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Archives pour 03/2008

C- D Friedrich- 保護區景緻風光:

保護區景緻風光 73.5×102.5公分 (約1832年) 典藏於德國Dresde Gemalde畫廊。

Caspar- David Friedrich (1774-1840年)是浪漫主義最特別的一位畫家,當時勢潮流都針對悲劇性的歷史及人間戲劇性情景描繪及表現時,他卻離群索居,沉浸一種靈性世界裡,專注於他所關注的大自然情景上,在一種超凡及詩情浪漫的情懷下,展現大自然別開生面的新機及活力,他那種非比尋常純粹性之看法藝術探究,接近當時德國哲學家康德(Kant)與席勒(Schiller)的純粹哲學思想。Friedrich早期於哥本哈根習畫,之後來至當時的德國人文中心Dresde,很快的進入浪漫主義的思潮裡,成為當時思想家Goethe的朋友。1810年在一場重病後,恍然新生的體驗生命的神奇,離群索居沉浸大自然中過著宛若修士般的生活。在繪畫藝術上有重大啟示,專心一志於雄偉的大自然及其神秘性上,宏偉壯麗的自然場景,經常引現出日爾曼古老神話。在著迷惑人及無限的自然中,人成為自然微不足道的角色,突破自文藝復興以來「人」的核心思想,詩情畫意的在種靜謐及神奇的大自然風光場景中,抒發及表現他最純粹與最靈性的藝術世界。當時一位畫家如此描繪「親愛的朋友,我要將你引進Friedrich的風景裡,你知道他的作品有多少爭論,就像是一種全新的現象在造型藝術中。(……)Friedrich的創作明顯地與其他風景畫家在選擇主題上與眾有別。(……)他的風景畫具有一種宗教性的憂傷情操與神秘性。它震撼人心勝過於眼睛所看到的」。

保護區景緻風光:在這全景視野宏偉壯麗風光景緻,天空與風景對分成半,整個畫面核心就在這地平線上。晨曦藍橘色彩霞滿天邊,與遠方的地平線上起伏山丘對照著,系列樹林身影排列開來,環繞著一座水光幻影的藻澤湖泊,湖的那邊點綴一隱喻性的帆船(人不見了)。整個畫面顯得格外遼闊、優雅靜謐與透明性,並瀰漫一股不同凡響的清澈空氣,Friedrich非比尋常的表現這種北方風景的明媚光線特徵,詩情畫意宛若伊甸園的靈性境地。這種格外的清澈的空氣就成為Friedrich風景畫中的不同凡響的氣圍及徵象,其夫人對參觀者道說「當他畫空氣的那一天,人們都不能跟他說話。」是在這種空氣中勝於其他的風景元素裡,藝術家有種格外的感覺接近上帝,事實上這才是他那些宏偉壯麗風景主要的主題。如此風景顯現那不可思議的,人只能沉思默想如同Friedrich風景中點綴的人物,經常是背向的面對著觀眾或根本是微不足道地,另一信息是隱射人在宇宙間根本是微渺的。

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Goya – 1808年5月3日:

Goya-1808年5月3日(1814年)油畫 266×345公分 典藏於馬德里Prado美術館。

Goya(1746-1828年)是西班牙浪漫主義最具代表性畫家,1767-1771年留學義大利羅馬,1786年曾是查理(Charles )四世宮廷畫家,為國王家族一留下眾多光彩奪目的畫像。1792年忽然耳聾並決定他的一生之創作,走出宮廷進入民間社會,親身體驗民間的疾苦開始系列民間寫實。喚起他的意識從1799年他實現系列人類的虛假及愚昧。接著西班牙人民的起義反對拿破崙的統治及鎮壓,1810年起戰爭系列及最後引人注目的黑色繪畫系列,舉發戰爭的殘酷及人間悲劇。1823年反對西班牙政權自我放逐法國波爾多,1828年死於異鄉。他的作品相當多元,粗暴的如Sardine的葬禮,悲劇的如1808年五月3日及2日。悲天憫人、野蠻及災難慘狀的黑色繪畫1810-1823年間戰爭及逃難惡夢般的系列。別忘了精緻卓越的女性畫像-如女公爵Solana畫像,與引人注目的Maya躺在沙發以上衣著及裸體畫像。在他的形式及色彩解放下為現代藝術啟開先河,奠定印象派畫家馬奈的現代化意識。

