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Archives pour 06/2010

立體派(Cubisme):

畢卡索  小提琴  65×50 剪貼  1907 巴黎畢卡索美術館典藏  Musee Picasso

畢卡索  Ambroise Vollad畫像  92×65  1909-1910 莫斯科 Pouchkine美館典藏

布拉克 Roche-Guyon城堡  81x60cm  1909  Stockholm現代美術館典藏

布拉克  estaque的房子  73×59.5cm 1908  Kunstmuseum Berne美術館典藏

當1907年,塞尚在秋季沙龍舉行回顧展時,同年,畢卡索完成《亞維農的姑娘》,隔年,布拉克於克威勒畫廊舉行首次個展,藝評家渥斯黑爾提到「立體」這個字,而後又評道「布拉克-奇怪的立體」,於是畢卡索及布拉克只好保留這個名字,這就是立體派的由來。

立體派是受到塞尚規畫自然概念(處理自然必須通過圓柱體、球體、椎體)和非洲雕塑的影響,他們拋棄傳統自然主義者的影像,以多重視點,而展現簡單幾何重組的物體,在簡化、平面化、組織化及抽象化下。總之立體派是針對形式本身的探討,在其理性精密分析和組合中,從知覺引到表現,或在其過程裡,把知覺引到想像,而敞開了西方現代造型藝術的大門。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

Rirkrit Tiravanija「遊民避難所」個展

「遊民避難所」船艙 全景  2010

「遊民避難所」局部 – 「我們的黑人總統-歐巴馬」2010

「遊民避難所」局部- 紅色的「權力」及白色的 「Jerusalem Just Do It」 2010

「遊民避難所」局部- 資本主義及Free Thinker 2010

「T-shirt Demonstratio Drawings」系列 素描  2010

「T-shirt Demonstratio Drawings」系列 局部 素描  2010

Rirkrit Tiravanija「遊民避難所」個展:5月5日至6月17日在Chantal Crousel 畫廊。

Rirkrit Tiravanija(1961年出生)國際著名的泰國藝術家,藝術創作游牧於兩岸三地也就是曼谷、紐約、柏林,以其獨特的相互作用的新形式著名,列如與觀眾分享食物、個人物體、書籍、生活等等。擅長於挪用、操縱、轉換及移位現成物,在後杜象的形勢裡,藝術家如是說:「我所做的,只拿杜象的小便池,懸吊起來尿尿(……)當今我們生活在現成物的世界中,這是我所能做的。很正常地,如此製造出一種論述在後現成物與西方藝術的前景上」

90年代起Rirkrit Tiravanija開發一種美學詞形變化新形式建立於相互作用上。經由畫廊或藝術體制展演行動如現場烹飪、與參觀展覽的觀眾分享食物及閱讀等等,或戲劇性地將畫廊轉換為餐廳或其生活起居的公寓,美術館成為錄音室、圖書館或休閒館等等,經由網際網路與泰國學生互交換信息。如此實現多樣型態的活動在這些藝術體制空間裡轉移藝術。

Rirkrit Tiravanija經常都扮演一位形勢的藝術催化人,在那情境下邀請觀眾的參與,共同參與分享藝術作品非同凡可的經驗,藝術家給予一種感覺及自由究取其形式。特別是因為Tiravanija及Felix Gonzalez-Torres兩人作品型態,法國名策展人及藝評家Nicolas Bourriaud才創立這著名的「參與美學 (esthétique relationnelle)」的觀念。明顯地他們都強調藝術家於社會所扮演的角色。

這是他第四次巴黎個展,特以法國名建築師柯比意(Corbusier)為巴黎救世軍(Armee du Salut) 所建的「遊民避難所」命題,並以「避難所」輪船狀的現代主義建築物為造景,來暗示烏托邦的建築物與現實社會這種複雜而無可避免的相互關係。Tiravanija在畫廊內建構一台木輪船,人們由樓梯登上船,進入船艙,裡面就像商店櫥窗般展示一系列充滿政治及資本主義口號及語彙或影像批判的T-shirt:紅色的上「資本主義」、白色的上「人們無法佯裝自由」、黑色的上「我們的黑人總統-歐巴馬」、紅色問號上印滿20世紀最具權勢的人物如毛澤東、史達林、列寧、尼克森及希特勒等等,下面寫著「權力」或白色的上「自由思考」或接收Nike名牌轉化為「Jerusalem Just Do It」等等。顏色具有強烈的隱射性,簡潔文字明確傳遞藝術家的觀念及見解。T-shirt部分是藝術家自創的,另部分是來自世界各地的收集,明顯地強調任何衣物同樣具備一種相互作用及傳遞的功能,並成為政治論述空間。

在船後面一面牆上呈現「T-shirt Demonstratio Drawings」系列素描,影像都直接來自於大眾傳媒,尤其剛結束地泰國紅軍示威遊行者們所穿的反政府或政治宣傳口號語彙圖片。這是藝術家向泰國年輕藝術家所定做的。這部分所得將贈與泰國Sanpatong村落的Land基金會,藝術家則是這基金會的共同創始人。

Tiravanija將遊民避難所轉換成有效益性的當今政治批判,論述當今全球化的政治氣圍及關係,尤其是泰國當前動盪的政治局勢。提出當代文化裡之信息消費與分發問題的方式,或更重要地,我們都已成為積極的參與者。

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旅行:

