那麼你將不會比你自己演練的那些更大和更謙虛的掌握。正如藝術家在創作中的自由。你可以自由地愛或不愛。你可以自由地感受。您可以自由地質疑自己。你對藝術作品沒有任何解釋。你沒有任何想像力。你可以自由地應適作品。藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。必成為屬於自己的自由。(註4)

註1-4:來自Toph藝術思考筆記
2019-02-10 桃城-嘉義

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