家庭團聚 152×230公分 油畫 1867年 典藏於巴黎奧塞美術館
巴吉爾（Frederic .Bazille 1841~1870）是法國印象派的創始人之一，出身上流社會(銀行家族)，年輕時就對德拉克洛瓦及庫爾陪的作品感興趣，相當有人文素養。依父親的願望學醫，但1862年北上巴黎，開始轉向繪畫藝術，像希斯里般進入巴黎美院Charles Gleyre畫室，在那認識莫內、希斯里及雷諾瓦同好們，並和這幾位形構印象派的核心人物。才氣橫溢的巴吉爾早期受巴比松畫派的影響，而後轉向戶外寫生。他曾當莫內的模特兒，在草地上的野餐中高大戴帽子的那位就是。他曾是早期莫內的經濟贊助者，也是印象派首位戶外群像畫的先驅。1870年普法戰爭時，在一次戰役中去世，這樣印象派畫派中就少了這位多彩多藝，並幾乎被遺忘。
家庭團聚這幅畫是巴吉爾最完美、最成功的傑作（當時只有26歲，我們可以想像，可惜英年早逝）。午後晴空闢壤的時光，家族團聚於後庭院平台大樹蔭下，眼前是法國南部晴朗的天空和令人心曠神怡的戶外風景(宛若布景般)。在其強烈對比的色彩及戲劇性的人物中，有節奏的姿態、造型，各具個性，給人一種流暢自如的場面，具有一股親密的感覺。尤其，這些盛裝華麗貴婦人呈現出一種不太引人注目的優雅。男士則有點嚴肅，從左至右，我們看到畫家巴吉爾本人，他的舅舅豪斯（Hours）、他的母親及父親、堂妹普琳及其丈夫提隆、堂妹德蕾斯和他的哥哥馬克、大嫂及姪兒卡密爾等等都參與這美滿的家庭聚會，也表現當時上等社會家庭的情趣及結構關係。在巴吉爾技藝高超的寫實，對照的色彩及謹嚴的構圖中，成為印象派畫中最具代表性及戲劇性的生活群像繪畫之一。
陽光下的莫黑教堂 66×82公分 油畫1893年 典藏於Rouen市立美術館
1880年希斯里搬至風景優美的Moret-sur-Loing中古世紀的小城，迷惑上市中心這些陳舊的房子及哥德式教堂，還有周遭明媚的自然風光，曾邀請藝友莫內前來一起寫生，並在這裡完成其一生。陽光下的莫黑教堂是希斯里晚年的傑作，他像莫內所畫的教堂系列般，依季節及日間時光繪畫教堂系列，試圖掌握光線的奧妙。
陽光下的莫黑教堂是這系列中最奔放最激情及最完美的一幅，光彩奪目的陽光，燦爛的照耀著教堂，對面房屋的影子不同尋常地投射在教堂上，古色古香的教堂被分成光影，上部明媚耀眼的光線，對照下部影子，在大方的表現性筆觸、感性的色彩及節奏性的結構下，完美的捕捉正午燦爛時分的情境，展現藝術家最真執的情懷及感性。藝評家Adolphe Tavernier解釋希斯里所畫的風景說道：「天空並非是簡單的背景而已」，依照他，他經常掌握不同的構圖，如一條林蔭小徑或一畝田園，都提共成為風景深度，而且雲彩給予繪畫的律動。
馬里門的水災 60×81公分 油畫 1876年 典藏於巴黎奧塞美術館
希斯里（Alfred Sisley 1839~1899）是英國人出生於巴黎，只有短暫時間至倫敦加強其英文，一生都居住在巴黎。父親希望他經商，但1862年起進入巴黎美院，在Charles Gleyre畫室，是在那裡與莫內、雷諾瓦、畢沙羅及Bazille們結為藝友。一生都對明媚的風景畫獨有所鍾，早期對受到柯洛及杜比尼的影響，然後受到莫內的啟示走出畫室，1863年參與拒絕沙龍，1874年參與印象派首展，並漸漸的開創出其獨創的風景繪畫，最詩意及抒情，有印象派的柯洛之稱。
他是法國印象派裡最樸素最不引人注目最貧窮也是最詩意的畫家，擅長風景畫，這幅馬里門的水災是希斯里最著名的一幅作品，完成於印象派最興盛時期，也是他最具創造性的時刻。在此，他詮釋了印象派鍾愛的題目-水上光線的變化及倒影效果。水災在畫家的彩筆下，成為一座抒情的萬花彩湖。在繽紛快速的筆觸裡，水變成珍貴的彩虹；藍色、黃色、粉紅色、海天一色的樹木及房屋倒影似乎溶解於水中。對於希斯里（就像其他印象派畫家），即使像水災如此悲劇，都喪失其偶然性，而成為純粹的繪畫題材。