1808年5月3日畫作是哥雅從1810年起揭發拿破崙政權殘酷鎮壓西班牙的統治系列之一傑作,接著33幅充滿隱喻性的鬥牛版畫,及其悲天憫人最著名黑色繪畫系列(如巨人或Saturne活生生吞食其孩子慘不忍睹的壯烈繪畫),這些震撼人心的繪畫極至表現人類的災難及存在的張力。5月3日的屠殺無辜的事件就在昏晨間鄉野丘林間,一群拿破崙的軍隊整齊劃一的舉槍槍斃手無吋鐵的民眾們的刑場景況。這畫面分為二,張力集中在右邊這位雙手舉起身穿白色上衣的民眾身上,在死而無謂的表情下,腳下嗚呼哀哉的屍體。週圍人群有的緊握雙手、拼緊神經及意志、仰天無賴的、雙手掩蓋臉孔等等之不安神情。與左邊一系列排開的士兵們正聚神的瞄準民眾場景,形構一場非比尋常的殘酷場面,在黑暗及光明的對照中顯得更為戲劇性。畫家在此已無比的道德勇氣,向西班牙人民抗議粗暴政權至以最高敬意。哥雅這種政治的參與,並以繪畫作為抵抗戰鬥的意識就成為畢卡索的格爾尼卡的先鋒。

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Claudio Parmiggiani「灰燼」個展:

「灰燼」 33x759x165公分 多媒介裝置 2008年 局部

「灰燼」 33x759x165公分 多媒介裝置 2008年

Claudio Parmiggiani「灰燼(Cenere)」個展:自2月12日至3月22日在Serge le Borgne畫廊展出。Claudio Parmiggiani (1943年出生),是義大利70年代貧窮藝術的的同道(並沒參與貧窮藝術主流意識,但創作理念上則是同理人),從60年代起就積極的開拓貧窮藝術所謂的創作概念,也就是「時常覓覓尋尋那複雜的經驗,它是無法定義的……這將是敏銳地重新建立藝術的關鍵」。Claudio Parmiggiani一直本能性的詩意引現這個世界暗示探究那無限神奇的能量。義大利藝評家卡爾于西寫道:「金、木、水、火、土都是活生生主要的素材:將它們組合在實質的一種生活寓意中。如此明顯的會合生活及藝術……涉及到在那裡一種有趣的驗證具象並使抽象的崩潰,經由這種展現它從來就不是辯證的(……)主要對話,進而重新找到在影像及現實、空間及環境、物質及形式……等等上」

在這個命題「灰燼」的個展中,Claudio Parmiggiani展出兩大系列排列整整齊齊方形鋁盒子(各150座),裡面盛滿粉狀的灰燼,讓人聯想到宇宙萬物的的時間性,在這過程裡一切都化為灰燼,宛若世間一切萬物都將化土塵埃,一切新生與換幻滅而生生不息。藝術家說「我相信一件作品無法用語言來形容,語言屬於另一種言語,影像則是另一種語言。影像的語言存有一種感性。(……)我只能說其明確的形式,一種意願,一種親切的靈感。意識到一件作品從來就不是一種廊好的教導行為,更不能是人安心,也不樂觀或裝飾性,然而是激進的、沉重的、一種挑釁性的。一件作品意願是秘密的及寂靜的,隱藏一股神秘的面紗。「神秘的」我知道,是一句難以啟口的文字。幾乎是異端的,然而它涉及到一種力量,一種深入的展現在同樣存有的根源上。秘密地,因為是在模糊中必須導向這種深透觀察。寂靜的,寂靜的是當今一種挑釁性的語言,因它是一種沉思默想的空間。痕跡,時間的塵埃,最具過程的徵兆的真相。都是生活物質的動人心弦的及秘密的」,,。

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Gerhard Richter 「Abstract Paintings」 個展:

雙隻蠟燭 油畫 150×150公分 1982年 圖片來自Titien當代藝術資料庫

抽象 油畫 200×250公分 1987年 圖片來自Titien當代藝術資料庫

1991年 個展場景 圖片來自Titien當代藝術資料庫

Gerhard Richter「Abstract Paintings」個展:自1月26日至3月1日在Marian Goodman畫廊展出。Gerhard Richter(1932年出生)是當今德國藝術裡最活躍的藝術家。在多樣化風格概念的批評下(抽象﹑具象和攝影)﹐在複雜的面貌裡指向一種矛盾外貌的變化。60年代在寫實主義下畫這些模糊相片上的模特兒例如:下樓梯的少女,在未來派的速度、時間、空間與形式裡。進而在那兒他清點複製色彩標本「1024種色彩1973年」。接著來到灰色圖畫系列「灰色No349 1973年」,而逸出全部沒有神秘主義的中性單色畫﹐那自從抽象繪畫「No 444 1979年」起,懶洋洋的一眼就能夠看作相似的抽象表現主義。

80年代早期以骷髏頭和蠟燭為題材,一樣在種模糊的具象影像中,似乎象徵萬物皆空,存有只是一種過程及自然現象,其意圖似乎也強調空無。就在模糊流動影像中,隱喻時間及空間,在這點上有別於普普藝術及超級寫實。並常強調非個性化的中性-灰色調,使人產生不安,也因為模糊所以確立一種混淆的距離在主題及描繪間,之後則以風景為主題。同時一種強而有力之表現性抽象繪畫開拓,於他精湛技藝下,出色的展現”感性自動性技法之抽象但並不完全是非意識的,結果時常和現實保持種距離,完美的形式及色彩,多變化的空間下。不論具象或抽象,主題及美學的選擇裡,都探討一種形而上的美學。

在這命題抽象繪畫的新展中Gerhard Richter展出系列新作2006-07年,在其明顯的抒情抽象裡,奔放的色彩及一道又一道的不同寬粗筆觸揮毫下,明媚的光線及巧妙的空間中,展現冷靜及激情的感性。引人注目的2006年灰色系列「NETZ(Filet) (895-9)」2006年及「GESTEIN(Roche) (903-3)」2007年裡,豐富變幻之黑、白及灰色調,交叉筆觸線條,實質感性色彩上,蒙上一層飄渺白色使其更神秘,在這極為抽象的形象中或多或少都還巧妙的暗示自然。

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陳奇相作品集:「觀心覽境」 (Série Jeu du Miroir) 2007 :

觀心覽境  影像相片-16 (Série Jeu du Miroir  Photos -16) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-15 (Série Jeu du Miroir  Photos -15) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-14 (Série Jeu du Miroir  Photos -14) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-13 (Série Jeu du Miroir  Photos -13) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-12 (Série Jeu du Miroir  Photos -12) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-11 (Série Jeu du Miroir  Photos -11) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-10 (Série Jeu du Miroir  Photos -10) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-9 (Série Jeu du Miroir  Photos -9) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-8 (Série Jeu du Miroir  Photos -8) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-7 (Série Jeu du Miroir  Photos -7) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-6 (Série Jeu du Miroir  Photos -6) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-35(Série Jeu du Miroir  Photos -5) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-4 (Série Jeu du Miroir  Photos -4) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-3 (Série Jeu du Miroir  Photos -3) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-2 (Série Jeu du Miroir  Photos -2) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-1 (Série Jeu du Miroir  Photos -1) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-002 (Série Jeu du Miroir  Photos -002) 2007  chque 100x80cm

觀心覽境  影像相片-001 (Série Jeu du Miroir  Photos -001) 2007  chque 100x80cm

作者- 顏雪花女士: 中華文物理事、南三三小集執行長、藝文愛好者、收藏家。

2005年的初秋,高雄畫家洪政東先生為我引見了一位由巴黎返台省親的畫家兼藝術評論家陳奇相先生,當日於舍下觀賞家中所庋藏畫作,他誠摯的語言及眼神在在表現出他喜愛藝術的熱度。接下來的兩星期中,他又邀約旅西班牙的洪上翔教授蒞臨舍下,我們坐著欣賞舊藏之水墨冊頁,酣暢的交談聲中不時傳出喟嘆與讚賞,三個人就像認識了一甲子似的,真誠的心沒有國界,沒有年齡,也沒有性別之分,因彼此熱愛的正是純粹的藝術,沒有虛情,也無矯飾。看著上翔因讀著虛谷畫中的「空」而潸然淚下的場景,我們每位在座者無不動容,陳奇相僅默默守候那份感動而不發一語;這些,不正是藝術純度的發酵嗎?當晚,在每個人的心中充滿幸福與喜悅,然後在深夜,奇相在花園撿拾落滿地的雞蛋花,胸懷清香,踏月歸去。