夢已經模糊不清,但影子繼續存在, 就像旅行過後, 影像留下記憶

跟隨著月亮去旅行吧

月亮為我書寫的情書

靈感是旅行的靈魂

藝術是種想像的旅行

月亮的抒情曲

我喜歡閉上眼睛看亮旅行

攝影也是一種很純粹的旅行

詩情畫意地看著相片旅行

有人看地圖旅行,有人身體行動旅行,有人躺著旅行,有人看圖片或影像旅行,有人聞著氣味旅行,有人跟著音樂旋律旅行,有人自助旅行,有人跟團旅行,有人定點的旅行,有人隨性的旅行,有人漂泊的旅行,有人看著電視旅行,有人看著書旅行。有人坐著發呆旅行,有人做白日夢旅行,有人夢遊旅行,有人閉上眼睛往內在深處旅行,有人一動也不動進入靜心情境旅行等等,旅行似乎有百百種,隨個人的需求及想像,抒情或理性。無疑地,生命存有本身就是一趟非比尋常的旅行。從那裡來,往那裡去,都可能是生命之旅中覓覓尋尋的核心所在,留下點點滴滴的心靈不可磨滅地印記。

旅行是身歷其境,以行動進入世界,趟遊自然地理風光及人文景緻。另類就是神遊,進入自已的天馬行空中,想像世界,在心智及意識或無意識間。旅行不只是境域更是進入自已的內在深處,每個人都在生命的旅途中,增廣見聞外親證每個心靈情境及意識。「行萬里路勝讀萬卷書」,這古老的智慧在當今全球化及網際網路的時代裡,是否還繼續是如此呢?

一般而言旅行就是去見識各地的風景名勝,自然地理及人文習俗景觀,親身體驗及見證實境。然而當今的旅行成為休閒遣興的消費,片面的趟遊遣興,印象的攫取,留下幾張「到此一遊」回憶性的圖片,很快就被日常生活事務所淡忘,還好圖片或影像見證了「我曾去過」之旅行印記。

那麼!內在之旅的夢境情節則是較天馬行空,詩意並充滿想像空間,超越意識,進入潛意識的神奇世界裡,在似真似假的情境中趟遊奇遇,睜開眼睛時會從愛麗絲的迷惑天地間,走出時空之旅的途徑,神遊親身內在的經歷,記得與否無關緊要,但已經是一場似空非虛的體驗,出走在交疊多重時空境域間,是否已經豐富生命存有,或留下不可磨滅的心靈印記了呢?閉著眼睛-靜心,進入內觀似的神遊,從意識進入森羅萬境間,不急不緩一步一腳印地,深入生命的本質,體驗生命的深度及廣度,試圖撥雲見月觸擊生命本性,每次都將是一場深層心靈之旅。這兩種都是見證心靈之旅,似乎只能體會無法言傳。

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巴黎資本自然「Nature capitale」另類農業展:

荒郊野外林園間的凱旋門

人山人海的香榭麗舍田園

LV金店面前的田園曲

不同凡響地香榭麗舍田園曲

不同凡響地香榭麗舍田園曲

不同凡響地香榭麗舍田園曲

不同凡響地香榭麗舍田園曲

不同凡響地香榭麗舍田園曲

不同凡響地香榭麗舍田園曲

不同凡響地香榭麗舍田園曲

香榭麗舍的農場

具創意性的的季節性蔬果金字塔

大皇宮前戴高樂雕像及季節蔬果金字塔

世界著名的香榭麗舍大道,馬上聯想到壯麗的凱旋門,大皇宮、小皇宮及、協和廣場,還有眾多商雲集的名牌商店(如LV) 、豪華旅館、餐廳及咖啡廳等等。這條大街可以說是法國工、商業、藝術人文及時尚的聞名櫥窗。眾多世界大型的活動都選擇在此舉行,如巴黎的馬拉松或環法自行車賽等。當然重要節慶日也不例外,如每年法國國慶日的閱乒典禮,或是各式各樣法國奪冠凱旋時,必定從壯麗的凱旋門順延大道歡騰喜慶下協和廣場,每年除夕夜聚集來自世界各地觀光客和巴黎人喜氣洋洋倒數聚集場所,甚至重要的全國示威遊行也佔領了香榭麗舍大道,聖誕佳節至新年期間這條大到便是燦爛無比,這些活動都有意無意間為香榭麗舍大道作無以倫比的廣告宣傳,這條大道成為花都朝聖者們必遊之地。

巴黎的時尚究竟是不一樣,具有強勢的「軟」實力,有就是創作(Creation),創新是引領風騷的基本條件。一切的成長建立於創作力上,創作活源成為文明進化的根源。巴黎的眾多活動都成為世界各大都會的遣興典範,從法國的音樂節、資產日、巴黎的不眠夜、沙灘及全天候博物館開放等等的普及大眾遣興活動,比比都是源自於具有創作力的巴黎。普及藝文遣興活動,根植深入大眾文化,有目共睹是相當成功地。

巴黎本身就是世界工商業及藝文展演的大場域,一年都有展不完的展覽及各式各樣的沙龍,從農業展、時尚設計、巧克力及麵包、酒、書展、電器、電腦、紡織品、古董、當代藝術、甚至於舊衣物展等等。更巧妙地另類農業展(5月23-24日)將香榭麗舍大道變成明媚風光的田野,這展由年輕農夫工會所策劃,在雙重隱喻地命題下「Nature capitale」,也就是說自然資