牧羊人 81×64.5公分 油畫1881年 典藏於巴黎奧塞美術館
牧羊人或小女孩是畢沙羅罕見的人物畫中最具代表性的作品，描繪一位小牧羊人躺在樹下綠茵草地上休閒的情境，樸素的小女孩左手支掌在地面，右手拿著樹枝，一股自在悠閒的遐想。明顯地畢沙羅在此是實踐秀拉點描理論，整個畫面皆由感性的小點描筆觸所形成，在和諧的藍-綠色調中掌握微妙閃爍的光線，呈現一種非比尋常親密安祥的氣圍及感性，形構畢沙羅畫像所獨述的風格典範，藝術家寫道：「……畫東西最主要的徵像，探討呈現所有可能的方法沒必要操心素材。畫，必須選擇一種主題，觀左看右，整體的畫就是，佈置全部，經由這樣的色彩這樣的筆觸，並觀察這互相的關係。必須經由小筆觸及探討掌握即刻的感覺。眼睛必須掌握整體，並省察色彩週遭的相互關係。」
Larry Bell 宛若魔術盒子的作品 2008年
隨著觀者的角度有不同色彩變化及光線 2008年
充滿想像的空間及詩情畫意的色彩 2008年
環境及空間也融入作品 2008年
Larry Bell個展：自5月31日至7月19日在Daniel Templo畫展出。LarryBell(1939出生）是美國70年代最別開生面的極限藝術家，以其透明玻璃盒聞名，探討建立在物質的感知、虛與實空間及迷惑人的光線上。藝評家Annette Michelson寫道：「特別的價值Bell是對藝術的反省，他激發每個人的意識及我們固有的感知。精緻無比的盒子，蘊藏一種不同凡響的感性，引發幻像酵素。強化物體的美感並散發不同尋常的詩意，展現別樣的視覺想像空間，賦予物質的特性，準確地形構主題與物體的核心關係」
Larry Bell1957至1959年在加州Chouinard藝術學院求學，在名師的指導Robert Irwin的指導及影響下。早期在構成主義的幾何抽象形式繪畫下，1962年起開始轉向雕刻藝術，開發新素材：纖維、玻璃、鋁合金、有機玻璃、礦石等。很快創作首件三度空間的玻璃盒(Ghost Box)，探討物體三度空間體積之可能性，幾何玻璃盒子經由光線的穿梭反射，在結構中混合成一種影像，物體成為光線的場域，Bell1認為：「藝術並不跟隨那些觀念，而是那些感覺」例如1963年「Bette and the Giant Jewfish」一作。1966年命題「無題」的作品，他將玻璃盒內面塗一層淺顏色(是將「銠礦」經由加溫蒸發或冷卻之化學變化下形構色彩)，顏色厚度經由光線的照射而創出一種內部彩繪的詩意空間，並與環境映象巧妙地結合，形構浮雕及深度幻覺的互換效果於現實與想像中，藝評家Melinda Wortz指出色彩阻止我們：「區分事實的錯覺……將物體幻化為非物質化」。1967年「立方體」，玻璃盒子經由紅色光線的穿梭反射，彩繪稜柱體形成迷人的色彩，充滿想像空間，透明與不透明的效果都依照觀眾觀賞的角度來決定。明顯地這種新美學形式的探討，建立在感覺與思考兩大面向上。藝術家寫：「當你發現作品即是你發現你本身和它產生關係時。你不會有隔離的感覺，那當你對他有所感覺時候，你就懷有了作品。」
