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Archives pour 12/2010

Joyeux Noël 2010:

這是倫敦所寄來的聖誕街景,聖誕老人為人們帶來節慶的氣氛及情境

倫敦街頭的另一景色

巴黎星光燦爛的聖誕節

今年天寒地凍也顯得格外迷人

每年聖誕及新年期間,巴黎最著名的香榭里拉大道至協和廣場間迷人的夜景。

親愛的博客朋友:在這歲暮年終,由衷的祝福大家,一個愉快及美好的聖誕節。

To my lovely friends,

Wish you have and a wonderful Christmas, with peaceful-mind, lots of strength and wisdom for the upcoming New Year!

Chers amis et amies,

Je vous souhaite un excellant Noël, que la paix soit avec vous dans l’année qui suit, que vous aurez plein de bels projets, en plein de forme, de la sagesse et de la joie avec!

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盧人仰「海市幻宇 – 一場遼闊的現代神遊」個展:

海市幻宇 作品編號 F-1113 數位影像 2010

海市幻宇 作品編號 E-0365 數位影像 2010

海市幻宇 作品編號 F-1097-00 數位影像 2010

地點:華梵大學美術系

展覽日期:2010年12月27日至2011年元月2日

文-盧人仰

前言:

留法其間,某一年隨同學會前往法國南部旅遊,在平靜無風的湛藍海面,海,如深邃無底,像是還不斷在深化它的飽和度,那就是蔚藍海岸,記得當時返回巴黎,一直想製作一件神遊蔚藍海岸的作品,嘗試過許多手法皆沒成功,這件事擱了下來,但我一直惦記著,回國後我經歷資訊革命的快速蔓延之衝擊,影音技術的日益精進且普及,當年未完成的作品,我覺得有機會實現,恰巧與我同時在某大學兼課的同事,他熟稔這方面技巧,於是我拿出當年拍攝的幻燈片,以及自己製作模型的照片,請他依我的意思操作完成,那就是我第一件有關「海市幻宇」的作品。最近一年,我覺得相關條件漸趨成熟,而我也下定決心改善一些問題及克服一些困難(從早期使用135相機轉換到全偏幅數位相機,為了遠行去考機車駕照,為了掌握數位合成技術而自修相關技術),打算一切操之在我地製作一系列作品。上述的,僅就技術層面的克服,而製作這一系列作品,我的企圖心則是以一個現代人的觀點,重新賦予古人的「神遊」之新內涵,以及透過鏡頭與簡易的數位技術,非唯達到「鏡」能奪筆,甚至追求至「鏡」境兼奪。

古人思考透過「筆能奪境」,那是很自然之事,不過在當代能夠奪境者,畢竟不是只有筆,那僅僅是個工具,能奪境者是操之於人,是藝術家的品味、主張及選擇。數位時代的駕臨,「鏡」能奪筆,甚至能追求至「鏡」境兼奪。雖然數位科技的衝擊是逆不可擋,猶如蒙恬發明毛筆對當時多方面的革命性影響,但,畢竟這些也不過都是時代下的自然產物,固然堅守繪畫才是所謂的正道,會顯得迂腐狹隘,爭論電腦或攝影可取代繪畫,或者繪畫已經死亡等論調,其實意義也並不大,那只不過是要彰顯藝術家或藝評家的主張的一種良性之偏執罷了,畢竟還是要回歸到人本身,也就是說藝術家要透過這些媒介發現些甚麼?要講些甚麼?探討些甚麼?可是新語彙?可有開拓性?可真言之有物? 我所選擇的創作工具除了是自然的適性之外,在這個展覽中,亦追求透過新語彙與手法上的開拓,與過去的一些傳統價值產生一些連結與對話,企圖能活化與再生視覺的經驗與內涵。

科學與典故:

「海市幻宇」這一系列轉化自所謂的蜃景(mirage俗稱海市蜃樓),儘管現代科學對它作出揭密的解釋,是由於地球上物體反射的光,大氣密度不均,經大氣折射而形成的虛像幻景所產生的,而蜃景與地理位置、地球物理條件,以及某些地方在特定時間的氣象,特定的地點有密切關聯。但這種特殊景象的內容,不但令人綺想,亦富詩意與夢幻般的境界。因而自古以來,海市蜃樓一直被賦予諸多的神秘色彩,雖然東西方的解讀各有不同,在西方神話中,蜃景即是邪靈的化身,或者是不祥的凶兆。在中國,傳說中秦始皇、漢武帝曾派人前往蓬萊尋訪仙境以及求取靈丹妙藥,便是由於該處常出現神秘的場景,這些傳說或故事,也似乎如同海市蜃樓一般的由此到彼不斷被傳頌,經過時空的蜿蜒折射,因而更增添它故事的張力。