奇相1956年生於台灣屏東,1979年國立藝專畢業後,於1982年留學法國,從事藝術創作及研究的工作,在法國的二十多年之中除了精進藝術創作外亦參加了許多次的當代藝術展覽;熱愛巴黎人文的他不僅娶了法國女子為妻,也陸續於1996年及1998年出版了《巴黎藝術之旅》及《花都採花》,更於2002 年出版《歐洲後現代藝術》,以其近距離的觀點及實地之展覽影像記錄闡明八○年代歐洲之整體藝術,對當前之藝術形勢提供了深思熟慮的見解。

奇相於2008年三月拜訪北京,在北京為年輕的藝術創作者做了兩場深度的演講,提及此次的北京之行,那種意外的驚喜在他的字裡行間表露無遺:「在這全球化的版圖裡,只要擁有宏觀的視野及真誠的態度,地球村裡豈不是四海之內皆兄弟?」(取自陳其相部落格語)又言,「尊重差異已成為當今友誼最卓越的禮物,正如D.H.勞倫斯所說:『每個大陸有其自己偉大的地方精神,每個民族有其特性,那就是家,那就是故鄉,在這大地上,不同的地方有不同的活力,不同的震盪,不同的化學氣味,不同的星星,不同的特質,你要稱呼它是什麼都可以,但地方精神是一個偉大的實在」。(取自陳奇相部落格語)由這段話中即可看出他走遍大地,戮力藝術推廣的包容性,那是「無我」與「利他」的精神,而「無我」與「利他」唯獨能由「真誠」出發,少了「真誠」,所有的一切都不會發生。

我們都知道藝術的創作無法脫離生活的探索及對生命的感知與領悟,藝術家經常在一次次的粹鍊與澄清中去體會中觀的精神力量,中觀乃生命本質所闡述的意義,它是超覺立場的,藝術家也往往在物我關係的表現中超越了相對,甚至也可能在衝突中透視和諧。

觀陳奇相在其2007年「觀心覽境」的系列創作中,他或以單色系實物裝飾於鏡面上而映照出一美麗的背景,再於鏡面上擺置花卉、石頭、枯骨、湯匙等,讓之反映虛實之效果,然後攝影成作品。

由奇相的創作,很容易察覺其充滿人文主義之美學理想,他採集日常生活上可見、可用甚至該廢棄之物件作為創作之材料,然而他又付予這些已枯萎或靜止的生命無限生機與力量,他讓鏡中映照成趣的虛實畫面呈現極冷靜、理性的美感,讓榮枯相映成禪境,也讓鏡面上隨意潑洒成型的水面暗喻著時空的消失。

藝術家在鏡面上放置枯萎的花朵,而枯枝的線條最能表現冷冽的美感,它呈現的是中國水墨線性的寧靜優雅,或將已枯乾的骨頭彩繪一抹藍或一抹紅,後者充滿勝利 (triumph)的色彩暗示著生命的衝突與死亡的華麗,或將一顆冰冷的灰色石頭靜置於鏡面上,讓它映照出美的純度,或一根點燃的蠟燭擺在鏡面上透析出它的溫度與明度,「覽鏡觀心」的系列作品不只超越了相對,也超越了絕對,在這些極度理性的創作中不僅看到藝術家對生命充滿熱切的渴望與追求意圖,他也將立體空間的平衡以極具溫暖的心來呈現,藝術家內在的幸福感幾乎呼之欲出,不著痕跡地在現代與古典中浪漫起舞。「覽鏡觀心」欲表現的即如華嚴宗祖師清涼澄觀所言:「欲達心源淨,須知我相空,形容何虛實,念慮本無從。」在後現代的美學中「抽象」與「具象」的交融往往是藝術家最想表述的領域,而在這領域中,他們也高聲疾呼它的不可侵犯。

