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Archives pour 04/2011

布朗庫西(C.Brancusi)-海狗:

海狗 110.5×121.5×34cm 1934 巴黎龐畢度現代藝術美術館- 布朗庫西工作室典藏

「海狗」(花崗石) (1943年)具有精簡有力的生命體,他巧妙地透過花崗石本身的紋理,就像海狗剛從水裡躍出的水紋般,栩栩如生,展現了宇宙的生命力與和諧之美。布氏寫道:「簡化並不是藝術的目的,簡化是用以接近物象的感覺,那美是絕對地平衡。」

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布朗庫西(C.Brancusi)-空間的鳥:

空間的鳥 194×14×21cm 1936 巴黎龐畢度現代藝術美術館 布朗庫西工作室典藏

「空間的鳥」(在此有3種不同材質的鳥:石膏、大理石、青銅)是布朗庫西從1915年來,嘗試開發各種物質的系列,共有20幾種不同材質的版本。流線型的細長垂直形式,頂端上橫切,形成尖銳的就像鳥嘴般朝向天空,纖細的腳和上端軀體構成流動的韻律,似乎就將展翅飛翔。

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布朗庫西(C.Brancusi)-公雞:

公雞 103×21×11cm 1935 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

「公雞」(青銅)是布朗庫西自1923年以來「公雞」系列創作的成果。金雞獨立,仰天啼叫的姿態,栩栩如生(不是其事物表象,而是事物的生命體),充滿活力,尤其側面有一排節奏性的齒狀形式,強化了動感節奏,尤其在這光滑青銅素材上,顯得更完美。雕刻家說:「光滑,必需是要求那些形式與材料的決對關係才行」。

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布朗庫西(C.Brancusi 1876~1957):

「沉睡繆斯雕像」青銅雕 1910 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

左- 公雞 103×21×11公分,1935 右- 無限延伸的柱子 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

巴黎龐畢度現代藝術美術館-Brancusi工作室一景

巴黎龐畢度現代藝術美術館-Brancusi工作室一景

布朗庫西(C.Brancusi 1876~1957)是羅馬尼亞雕塑家,在西方現代藝術裡是位承先啟後的藝術家,尤其在材質及觀念上,直接影響到美國的最底限藝術。他嘗試探討一種新實在性的造型且保留感性在非洲雕刻的簡化裡。早期自然主義的「幼童頭雕像」(1906-1908年) 具體與幾何間掌握於一種不同尋常的平衡,發展出一種簡化的形式。進而漸遠離實物,他以抽象來真實純化那些體積如「沉睡繆斯雕像」(1910年)及「Pogany少女雕像」(1912-1913年),描繪的元素消失。以一種簡單徵像取代了形像,顯示出一種純粹的橢圓形,成為宇宙源起的原型。從1915年起嘗試開發各種物質的系列,共有20幾種不同材質的版本「空間的鳥」。1923年以來「公雞」系列,簡化抽象化的掌握實質的生命體,組構不同形式及質材的座台。從這時期開始Brancusi重新使用及反覆一種同樣的主題於這些輕微的變化和微不足道的區別,在石膏及青銅影像都同樣具有一種原創性。於一般性的精簡下,其全部都於一種非凡的特徵或軼事,如「海狗」(花崗石) (1943年)具有精簡有力的生命體。「大公雞雕像(IV) 」(1949-1954年)是十全十美有機體的組史詩,更是這世界的宇宙創作天地之形象。他那些主要的形式強加經由物質自然-木材﹑石頭﹑大理石,作品主要表現一種象徵性的形式,在抽象與具象形式之間,不斷地參照宇宙及自然秩序,並在藝術家內在才華的驅策下,純化甚至還原自然形體,達到一種精簡而實在的抽象生命體。