從可視的原型到不可視的原型 :

我這一系列的作品,有關模型部分,其製作手法是這樣的:在我的工作室中,我製作了一系列的立體幾何形體,有些是帶有透視錯覺的造型(從照片上看,似乎既大又深遠),在它的下緣經過仔細的黏貼上紅色的卡典希得(英文“Cutting Sheet”的中文譯音,這種學名叫乙烯基的材料英文名稱為“Vinyl”),再置於鏡面上,於是便融合成一個新的造型體,而這項融合竟是「異質融合」— 在這裏順便一提的是:以手工製作的模型後,拍攝於鏡面上的反射,在視覺上與意義上與透過電腦的翻轉手法上是截然不同的 — 接著,我選擇適當的角度拍攝下來,再經由電腦剪接合成及一些技術處理,於是,操作與凝視的過程,我的心境也從我的工作室,穿越了時空,進行了一場海市蜃樓般的神遊。

每當我翻看當年所拍的一張蔚藍海岸風景,總有一種嚮往而欲神遊。隨著歲月的流逝,我不知能否重遊蔚藍海岸,但其實從我製作第一件以蔚藍海岸為背景的「海市幻宇」,完成的前後,每次的覽視都是一種閱讀,也是神遊,且心境皆迥異,而它們之間是可以串連出唯妙的精神場域。而關於這項神遊,其實是普遍存在你我之間的共同經驗,這有它一種「原型」的心理,比方說,在我們周遭,常聽人們許下來日將舊地重遊,或許真的實現了,這真的無憾了嗎?是否如此完滿美好?當人們決意再度的重遊,其實都仍存著追尋先前的心中印記去再度驗證,也許結果是加成而心滿意足的,但滄海桑田,有時反而因重溫了舊夢,而產生極大的落差,因而,有時持續保留著憧憬或願望,反而可能是一種動力,甚至是一種美感,這份時空的距離是有記憶的憑據,它會讓人著迷又嚮往之。誠如榮格認為的集體潛意識所展現出的不可思議之力量,它能穿越歷史的時光隧道,打破地理和文化的藩籬,能如鳥展翼翱翔於天際,能像魚悠游於大海。我們知道,所謂的原型理論,即是構成榮格學說的關鍵基石,而這個「原型」便是普遍的心靈型式,「人類心靈的最深層他(榮格)稱之為『集體無意識』,並認為它的內容綜合了普遍存在的模式與力量,分別稱為『原型』與『本能』…每個人都擁有相同的原型與本能,人們只能在人格的其他部分尋找個體的特色。」【註1】因此,「海市幻宇」這一系列所牽涉到的「原型」問題是有其普遍性的「共相」以及個體性的「殊相」,之間是兼具可視的與不可視的雙重性的。

神遊的時空轉換:

透過我提出來的「海市幻宇」所進行的這場現代神遊,它所要貫穿的不僅僅是時空上的限制,也試圖透過過去的與當下的點的不斷連結,而形成一塊擴充性的神遊場域,每當製作一件作品,我先前製作的那些立體造型,便猶如我的化身,經過與我所記錄的風景照片的合成,它們之間的遇合,在模型上,有時是量身打造的,例如如何能讓立體模型與風景內某些景象之間的相應連結,而有時則是雙向的排列組合,譬如,同一原型不同角度拍攝的影像與同一地點的結合;或是不同原型拍攝的影像與同一地點的結合;亦或同原型拍攝的影像與不同地點的結合,於是,從我的工作室的空間到風景地點連線,它們由此到彼,由小到大,由近到遠,由偏狹到遼闊,由有限到無限,由現實到想像,由體驗到冥想,便展開了一場精神上的複合式的重遊舊地之旅。

成竹在胸與遼闊:

其實當我們欣賞古代的中國山水畫時,像北宋時郭熙的「早春圖」,或者范寬的「谿山行旅圖」,那種所謂的「散點透視」,其實就是藝術家們的一種成竹在胸,而對山川所進行神遊的一種投射。這好比陳 姚最所言:「立萬象於胸中,傳千祀於毫翰」【註2】以及明朝唐志契在「繪事微言」裏山水性情 中亦曾說的「自然山性即我性,山情即我情,…. 自然水性即我性,水情即我情」,【註3】這個過程便是因長期對山川的觀察而孰悉,具有將山水「內化」的胸懷與心境,不過關於這一點,它的背景是有其農業社會的步調之條件,而身為二十一世紀的現代人,已時空迥異,當談到對於山水的態度時,是無以亦是無須重複那份「因長期的觀察而孰悉進而『內化』的」,它應該是心儀而不復的,在彼時條件消失之下,面對自然場景,若要處理將山水「內化」的議題,它的內涵應該是大為不同的,而我的「海市幻宇」系列所要追溯的是,古人那種因為神遊而引領我們進入之「境」的冥想而成其龐大感,「這個『境』,它來去於作者的胸懷,也一來一往於觀者精神的悠遊而與作者之『境』相映 …」【註4】,這亦是一種由此到彼的連線,且是不斷的延伸的串連,關於這一點,法國的哲學家Gaston Bachelard如是說:「這個的核心就是一個世界。微縮而成的變形向著一個宇宙的各種向度四散而去。再一次,巨大感容納於微小之中。」【註5】這個「微小」可以是個人的胸懷,也可以是我作品中所出現的「蜃景」,即立體造型。
Bachelard又說:「也許有人會說,浩瀚感(immensité)是個屬於白日夢的哲學範疇。白日夢無疑地以各色各樣的景象為資糧,但是透過一種自然的趨向,它更能冥想其龐然巨大(grandeur)。這種對龐然巨大的思忖形成一種十分特殊的態度,一種異於其他的靈魂狀態,白日夢將夢者送到切近的世界之外,將之置於一個烙印著無限(infini)的世界之前。」【註6】

在這裏Bachelard所謂的 「白日夢」之所以能冥想,便是透過它的蔓延力量不斷滋長、積澱、發酵而成其遼闊,在時間的座標之上,進行一種多向度的連結而成其浩瀚感,甚至無止境的場域。在這一系列作品中,我試圖透過數位影像處理,非唯在影像上它若真似幻的融合,意境上也牽引著我以精神法重溫舊夢,甚至遨遊於幻海景色的想像之中,對所謂的空間神遊提出新詮釋。也就是如同「海市幻宇」一般,在特殊的地點與條件所產生的聯繫,心境上有種無限的伸張。這也就是「海市幻宇」在這一層面上的意義是與海市蜃樓是大不同的。

人事的美景無限,許多的偶然與巧合,都可能迸出一些驚喜與意外,一些看似平凡的景物,其實卻蘊藏許多的想像與可能,「一沙一世界,一花一天堂」也同樣包含微觀世界裡的另一種神遊,Bachelard又說:「就像無數其他的詩人,這個詩人坐在玻璃窗後神遊於夢中。但是他就在玻璃裏頭發現了一個微小的形變,他將變形流佈天地。」【註7】而明朝的唐志契亦言「山水所難在呎尺之間」【註8】,所以,這應該不只是那空間上經營的難度,而是還包含著精神上轉化的往來。因此,「海市幻宇」所要傳遞的意念,你可以看它是方寸之間,也能當它是巨幅的世界,總在於這一來一往的精神交流吧!
 

註釋:

【註1】Murray Stein著,朱侃如 譯,榮格心靈地圖,台北縣,立緒文化事業,民國88年,P.113
【註2】中國畫論類編,河洛圖書出版社,民國六四年出版,台北,P.737
【註3】同上P.738
【註4】盧人仰,影「圖」隨我身,台北縣,台北縣政府文化局,民國95年,P.4
【註5】Gaston Bachelard 著,龔卓軍、王靜慧 譯,空間詩學,臺北,張老師文化 出版, 2003年,P.249
【註6】同上,P.279
【註7】Gaston Bachelard 著,龔卓軍、王靜慧 譯,空間詩學,臺北,張老師文化 出版, 2003年,P.248
【註8】中國畫論類編,河洛圖書出版社,民國六四年出版,台北,P.733

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歐洲大雪紛紛-氣候的聯想:

花都-巴黎蒙馬特大雪紛紛顯得格外詩意

巴黎街頭大雪紛紛場景

巴黎街頭積雪-上班或上課最佳的工具就是滑雪板

天寒地凍-最要小心的是開車

全球氣候明顯地失常,熱得時候很熱,冷的時候卻冷颼颼,要不然就忽冷忽熱,下雨的季節偏偏卻不下雨,該有雨的地方卻乾旱,不該下雨的地方卻洪水患難。近來的風雪都特別嚴酷,冰雹卻特別大與不正常,颱風卻連連又難預料,神經般的季節失調,牽動整體自然,這一切深深影響全球的經濟作物產。天氣似乎也在跟人類玩起酷的玩笑,但這種玩笑卻開出自然的災難,禍及殃民。但終究的結果,是人類長期以來自認為「人必勝天」自然法則下的自作自受。在這風不調雨不順下如何國泰民安,人類最嚴酷考驗的時刻已來臨。

