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Archives pour 11/2007

萬人塚(Catacombes):

(上圖左)這裡註名來自聖羅宏公墓的軀骨於1848年及另一部分是1859年安置於此地。(上圖左)聖尼古拉公墓的軀骨於1859年安置於此,沒想到離別如此遠卻相聚在(萬人冢) 。(下圖)迎接人們地是整整齊齊井然有序的軀骨廊道,夾道歡迎人們的來訪。

(圖)不管是恩是仇或是親或不熟大家能聚在一起總是緣份吧。

(圖) 時間在這裡被化灰燼,人只是宇宙塵埃也。

(圖) 每個人都背著個人的十字架嗎?信不信由你。

(圖)黑白的柱子建構萬人冢死亡殿堂,難道死亡是黑白的嗎?

(圖)6百萬巴黎人的骸骨牆,那個空間是屬於人們的呢。

(圖) 我們都在看著你們也再等侯你們。

(上圖)來客請坐和我們拍一張相片留念吧。(下圖)地上的朋友們停下來陪伴我們這些地下好朋友一下吧。

巴黎有一座別開生面的地下墳場,又稱為萬人冢,就位在巴黎第十四區地下裡於Denfert Rochereau獅子廣場的路肩上。裡面井然有序的依年代排列總共有6百萬巴黎人的骸骨,真是難以想像。在地面20米的深度下,總共有17公里長的骸骨隧道,共有11000平方尺的面積。路易十六時(也就是1785年) 因幾世紀來巴黎都會到處都是髒亂擁擠的小墳墓,人們開始受不了這沒法規的處理方式,在巴黎人的抱怨聲中,國王決定創立葬儀制度,禁止亂葬並統合遷移至公墓,並接收巴黎所有無名墳墓的骸骨。馬上由石礦監察員Charles-Axel Guillaumot以水泥加強巴黎過去的地下石廊道,建構一座通往地下廊道樓梯及通風口,隔年4月7日萬人塚成立,經過兩年的遷移,工人們將大骨頭井然有序的靠牆佈置成一牆面,並細心的布置頭顱成為一種非凡的裝飾,這道骸骨牆厚度近30米,高10幾米。這種遷移巴黎墳墓的計畫一直至1814年才完成,所有骸股的來源都明確的銘記其日期及地點或事件。引人注目的是1788年在Brienne公館前的革命戰士者們或1789年社會革命起義者們,1792年杜樂麗大屠殺事件的骸骨等等。當然萬人塚繼續接收1859年拿破崙三世時由Haussmann公爵主持的現代都會大工程中所找到的骸骨。第二次世界大戰時,這兒曾是巴黎解放戰士們的隱諾基地。

萬人塚在拿破崙時代才正式開放供人們參觀,再經由1809年石礦監察員德沮系 (Hericart de Thury)負責規劃組合建構骸骨廊及路線,豎立大理墓碑文及警世良言,裝飾廊道等等,成為今天的面貌,都讓參觀民眾或巴黎朝聖者們在莊嚴的氣氛下沉思默想生命的意義。

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改革與罷工:

(圖)巴黎只要交通工具一罷工就讓失序 ,圖片來自yahoo.com.tw。

示威及罷工是法國社會運動中的家常便飯,示威及罷工是社會階級戰鬥的策略及管道,法國社會福利與制度可說是社會階級之戰利品或結果,一切得來不易的社會福利都是工會及勞工經過世紀血汗打拼所建構出來的成果,從來就不是資方或政府施捨所奉獻出來的。示威抗議是不得已的戰鬥及手段,罷工或絕食則是逼向戰鬥顛峰,革命將是另一烏托邦的抉擇,有壓迫的地方就會有抵抗,抵抗形成戰鬥力,壓力越沉重抵抗力就越堅強,其比例是難以想像地。戰鬥的藝術是取得協商對話,對話化解針鋒對立形勢,近一步取得雙方妥協建構新關係及闢造圓滿社會。