C.Brancusi最具代表性的雕刻是{確立位置}的紀念碑-無限延伸的柱子,他說「無限延伸的柱子是柱子計劃之放大,將支撐蒼天的諾業方舟」。在羅馬尼亞Voulangis的Steinchen花園裡,使用紀念碑的形式範疇,梯形和平形四邊形簡單的動機下,重覆地模擬一種無限垂直的運動,感知能依觀點而改變。晚年Brancusi從事經營兩件非比尋常的紀念碑計畫:愛的廟宇或是解脫,地點在印度,那現今唯一存在的是複製的模型,和接吻柱子(約1930年)和雙重垂花飾的柱頭。在廟宇內部裡呈放三件鳥雕像(光滑青銅的﹑白大理石的﹑黑大理石的)將豎立在微光中。另外一起的作品建立於1937-1938年在羅馬尼亞的TIrgu-Jiu發展出建築學範疇的無限延伸柱子,和接吻線性圖解雕像(接吻門) 。

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「同樣的不盡是相同的」:

陳俊豪 蓮花 圖釘空間裝置 尺寸不一 2005 成大藝文中心

陳擎耀 愛NY-餐館計畫-唐人街 相片76.2X101.6cm 藝術家收藏2009

吳東龍 Symbol-08 150x150cm 油畫-畫布 國美館典藏 2008

泰郁美學堂當代藝術與談會 -「同樣的不盡是相同的」:

與談主題:全球化下的「在地全球化」及「全球在地化」

第一場座談:針對台灣當前的「在地全球化」觀點探討

第二場座談:針對台灣當前的「全球在地化」觀點探討

重點:理出當前藝術文化差異性理念論述之可能性觀點

與談會主辦及策畫:泰郁美學堂

時間:預定4月23日及5月7日 下午14點30至17點

地點:嘉義大雅路二段452號 泰郁美學堂 電話:05-2785864

受邀與談人:李長俊、龔卓軍及陳泰松

主持人:陳奇相

前言:

全球化是當今國際明顯的政治現實,從現實政治及經濟佈局至文化產業及消費社會無所不包的世界趨勢,新自由主義宛若一股強勢的洪流,橫掃全球各個角落,亞洲整體社會及經濟結構明顯的受到衝擊,台灣當然是無可避免的趨勢走向,在這股洪流下全球政經多層面的劇烈變革是空前地。

全球化從生活中的食衣住行及愉樂,甚至於從一般的思考體制上都無所不在。資訊化、經濟化、消費化、體制化、規格化、殖民化或次殖民化。全球化的共同特徵:通俗化、表徵化、普及化、一致化、網路化、庸俗化、消費化。如此,全球化下改變了我們的生活方式及事物的認識觀點。

人類自古以來,不同區域、種族(或族群)有不同的人生觀和宇宙觀,差異性的文化見解及觀點是必然地,最明顯地就如同全球分門別類的語言學般,法國當代藝術家Ben在上世紀80年代就認為:「下次的藝術革新:是承擔它自己的語言、文化及種族」,Ben認為種族的「差異」都是當前藝術中不可忽略的元素。在他生活與總體藝術關係觀念裡,新的及差異的都是主要的價值,差異就成為全球化藝術及文化產業最具價值性的關鍵。

人類族群及區域都各有其文化觀點,同樣的月亮,有不同的故事,同樣的太陽,有不同的見地,同樣的夕陽,有不同的情境。同樣的存有,有不同的能量,同樣的不盡然是相同的,同樣的有類別性的意涵,一切在個自主文化、習俗及環境的氛圍裡,差異性成為實在的價值。二十世紀大文學家勞倫斯(D.H. Lawrence)寫道:「每個大陸都有其自己偉大的地方精神,每個民族也有其地方特性,那就是家,那就是故鄉。在這大地上,不同的地方有不同的活力,不同的震盪,不同的化學氣味,不同的星星,不同的特性,你要稱呼它甚麼都可以,但地方精神是一種偉大的實在」