70年代Bell1放棄立方體形式，擴建至環境空間，1973年的「無題」經由大透明玻璃直接環境空間裝置，形成一種戲劇性的視覺效果及迷幻虛實之空間。最引人入勝的是1974年「冰山和影子」（The Iceberg and its Shadow）環境空間裝置，宛若一座迷宮，是經由大透明玻璃的幾何形式之建築結構裝置，在透明玻璃的反射幻覺中形成戲劇性的空間場域，形構一種迷幻世界，並邀請觀眾們參與。80年代創造「幻影繪畫」（Mirage Paintings）新系列如1989年「The Old Dirt Raod」作品。90年代返回具像繪畫。近年來又更新的回到期著名的透明玻璃彩繪盒子創作，繼續開發視覺性的察覺及那些秘密的關係概念，在角度的數學、面、虛實、無限及空間上。讓觀眾對照這些不同的體積，於曖昧地光線下顯現物體迷幻的色彩，及不同尋常的詩意空間。
Richard Serra 「散步」 2008年紀念碑展-大皇宮上的看板
散步遣興成為Richard Serra 「散步」 展覽的核心
宛若人間劇場的 「散步」 展覽場景
宛若人間劇場的 「散步」 展覽場景
藝術家說：「起初我不曉得，經過設計後，我決定三或四座是可能地。（……）。我要體積與鐵板有所共鳴。後我思考空間高度，大皇宮內的陽台高大概13米，我認為應高於此才能展現卓越的空間。雕刻都稍傾斜在它的軸線及切線上，如此顯現在它的高度中及當人們悠遊其間，將產生一種與空間的幻覺。當人們遠觀時似乎是靜態，當人們接近時宛若雕刻傾向人們的印象，或跟隨你的立足點而遠離等，它晃動則依照你的感知。這種高度的雕刻在這種空間裡，當你散步其間時將促使你的感知及你的軀體感覺。（……），有一種真正的可能性在理解這元素和垂直的關係裡。然後我開始嘗試，三座在這空間裡行不通，四座創造一種很靜態的節奏，因為我使用主要的軸心線。五座最洽當它允許建構一種節奏性穿越整體空間。作品允許造就散步者的軀體穿越空間進入主要長軸線中，這如此的允許重同形象空間，並以他方式觀賞及再思考。」
最後塞拉強調大皇宮這「公共」空間的特徵，他對照一座火車站的大廳，他說：「我想選擇作品在唯一主要的中軸線上反映整體空間的背景，我強化這公共的特徵，明確我的渴望，這我要說的是並不妨礙個人私有的經驗：不，我要說的是人們將在公共空間中和人群在一起享受一種個人私有的經驗。他將同時是與其他遣興者們一起散步的個人獨特的經驗。在那裡我選擇的主題是呈現在集體性的關係上，這觀賞，移動，互相觀看成為作品的經驗。（……）啟開雕刻的場景，建構一種結構在那觀眾移動觀賞，體驗處於這些平衡狀態的不安，這些傾斜的強烈感受，這些綿長的過度如此結果保持不確定直到最終的開幕。挑戰建築如此無與的讓步實質效應之考證，讓雕刻物體成為問題直到那裡充分地俯視藝壇，如同萊因哈特說「這種東西，人們撞到退步來讚賞一幅繪畫。」」。（來自Richard Serra 「散步」 展覽新文稿）
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大皇宮 Richard Serra 「散步」展宏偉壯麗場景之一
大皇宮 Richard Serra 「散步」展宏偉壯麗場景之一
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大皇宮 Richard Serra 「散步」展宏偉壯麗場景之一
大皇宮 Richard Serra 「散步」展宏偉壯麗場景之一
前言：每年在這風和日麗的五月天裡，巴黎大皇宮舉辦一年一度的紀念碑展（5月7日至6月15日），這大展已成為法國及歐洲當今藝術的體制，並成為巴黎最具國際性的規模性展覽之一。繼去年德國新表現主義著名藝術家基飛(Anselm Kiefer) ，空前絕後的紀念碑大展成功展出後(在短短5個星期展吸引近13萬6千人的參觀) 。今年是美國著名極簡雕刻家理查‧塞拉（Richard Serra）上場，在這巴黎玻璃宮藝術櫥窗的大皇宮接受龐大空間挑戰。理查‧塞拉的作品一向不只挑戰不同尋常的空間，並挑戰觀眾的視野及藝術範疇，經常引起議論。他的雕刻都是無限制的，挑戰那規模宏偉的空間(不管是室內及戶外)，40年來都以確立空間（in situ）的方式建構作品，雕刻的體積都是非凡龐大，且都是經由一種宏偉重大建設工程建構的程序的結果，強化這些別開生面的鋼鐵板之重量與重力及平衡上，整體建構都在一種非比尋常地的張力下，形構宏偉壯觀及戲劇性場景，展現出一種難以想像的空間，並顯現一種物理的及精神的體積。