今年的寒冬不只特別嚴酷又特別早報到,在十一月底整個歐洲已經在特強冷氣團的嚴峻寒流下進入寒冬,大風雪繽紛,歐洲到處都處被大雪一片片覆蓋變成銀色世界,尤其是東歐及北歐。法國巴黎及英國倫敦以不列外,整個歐洲航空與交通運輸都嚴峻受阻電,甚至於傳來各種災情,影響整個社會的正常運作。冷颼颼氣團溫度急速下降,進入歲末時巴黎已經下探至零下六度,北歐及東歐更嚴酷都在零下二十幾度及近三十度下,又刷新近百年來的寒冬季節性溫度記錄。

人們以深深領會失調的氣候,季節不再風調雨順,讓人捉摸不定甚至於有點錯亂,溫度一年比一年高,忽冷忽熱,時風時雨,暴風雨及颱風不再希罕,溫差也相當異常,不管任何季節近年來年年都刷新的溫度記錄。春天不只提早到,夏天也格外酷熱,秋天氣候像人的脾氣般,冬天腳步也格外嚴峻。植物花草也提早開花結果,甚至於罕見地一年開兩次花結兩次果,有時還讓人皆笑似非,有點亂點鴛鴦譜似的。全球的侯鳥更累不知何時遷息,季節不再是人類耕作依據,然而隨時會發生的變遷是明顯地。還好在當今這高科技及專精的氣候科學下,或許提供人類更新的資訊,還能未雨愁繆。

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楊秋香「追本溯源-夢系列之緣起」:

夢系列之緣起-左:夢之華 中:夢之生〈男性〉  右: 夢之生〈女性〉 2010

夢之愛 (正面) 12×11.5x23cm  2010

 夢之愛 (反面) 12×11.5x23cm  2010

「萬物皆有愛,愛形成地球宇宙生生不息的循環

           無論任何一種形式的愛皆是力量的展現

            兩性之愛為其中之一的象徵,藝術家選擇以它來形塑成為具體的表達」

夢之幻 24x16x7 2010cm

「生命總在尋尋覓覓的旅途中前進,

無論旅途中曾經有過多少人與你同行或擦肩而過,

最親密的伴侶仍是自己」

 意識的航行  直徑18cm 鋁、錫 2010

「一切,猶如初夢

一切,猶如夢醒

一切的一切

竟;只是

意識穿梭於─實、幻之中 」

 夢之生〈女〉 9x6x7.5 cm 2010

「人從哪裡來? 將往哪裡去?

由肉身形成之發現

觀察外境之中凡生命的源頭幾乎長相雷同

不外乎橢圓或驚嘆號的圖形

從人體到植物的種子,動物的精子到植物的雄蕊

幾乎如出一轍

宇宙的造化雖是複雜,卻也無時不刻隨時隨地予以人們暗示

暗示生命本質源於真、善、美

「驚嘆號」這一個玩味的即興作品

是一個驚嘆號包覆著一個驚嘆號

一個又一個的驚嘆號

這意味著一切萬有的源頭誕生了各項生命的源頭

生命的源頭又不斷不斷的以驚嘆號的模式產生了無以延盡的生命

所看到的暗示便是;這世界是以無數無數的驚嘆號所組成的」

夢之生〈男性〉7×4.5 x12cm2010

「在不經意的完成夢之生〈女〉之後不久

她想起中國思想史上的一項重要概念─太極,

接著廣被大眾所熟悉的太極兩儀圖便在我腦海裡浮出

一條曲線將它分為兩半,形成一半白一半黑,白者像陽,黑者像陰,白中又有一個

黑點,黑中又有一個白點,表示陽中有陰,陰中有陽

去掉那其中的一點白和一點黑就稱為太極了,再之為無極

於是在我尚未進入探索至太極之前,陰陽之分是存在的」

 

夢之源及夢之華 2010

夢之華 8×8.x9.8cm  加上玻璃及鏡子裝置 30x40x7cm 2010

「夢的活動,開始了萬物生生不息的循環   」

夢之源〈無極〉7x7x7cm  加上玻璃及鏡子裝置 30x40x7cm 2010

藝術家解釋說:

「太極一般是指宇宙最原始的秩序狀態,出現於陰陽未分的混沌時期(無極)之後,

而後形成萬物(宇宙)的本源

在我看來

宇宙比較像是一個如織的夢

  隨時隨地無時不刻的在織夢

織成的夢是大地萬物

是人間是非

是花非花

霧非霧的昨日今天和明天

 

如果以形體或符號來呈現宇宙的樣子

除了一個「圓」似乎再也沒有更恰當的了

「圓」,沒有邊際恰如宇宙沒有始末

但它如何形成萬物,形成你我 ?