台灣當代藝術創作自有其獨特的思維及文化見解,根置於在地的或是誇西方的融合,都意圖創造出有別於西方現代主義的形式及精神,強化固有文化差異及多元思維,獨創出一種別開生面的新風格及典範,展望新文化遠景。意圖在當今全球化下,各自表述,闡述固有文化主體意識,並與世界對話。套句當前的語彙,也就是「在地全球化」及「全球在地化」或是融合兩大面向的國際面貌及風範。

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Emilie 的牆上塗鴉-畫像:

夢想當演員及劇作家的Audrey

夢想當當代舞蹈家及懂多種樂器的jg

音樂家-拉大提琴 lucie

玩搖滾音樂的 miki

音樂家-willow

Emilie經常會寄上她所拍的東西與老爸分享,真感幸福。最近又從倫敦又寄來了幾張她個人的-牆上塗鴉-畫像創作,轉化她身旁親近朋友的畫像,如果認識她身旁這群藝術家朋友的人,在看看這幾張畫像,會有心領神會的感覺。Emilie是平面設計學院畢業,現於倫敦從事商業及櫥窗設計,從小就擅長於鉛筆畫畫像(可参考這部落格上Emilie專文),她畫得很細膩及傳神又寫實。畫鉛筆畫就像她喜歡吹長笛的感覺般,有種耐心及細心,技術性也很高,經常可從畫中透示一份溫馨的感覺。這幾張牆上塗鴉-畫像是她最近的嘗試,簡潔有力的藍白圖版,傳神充滿個性及感覺,每張畫像旁邊都以人物姓氏的大字母標示,示現朋友是人生之旅中不可或缺的,值得珍惜以待。在此與博客們大家分享。

Emilie並不是別人,是她老爸的分身還是藝術的化身,很早就散發一股獨特的氣質,我身感同受。從小就相當文靜地,經常有朋友到家來,不知家裡有小孩子。從小就喜歡閱讀、畫畫、聽音樂、玩樂器、收集東西及辦家家酒。藝術的種子很早就以播種,在她老媽的肚子裡就已經開始活躍於藝術的天地間,跟我們一起看展覽,聽音樂及聊藝術等等,她似乎都在場,環境造就了藝術,藝術也造就了環境。藝術可說是天生的,但並非是絕對的也非是唯一的,絕對是需要培養及造化。

Emilie不只喜歡畫畫,也喜歡音樂,看來已經註定要在其中選出生命一生的出路,藝術就成為她生命的源源不絕的本源。畫畫純屬個人,尤其又有位藝術家的老爸,隨時都能啟發,經常帶她参觀各大小展覽,討論當下藝術思潮,藉機引導及開發 在細心關愛及鼓勵下紓發其能量及見識。音樂則交由其老媽調教,不在我的管區之內,我只能耐心的陪伴她的學習,也成就我個人的音樂啟蒙及教育,帶我走進音樂的世界裡。從小她就迷上長笛,直覺性的就是要吹笛子,其實她可以學小提琴或大提琴,因為內人家有音樂家的傳承,外祖母彈一手漂亮的鋼琴,還有其他親人是小提琴教授,大舅則是巴黎市立交響樂團小提琴手,又是巴黎五區音樂藝術學院的小提琴老師,大舅媽則是法國廣播電台交響樂團的大提琴,有如此便利的家庭背景及條件,要學鋼琴或是大小提琴並不困難。

小小的Emilie不知甚麼卻迷上笛子,我們真的不知道她是為甚麼迷上的,很小我們就請了家教專教她吹笛子,從五歲就上十三區的音樂學院開始吹著短塑膠笛,接著木笛,巧遇來自於馬達加斯加的一位女笛歌手,將她帶入魔笛的夢幻世界。就這樣,從小小的手指頭的短笛至舒張自如的長笛,一級又一級的深入其境,一場又一場的段考試驗,音樂陪伴著她的成長,即使在國或高中的升學壓力下,她還是如此的執著長笛的習練,高中時参與莫內中學的交響樂團,一場又一場的演奏,一次又一次的考驗,終於從初級班至高級班,歷經十幾年方才拿到高級班畢業文品。當然這期間,每年暑假總是参加音樂營,從過去的學員,最後也成為助教。音樂成為她生命的核心,物以類聚下,她的朋友圈中幾乎都是藝術家,以玩音樂的為最,其中有舞蹈的及劇場的朋友等等,這又是她人生中的另一家族,音樂讓她更為自在圓滿。