本,資本自然或是首都自然,也表白自然是人類最本質性的資產,應好好去珍惜及永續開發。一夜間香榭麗舍成為一片片的田園及果園與森林,還有牛羊家禽的農場,從凱旋門至圓形廣場。

在這風和日麗的五月天裡,短短兩天人擠人的吸引近成千上萬(30萬)都會佬參觀,就好像巴黎人從來沒有見過大自然似的,在此一花一草一木都顯得相當珍貴,似乎感覺巴黎人都沒如此親近花花草草似的。所以週末吸引眾多巴黎人舉家大小至香榭麗舍田野踏青,觀看這不同凡響的風景,很另類的散步在這香榭田野中,難以想像-凱旋門立於荒郊野外林園間。這另類的農業展,喚醒都會人對自然的關懷,當前農業的困境與前景外,更吸引來自全球的大眾傳媒的注意。

另類展覽不只成功地,傳遞資本自然及永續經營地球資源的觀點外,這具創意性展覽觀念本身也是成功地,據說這不同凡響的農業展覽將外銷至德國柏年。這種不可忽略的軟實力已經成為法國最重要的創意資產,明顯地法國的文創每年的產值是難以想像地,這方面具有相當參考的價值。

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巴黎圖案性的牆上塗鴉:

趣味性的幾何人物形構的詩意情境

幾何圖形的人物成為Speedy的風格主體

以塗鴉寫詩的Speedy

動物又是Nemo的另類形象

Mosko與團隊的斑馬

Mosko與團隊的所製造的長頸鹿

專門以動物作為裝飾性的的Mosko與團隊的塗鴉

專門以動物作為形象的Mosko與團隊的塗鴉

專門以動物作為形象的牆上塗鴉

巴黎第十三區Lezarts工作村上的徵象性及裝飾性招牌塗鴉

巴黎第十三區Lezarts工作村上的徵象性招牌塗鴉

不經意中所發現的牆上塗鴉

巴黎牆上塗鴉是多樣性類型,圖案形式的塗鴉是最具裝飾性,影像較文雅及抒情。這類型的塗鴉家大都有署名,也相當風格化,一看到某圖形就曉得是那一家的作品。這些塗鴉大都分布在巴黎邊緣地帶,如北區或南區,有時會出奇不遇地突擊巴黎市中心。所以在巴黎散步經常會有意外的發現,這些生活般的大眾藝術,都讓行人會心一笑,這都是不同凡可的奇遇,如此已經達成塗鴉的傳遞。

Categories: 牆上塗鴉 Graffitis Tags:

巴黎杜勒麗園藝展「Jardins Jardin aux Tuileries 2010」:

巴黎杜勒麗園藝展一景

充滿異國情調的日本本田汽車展示花園一景

天棚式的空中花園範列一景

詩情畫意的藍色調花園一景

漂亮迷人的池塘風光一角

園藝展中的居家情境花園一角落

居家情境的花園一角落

充滿現代線條的自然生態的都會陽台花園-Christian Fournet 設計

充滿自然生態理念的花園草坪躺椅

休閒工程成為當下時尚的行業-園藝就是其中之一

巴黎的毛地黃花開得特別迷人

六月天正是繡球花大妖艷的時刻

燕尾薰衣草花

近乎黑紫色海竽

在風和日麗的六月天裡是花都一年一度的園藝展,定期在市中心-杜勒麗花園橘園美術館後面舉行。都是喜歡花花草草-園藝朋友們的盛會,在這園藝展中,人們可以看到新的園藝趨勢與新品種的花花草草,或是新的園藝器材及裝飾品。繽紛燦爛的花都,據報導每年巴黎人花在花花草草及園藝上的經費,可以更新兩條從巴黎至波爾多的高速公路(聽說台灣人每年光發在貪嘴好吃上,就吃掉一條高速公路,愛吃是天性,愛美也不例外)。

身為花痴的我也不列外,一有機會都會去,沐浴在花花草草中,每次進入花園都像是一趟心靈之旅般,當然存著好奇心也順便了解園藝的新動態。當今都會園藝的發達及新趨勢,立面植物牆成為時尚,不只美化都會,更改變了都會非同凡可的景緻。在今年杜勒麗園藝展中,有兩大發現,植物生態園及空中花園的構想特別引人注目。此外色彩及結構也別有見解,也看到一些稀有或是新品種的花草也不少(如近乎黑紫色海竽及燕尾薰衣草花),蘭花也相當迷人,相當普及化,總是圍繞著眾多觀眾傾聽專家的介紹及照料事宜,還有不少接近現代雕刻的園藝裝飾物體,除了賞心悅目外又豐富了園藝見地下,足以讓人度過美好的一個下午。

Categories: 園藝 Jardins Tags:

Sarkis「過客」個展:

過客 物體裝置  2009

I love my lulu 物體裝置 1984 龐畢度現代藝術美術館典藏

街頭工作室 物體裝置 1989 斯撻倫堡現代美術館典藏

Gold  Coast 物體裝置  1984

12戰士和史塔文斯基春天的讚禮起舞 物體裝置 1979-2001 隱喻人類文明的創作及活力

Sarkis「過客」個展:210日至621日在龐畢度文化中心。

沙基斯 (1928年出生)土耳其的阿美尼亞人,是法國當代藝壇裡的獨行俠,其創作介於觀念藝術及物體藝術間,從個人的生活記憶起,在面對當前的政治及社會災難中採取一種批評的立場及存在意識,時常經由歷史的反思及建構分析,強調人類歷史的共同記憶。藝術家說:「我的工作時常聯繫於記憶。全部在這我所親身生活過的。在這其間歷史就像是一種寶藏。它屬於眾人的。歷史所經過的都歸屬於我們。所有穿越過人類的,在我們的悲痛如同在愛裡,都成為我們。這就是我們最豐富的寶藏。」