「觀心覽境」系列之《I5-16作品1》  藝術家將整件畫布塗上鮮明的紅色,中間是一較小的長方形狀留白,上置藍色邊框的鏡面,這三者排列頗具形式美並在鏡面中映出色彩浪漫的幾何圖形,錯置的空間如虛擬幻鏡,鏡內鏡外虛實並存,他以強烈的色彩及不同的畫面形式呈現內心隱晦的美學與直觀,物件的冷靜安排是秩序也是一種自律,在理性中透著感性。

《I5-16作品2》藝術家以同樣的手法在塗滿紅色的畫布上置一大型圓鏡,其直徑與正方形紅色畫布相同,故張力甚強,他在鏡面上放一中式瓷器湯匙,在湯匙耳孔上插一鈴蘭花,湯匙上是古老的中國圖騰而反映於鏡面下是純白的瓷及鈴蘭花枯萎的倒影,畫家冷靜的處理手法除了闡述東西文化的反差外,對身處異鄉的東方人而言,這些元素也寫著孤獨但卻稟然獨立,在不言不語中呼喊鄉愁。

《I3-14作品1》藝術家將大型圓鏡置於深黑的背景上,鏡面上置一橢圓狀的小石頭,以自然光源照射其上,這件作品充滿靜氣及禪機,如入無人之境,藝術家不以肉眼看物象,而以心眼凝思冥想,在禪境中觀心觀物而兩相遺忘,此作品意境極高是我喜愛的作品之一,充滿純粹美學及人文思維。

《I3-14作品2》此作品與上述《1》有雷同處,但藝術家所置之石頭明度較高也較輕柔,他潑水成趣並飾一花瓣而形成一個極為浪漫的鏡花水月景觀,在一冷(石頭)一熱(花瓣)互為反差卻相融的物象中表現出純度極高的美學觀點。由此作品我們可觀察到任何立體物件置於鏡面均可倒影成雙,唯獨水不會映照成影,它的透析是中介的存有狀態,它默然澄照,無所不在,但它卻是不確定的、不安的、流動的,但也是美麗的。

《9-12 (1)》此作品仍以大型圓鏡置於黑色背景前,後方的隱晦狀態及鏡面上一塊動物的骨頭,上面再綴以枯枝、果實,果實上塗上一層裝飾色彩,圓鏡上反映著生命的榮枯,圓鏡所表現的圓滿境地中透露出一股不可預期的生命的無奈,即使再以天工巧飾也換不回流逝的歲月時光。

《9-12 (2)》藝術家在這一系列的圓鏡上真是玩瘋了,玩到欲罷不能,玩到不可自拔,我喜歡藝術家的「玩」,那是一種從容自在的姿態,與無拘無束的情懷。他在枯骨上擺放紅色、藍色的飾品,飾品上還佈滿五彩繽紛的插針,這畫面令我想起「一將功成萬骨枯」的嘲弄,也仿若「貞節碑坊」殘留的淚痕,我以東方思維置入西方藝境,這兩種完全不同的物象在鏡裡鏡外的表現其實是不容易的,此充滿實驗性的作品卻成功地表述了藝術家特有的東方情懷。

《作品9-12 (3)》作者在圓鏡上大膽地裝置了盛滿朱砂的白瓷湯匙,湯匙上方擺了一塊動物的骨頭,再於其兩側銜接各具韻致的枯枝,枯枝優美的起伏線條仿若起舞弄清影的精靈,在圓鏡上映照成一充滿律動的弧狀體,在此「物性的觀察」與「悟性的觀察」中,因鏡面的冷靜投射,使「本我」變得更為真實與澄澈了。

《作品5-8 (4)》作者此時捻花參憚,將圓鏡打點得一塵不染,只見綠色的酢漿草、白色鈴蘭、紫紅色的花朵,及一塊小白石在此刻入了鏡,紅、白、綠的純淨色彩宛若早上初昇的太陽,也像閃爍在陽光下晶瑩惕透的露珠,明亮清澈充滿喜悅,在一系列的圓鏡作品中,這件作品最沁人心,那「擁有幸福,接近天堂」的宣告,在此時昭然若揭。