 這個作品單純只是一個圓體

我將一個鑿開的小洞隱沒在下面

它和宇宙同時的存在且永遠的存在

從四面八方都是看不到的存在

借了鏡子卻能由四面八方看見它的的確確的存在

那一個小洞就是牽繫著一切的「夢」

一 切「夢」的釋放,實相的形成

上一個未臻成熟的「夢」

於彼時的「夢」,亦是一個屬於彼時的成熟

現在完整了的「夢」,是整體的

時空內時空之外的

你我都是被編織出來的「夢」

追本溯源之後,原本像是愛麗絲夢遊般將自己困惑在兔子洞內的我

現已來到柳暗花明般的心境

如此;我便能站在「夢」的外面重新編織〝自己 〞,繼續接下的生命旅程

當我在戳揉著此圓形時

雙掌之間就是我的宇宙」 

 

楊秋香 (1965年出生) 是位沒受過正規藝術教育,更不以藝術家自居的創作者,極重視個人自由思維及身心靈修為,深入全方位的生活狀態中,從事存有多元面向的探討:除雕刻藝術創作外、還有創意性廚藝、園藝、花藝等等,本著「同體大悲,生命一體」,無所不在的展現在其居家生活空間中,到處彰顯其不凡的氣質及生命的光彩,試圖驗證無法言喻的存有奧秘。 

正因,她,非正科班出身所以其雕塑作品顯得更獨樹一格,身為女性創作者女性軀體自然成為她的關注及發揮的題材,在其細膩及敏銳下,淋漓盡致的掌握女性非比尋常的特質與靈魂。近來秋香編織自已另一生命的真實「夢」,她說「如是,我見我聞及我知,宇宙當中夢作為一切的源頭,我個人生命本質追尋的開始。我觀察外境之中凡生命的源頭幾乎都長相雷同,不外乎橢圓或驚嘆號的圖形,從人體到植物的種子,動物的精子到植物的雄蕊幾乎如出一轍,宇宙的造化其實也沒那麼複雜,夢-這一系列玩味的即興作品,是一個驚嘆號包覆著一個驚嘆號,一個又一個的驚嘆號,這意味著一切的源頭誕生了生命的源頭,生命的源頭又不斷不斷的產生驚嘆號,這世界是無數無數的驚嘆號所組成的」。意圖藉由「夢」追本溯源生命的本源,透徹每個生命狀態,她說:「因雙掌之間就是我的宇宙」。

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阿爾卑斯山Lautaret花園 (Jardin Lautaret):

阿爾卑斯暑假期間雄偉壯麗風光景緻

七八月間是登阿爾卑斯山最佳時刻-高山上殘餘的冰雪

阿爾卑斯山夏天壯麗的美景

 殘餘冰雪的山頭下-一片青蔥翠綠的野花-真是迷人

這一片繽紛燦爛的花草植物簡直是-阿爾卑斯山的伊甸園

五顏六色是上帝的傑作-增添山頭的美感

歐洲最高的花園 – Lautaret 花園詩情畫意的境界

Lautaret 花園壯麗的全景

賓紛燦爛的植物花草是自然最神奇的展現

植物花草到底有沒有感情?

在這高山上讓人眼花撩亂的花朵-啓不是上帝的恩寵

沐浴在高山花園中-讓人入定神往

Lautaret 花園是歐洲最高的一座花園,位在阿爾卑斯山海拔兩千幾百多公尺上,屬法國南高等師範學院,植物花草研究中心。在這冰天雪地的高山上,除了風和日麗的夏天外,己乎都覆蓋於冰天雪地上,寸草難生的寒地帶,所以只能在夏天看到這片繽紛燦爛的花草植物,一片難能可貴的青蔥翠綠。

這是我於2001年陪伴小舅(他是南高等師範學院自然科學系畢業,是位植物專家,對花草及植物相當有研究,我的植物及花草知識都來自於他的,將我引進自然科學領域。暑假期間經常有機會一起戶外活動,經常一起度過美好假期),上阿爾卑斯山,前往召開「寒帶植物花草研習營」時所拍攝的資料。此次研討會的主題也相當有意思:「植物花草到底有沒有感情」及「面對氣候惡劣環境-植物花草如何營生」也就是日夜如此強烈對比的溫差,植物花草如何在這環境下存活下來,如何繁生等等基礎問題探討。圖片上所看到的高山木屋是法國南高等師範學院的實驗室。