高中畢業後,考入設計學院,研習商業平面廣告設計,Emilie繼續玩音樂,已經相當專業。數十年如一日,每天都會苦練她所喜愛的笛,我這門外漢也漸漸被啟蒙,音樂也已成為我生活中不可或缺的精神糧食,每場段考或音樂會,老爸總是喜耳恭聽
,不只是鼓勵,還會隨著音樂的旋律起舞,心靈意會,音樂在內心裡發酵,啟開我生命的另類體悟及感知。也感謝女兒經常的各類分享,讓老爸一生能持續成長,感恩,生命中有女兒已心滿意足,這就叫圓滿吧。

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梁美萍-社會圖像學的「香港製造」個展:

【貝瑪畫廊】梁美萍個展廣告稿

香港製造系列之一 油畫 尺寸不一 空間裝置-2007-2011

香港製造系列之一 油畫 尺寸不一 空間裝置-2007-2011

香港製造系列之一 油畫 尺寸不一 空間裝置-2007-2011

梁美萍-香港製造個展場景

圖與文/陳奇相

展出地點:台北貝瑪畫廊

展覽日期:4月16日至5月14日

策展人:陳奇相及粘蓮花

文-陳奇相

在這全球化的世界裡,在地性的差異成為一種獨特的文化價值及品味,創意產業興盛的時代,在地的製造,成為品質產銷的認證及品牌。梁美萍的「香港製造」,有意標榜著香港都會本身生活的特色及文化格調。東方明珠「香港」因過去英屬殖民地形構出一種獨幟一格的國際文化都會,在上世紀九七年前曾為兩岸三地扮演舉足輕重的角色,它還是兩岸三地間最具國際化或是全球化經融及商業大都會,如今雖然兩岸直行但還是全球金融及產銷轉驛之世界不可或缺的板塊。

東方明珠具有其特殊的商業及文化格局,九七年香港回歸祖國,成為中國的版圖,也從境外轉變成為內地,特區與內地關係更形密切,無論政經及金融,去殖民化下中文成為在地的官方主導語言,這樣形構出一種新文化格局。自然而然香港特區就吸引內地中產階級、富豪及商團來港觀光,東方明珠就成為內地人享受西方資本主義及呼吸自由氣息的空間,中國內地人首選最「愛」的觀光勝地、購物的天堂及奢華極緻的消費場所,更是內地人投資及經貿轉驛的全球據點。香港雖然沒有甚麼特別引人注目的名勝古蹟或聖地,但卻是吃喝玩樂狂歡的天堂及消遙遣興享樂城市。這幾年來內地人不管是組團及自由行的人數逐年增長,也已超出來自世界各地的觀光客,香港獨特的國際商業都會就成為內地人偏好的朝聖地。

文化現象探究:

當代藝術家很多都不再畫畫,也不會畫了,更確確地說是不再需要畫了(其實有更多傳遞的方式)。當然大家學畫的目的都不一樣,美萍學畫出自個人強烈的好奇心及需求,作為深入了解當下的香港觀光文化現象之行貨畫,進一步藉由模仿行貨畫形式或形象作為平面繪畫創作,意圖想重創行貨畫的另類價值及意義。美萍是位很有個人見解及獨特觀點的藝術家,一天,異想天開,心血來潮再拾畫筆畫畫,跑去向當今沒落地傳統老畫師習藝,以了心願,開始畫了起來,滿足她作畫的動機,解渴作畫的心願,並從習藝香港的外銷畫中得到另類的創作靈感及這批模仿行貨畫之概念。