觀奇相的藝術創作如履明鏡台,他運用物性如石頭、枯枝、花瓣、骨頭的特質,將單純的創作以悟性投射自心領悟的狀態,並傳遞語言不能及的境;也因透過此物性與悟性的對映關係而達到藝術家所欲追求更寬廣的視界,此視界無所謂好壞、高下,其相想要通過的是另一堵牆,在那高牆鑿洞取光,並一次次磨亮自己的心,以澄懷為輔,力求藝術生命的另一圓鏡。

(在此十分感激她的關愛及卓越的藝術觀點。雪花是我在台灣所碰過最具前瞻性的收藏家,對藝術有別開生面的見地及狂喜,是位充滿熱情的藝術推動者。雪花對藝術的熱枕及人文的關懷,耕耘在地的人文藝術,奉獻人間的博愛,與對美的獨特見地,都讓人深深的感受到這份分比尋常的能量及智慧,是我心中欽佩及景仰的一位,更感謝她的熱情書寫,並將此編文章與大家分享。

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E. Delacroix – 自由女神領導人民:

自由女神領導人民 325 x 260公分 1830年作,油畫,典藏於大羅浮宮博物館。

德拉克洛瓦(E. Delacroix 1798-1863)是法國19世紀浪漫主義最具代表性畫家﹐他很早就肯定大場面的繪畫形式。從1828年起他完全摒棄新古典繪畫的傳統﹐在其現代化及異國情調的主題裡﹐通過寫實及感性的色彩﹐展現這些肖像及歷史性圖畫。在其作品裡﹐普遍都存在一股暴力﹑快感﹑熱情和死亡悲劇的影子。

自由女神領導人民這幅為自由及民主而戰的宏偉作品,其靈感來自於1830年7月27、28及29日,巴黎市民起義反對復辟君權的波旁王朝的統治,但起義並沒有成功,很快就被鎮壓,最後由法國最後一任國王路易菲力當權。整幅作品的自由精神就體現在這位領導人民起義的自由女神身上。在這新時代裡藝術家不再沉默及猶疑地參與社會鬥爭,它已不再是政權的代言人。德拉克洛瓦本著革命家的精神,全心投入具體的創作中。通過強烈而流暢的色彩(在此德拉克洛瓦特別以法國國旗之三種顏色:紅、白及藍作為主題),體現這些為自由而戰的英勇戰士。在最穩定的金字塔的構圖裡,由高大的自由女神持著神聖的旗子,緊跟著充滿激情的工人和學生,穿過漫天的硝煙,跨越屍體,連小男孩都激昂地揮舞著手槍。左側那位精神抖擻,頭戴高帽手持長槍的年輕學生,就是德拉克洛瓦本人,藉以證明他也是位革命份子並參與了1830年的起義。然而!這些充滿活力並激昂的戰士們,剛好和左橫右倒而毫無生氣的屍體形成一種垂直與平行的節奏、靜態與動態的強烈對比。如果我們把德拉克洛瓦這幅作品和傑利科那幅戲劇性的「梅度斯之筏」相對比較,我們會發現自由女神這件作品,節奏是穩重直立的,其頂點在自由女神激動地衝向觀眾。而「梅度斯之筏」其節奏是傾斜的,頂點在搖旗吶喊背向觀眾的黑人身上。這兩幅作品都同樣是在探討人類的社會條件,具有參與政治與社會行為意識。而且德拉克洛瓦這幅「自由女神領導人民」就成為今後為自由而戰的象徵,它就印在過去百元法郎的紙鈔上,我們是不會陌生的。

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T. Gericault – 梅度斯之筏:

梅度斯之筏(1818-1819年作) 491 x 716公分,油畫,典藏於大羅浮宮博物館。

傑利科(T. Gericault 1791-1824)是法國19世紀浪漫主義繪畫的先驅,他的作品往往以強烈大膽的意圖,來擺脫大衛之新古典主義的支配,進而建立起浪漫主義的繪畫基礎。他在1819年完成「」梅度斯之筏」曾引起眾多強烈的論戰。可惜他英年早逝,而由才氣縱橫的德拉克洛瓦接棒。