理查‧塞拉：
理查‧塞拉（1939～）是美國後極限藝術最具代表性的藝術家之一。加州大學畢業，進入美國紐約Yale大學在名師阿爾伯（Joseph Albers）的指導下，很快他就進入紐約的藝術圈和羅森柏格、史岱拉及萊因哈特等人親密的來往。真正影響他的是1964年的歐洲之旅，在巴黎他參觀國立現代美術館首次重建布朗庫西工作室，他獲取一種新的雕塑感覺意識，特別是地點所處的作品形勢和雕刻外形輪廓之問題，藝術家說：「在布朗庫西作品裡，我感興趣的是他有一種立體設想的權力和邊緣（輪廓）上的條線，總之雕刻最為重要的是形式」其次是旅居義大利，在那兒他發現貧窮藝術，尤其是素材能量及本能性的物質建構概念。那麼！塞拉並非是傳統性的雕刻家，他從來就沒用過傳統工具，他所使用的技術卻比較接近工業世界之機器（例如起重機、工人團隊），他說：「我時常嘗試擴展一種潛在性的使用鍊鋼廠或造船廠之設備工具，這和我創作需求上有親密關係」。這種態度改變手與作品之關係，而開創出一種新的想像，而迫使塞拉重新思考工具及藝術家同樣的行為。
1966年返回紐約，就像貧窮藝術家般開始肯定素材及能量，拋棄實體喚回個性並強調過程，開發各種可能性。早期塞拉較感興趣的特別是製造系統及展現，過程就成為作品本身如1967年「Plinths1」及「Splashings」作品。從1968年「Prop」系列開始，塞拉開始拓展堅固的鋼鐵物質特性，專門使用造船廠的厚重鋼板（他的父親是造船廠的技師，經常有機會至造船廠造訪其父親或參與廠裡所舉辦的活動）。1969年「One Ton Prop（House of Cards）」是由四塊互相並置的厚（方）鋼板組頭構成，沒有焊接，就如同一座卡片城堡般，全部有好幾噸重，這件作品在觀賞者的想像間確立一種張力和不安，塞拉認為：「不平衡是種力量及能量」。之後在「Floor Pole Prop」或「Right Angle Prop」都同屬性建構，在重量與推力間的關係裡探討一種平衡。70年代起開發出紀念碑形式的環境雕刻，專注作品與觀眾相互影響的關係上，如同極簡藝術般地點空間成為塞拉的確立空間探討核心，藝術家寫道：「是場地它確定那方法，那麼！我思考的是這種我將要建構的」，如1972年的「Circuit」作品是屬環境空間裝置，塞拉將四塊厚重的長方形鋼板，依方型畫廊空間經由對角線確立作品，完美的形成兩個「V」字形對比形式，觀眾被作品包圍，雕刻的面形成分割性的線，線建構成空間。同年「Twins）作品也不例外形成一種戲劇性的空間，藝術家說：「我分析地點和我決定重新對雕刻界限下定義，那並不是她存在的外形界限」。1974年起他開啟另一種創作，也就是「素描」，他認為這是種個別的活動，以濃密漆黑的版畫油墨直接塗抹在支架（畫紙或畫布）上，例如「Shafrazi」就在麻布上，無光澤漆黑的長方形面積，強調物質的量感及想像空間，宛若（黑色）單色畫，藝術家認為：「素描是種全神貫注的工作，沉浸在她本身，且伴隨著必然具有的及同時發生的問題」。1975年「Sight Point」是件環境景觀雕刻，由三大塊堅固厚實的鋼板豎立的建構，強調面及線的組合形式，具有工業性之美感。那比較戲劇性的空間經營是1977年「Span」作品，在潔白的畫廊裡，以幾何線性的鋼柱垂直平行的確立空間，建構出一種卓越完美的「空」，堪稱是塞拉70年代最傑出、最難得的作品，因為在這兒觀眾沒有一點兒的強迫性或壓迫感。