35年來沙基斯不間斷地想像創作,都從借助歷史的局部,如同地點的記憶到個人生活開始。並不斷地開創多元性的探討:水彩、物體、雕刻、錄影等等。使用多素材媒介:霓虹燈、錄影或錄音磁帶、相片、衣物等等。他布局及裝置傳播在畫廊及博物館中。

沙基斯早在60年代就積極的拋棄傳統繪圖與雕刻,進而透過各式各樣徵兆性的物體組合建構,這種物質形式及歷史反思的探討接近於當時義大利的貧窮藝術,或德國波依斯的藝術思考立場。

1964年沙基斯來到巴黎,對他而言這趟旅行是自我放逐或政治流亡的開始,所以他所有的作品都帶有人類生活記憶及歷史反思的濃厚意味,這些來自阿美尼亞人於第二次世界大戰中被土耳其軍隊大屠殺及滅種事件中之深層種族創傷,它成為阿美尼亞歷史永難癒合的傷口。沙基斯早期的創作似乎就從這種歷史沉痛記憶的大災難開始,經由一種委婉、象徵及隱喻性之詩意形象,到80年代才漸漸重新組合建構人類的記憶,在他最具徵象性及隱喻性的錄音帶磁帶物質展現裡,藝術家認為就像「戰爭的寶藏」。

沙基斯1969年在巴黎年輕人的五月沙龍展中,甚麼也沒展出,只在地上隨意的佈置幾張白紙寫黑字「你們認識波依斯的作品嗎?」人們會質疑這是作品嗎?就像70年代眾多藝術注重的是傳遞信息,這確實在藝術的行為態度裡,同年受名策展人阿哈爾德 蘇珊曼於瑞士波恩當代藝術館舉辦的「當態度成為形式」主題展,藝術家展出一卷近二十尺長塗有漆黑厚實柏油的紙,一半浸在白鐵皮槽中,下面安置一隻霓虹燈,戲劇性場景,晦澀、暗淡充滿感性與悲壯,不安焦慮濃照整個空間,陰霾的氣圍引現人類的悲劇,物質形式、能量及隱喻性的探討接近貧窮藝術,這似乎是受波依斯的物質觀念的影響。

1970年在巴黎市立現代美術館ARC的一個聯展中,沙基斯在一座大木箱裡安裝五大卷塗抹漆黑柏油的紙,上面覆蓋鋁泊紙,環繞著電纜,宛若一台失去功能的重型機械,箱內角落隱藏一台錄音機,不斷傳來一群狗呻吟叫的悽涼聲音,讓人難以忍受,物質與心靈交匯的全然顯現,這豈不隱喻阿美尼亞人(或猶太人)之歷史大遭劫,還是人類的大災難,在著冷酷無情的歷史強暴的重型體制下,他是如此悲天憫人的經由這些接近工業性的素材,引現物質形式的能量及歷史意識。1972年在另一件<偽裝>的作品裡,沙基斯建構這些如同集中營的觀察哨站,並以強光將這些哨站所的影子投射在對面牆上,營造一種監視的氣圍,其他都能完美的想像,藝術家強調出固有想像空間領域之力量。

1974年當土耳其入侵塞浦路斯(Chypre)並宣佈這地方為禁區,沙基斯就將這禁區視覺化的展現在他70年代最具代表性的<Black-Out>裝置作品系列裡,把「戰爭符號化」透過具體的造型藝術領域,他將這些漆有瀝青的毛毯及柏油的紙,依整體空間規劃物質形式,在黑白對比裡併發空間的強度與造型張力。並將兩隻沉舊生銹的槍枝陳列在玻璃櫥櫃裡,引現時間及空間,和戰爭的窒息及混亂的一種概念。1975年沙基斯在法國波爾多無意中發現第二次世界大戰德軍潛艇基地,從這些歷史遺址之跡象形式,提供他更新創作的面向,今後歷史影像(相片)納入其美學展現的符號。1977年於比利時布魯塞爾美術館的一個聯展中,他展出兩幅裝框的(歷史影像)相片(一幅為相片,一幅為底片),下面各一黑的及白的同樣形象之牆上塗鴉,引人注目的這塗鴉影像來自於德軍潛艇基地牆面,沙基斯將這匿名形式佔為已有並轉化成<Black-Out>的美學符號。

1978年<戰士>及<戰爭寶藏>作品繼而在戰爭美學上探討,應用各式各樣的物體,透過歷史記憶,象徵性的轉化成為實質的造型藝術符號。1982年在德國新表現高奏凱歌光彩的時刻裡,沙基斯受邀參與第七屆文件展,他展出系列意味深長的雕像物體:一件1848年來自宋特(Sonde)島的面具古董,那麼!1848年是國際共產黨宣言發表的年份。另一件是1933年勒卡(Leica)模型捐贈給納粹黨的,這些物體就成為歷史共同記憶的美學符碼。從80年代至今沙基斯繼續強調歷史記憶,象徵性的角色在他的作品裡,並以其最徵兆性的錄音機磁帶物質作為時空的紀實徵象為主,並組合建構其他象徵性物體:非洲雕刻、西方雕像、木頭、角鋼…等等,經由裝置成形,有時候組合光線(霓虹燈),營造整體氣圍,建構想像空間,指涉人類歷史記憶。