Lautaret 花園擁有來自世界各地高山的植物花草,不只有在地性的還有來自如西拉雅山脈、卑爾牛斯山派、高加索等等花草植物,是歐洲唯一的高山植物花草園範列。我也藉此機會與小舅環遊阿爾卑斯山宏偉壯麗的美景,讓我此生難以忘懷,還學了不少自然科學知識及實地的見解。在此提供這份精美圖片與大家共享。

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政治性的牆上塗鴉:

兩性平等乎?除了「性」外,還有甚麼?

資本化取代飢餓 – 一切價值建立在金錢上

幹-資本主義 都是資本主義惹 的禍嗎?

反軍事化-也就是反戰爭-反暴力

反種族-反壓迫

 幹-政治:對台灣政治的失望所感嘆的塗鴉-Candy Birg 作品 台北西門町牆上所拍

反驅逐-反貧窮

在世界各地所有牆上塗鴉,或多或少都具有反體制及社會意識,相當多元性及多樣性。政治性的議題隨著社會或國際風雲事件,會顯得特別強烈及顯注,尤其在國際衝突或戰爭期間,前一陣子的阿富汗及伊拉克戰爭時的反戰或反美等等,都在各個都會中可明顯看到。平時在這方面的作品只要多加留意照樣會出現,針對社會形勢下,左派或極左派思想更為顯注,對社會及政治的不滿或是一種由心而發的感嘆,甚至於反社會、反政治、反資本主義、反種族及反軍人主義形勢等等,不能忽視街頭的信息,所有的革命都經過街頭,藝術雖然無法革命,但她卻能改變世界。

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Gabriel Orozco「藝術如同生活」特展:

Gabriel Orozco「藝術如同生活」特展 – 龐畢度現代藝術中心 海報

「DS」 雪鐵龍DS汽車所改裝 物體-雕刻 1993

「桌球」由兩座拉開的桌球所組成 互動式物體-裝置  1998

「媽咪」鑲著兩台黑鋼琴的園丁房  物體-裝置  1998

 

Oval Billard Table  物體-裝置 1996

懸掛空中的  Kiss ofn the Egg  1998

Head  陶雕  2007

 Kiss of Egg  繪畫在黑板上 1998

 Colour traval through Flowers  紙本作品空間裝置 1998

Gabriel Orozco「藝術如同生活」特展:

9月15日至2011元月3日在龐畢度當代畫廊展出。

Gabriel Orozco(1962年出生墨西哥)是90年代以來橫跨歐美最具代表性的藝術家,在這全球化的視野裡,他的創作拒絕一種狹隘的國家或區域的侷限性,本著放諸四海的精神。豐富的靈感都來自於當前世界流變情境之社會、政治、科學及哲學思維,經由各個不同生活場景及順勢而為的旅行情境,以一位覺知者的角色,對照物體及環境形勢,聯繫於生活經驗上的一種偶然性的匯合。本著游牧情懷遊走世界各地,他沒有其固定的工作室,目前經常來往於墨西哥、紐約及巴黎各大藝術都會間。

Gabriel Orozco這二十年來的創作建立在都會風光及人類軀體的元素上,敏銳的探究日常生活的偶然與巧合,詩意間帶有反常及意外。確立於物體藝術及日常生活環境毫不拘束的模糊邊緣地帶間。擅長解放現實及藝術,經由演變、擴展、循環,交錯在幾何及有機之間。

他並以放諸四海開放性的創作及精神,不斷地開發各種可能性,在不受任何素材媒介及美學的侷限中,多元性及多樣性的探討。如此,進行一種非比尋常可能性的創作:素描、攝影、繪畫、雕刻、陶雕、物體及裝置等等,都在一種自由流暢及自如的方法下。

軀體如同所有物的側量尺:

日常生活中所有物體及工具,幾乎都具身體功能學的原則,以人為準則的現實世界裡,身體就像所有物的測量尺度。Gabriel Orozco則以其身軀巧思造化藝術,如充滿戲劇性的「DS」(1993年)是由一輛雪鐵龍DS汽車所改裝,藝術家將原裝車從中間依長度切割,天衣無縫的將車子縮小變更為單人跑車,在現成物及物體藝術間。同樣方法在「Elevator」作品中,藝術家依自已的軀體尺度切割樓梯。巧妙地量身轉化了日常生活的物體。更妙地「There is Always One Direction」是由四輛荷蘭腳踏車組合成為一個別開生面的框架。這三件物體雕刻,藝術家並沒有改變物體的任何功能,或轉換成其他東西,引現一種「萃取及重新塑形」,交錯在現成物及藝術的模糊邊緣地帶間。彰顯地不只其可能性與形式,更是美學的及精神的。