1980年在紐約荷蘭廣場建構「St John Rotary Arc」及隔年聯邦廣場上的「Titled Arc」都是非比尋常的紀念碑公共雕塑，都由一大塊厚實半弧形的鋼鐵板，確立在都會公共空間中，力求確立與空間的一種區分，在那兒觀眾可環繞觀賞，詩意的宛若一條工業時代的彩虹。(但卻成為都會廣場四通八達的障礙物，如同一堵圍牆，於90年代裡在紐約民眾的要求下被拆除)。1981年在紐約卡斯特里畫廊裡命題為「Marliyn Monroe－Greta Garbo」作品，由兩大塊厚實半弧形鋼板安置成對話形式，劃分整體空間，形成兩堵牆面，產生一種空間的壓迫特徵，強調出物質的能量及表面和那戲劇性的空間。1983年另一件傑作安置在巴黎杜勒里花園裡命題為「Clara-Clara」紀念碑形式的作品，也是由兩大塊厚實半弧形鋼板開放性的安置成雙重「C」的形式，非常戲劇性的展現空前的「工業性美學」。這樣「面」成為唯一觀賞的理解，沒有任何高低不平和環境產生直接的關連，充分地於素材中。這件別開生面的「Clara-Clara」紀念碑形式作品在杜勒里花園展覽完後，找不到空間或沒人認養（沒人要），於1985年將這件作品安置在巴黎13區Choisy公園裡。對周遭生活的民眾而言簡直是兩道圍牆，妨礙花園景觀，不久也被拆除，總算解放了被壓迫的視覺。當然牆面、地上、環境空間、都是塞拉透過堅實物質形式及能量繼續質疑的對象，他提供觀賞、理解地點及空間，提出具有迫切性的「工業性美感」更確立雕刻的新界限。
「散步」 2008年紀念碑展：塞拉在這「散步」特展中，非常完美的確立空間，宛若一座非比尋常的行而上庭園，漂亮的呈現這透明龐大建築及觀眾的關係，雕刻作品與建築的默契對話，提出唯一僅有的藝術和空間經驗，挑戰觀眾的感知與重力的概念。藝術家在這龐大無比的空間裡，同時是激進和詩意，極簡和生動地呈現宏偉壯麗的鋼鐵風景裝置：微妙的對照建築物，同時彰顯出一種開放性的空間，邀請觀眾進入這既是物理的又是精神的空間中散步悠遊，人們可以從四面八方的角度觀賞，或沉思默想環繞其間悠遊自在的感知作品強烈的張力及能量，引現一種特殊的感情及非比尋常的感覺。
據說塞拉這個別開生面的裝置靈感，來自於旅居日本的經驗尤其是京都的禪園，在那微不足道的幾塊石頭，她們絕對準確完美的關係之確立下，體現整體自然宇宙秩序之美感及形而上空間。這個特展塞拉就從這種形而上的關係經驗中行動，所以命題為「散步」，將展覽構思於宏偉壯麗的藝術場景空間悠悠自在的遣興，於空間實質關係中隱喻庭園的奧妙，每位觀眾依照自已移位散步獨特的覺察觀賞及沉思默想，進入作品的核心就宛若進入藝術庭園裡。
塞拉在大皇宮的主軸線上以五巨大鐵板(寬4米x17米，每塊重70頓)簡潔有力的確立空間裝置，細長方形垂直豎立在地面上宛若巨大無比的現代工業紀念碑仿，微妙的稍微傾垂與間距百米節奏性的布置(不在同一線上)。形構效應性的線、面、形式，巧思造化以最極簡的彰顯最複雜的，並以「實」展現非比尋常的「空」，龐大無比的空間場域成為作品的核心。當觀眾遠觀雕刻時是四面八穩，接近時則因雕刻巨大的面(如同一面牆)及傾斜之動力具有壓迫感。環繞作品遣興散步其間時有種幌動的感覺，觀看景點隨著四面八方的角度都有其奧妙之處(所見異同)，要看到整體只有在幾個特殊角度才能一目了然，隱隱約約的感受，最微妙之觀點則處在左邊正面向雕刻時只看到一座，稍往右移第二座顯現，再繼續移動第三座出現在隙縫間，接著第四座(都只是一小部分)，最後隙縫間出現整體五座，視覺一道一道的穿越形構一種奇妙的透視，這種視覺經驗只有在日本或法國庭院中才有的奧妙。