Sarkis「過客」引現同時永遠經過工作室及美術館的觀念,過客主題來自名哲學家班傑明的「巴黎過客」著作。這裡,藝術家以對話形式盛大的展出五大物體裝置作品:<Jorai與我的工作室對話>(2001-02) 以建築形式回答馬勒維奇。<天真的櫥窗>(2005-07) 物體裝置與超現實物體之對話。<寶藏-樂譜作為記憶>(2003-04) 建構從柏拉圖至德希達記憶文選。<從19380開始>(2001) 虛擬式的自傳記憶之可能性探討。<Een overnachting op Oud-Amelisweed的裙子>(2000)傳遞人類歷史的儀式性之新生與幻滅。<12戰士和史塔文斯基春天的讚禮起舞>(1979-2001)隱喻人類文明的創作及活力。

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Erro琳瑯滿目的「50年的剪貼」特展:

藍 巴格達 剪貼 局部   2001

托斯基 114×146 cm 油畫 1973  巴黎勢市立現代美術館典藏

革命萬歲   100 x146cm 油畫 2000 私人收藏

Erro琳瑯滿目的「50年的剪貼」特展:2月17日至5月24日在龐畢度現代藝術美術館。

艾羅(真正的名字為Gudmundur Gudmundson):(1932年出生) 是歐洲敘述性寫實最具代表性的冰島畫家。是歐洲最著名的普普藝術家之一,以其集景式的漫畫及卡通繪畫著名。他的圖畫都來自於先前「剪貼」作業,明顯地剪貼成為他的創作秘密花園,鮮為人知。他經營剪貼已經整整50年,龐畢度現代藝術美術館特以此為題特展(這是畫家去年捐贈給美術館的)。

艾羅琳瑯滿目的「50年的剪貼」特展裡分為五大系列:<機械性的剪貼>是藝術家最早的解貼系列,充滿超現實的情境,混合性感的軀體及機械性元素,在種批判消費社會的態度裡。<政治>系列是從六八學潮後所探討的大主題,來自於中國及越南的民間政治宣傳性的影像與美國徵相性的圖像精彩絕倫的集景,成為今後政治普普的先鋒。<藝術>系列是綜合西洋名畫及當今消費社會的各式各樣影像,形構一種戲劇性的場景,他認為名畫之影像就像任何消費影像般,成為後現代藝術的先驅者。<征服>是處理歷史時勢之戰爭及暴力影像系列,顛覆宣傳性及消費性的想像空間。<喜劇>併置及混合眾多卡漫與政治漫畫,在悲歡離合的幽默情境下,針對西方尤其美國社會的諷刺及揶揄。

艾羅的剪貼及藝術印證了名哲學家班傑明的技術複製時代,在當今影像世界裡,技術複製已經習以為常沒甚麼稀奇,還有更迷惑人的虛擬世界。

藝友Jean-Jacques Lebel寫道:「艾羅既不是插畫家,也不是歷史圖畫家,更不是卡漫家,也非情色圖畫家。他簡單的建構其系列從其所觀察的反常及不可思議的部分開始。這也就是說,他並沒有直接審慎地面對這怪物般或是合乎要求地社會(……)。他只經由其所剪貼地,與這些大量原始素材-卡漫、政治漫畫、報章雜誌、相片等來觀看。他旅行期間不停的到處大量收刮所有可能的報章雜誌、畫冊、藝術雜誌等等影像。就像這收刮涉及到人類可見的態度。沒有任何秘訣,只有這些跡象,極為錯綜複雜或是清晰明嘹,想像或是具體全部托付在記憶裡」

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Niele Toroni影像的結束「標記立場」個展:

牆面上繪畫裝置 尺寸不依 2009

探究其低限之極限,在繪畫的死胡同中造化所有可能的可能 200x20cm 2009

50號畫筆,間隔每30公分一筆的借助 繪畫 局部 2010

Niele Toroni影像的結束「標記立場」個展:自1月9日至2月7日在Yvon Lambert畫廊展出。這是老當益壯的Niele Toroni第19次在這同家畫廊展出,固執堅持已見的地以不變而變的樣態及情境,再次又再次的下探無限可能的藝術深淵,一而再地將繪畫藝術逼上梁山,探究其低限之極限,在繪畫的死胡同中造化所有可能的可能。

早在杜象就提出繪畫的不可能性,因為在當代社會,畫家已經被顏料和照相機所取代,也就是說已被機器所取代,如此他以單身漢自己不再需要去研磨他的巧克力來諷刺那些畫家們。當然現代主義的繪畫已縮減成為表面的問題時,那怎麼畫呢?畫成為問題?畫的本質是什麼?直到60年代初繪畫在禁慾主義下喪失活力似乎已奄奄一息?畫是行為是態度、畫是留下的印記符號、畫是思維辯証、畫是不用再畫的畫。美國極限藝術家勒威特聲明說:「有很多建構一件藝術品的方式。其一是依照每個狀態的決定。另一種是開創一種決定性的系統。這個能夠是有一定組織的方法非邏輯(偶然性)一樣出色於邏輯」,那麼法國BMTP團體就肯定系統性的邏輯來確定藝術新身分,結束影像在別具一格的印記符號下,形成標誌性的觀念符號下質疑繪畫,並經由激進的行為態度探討繪畫的真面目。他們共一起展現七次,成立不到一年就解體的藝術團隊宛若曇花一現般,卻為70年代激進的藝術探討留下一片片漣漪。