為追根究底香港在地文化影像消費的現象,深入行貨畫的核心,她親自利用周末或假期,前往當今世界最著名外銷畫的故鄉畫村-大芬村習藝,遠近馳名的畫村就位在深圳,與香港毗鄰,是香港及國際外商的攤頭,中國經濟產業的龍頭地帶。全球百分之八十以上的外銷畫都出自於畫村-大芬村,成為國際知名的畫家村,擁有來自全中國技藝高超的技師及畫匠們。

美萍抱著好奇心及探究精神前往大芬村習藝,隱性埋名拜師於某工作室,正式的
畫了起來,開始著手摸索,從畫布、畫筆、顏色、調色、形式、色彩、構圖及圖像等等,在她觀念的主導下以行貨畫形式臨摹其所精挑細選的圖片,有模有樣的作起畫來,一點都不含糊的進入臨摹畫之境域,深入其境的親手畫出具時代氣息的模仿畫,同時還以錄像記錄了一個時代一種絕無僅有的創作(或製作)方式,這另類模擬主義也是當前山寨版文化的寫照,山寨版成為全球化政經及文化的至實,山寨版更充徹第三世界消費社會,山寨版似乎比原創更具價值及時代意義。

身為藝術家的美萍很清楚其中的奧妙,很快理出模仿畫創作的核心與觀念。這批模彷行貨畫系列的內容全部取決於藝術家的觀念,精挑細選圖片及影像,不只是典型的還具社會性的意義及徵象。有別於現下香港市面上的外銷畫,仍停留在英殖民地上世紀70及80年代之懷鄉老舊的香港帆船風光景色,和東方品味的街景印象。作品全部都出自於畫家村的訂作製造,尺寸及數量卻全權經由藝術家所決定。弔詭地,這批作品藝術家也以匿名的方式親自参與集體製作,如是,沒刻意去分別,在同一製造形式下,都不簽名,最後在藏家的要求,為確保藏家對作品的價值認證,只好在畫背上屬名,似乎以違背畫作的意旨,模仿行貨畫是創作?抑是另類山寨版?在個人及集體,觀念及製造,藝術及非藝術,外銷畫及藝術畫,藝術品及非藝術品間。

美萍觀念清晰意圖從這些產量化的模仿行貨畫之徵兆性影像中,抽絲剝繭理出香港全球在地性文化內涵及提出新的觀點,藝術家說:「21世紀的今日,我到深圳學畫行貨畫,研究和『生產』,我以內地人來港觀光的印象式的景點消費作為創作文本,以香港主理,深圳進行,重新演譯新香港行貨圖景。」

畫與不畫=製造=觀念:

香港標示著美萍的文化身份與在地產品價值認證,製造揭示量化的生產、規格化、產業化及商業化,製造示意著自爾生產或委託外包,手工製造或工廠機械製造。當今開發中國家工廠幾乎都外移,眾多產品為降低成本都採取境外-世界工廠生產製造。美萍的香港製造系列畫作純然以典型香港的觀光文化影像為主載,託深圳世界外銷畫工廠-大芬村生產,在手藝化及創意化的製造下。這裡,作品牽涉到藝術家自已畫與不畫間的關係,藝術家的参與可以是觀念性的或是製作程序上的,畫與不畫都已不構成問題,因為製造是種程序,生產是種事實,思想才是其核心的主導。