梅度斯之筏(1818-1819年作)這幅哀婉動人而充滿戲劇性的作品,其靈感來自當時的悲劇事件:1816年6月17日一艘梅度斯(Meduse)的法國輪船,滿載著365名乘客離開達斯(d Aix)島,駛往非洲塞內加爾途中,在非洲海遇上一場暴風雨,由於船長缺乏經驗而失事,所有乘客都想攀上救生艇,但發現救生艇不夠大,就這樣臨時造了一條簡陋的木筏,而這木筏上共載149名失事的乘客,絕大多數人都不幸遇難。12天之後只有15名乘客緊抓著木筏,在堅強的求生意志下倖免一死。「梅度斯筏」是傑利科經過仔細的調查及資料收集,再向這些死裡逃生的人確定一些細節後,租了一間面對醫院的畫室,在那兒研究解剖,觀察屍體,才得以完成的。在創作這件作品的過程中,他背負極大的精神壓力,連笑聲都防礙他的創作。

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浪漫主義(18001850年):

Goya – Maya 畫像 90×190公分 1797年作,油畫,典藏於馬德里 Prado博物館。

Delacroix 撒達那帕勒之死 392×496公分 1827-1828年作,油畫,典藏於大羅浮宮博物館。

Friedrich 在橡樹林裡的修道院 110×171公分 1809-1810年 德國林Garten典藏

浪漫主義這個造型藝術運動誕生於新古典主義肥沃的土壤裡,建立在寫實主義,進而反新古典主義:在感性美學中,詩情畫意的反映出英勇浪漫的情懷。尤其在這不尋常的時代裡,以異國情調及現代化的宏偉主題,通過哀婉動人的形式,展現他們狂熱的才智和動人心弦的悲情。在法國傑利科表現其浪漫的天份,德拉克洛瓦特別頌揚色彩與運動。德國的佛雷德里克則特別神秘。在英國浪漫主義展現兩種世界:布萊克(Blake)充滿神奇幻想,康斯塔伯(Constale)和泰納(Tarner)展現其感性的自然。西班牙的哥雅(Goya)則充滿激情。

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Ingres – 土耳其浴:

土耳其浴 直徑108公分 1859-1863年作,油畫,典藏於大羅浮宮博物館。

安格爾(Ingres 1780-1867)是19世紀活躍於新古典主義及浪漫主義最具代表性的畫家﹐他是新古典主義大師大衛的高徒﹐曾多次到義大利旅行﹐在那兒發現了拉斐爾﹐才決定作個歷史畫家。他的作品在理想化的古典寫實裡﹐通過簡化變形來強化其完美的造型。作品中常見到性感的裸女﹐個個維妙維肖﹐都脫胎於精緻的素描。

安格爾一生畫了不少裸女﹐早期的”大浴女”﹐而後的”小浴女”﹐這都和這幅”土耳其浴”有承續的關係。在經過漫長歲月的潛研後。終結於是一生美學的巔峰”土耳其浴”裡(安格爾完成此大作﹐已是84歲高齡﹐這是他晚年最佳的傑作)。在這親暱﹑閒逸的作品中﹐我們看到安格爾始終一致的表現﹐保留其新鮮而非凡的感性﹐探討深度空間及卓越完美的影像﹐就像一面大膽而令人目眩的鏡子般。各種姿態曼妙的浴女﹐在寬廣的空間和明亮的光線中﹐展示性感的軀體。她們有富於變化的曲線﹑豐滿的乳房﹐平滑柔軟的肌膚和富有古典維納斯的面孔。然而在這圓形而複雜的造型裡﹐由兩個半圓構成前﹑後景。前景﹐一名背向觀眾﹐頭上纏著頭巾的音樂家(她來自於早期的”大浴女”請對照﹐一模一樣的造型)﹐坐在地上﹐閒逸地彈著琴。身旁的裸女﹐有著圓滾滾的臉龐﹐斜斜的躺臥著﹐頭枕在飾花墊上頸部戴著金光閃閃的珠寶﹐雙手交疊在頭上﹐充滿性感﹐有意無意地望著觀眾。鄰座依次是一對互相親密依偎及端坐和站立戲弄秀髮的浴女。後景﹐一大群浴女﹐或坐﹐或躺﹐或立﹐或走動﹐或起舞﹐在高低起伏的節奏裡﹐全都充滿了活力。其中我們看到兩位黑人女子﹐其黑色的肌膚剛好烘托出其他潔白性感的軀體。對於前景小台桌上那些精緻茶具﹑彩瓷﹐或浴女身上的珍貴珠寶﹑頭巾﹑絲絨﹑坐墊等等。都無微不至地細心描繪﹐展現了安格爾的藝術內涵。