BMPT團體是法國60年代中期所出現的一種前衛藝術運動,是法國繼新現實主義後最激進的一個藝術團體之一。它成立於1966年12月24日,由布罕(Daniel Buren)、摩塞(Olivier Mosset)、帕蒙提耶(Michel Parmentier)和托羅尼(Niele Toroni)等四位藝術家們所組成,並以他們姓氏字母大寫「BMPT」立名。他們重新採用美國形式主義繪畫之經驗,在一種政治及社會學的面向上。明顯地他們的探討針對傳統影像繪畫的批判,這種顛覆性的思考推翻了既有的規範,重新思考繪畫之總體性(畫的行為、表現及支架等),明顯地記載在觀念及低限藝術面向上。

尼耶爾 托羅尼(Niele Toroni)(1937年出生)是法國BMPT團體裡和Daniel Buren一樣都是最具國際性的藝術家之一,也是此運動中最激進及最神奇的一位,在西方現代主義純化縮減過程形式中,以他的作品最為精簡及低限,美國藝評家Benjamin Buchloh寫道:「托羅尼在縮減主義裡,如果和史提拉比較的話,他額外的超出一級」。那什麼是繪畫?繪畫該是怎麼模樣?這托羅尼似乎一清二楚,繪畫就是拿著畫筆沾顏色畫在支架(例如圖畫紙或畫布)上,留下畫筆的跡象就是畫,畫行為勝過其成品!確實繪畫豈不就尋求一種個人獨特的語彙,風格面貌就成為藝術家的身分認証?托羅尼首次出現這種激進類型的作品是在1965年,當時並非是一種形式的革新,因為早在60年初阿曼(Arman)就以同質現成物堆積,或沃霍爾同樣以影像重複複製等等。至1966年托羅尼才確立其終身創作的章程,宛若當時系統化的觀念藝術,也就是說借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色(例如黑色、深藍色),30公分公式化的間距各畫一筆,如此反覆的在整個畫面上。藝術家說:「從1967年我開扮演就如同畫家,我提供觀賞這50號畫筆,間隔每30公分一筆的借助。這從來都不是相同的東西」

43年來托羅尼如一日,從不間斷地都忠實地實踐這種理想性的創作,經營「繪畫」的行為。他意願承擔這種所謂「繪畫的零度」。基本的行動,產生作品的結果:當然觀念承載一切,勝過於其目的-表現。這技藝托羅尼稱之為「工作繪畫」。當然他的那些作品牽連每個背景,他尋求彰顯繪畫的可見度「這裡及現在」。即刻的行為,轉化地點,及提供觀賞一種工作不曾間斷地一而再的更新經由觀眾的感知。藝術家幽默的說:「畫筆的毛(畫主要的部位!)應用在表面上讓它留下借助痕跡。這就是工作及這也就是繪畫」。

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「Deadline」藝術家面對死亡的專題展:

Chen Zhen  淨化夢想  物體空間裝置  2000

Chen Zhen 在治療及沉思默想之間 物體-雕刻  2000

Felix Gonzalez Torres Untitled 卡片裝置   1991

Felix Gonzalez Torres Untitled-Arena 糖果裝置 1993

James Lee Byars   藝術家之死  空間裝置 1994-2009

Jammes Lee Byars 無題 五體-雕刻 局部  1995

Absalon 日常物體 雕刻 120x60x30cm  1990

Martin Kippenberger 餐廳  油畫 1993

Willem de Kooning  無題  200x200cm 油畫 1986

Hans Hartung (1904-1989)  1935-1 即興抽象  油畫 1935

「Deadline」專題展:自10月16日至2010年1月27日在巴黎市立現代美術館展出。

這是一個針對當前社會藝術家在面對自已本身死亡的別開生面專題特展,並回應戰爭的創傷或是重殘疾病等等的考驗及喪失獨立性所帶來的煎熬,經由藝術的創作試圖超越病痛及軀體,或是穿越意識死亡所并發出的生命之光彩。尤其上世紀80年代所出現的愛滋病,讓人們對生命的脆弱之意識感覺所改變的態度,特別是在能文善武的藝文界團體裡,80年代英年早逝的藝術家最著名的如兩位紐約牆上塗鴉名家哈林及巴斯基亞都是明顯的例子。對照生命的不安、困惑及痛苦,或忍受病魔的折磨與因病痛所喪失的獨立性,要不然還是要面對生命殘老的情境等等,藝術家在堅強面對他們的同時存有本身的生命時,也巧妙的呈現生命世界的情境及狀態。

自從1970年名作家Gaetan Picon出版了「讚美時間的撼動」,描繪生老病死,生命軀體的解脫。1989年Maeght基金會展出「最後的作品」主題特展,以一種橫向的方式切入藝術家晚年的藝術創作大展後。直至今天這「Deadline」展繼續在這兩方面深入生命專題探討,提出一種別生面的觀賞在這近20年來先逝的藝術家,尤其他們在作品上意識到死亡的陰影,或是經由作品超越了自已,不少作品似乎都成為生命終點的旅程碑或是登峰造極的最後遺作,呈現一種空前絕後的解放幻象,大膽的就像超越存有的時空般,此外時常在如同預示死亡來臨的真相般。確實死亡讓人從過去的桎梏中解脫出來,從昔日的軀體囹圄中釋放出來,藝術作品就成為藝術家最後能量及意志的釋放場域與強度生命的傑佳見證。