香港製造是概念性的,意指出這些作品偏愛組成特有的表達力,陳述的、描繪的、軼事的或視覺的,它們展現出其思想核心在那些規則、符號和語言上。香港製造,這裡,涉及到一種表現的程序表,決義提前完成,製作是後序事務,因為製造可以自已動手作或委託完成,觀念藝術家勞倫斯 懷恩納(Laurence Weine)於1968年在美國新藝術雜誌上明確的指出三種(觀念藝術)呈現的方法:一、 藝術家直接實現其作品。二、作品可由他人來實現。三、作品並不一定要實現。極限藝術家索爾 勒威特(Sol Lewitt)對觀念藝術如是定義:「當一位藝術家使用一種觀念,明顯它所涉及到的是程序表,因決議是事先完成的,製作將不是一種重要的事務,也就是考慮經由一種視覺實現之前,肯定這些語言學因素佔有其主導性地位及其邏輯性」。他認為:「觀念是一台機器它完成藝術」。或「一次,藝術作品概念確立,形成最終的決定後,東西必遵循它們的進展。當然它可能會有些結果是藝術所料想不到地。觀念被視為藝術工作,它啟開其他可能性面向」

香港製造兩大系列:

典型香港都會的觀光「行貨畫」系列(2007年的作品)及模擬西洋古典「靜物畫」系列(2011年的作品),都以外銷畫方式量化的生產操作。意圖探討九七年後香港回歸中國後,另一新興觀光文化現象的轉化,闡述內地中產階級的物質信念,傳遞出一種敘述性及徵兆性視覺消費影像的更遞,作品具有強烈的揶揄、風趣、批判當下內地視覺消費及當今膚淺地觀光表象文化。都在同一製造(創作)形式下,這兩大系列作品最大的徵象是大眾化、消費化、通俗化、表相化之普羅階層咸宜的普普影像畫面,呈現當今香港的大眾文化徵象。

一、以最受內地人歡迎的九七回歸後,香港景點作為「行貨畫」的內容,描繪出印象中典型香港都會的觀光圖像紀:如標示1997年回歸的香港街景情境、港岸繽紛燦爛的煙火秀、維港迷人的星光夜景、港岸邊散步道風光、香港國際都會的名牌商街、典型船屋、米老鼠及狄斯耐樂園、中國典型的功夫片-武星「李小龍」畫像、香港著名的賽馬、香港古惑仔電影影像-黑社會傳奇、插著紅旗及金色紀念碑之香港金紫荊廣場、大佛像、山寨版名牌店、香港琳瑯滿目的相機及攝影機免稅商店櫥窗及金馬桶等等。

包羅萬象的「行貨畫」系列,在具象繪畫下,強調形式、感性色彩及結構,以幾種具香港獨特圖像語彙,量化的複製,並藉由靈活性的大大小小尺寸的變化,裝框及不裝框的配置,裝框的則特配以粗俗的金或銀框,凸顯其通俗性。有些圖像還來自於典型香港電影中的對話,如李小龍畫像裡「如果你們要打,就跟我打好了」或古惑仔電影劇作中「由今天開始,在銅鑼灣將沒人不認識陳浩南」,引述香港的武打片與黑社會電影,強化其軼事性,指出典型香港的印象及文化記憶,在地性情感及氣味,展現都會的繁榮面。那麼,在這些典型美好的視覺消費表象下,還隱藏著甚麼社會真相呢?只有香港人最清楚吧。

二、充滿隱喻性的西洋古典「靜物畫」系列,是美萍的新作,繼續借助「行貨畫」模擬主義的方式,以中國式的豪華食品來堆砌西方藝術史的「靜物畫」:也就是藉由西方光彩奪目的古典靜物畫模式,以中國內地奢豪食品例如鮑魚、海菇、魚翅、冬蟲草、人參、中國各地名牌酒等等元素替代畫中的西方靜物,如果不加以注意,簡直是無法分辨真假的東洋或西洋的靜物。沉靜的古典寫實主義的描寫,對比的色彩,謹嚴的構圖,忠實的寫真景象,強調物質的質感、量感和體積,混淆形式及內涵的方式,製造出另類的山寨版靜物畫,提出後現代獨特混種文化徵象繪本,及全球化在地性的文化消費觀點,宛若當今中餐西吃的口感或是西餐中吃的品味。