這件作品的靈感來自於拉狄蒙達格(Lady Montague)”阿提安 諾波利之土耳其浴”書信的描述:”大概有近200多位名浴女﹐親密地在公共浴室裡﹐坐躺在這些舖著絢麗的地毯及坐墊上。她們裸體﹐但既沒有猥褻的動作﹐也沒有淫蕩的姿態等等。這幅作品原創時是正方形﹐原為拿破崙王子所收藏﹐但其夫人認為這幅畫傷風敗俗﹐安格爾乃更換畫中人物﹐而把這幅畫改為圓的形式﹐而變賣給土耳其駐法大使。這就是今天這幅圓形作品的由來。此外﹐還有他早期的傑作”大浴女”和著名的”女奴”都是安格爾新古典主義精彩的大作。新古典主義到了19世紀中期後﹐就成為學院派的典範。

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J-L David – 拿破崙一世加冕禮:

拿破崙一世加冕禮 627 x 979公分 1805-1807年作 典藏於大羅浮宮博物館。

大衛(J-L David 1748-1825)是法國18世紀跨越19世紀的新古典主義大師。他是法國社會大革命的同情者﹐也是法國大革命時國民公會裡的成員﹐一向傾心共識政體。例如他那著名的作品”被刺死在浴缸的馬拉”(1793年作)﹐就是參與社會政治的傑作。後來﹐大衛成為法蘭西帝國的御用畫家﹐這幅”拿破崙一世加冕禮”就是明顯的例子。

拿破崙一世加冕禮這幅堪稱法國史上最宏偉壯觀而又神聖的加冕圖﹐是大衛以其最客觀的方法(就像將歷史作現場實況報導一般)﹐表現1804年12月2日在巴黎聖母院所舉行的拿破崙一世加冕儀式。這是幅歷史巨作﹐我們看到畫家細心照料所有的細節﹐並且注入一種活力及非常講究的色彩﹐使畫面上150多位參與盛禮者﹐個個栩栩如生﹐莊重而又尊貴。這種水平線的建構﹐非常平衡﹐在和諧﹑莊嚴的加冕禮中﹐以穿著像羅馬皇帝﹐高舉皇冠的拿破崙為核心﹐其夫人約瑟芬()的打扮就像皇后般﹐雙手合起﹐虔誠地跪在丈夫的前面﹐接受加冕﹐她富麗堂皇的大紅袍﹐由兩位貴夫人從後身恭敬地抬起。在拿破崙身後﹐是特地從梵蒂岡長途跋涉來參與盛禮的教宗碧岳七世()﹐他端坐在寶座上﹐舉起神聖的右手﹐正為這加冕祝賀。(然而﹐在最初的素描裡﹐一代帝王得意洋洋地左手握著寶劍﹐右手拿著皇冠自我加冕﹐教宗坐在後面﹐似乎沒甚麼好幹似的﹐雙手擺在腿上﹐但卻引起眾人的反對。目前典藏於素描展覽室)。這裡﹐還留點尊嚴給教宗﹐但拿破崙依然洋洋得意地高舉皇冠﹐不知是要加冕跪在地上的皇后
﹐還是加冕自己??

在這盛大的加冕禮左邊﹐我們看到所有拿破崙的兄弟姊妹都蒞臨盛禮﹐其中的小男孩子是約瑟芬的孩子﹐旁邊是帝國的將領﹑主教團。拿破崙的母親則坐在正面觀禮台上(其實她拒絕參加這加冕禮﹐這裡還是把她畫上﹐以便向世上說其全家大小都參與這隆重的儀式)﹐還有來自世界各國的使節團。這幅作品的構圖靈感來自於魯本斯「瑪麗 麥第奇王后的加冕禮」有機會就進一步比較一下)﹐值得注意的是﹐畫中每一個人物在歷史上都真有其人。還有﹐大衛是如此維妙維肖地呈現畫中物質本身的質感﹐看看這些華麗服飾﹑地毯﹑壁飾﹑皇冠等等﹐都像真的般﹐它的柔軟﹑光滑﹑閃爍﹐都如此的吸引人。

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