這裡聚集十二位具有代表性的藝術家,從畫家、雕刻家、攝影家、錄影藝術家及裝置藝術家等等。其中最高齡的是美國抽象表現畫家杜庫尼(93年歲),最年輕的以色列藝術家Absalon還不到30歲。大都在病魔的煎熬下堅強的繼續創作,直到最後一口氣,藝術成為這些藝術家生命最光彩奪目的生命出口,及靈魂奔馳的世界。那與病魔為伍及失去獨立身軀最久的一位是法國敘述性寫實畫家Gilles Aillaud(歷經28年),堅忍不拔的藝術創作精神,不只讓人感動,也撼動藝術本身。他們都以最強度的一生探討藝術,意圖達到一種生命的圓滿,盡可能地表現出生命的真相,及就像詮釋存有的所有一切般。在這展覽中有些議題是沒提出過的:例如病魔摧慘下之軀體狀態、死亡的陰影及展演、經由藝術史的永恆参照(……)等等。有時候是經由他們創作過程的進化:忽然緩慢下來或加速節奏,採用新醫療技術的健康狀態,一種幾乎耗盡的形式,繪畫性舉動的剝奪,或是使用異樣不同凡響的形式及色彩等等反常觀點等。

Martin Kipenberger(1953-1997年)是德國新生代的新表現多形態藝術家,在新達達主義的挑釁顛覆的行為下,質疑作品的原創性。英年早逝在藝術達到巔峰時,死於急性肝癌才44歲。他的作品是多元且複雜地,晚年的作品充滿死亡的陰影,尤其在1996年参照畢卡索及熱里果的世界名畫系列中。他重新詮釋熱里果哀婉動人而充滿戲劇性的「梅度斯之筏」畫作中,他以自已軀體的相片,展演出梅度斯之筏上死亡的場景。闡述人生的悲劇及生命的破滅般。Felix Gonzalez Torres(1957-1996年)是美國90年代最具代表性的新生代藝術家,專注於物體及觀念,擅長駕馭日常物體,並從中創造其不同凡響的意義。藝術家雖然帶有愛滋陽性病原體但還保持其樂觀進取的創作態度,作品經常體現一種非同凡可的愛、喪失、更新、希望之觀念,借由藝術意圖分享全部一種開放性的面向。藝術家體驗到生命的短暫及極限,生命的無常與流變,他巧思造化經由藝術探討形而上或象徵性的永恆性存有,所以他眾多作品在時間性裡都保留其物理性的可塑性。

Chen Zhen(1955-2000年)是90年代旅居巴黎最具代表性的中國藝術家,1986年來到法國,初期從自已所處異鄉的情境中開發一系列遷徒及移位主題,經由物體建構及裝置,於在地性的全球化語彙徵象裡。很快隨著他得了一種無法醫療的疾病,忍受病魔的痛苦改變他整體創作方向,就直接纏擾在自已固有的軀體上,意圖藉由作品傳遞戰鬥的意志及貧血的經驗。因來自於中醫師的家庭,他也扮裝起醫生的角色,只希望能痊癒他自已的軀體,如此將自已的病痛轉化成創作的靈感及能量,藝術家樂觀地說:「我接受另外的一種祝福:也就是這嚴重的病痛。沒完沒了的發作,痛楚,身體上的及心理上的都同樣的明顯困難,不只伴隨著我一生,並造就我的意志力及精神。轉化成為我存在能量的源泉,這非比尋常的能量允許我繼續活下去,並還熱愛藝術。」Absalon(1964-1993年)宛若藝術史上的拉菲爾般英年早逝(才29歲),很年輕就被診斷帶愛滋陽性原病體,藝術生涯如靈光一下,在短暫的人生裡,從1989年開始他快馬加鞭的創作,專注在強度的藝術創作上,發展出一種烏托邦「個人起居住所」建構計畫系列。這身體及精神狀態的空間就宛若藝術家囹圄的軀體般,因為這白色個人起居住所系列建築體積就從藝術家固有局限軀體開始,指涉個人生活前景,作品如同藝術家個人生命的真實寫照,也是另一存有的軀體。晚年藝術家也延伸至實驗性的錄影,經由其個人的展演,呈現出生命的反叛、暴力及忿忿不安。

Robert Mapplethorpe(1946-1989年)是美國當今最著名的攝影家之一,從70年代初以黑白大方的作品(著名的人物畫像、性及靜物)聞名,其作品都在美學及挑釁之間。1986年起得了愛滋病,病魔纏身使他疲憊不堪,無法繼續拍攝模特兒。開始透過拍攝周邊象徵性的物體如影射萬物虛空的骷顱頭,或隱喻這些既非時間性的及死亡性的大理石及銅半身雕像等等。他最後一張眼光炯炯拿著骷顱頭手杖的自拍畫像,大方的呈現生命的光芒及存有的真相,就成為生命終點的旅程碑或是登峰造極的遺作。Hannah Villiger(1951-1997年)是瑞士著名攝影家,1980年得了急性肺結核,被強制執行隔離好幾個月。如此讓她有機會獨自思考與面對自身的生命狀態,仔細審視其軀體在這特殊環境下的現象,並以拍立得相機敏銳的記錄下這些別開生面的身體風光及情境系列。藝術家說:「當我創作時我把自已的軀體化為客體:它成為我工作的物質。我在其條件下操縱著:病時是無所示從地,甚至連一些姿態都成為問題或更明確地說,連簡單的彎腰都很不容易。」