法國上週(11月13日至23日)陷入一場空前但並非絕後的大罷工,所有的國內或國際交通網停頓下來,全國一片混亂嚴重打擾整體社會次序及工商運轉,整整持續近十天,讓整個法國幾乎瘋狂,明顯地這是一場攸關改革及反改革,尤其在法國社會裡的一些享有特殊退休階級(鐵度路局、捷運局、電力公司、電信局等等)保衛其權利及福利的戰鬥,並加上公務員(教育人員及稅務人員)與政府司法革新下的司法人員及律師之參與,使這場社會戰鬥更空前壯大更有後奏力。這是繼1995年來最大的罷工社運,當時也為了同樣之事件,希哈克總統百萬群眾之眾志成城下,退回原點並折損了當時的總理,從此以後法國社會革新則黯淡無光,讓法國社會無法跟隨這全球化的腳步,而自困於陳舊的體制中。Sarkozy總統在就任後就積極進行法國多面向的革新計畫,特殊退休制度則是一項重大的挑戰,因為上次的革新失敗記憶猶新,但在面對當前世界局勢及政府經費預算赤字之壓力下,改革勢在必行,否則將阻礙法國的更新活力。大眾也都清楚革新的必然性,難怪百分之60以上民調都贊同,但格新總是有損其他少數人的利益及福利,阻力是必然地。雖然改革有理,但罷工卻是萬歲的,它並非反對革新體制,而是反對政府強制革新的手挽,意圖經由集體罷工的力量尋求另一協商的後奏力之條件。全球化之劇烈變革下的社會改革是因應社會的需求,改革總是在對話及溝通的管道下進行,妥協將是民主革新的最高超之藝術,總統府發言人說:「總統始終相信,協商比衝突對所有人來說都更有好處。」

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J. Vermeer:蕾絲女紅

蕾絲女紅(約1665年):24×21公分,油畫,典藏於巴黎大羅浮宮博物館。

J. Vermeer(1632-1675)是17世紀荷蘭最具寫實的代表性畫家﹐他才氣橫溢﹐卻整整被歷史遺忘了兩世紀﹐直到1866年才意外被法國藝評家朵瑞-布格(Thore-Burger)重新發現。他早期的作品深受義大利畫家的影響﹐尤其是以卡拉瓦喬﹐然而很快就突顯其個人風格﹐在光線的表現中。他善用明亮的話筆法﹐探討與視覺及空間有關的問題﹐特別關注詩情畫意的主題﹐他的作品散發一般種鄉間的氣氛及無時間性的寧靜。

蕾絲女紅是維梅爾最具典型的題材,更是荷蘭繪畫的傳統展現,尤其是這些日常生活中平凡的人物。維梅爾就像林布蘭般出色地轉化日常最平凡的事物成為最富詩意的藝術。這兒描繪一名梳著整齊髮型,穿著黃色上衣,套有白衣領的年輕女子正俯身專注在小桌上工作的情形。她的雙手忙著織花邊,左手似乎拿著細小的針,右手的手指頭上夾著兩根擊著細線的小線棒,布上則扎著一些細小的針。前景在一張大桌面上,一個飽滿的深藍色枕頭,飾有對比的紅、白絨線就像垂到桌面上,就像兩道瀑布般,充滿活力:旁邊擺一個針線盒,上面扎著幾根線棒。在光線(它提供明亮室內的幻覺及立體感)及最純粹的色彩(黃色、藍色及白色等等)輝映中,整幅作品散發一股專注而寧靜的氣氛。它是如此完美,難怪印象派畫家雷諾瓦聲稱這是「世界上最美的一幅畫」,如此維梅爾可稱為日常生活寫實的一代宗師。

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N. Poussin:阿斯多的鼠疫

阿斯多的鼠疫(約1631年作)148 x 198公分,油畫,典藏於巴黎大羅浮宮博物館。

普桑(N. Poussin 1594-1665)是法國17世紀最具代表性的畫家之一,他一生大部份都生活在義大利,早期深受拉斐爾,而後受到提香的影響,進而發展出一種接近分析式的古典主義。晚年對風景畫甚感興趣,創作出一種渾厚有力而充滿詩情畫意的抒情主義。

自文藝復興以來,人成為西方藝術的核心,17世紀的西方繪畫則強調於富戲劇性的問題上,就像普桑這幅充滿世界末日的圖畫:鼠疫。阿斯多城(Asdod)的大街頭上,到處都是鼠疫患者的屍體,前景之一是蒼白軟弱無力的母親及嬰兒的屍體,另一無知的嬰兒目瞪口呆第坐在母親身旁,一位戴著帽子的男子掩鼻俯身地走向這嬰兒,四周圍一些左橫右側的軀體和軟弱無力而面色蒼白的人無奈坐在地上,一些人掩鼻而過,似乎怕被傳染而顯得驚恐不安。中景左邊一群阿斯(Arche)先知正激昂地朝向圓柱神殿,似乎即將衝進教堂祈求上帝的赦免、保佑,腳旁則是一群橫行的老鼠及無奈的人們。這些都在莊嚴凝重的古羅馬建築背景裡進行著,它提供一種戲劇性的三度透視空間,這正好和人物形成一種對比,構成一種運動的力量,尤其通過普桑古典的寫實,陰沈的色調和複雜的結構,在混亂與秩序、知性與感性、光線與運動間,刻劃人類的悲劇與無奈。