此外,藝術家時常在一種神奇體積的雕刻-裝置間,轉換及呈現物體的可能性,形式的、美學的及精神的,啓開一種為曾見過的功能,並邀請觀眾們的参與,如「桌球」由兩座拉開的桌球所組成,中間形構一方形蓮花池,觀眾四人可以交叉玩乒乓球,如不小心球就掉入水池中。「媽咪」是一間白色中產階級的園丁房,左右牆面鑲著兩台黑鋼琴,邀請觀眾的参與互動-彈鋼琴。

「Horses Running Endlessly」是一件轉換棋盤的玩法,放大在一種無限玩法的特徵範疇裡。「Black Kites」則是一件不同凡響的骷顱頭陶雕作品,上面覆蓋著漆黑的油墨,隱喻生命的強度及視覺張力。

軀體如同印記及工具:

眾多作品聯繫於軀體及行為,以「My Hands Are My Heart」相片作品最具代表性,藝術家裸上身,藉助軀體以雙手掌壓印著一團黏土,下一張,藝術家張開雙掌,呈現雙手壓印過如同心臟形式的物體。並同時展現這小小雕刻,明顯地示意作品發展的程序及行為,宛若軀體如同印記及工具。另一「Torso, Three arms, Four and Two Fingers…」黏土雕刻作品,則是以手指頭壓印,留下指頭印記,印記就如同藝術軀體與物體的會合的行為結果。眾多紙本作品也都以手作為工具及主題:描繪手形,並互相交錯其形式,或以手掌壓印成形。那更為戲劇性的「First Was The Spitting」系列,則是藝術家以口吐牙膏泡沫在方格子紙上,再圈以鉛筆或油墨小黑點,在有機的抽象形式下,呈現宇宙的源起,於夢及現實,想像及覺知,記憶及回憶,態度及行為間。

有關圓形:

圓形是種恆定不變運動形式,也展現在他不同圓狀物作品上,如「Recaptured Nature」是一顆灌滿空氣的巨大橡膠球,是藝術家從大卡車輪胎廢棄場所接收再重新塑形的物體,人們還可清楚地在球表面上看到舊有的印記。他眾多作品都是接收日常或工業物體,經由巧思造化的轉化及再造。另一引人注目的「Yielding Stone」作品也是圓球,重量與藝術家等重,完成時有點新,藝術家就把這圓球在路上來回滾動,直到球面具有一種齷齪陳舊銅綠色澤,在現實及想像,時間及跡象,行為及態度間。

其他的小物體雕刻都聯繫於交換、循環、轉移、運動,經由一種行為及態度,將這些不起眼的日常物體化腐巧為神奇:「Shoes」是一雙鞋墊粘在一起的鞋子作品。「Two Socks」在短筒襪中裝滿碎紙漿。「Seed」在一輕型鋁盒中盛滿白保麗龍珠子。「Soccer Ball 7」是一顆刺破損壞的足球。在物體及藝術,想像及寓意間。

自然元素及機動式的探討:

在這特展中另一引人注目的植物雕刻-繪畫-物體,自然元素都來自於墨西哥沙漠,如「Drops on Trunk」是在一節芒果樹幹上刻畫Orozco風格形式的幾何循環圖案。「Eyes under Elephant Foot」在一節粗造表皮樹幹幽默地鑲上兩顆玻璃眼珠,宛若風趣地卡通樹皮人物般。兩座漂浮懸掛在半空中的作品,創作出一種節奏及不同凡響的體積:「Spume Stream」是一件利用黃色尿酸黴菌建構的有機形式作品,隨著時間及空氣濕度不斷質變。另一是機動式的裝置「Toilet Ventilator」,在天花板上架構一台電風扇,扇上兩邊各懸掛著滾筒形衛生紙,隨著風扇循轉節奏輕飄飛舞。

幾何圖案的繪畫:

Gabriel Orozco一直都沒放棄繪畫,這裡展出一漂亮的「Samourai Tree」系列,是由紅、藍及白三色所組構而成的圖案化形式,在貼金箔的木板上。他探討一種數學幾何循環及迴轉運動圖案形式,從1995年起就在舉手可得的機票或是銀行票根,甚至於運動海報上,繪上不斷延伸擴展的形象,藝術家認為繪畫都是一種恆定不變進展的結構圖表。