明顯地「散步」場景空間成為一座龐大的公共空間，更成為一座社會劇場，雕刻作品成為最佳的布景與宏偉場景，悠悠其間的觀眾們的服飾顏色及一舉一動的行為與動作，都成為觀賞及被觀賞的對象，就在花園散步時，所有一切活動都納入參觀的對象般。在這公共空間的人群裡，共存的體驗集體的關係，當然散步遣興或觀賞純屬個人獨特的生活及藝術經驗。除外在這玻璃宮裡明媚光線隨著時間起舞，雕塑作品在這日晝時光場域下(每星期四至週日開館至晚間23點)，也與明暗及光影共鳴，風和日麗的白天太陽撫摸雕刻，強化作品的光彩及重量，形構出其不遇的光影劇場。當華燈初上時，作品並不寂寞有眾多下班後前來觀賞的觀眾們陪伴，有時還有滿天星空的交心或與明兩皎月相約，這詩情畫意的場景只有大皇宮展場才有的獨特情操。「散步」特展就在最準確及完美的高度與長度、面與形式、體積與材質、虛與實的空間緊密關係中，或雕刻與建築、空間與環境、物理與精神的時間會合空間的共鳴裡，形成宏偉壯麗的藝術場景。
蒙弗果爾的收割 65×92.5公分 1876年作 油畫 典藏於巴黎奧塞美術館
畢沙羅（Pissarro 1830~1903）是法國印象派最具代表性畫家，出生於法國大西洋屬地-Antilles，很早父母親就把他送到巴黎就讀並開始學習藝術。1855年首次參觀世界博覽會(看到科洛的作品)，從此開始著迷科洛的風景繪畫，進入瑞士學院習畫，在那認識塞尚(兩位成為至交好友)及莫內。1863年與馬奈及塞尚等年輕畫家們參與拒絕沙龍，這時期的畫作在柯洛的影響下。1866年後開始迷惑庫爾培的寫實主義，建立一種別開生面的寫實。並與塞尚及高更周旋一起探討。畢沙羅擅長於風景畫。如果說莫內及雷洛瓦沉迷於水的倒影效果，畢沙羅則偏愛鄉野風景，鍾愛泥土及農夫，1870年起就定居於巴黎近郊Pontoise來探討新的風景。1879年迷惑於秀拉的點描理論，開始以點描方式大膽解放其感性，這時期的作品並沒有受到好評，一直至1890年才拋棄點描進入多元性的創作。
這幅「蒙弗果爾（Montfoucault）的收割」，是畢沙羅最具印象派的傑作，大膽的展現晴空闢壤下原野風光裡收割的情景。劃成兩半的明媚風景下，上半為藍天白雲的晴朗天空，明媚的陽高照。下半部自然蜿蜒風光，一顆宏偉壯大的樹穿越地平線，貫連土地和天空，幾堆金黃色鬆散的稻草堆，一名農人拿著麥穗向正前方觀眾走來，左邊遠方幾位正在收割的農夫，由幾點生動活潑的粗獷筆觸所點綴成形。在感性的寫實、大方的筆觸，暖色調的氣圍下形構耀眼的光線、清新的空氣及明媚的自然景緻，形構一種非比尋常的詩意。
陽光下的少女胸像 81×65公分 油畫 1875年 典藏於巴黎奧塞美術館
雷諾瓦在印象派畫家裡以柔和優美而性感的裸女著稱。這幅《陽光下的少女胸像》也不例外，它最具印象繪畫特徵，展現心花怒放的少女軀體，沉浸在光線中，似乎受到明媚陽光的愛撫般。雷諾瓦說：「我想要畫的女人就像漂亮的水果般」，接著補充說：「我喜歡畫的是那些能提供我，渴望經過我的手畫在那些胸部上及背上的女人形象。」
拿澆水壺的女孩 81×65公分 油畫 1875年 典藏於美國華盛頓國家畫廊
雷諾瓦對可愛的小女孩情有所鍾，展現在眾多的作品裡面，這幅拿澆水壺的女孩是最引人注目的一幅。在畫家成熟的技藝，魔術師般的色彩組構，閃爍的感性小筆觸之觸摸下。生動活撥描繪這位玲瓏小女孩在繽紛燦爛的花園中，可愛金髮的小女孩，盛裝的穿著淀藍織綉粉紅花邊的衣裙，神情煥發。左手拿著澆水壺，右手拿著花園裡所摘的花，環繞在青蔥翠綠的劇場中，非比尋常的展現一股愉樂生活的情境及氣氛。