這幅是普桑經過長期休養後重新拾筆的作品,透過古希臘的悲劇神話來展現其悲劇性。然而他的創作不只是知性的更是肉體的。1646年普桑拒絕畫耶穌扛十字架,他對這個主題寫下:「我並沒有足夠的樂趣及健康的身體來奉獻如此悲哀的主題『耶穌受難像』將使我生病,耶穌扛十字架將把我弄死。」

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全球化下的藝術(演講綱要):

(圖左)法國藝術家 Etienne Bossut 炸彈頭 2005年。(圖右)中國藝術家Wang Du 入口 2004年作。

(圖左)印度藝術家N S Harhsa Beautification of M D 2005年作。(圖右)中國藝術家Wang Du 挑戰 2000年作。

(圖左)王文志 藤雲駕屋 2003年。(圖右)王文志 破繭 2007年作。

風起雲湧的全球化:全球化是當今國際明顯的政治現實,從現實政治及經濟佈局至文化產業及消費社會無所不包的世界趨勢,新自由主義宛若一股強勢的洪流,橫掃全球各個角落,亞洲整體社會及經濟結構明顯的受到衝擊,台灣當然是無可避免的趨勢走向,在這股洪流下全球政經多層面的劇烈變革是空前地。甚麼是「全球化」?為甚麼「全球化」?全球化一般而言就是「西化」,更確切地是「美國化」,從生活中的食衣住行及愉樂,甚至於從一般的思考體制上都無所不在。資訊化、經濟化、消費化、體制化、規格化、殖民化或次殖民化。或全球化的共同特徵:通俗化、表徵化、普及化、一致化、網路化、庸俗化、消費化。

尋根探源在地性:二十世紀大文學家勞倫斯(D.H. Lawrence)寫道:「每個大陸都有其自己偉大的地方精神,每個民族也有其地方特性,那就是家,那就是故鄉。在這大地上,不同的地方有不同的活力,不同的震盪,不同的化學氣味,不同的星星,不同的特性,你要稱呼它甚麼都可以,但地方精神是一種偉大的實在」

法國當代藝術家班(Ben)在80年代就認為:「下次的藝術革新:是承擔它自己的語言、文化及種族」班構想那些種族的「差異」都是當前藝術中不可忽略的元素。在他生活與總體藝術關係觀念裡,新的及差異的都是主要的價值,差異就成為後現代「全球化」最為重要的一種資產及身份,更是一種源源不絕藝術創造力的動能。如果缺乏全球在地化的實踐,文化全球化則易淪為西方霸權支配的晃子。甚麼是在地全球化與全球在地化的徵兆及意義。

全球化藝術最大的徵象:敘述性及軼事性,新媒體素材的開發及探究,影像的世界-數位影像-數位攝影-網際網路所帶來的可能性,KTV與MTV及當今漫畫與流行文化之感染及張顯,電視、數位電視、數位影像、虛擬影像、及網際網路的世界等等裡,五花八門影像更豐富及普及,讓人眼花撩亂影像以深深改變人們的生活及觀察大千世界之觀點。在這百花齊放之全球化時勢傳媒,及多功能的科技數位下,為當今藝術創作帶來無限的衝擊及新展望,採取複合式的空間裝置: 雕刻- 物體-繪畫- 影像-相片-錄影與聲音-軀體-行為,參與及關係美學的建構:戲劇性及劇場形式,對風格的質疑建立在多元化的探討:繪畫、雕刻、裝置、錄影及展演等上。文化的商品化及產業化:拍賣市場為依據的藝術商品化。(此文是彰師大及嘉大藝術系演講綱要)

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Rembrandt:貝斯莎伯和大衛的信

貝斯莎伯和大衛的信(1654年作)142 x 142公分,油畫,典藏於巴黎大羅浮宮博物館。

林布蘭(Rembrandt)(1606-1669)是17世紀荷蘭藝術黃金時代最具代表性的畫家之一,善長於肖像及群像畫。早期曾受卡拉瓦喬的影響,但很快就找到他自己的獨特風格,他以明暗的技法來統一形式及空間。林布蘭最著名的一幅群像畫是「巡夜圖」目前典藏於阿姆斯特丹博物館裡,就是這些形式及空間最為完美的展現。