別開生面的攝影

Gabriel Orozco的攝影從90年代開始,都是旅行散步在都會間不期而遇的偶然性,試圖透過瞬間的感知記錄當下的覺知及感受。這些影像是藝術家面對公共空間環境及物體的操縱之一種行為及態度的参預結果,在簡單事物中呈現一種非比尋常的詩意及幽默。

藝評家Jean-Pierre Criqui認為 「G Orozco的一些作品,顯然具有一種後極限主義的策略,並同意藝術家-軀體如同所有物的側量尺度」。同時藝評家Christine Macel在「藝術如同生活的匯集」中指出:「 Orozco很早就對物質感興趣,從1982-83年的素描中以指出物質不只來自身體,還接近一種有機形式(……)物質對他似乎並不孤立,在一種物質-空間-時間的持續運作中塑形,於物理學家親密的特別基礎概念邏輯上,懷有世界就像『一整體』的想法,開發最初的原型及其所支配的自然法則,如近代的克利及康丁斯基。Orozco工作在經由軀體之變形上,直到時間具體化的展現(……)。

(……)Orozco的美學顯現物質的全部等同如是詩意的,然而眾多作品卻充滿生色。明顯地,其作品全部要求一種遠離『享樂主義』,且『物質性勝於美學性』。藝術家把世界當作為宇宙,從微觀到宏觀,連接可轉換的體積(……)即使他依戀宇宙但全部所有體積還存有一種恆定不變地。Orozco並沒採取一種精神性色彩(……),他隸屬物質性,在一種沉思默想的類型裡,集中於不變的語調上。顯然他並非是位精神主義者,但在他的素描實踐中卻如同一位沉思的練習者,『那些行星,充滿想像空間的藝術表達宇宙及能量的演變進化』。藝術家對空卻充滿想法,古希臘哲學家德默克里特斯(Democrite)已經表達在他閃過的直觀裡:空的將是在無原子時,環境於其間演化。被疏忽地經由看不到的,非-空間,明顯地無限銘記在他那些可見的物質作品裡(……)」(註一)

註一:Christine Macel「藝術如同生活的匯集」,Gabriel Orozco特展龐畢度新聞稿。

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阿爾普(J.Arp)-「舞者」:

舞者  149×112.5cm,1925  龐畢度現代藝術美術館典藏

阿爾普(J.Arp  1887~1966)法國藝術家、詩人、達達主義的創始人之ㄧ,其後參與超現實主義運動,以其非具象的雕塑及浮雕繪畫著名。

浮雕繪畫來自於阿爾普的精神趨向,通過其最有效的材料運用,是他在1916到1917年間之達達運動中誕生的。透過木板實質不定形的切割、上彩,在光線中產生陰影,加強其深度。這幅《舞者》(阿爾普的夫人是位舞蹈家、畫家) 是阿爾普最成熟的作品之一,他透過蠕動曲線,形成舞動形式,就像主題的暗示。巧妙之處在漁牧版支架上切割形式(挖空),呈現白色牆面,其形式就像舞者跳躍飛舞的腿般,剛好和右邊黑色的腿相對照,加強了畫面的內涵,提供觀賞者非凡的想像。

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畢卡比亞(F.Picabia)-「草帽」:

 

 草帽  1921~1922  龐畢度現代藝術美術館典藏

「草帽」中連帽子的影子都沒有,成了文字遊戲。左上端書寫著「草帽」加上一個問號,而後由一條彎曲細線劃分畫面,尾端貼上一塊近正方形標籤,上面寫著肯納爾(Marthe  Chenal),下面簽署畢卡比亞。在彎曲細線中央,一排書寫的文字,這是給想看的人欣賞的!你或許又會懷疑這是一幅畫嗎?是的,無可質疑地這是一幅畫。

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畢卡比亞(F.Picabia)-「珊卓的舞蹈」:

珊卓的舞蹈  1919~1929  龐畢度現代藝術美術館典藏

「珊卓的舞蹈」:在一個金邊畫框裡,繫上兩條垂直線及兩條交叉線,垂直線上,下端一塊紙板簽著畢卡比亞,上端一塊紙板寫著「珊卓的舞蹈」,兩條交叉線,中央上端一塊三角形紙板寫著Tabac-RAC(鼠牌香煙),除了這些文字外,他寫實的空間就成為此畫的特徵。這是一幅畫嗎?一幅畫的條件是甚麼?難道畫框框著任何東西都可以成為一幅畫嗎?

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