西方藝術史中的「靜物畫」誕生於16世紀,發展於17世紀。美萍這西洋古典「靜物畫」系列則模仿17世紀北歐的靜物畫。靜物畫是繁榮社會下的產物,喻示著古代皇親貴族或社會豪門的奢華及高貴的生活排場。當今,內地的達官顯耀和富豪們的放縱奢華生活時有所聞,豪門囂張的鴻門宴及排場,都在公開宣揚自已的物質財富,道盡世俗的風氣及人性,香港的滿漢全席就是一個完美的例子。藝術家藉由靜物畫描繪的物質暗喻榮華富貴與財富,及指向人們如何對待財富與理解倫理的態度。外銷畫或仿行貨畫不管其藝術價值或文化意義,但在觀光客的眼中,除具有其觀光的紀念價值外,另具其裝飾性。Paul Zumthor寫道:「一幅畫如同一件傢具,不能隨意替換,傢具的一種功能是遮掩屋中令人討厭的裸露部分。」

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Jean-Michel Basquiat「傳奇的一生」:

Jean-Michel Basquiat 早期的作品 Cosmo 頭像 213.5×180.5cm 1982

Jean-Michel Basquiat 早期的作品 1983

Jean-Michel Basquiat Bab 1983

Jean-Michel Basquiat Thin-Foil 1984

Jean-Michel Basquiat 宛若面具的頭像 1985

Jean-Michel Basquiat 年輕人 壓克力-木板 1986

Jean-Michel Basquiat 觀念 壓克力-木板 1987

尚 米榭 巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat)(1960-1988年)是當代藝術裡最具傳奇性的藝術家,至今塗鴉幫中名聲最為響亮,與哈林(keith Haing)兩位都是紐約牆上塗鴉的明星畫家,崛起上世紀80年代初於紐約蘇荷之東村,是當今藝術拍賣市場屢創高價最頂紅的藝術家。兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(前者28歲-後者32歲)就消失於黑夜的星空。巴斯奇亞出生於紐約布魯克林區是南美洲移民的第二代,父親是海地人,母親是波多黎哥人。他的母親從事印花布設計,對他的藝術有絕對性的影響,並鼓勵他往這方面發展。巴斯奇亞四歲就開始塗鴉,展現其才華,畫他所看到的及夢見的,從此愛不釋手,家又住在海地區,與典藏美國藝術的柏克林美術館毗鄰,經常有機會與母親一起参觀美術館。父親是爵士樂的歌迷,祖父曾是吉他手兼拉丁諾樂團指揮,巴斯奇亞在這藝術的薰陶下,小時一直夢想成為一位作家或漫畫家,就立大志「我十七歲以後,就想成為一位明星」。

巴斯奇亞的命運隨著七歲時一場意外車禍而住院,在醫院期間,母親送了一本命為「Gray s解剖學」的書,成為他住院期間最佳消磨光陰的書籍,這些圖象也深 深的影響他早期的畫作,也成為他往後樂隊的名稱。也是七歲時父母親不和而仳離。1974-1976年返回海地居住,1976年重返紐約,入學結交Ai Diaz成為好友。這時期他開始與Ai Diaz走上街頭塗鴉,活躍於蘇荷區畫廊一帶,自由形象的符號及書寫句子,帶有幾分詩意,經常簽上「SAMO」,戲謔或幽默意味著「同樣老套」的意思。