在有關其宗教繪畫裡,林布蘭像卡拉瓦喬般地拋開基督教象徵性的裝飾,而以自然寫實手法來表達上帝日常的示現。這幅是17世紀繪畫中最具現代感的裸體畫,就像自然的鏡子般,不再是文藝復興時代和諧美的類型或宗教的神聖莊嚴。她就像凡人般一樣的真實,是林布蘭所有的作品裡最具親密性的表現之一。通過他獨特的明暗對比和光線效果,呈現這栩栩如生,楚楚動人的貝斯莎伯,她坐在幽靜的寢室內,性感的軀體、靜謐的神態、脖子上戴著一條項鍊、一條紅色擊髮帶滑落胸前、左手輕扶在床上、右手臂戴著手環、且拿著大衛寄來的信,女僕人正為其擦腳。整幅作品都在畫家嚴謹的經營下,巧妙活潑地構成完美空間。誰也沒有想到,這是幅具有宗教神話的畫作:聖經上敘述這位年輕貌美女人的 故事:國王大衛擄走貝斯莎伯的丈夫,而後國王侍衛又娶了她,最後貝斯莎伯卻又成為沙羅姆(Salomon)國王的母親…。此外﹐還有林布蘭早期的作品:”戴帽子的自畫像”﹑”哲學家”和其晚年的作品”剖體的牛”及夜巡﹐都在特殊光線的效果裡﹐散發出現一股市神秘的氣氛。

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Les freres Le Nain:農夫們的午餐

農夫們的午餐(約1642年作)122 x 97公分,油畫,典藏於巴黎大羅浮宮博物館。

Les freres Le Nain兄弟是繪畫史上難得一見的三兄弟畫家:安東(Antoine)、路易(Louis)及馬太(Mathieu)。他們是活躍於17世紀的法國代表性畫家,約1629年定居於巴黎,他們的藝術特徵是在種樸素的寫實主義下,時常展現神話及宗教題材。他們較特別的是令人感動的貧困農夫們日常生活的畫作。在真誠的藝術裡,勒拿兄弟成為當今社會寫實的先鋒者們就像19世紀初巴比松畫派的米勒。

農夫們的午餐這幅畫相當難能可貴,因為從我們參觀大羅浮宮博物館,幾乎都置身於一些金碧輝煌的神權、君權、貴族影像的氣圍中。這幅畫讓我們進一步理解政權的另一面鏡子:民間的影像。從這幅表現人性光輝的農夫午餐的作品裡,我們看不到古希臘或文藝復興的形式或魯本斯豐盛的色彩,它完全浸透在單調平淡的褐色調中就像君權下退化的顏色般。貧困的農夫一家人在低矮而漆黑室內圍聚在簡陋的矮桌邊,桌上只有一團粗糙的麵包、一壺酒。長幼有序各個穿著簡陋樸素的衣服,有點衣冠不整、赤著腳、不修邊幅的面孔、紮實的軀體和粗糙的雙手。以中央的老農夫為核心準備用餐,前面一位側向觀眾的赤腳小男孩,以幾分質疑的眼光看著我們。在老農夫身後一個戴著帽子凝視觀眾的小男孩,左邊一對夫婦,先生坐著喝酒,夫人戴著傳統帽子在其身邊,腳旁一隻親切可愛的哈巴狗。

整幅作品通過右邊明亮光線,形成完整的立體結構,它散發一股和諧、樸素的內在力量及美感,這裡沒有甚麼神話的寓意,它是社會階層最具體的寫照。這種真誠的影像賦予農夫們一種精神性的尊嚴,也使人聯想到梵谷(1885年)所畫的吃馬鈴薯的農夫們,都具有某種相近的關係。想當年一位法國王后對那些發牢騷的窮人們說道:「沒飯吃就吃蛋糕好了」。我們可以想像不久的將來,法國社會大革命是怎麼辦發生的呢!

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G. de La Tour:拿著A方塊的老千

拿著A方塊的老千(約1640年作) 106 x 146公分,油畫,典藏於巴黎大羅浮宮博物館。

G. de La Tour (1593-1652)是法國17世紀最具原創性的畫家,儘管他的風格受卡拉瓦喬的影響,但至少不能否認他那種不容置疑的獨創性。他善於組織緊湊而精練的空間,並且偏愛表現微弱燭光照明下特殊效果,常在嚴謹的寫實主義裡,簡化這些完美的形式並呈現獨到的空間。