Gilles Aillaud(1928-2005年)是歐洲70年代敘述性寫實最具代表性的法國畫家之一,也是此運動最積極的推動者及理論家。最著名的畫作無可質疑是動物園裡的動物系列,從1964年開始至今,他所畫的動物都可憐悽悽囚限於鐵籠子裡,與自然環境隔絕,似乎成為人類社會及生存條件的種種隱喻。1977年腦中風半身不遂,開始接受現實的挑戰,而喪失獨立身軀。殘而不廢本著勇敢的意志力繼續從事其所鍾愛的藝術,雖然創作腳步緩慢,在家人的照料下還是完成一些畫作。健康時都畫被關在鐵牢籠裡的動物,殘疾後所畫的都是明媚的自然風光中自由飛翔的鳥群,隱喻自由心靈及意志的遨遊奔馳,藝術成為生命的出口,及靈魂的高歌。如此維持其存有的生命28年,真是難以想像。Jorg Immendorff (1945-2007年)是德國80年新表現主義最具代表性畫家之一,是位左派政治路線的藝術家,所有的創作圍繞在馬克斯主義及烏托邦的理想世界。繪畫靈感來自於德國近代歷史,他最重要的代表作是「咖啡廳」系列。人以不測風雲及生命是無常地,於1998年當藝術家正達至創作巔峰時,得了罕見的骨骼硬化症(神經系統會漸漸萎縮)。他繼續教書並在多位助手的幫助下創作,恩賜於資訊影像資料庫。從這起所有的作品都反映他病情的每況愈下發展狀態,經由剪貼-語錄,呈現象徵神經系統。至2004年整個病情更為嚴峻硬化及脫臼的軀體,坐在輪椅上的自畫像,痛不欲生就像進入地獄的夢幻情境般。最後就動彈不得,只能以言語指揮助手参預創作,依照他所說:「如同指揮家」。

James Lee Byars(1932-1997年) 是西方70年代藝壇上最具典範的一位獨行俠,長期活躍於歐洲藝壇上的美國藝術家,是波依斯的好朋友,綜合各式各樣的創作表現:觀念藝術、表演藝術、物體藝術及裝置等等。是一位現代的神秘練金術者,其創作接近於馬塞爾 布魯薩爾斯及波依斯,他的作品在所有當代藝術類型範疇之外。Lee Byars認為他的思考是東方的,那其真正的創作立場則建立在史坦因(Stein)、愛因斯坦及維根斯坦的哲學思想上。1990年得了癌症,死亡陰影纏繞著他所有的創作,並投射自已軀體消失於作品上。他認為「死亡就像一種美學的概念,是屬於生命的部分」。他的作品都相當人性化,其所針對的是人類的精神及靈性,因為他的目標是追求人類的至善。

Joan Mitchell(1925-1992年)是美國60年代抽象表現主義最具代表性畫家,1960年毅然從紐約移居法國印象派聖地Vetheuil(離莫內的吉維尼不遠)。從自然環境景觀中解放出主觀意識來,強化的形式及繽紛奔放的色彩,充分的展現繪畫的張力及非比尋常的感性。幾年後面對挑戰性的身體疾病,藝術家鼓起十足的勇敢與病魔奮戰到底,她說:「我存在,我們存在,我們不知道接著未來將會是怎麼樣,但我害怕死亡……。」她晚年在面對生命的挑戰下之這種內在的矛盾衝突下,以留白形式來對照這些洋溢茂密的大筆觸及強而有力的色彩,并發出生命卓越的光彩及意識。

Wilem deKooning(1904-1997年)是美國50年代抽象行動表現主義最具代表性畫家,以其癥兆性的酷女人具象及抽象繪畫著名。他於1980年76歲時開始心智退化,進入一種個人不同凡響的多產創作階段,他還繼續保持警覺及專心在其所愛的繪畫上。然而卻越來越慢不經心,作品失去過去的謹嚴及密度,進入一種分佈性鬆散的情境,這也形成其晚年別開生面的新風格:平面化、鋪滿不規則色線條、簡單結構等,相當一至性,整體上泰然安詳。藝術家本著其豐富的繪繪經驗繼往開來,在一種張力與複雜平衡中,開發生命存有的意識及藝術結晶。

Hans Hartung(1904-1989年)是法國50年代巴黎抒情抽象的主將之一,是藝壇上少數老當益壯的創作者(相當長壽85歲)。在82歲時腦中風半身不遂,使他失去獨立的身軀。經過醫療及肢體訓練後,重返畫室,在助手的協助下繼續重拾畫筆,在一股熱情及意志力下,短短三年的最後藝術生涯中,快馬加鞭的總共創作了650幅。對這豐富的產量,畫家說:「是種非比尋常的青春活力允許我如此的創作能量,尤其需要畫大畫」。晚年繼續擴展繪畫的新經驗,嘗試以農用的噴灑機創造一種全面性的灑噴系統。這新的工具允許他充分的解放不同凡響的筆觸,與豐富繽紛的系列色彩,強化自由意識及想像空間,開闢一片抽像新天地,讓他的藝術境界達到空前絕後的巔峰。

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