巴斯奇亞1978年被勒令退學並離家出走,開始過著波西米亞式的生活,為了生活在街道上販賣汗衫及明信片。開始著迷著音樂,参與樂團,進出紐約的地下文化年輕人的基地「Mudd」及「57」俱樂部。這是當時藝文界的天堂,在這人文 薈萃的地方巴斯奇亞巧遇了搖滾樂手Bowie、Madonna、Warhol及哈林等人,其 中Warhol也買了他親手所繪的明信卡片,給予不少的鼓舞及肯定其藝術才華。這時也認識策展人及藝評家Diego Cortez,隔年在紐約東村這藝文圈中漸漸走紅 ,經常上Glenn Obrien電視節目出現。1980年新時代的來臨,紐約正處在新舊交替的時刻,新藝術思潮的興起,六月天在紐約紅燈區第四十二街的時代廣場, 與龐克及塗鴉族的藝術家一起聯展,開始引起媒體的注意。隔年詩人及藝評家Rene Ricard,在著名的Artforum發表了一篇「容光煥發的孩子」一文,提拔並將巴斯奇亞推上國際舞台。另一貴人藝評家Diego Cortez對巴斯奇亞的畫情有獨鍾,不只以文介紹他並找人收藏他的作品。這時候巴斯奇亞與其塗鴉夥伴Ai Diaz分手個自尋求發展,巴斯奇亞正式畫了起來,街頭上不知何時有人書寫著「SAMO之死」的句子,喧示一個時代的結束。

在1981年這新時代的藝術更替裡,巴斯奇亞参與Diego Cortez策畫的一個「紐約/新潮流」大型展覽在長島市的P.S.1,如此正式把巴斯奇亞推上紐約藝壇,受到很多藏家的青昧及收藏,時來運轉的走紅。隔年經常與80年代的重要名家Julian Schnabel 、 David Salle、Francesco Clemente及Enzo Cucchi們一起展出,這股新潮流人們很快稱為新表現主義,一種新時尚及新風格的崛起。明顯地,在這190-82年時期的影像,強烈表現性的色彩,充滿文學性及感性,經常出現骷顱人物及類似面具的頭像,還有其街頭生活的元素如汽車、警察、建築物等,加上書寫文句與自由形象的塗鴉符號。

為了現實的生活,巴斯奇亞與安妮娜 諾賽畫廊合作,並在安妮娜 諾賽的鼓勵下拼命畫畫。畫廊以廉價贈品的方式大力推銷他的作品,並在1982年為他舉行個展,獲得眾多好評,奠定他成名的基石,也在這期間巴斯奇亞染上毒癮,他說「我為了紓解壓力吸了不少毒品」。1983年巴斯奇亞成為紐約竄紅的明日之星,在這期間與其心目中的明星Andy Warhol見面,這對藝術家有十分鼓舞的作用,因為「每個人都會成名十五分鐘」,並與Warhol合作作畫,兩人建立濃厚的感情。他並加盟當時最受注目的畫商Mary Boone手下,1984年5月的為他舉行盛大的個展,巴斯奇亞一炮而紅,並藉助Andy Warhol的媒體影響力,就這樣從新秀成為明星。這期間他凸顯其個人歷史及獨特的黑人身分,畫作中出現眾多黑人形像、街頭藝人、婦女、玩具
、卡漫人物等等,經由剪貼、書寫、大小拼圖之多重元素組合建構,在表現性及主觀的色彩下,充滿暴力及能量,作品都相當感興與文學性。1985年巴斯奇亞成為紐約雜誌的封面風雲人物,在「新藝術、新金錢及一位美國藝術家的推銷」主題下,巴斯奇亞成為家喻戶曉的紅頂藝術家。

巴斯奇亞聲望日正當中,藝術創作進入成熟階段,以一種新技法混和繪畫、塗鴉及剪貼,集景式樣的拼置畫面,開發一種新類型的自由形象繪畫風格。在這期間以完全依賴毒品,1987年Andy Warhol去逝,也深深的在巴斯奇亞心裡投下陰影。長期在過分毒品的摧毀下,身以不由已,1988年8月12日因吸毒過量致死,結束戲劇性及傳奇性的一生,宛若一顆彗星畫過星空,流下藝術永恆的光彩。

(謹以此文紀念巴斯奇亞逝世23周年) (Jean-Michel Basquiat「自由的藝術」回顧展於2010年10月15日至2011年元月30日於巴黎市立現代藝術美術館展出。)

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