拿著A方塊的老千(約1640年作):這幅作品,是G. de La Tour 另一種卡拉瓦喬畫派的傑作,這裡描繪的並不是黑暗環境下微弱燭光,相反地是在強烈光線下﹐演出人間世俗的場面,它反映了17世紀社會的三大禁忌女人、美酒和賭博。畫中盛裝打扮的賭徒們,正專注地賭牌,左邊這名逆光男子似乎是個老千右手持著牌,左手則在背後腰帶上作弊更換方塊A。中間一坐一站的婦人戴著華麗的帽子和珠寶,正以詭異的眼色及傳神的手勢和左邊的男人串通作弊。右邊穿著華麗衣衫、雙手戴著金手鐲金光閃閃,頭上戴著柔美羽毛帽子的人(使人聯想起卡拉瓦喬的「女算命者」中的英俊年輕人),相當帥氣,雙手持著牌,充滿了自信的神情。在精緻的寫實裡,豐富而明朗的色彩、強烈對比的光線,不但呈現了精確的立體感,也呈現另一種社會面貌。

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Caravage:聖母之死

聖母之死(約1605-1606年作)369 x 245公分,油畫,典藏於巴黎大羅宮博物館。

Caravage(1571-1610)是義大利巴洛克藝術最具代表性的畫家,他拋棄理想主義的古典完美寫實,而強調日常生活簡單生動的場面,通過那強烈對比的光線形象,在嚴謹的組織結構中,展現一種強而有力的精神,不但震驚了傳統繪畫,也確立了歐洲繪畫的演進脈絡。

聖母之死在這強烈戲劇性裡,聖母溘然去世,對角線地躺臥在床上,四周圍繞的這些樸實無華的農夫(聖徒們)明顯對照著。在場相當嚴肅哀慟,聖母不再是神聖不可即,她就像凡人般。於此似乎反映了卡拉瓦喬悲劇性的意識和否定超越人間之美好世界,而不幸地面對一種無法挽回的事實。在他有力的簡化形式,反側面光線下呈現立體﹑陰暗晦澀的感性色調﹐嚴謹的結奏﹐散發一股戲劇性的氣氛﹐展現了17世紀的宗教情操。此外﹐還有另一幅卡拉瓦喬的傑作「女算命者」(1588-1589年作)﹐是描繪世俗的日常生活場面。一位穿著相當講究的女算命者正為一位衣冠楚楚﹐戴著羽毛帽子的年輕人算命。二人互相傳神的情景﹐透過對話的形式﹐指示了年輕人美好前程和命運。

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地下水溝(Egouts de Paris):

(圖)參觀巴黎地下水溝博物館就在塞納河畔的Pont de l’Alma旁離巴黎鐵塔不遠處。


(上圖)地下水溝博物館裡面整修維護的工作人員模特兒工作示範場景。(下圖左)壕溝裡牆面上井然有序系列管線一景。(下圖右)地下水溝中的廢水溝及器具一景。

(圖)有些較大如壕溝,有些則較小只有飲水管系統,且依路名進展延伸。

(圖)壕溝中的巴黎廢水溝一景。

(圖)寬廣的壕溝中四通八達的串聯系統。

在巴黎看過地下水溝嗎?有多深?多長呢?巴黎的地下水溝是怎樣的呢?都相當引人好奇。經常在警諜電影中看到警或匪在馬路上掀開鐵蓋,鑽進去或爬出來,似乎已告訴人們水溝是過大的,足以讓人好奇地想溜進去逛逛,探個究竟。巴黎水溝起於中古時代(約1200年)飛利浦 奧基斯坦(Philippe-Auguste),他舖切巴黎路面時,在路中切出地(也就是地面稍凹進去的方式,今天在巴黎還可看得見)。1370年歐布西鷗(Hugus Aubriot)當市長時,在蒙馬特街道上用時切築一條水溝聯接美尼爾姆棟(Menilmontant),成為巴黎首座真正(沒有蓋的)水溝。路易十四時,塞納河右岸有一條大水溝,左岸則以比耶于(Bievre)河流當水溝用。那在拿破崙一世,都會出現30公里的水溝。水溝系統化是在都會現代化時,由公爵奧斯曼(Haussmann)大刀闊斧整頓現代都會下,由水利工程師貝爾康特(Eugene Belgrand) ,精心設計規畫出的,以整體全新的觀念建構廊道式的水溝系統,將自來水及廢水一並處理,每條大街都有水溝並互相聯繫像馬路般,並在較低漥處設置抽水站。如此至1878年巴黎已擁有3600公里的廊道水溝系統,這些廊道之大是難以想像地,非凡地是人能夠進入其中行動及工作,就成為歐洲最先進的國家。一直至今天,巴黎都會擁有一座全球唯一無二的地下系統共有2100公里長的水溝系統。(參觀巴黎地下水溝就在塞納河畔的阿爾瑪橋(Pont de l’Alma)旁。「Egouts de Paris」:每天:除星期四及五以外。11點至17點(5月10日至9月30日)。11點至16點(10月至4月30日)地鐵9號線:Alma-Marceau,電話:0153682781)

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