Archive

Archives pour 02/2013

普普藝術每位藝術家們的特徵:

Andy Warhol(1931-87) Selportrait 57×57 1966 法國St-Etienne現代藝術美術館典藏

Andy Warhol 1928-87 Large flowers 1964 荷蘭阿姆斯特丹現代藝術美術館典藏

Larry Rivers 1923- 奧林匹克 1970 法國巴黎現代藝術美術館典藏

Tom Wesselmann 裸女 85 私人收藏

Roy Lichtenctein 1923-1997 英國倫敦新泰德現代藝術美術館典藏

C Oldenburg Frorn the Entropic Library 1989 法國St-Etienne現代藝術美術館典藏

消費社會\大眾文化

圖與文/陳奇相

細心觀察我們身旁平常被人們所忽略的東西(物體)﹐或我們習以為常視若無睹意想不到的﹐把其當作一種藉口來加以處理轉移而展現。

Ardy Worhol :希望自己是台機器來製造消費社會之產品﹐專門透過大眾傳播媒介之影像﹐無個性的大量複製﹐在一種自戀狂的物質崇拜﹐而達到愚弄人的程度﹐使自己的人格和作品都成為一種商品。

Roy Lichtenstein :接受平面表現的繪畫方法﹐從消費社會的卡通漫畫之複製轉移成為有組織的繪畫﹐然而也仿造印刷網點﹐一點不遺漏地照抄﹐從立意統一中﹐以模擬連環圖畫作為策略手段﹐溶合在繪畫表現裡﹐是一種使觀眾自己去探究它之價值的企圖。

Janes Rosenquist:接受平面繪畫的表現﹐從大眾文化社會之自然消費影像中抽樣的綜合﹐剪輯﹐重疊﹐併置出的一種戲劇性的繪畫﹐然而在這些具象圖像之併置﹐重疊中有時構成近乎抽象之效果的綜合意象﹐如同電影看板似的文學性敘述之普普典型。

Tom Wesselmenn:物體之再現並有時加上現成物。以平面繪畫為主體﹐早期更加上現成物配景建構成形﹐他的藝術圖形都來自大眾社會消費的色情影像和生活起居之室外景致(或靜物)之描繪﹐或加上現成物配置形成一幅畫或一幅畫﹐抒情的在日常生活的想像趣味性中。

Claes Oldenburg:在繪畫與雕刻之間游移不定﹐模擬消費食品及家庭器具等等﹐是為了使人們能習以為常的認識物體之能力﹐而具有一種教導的目標﹐有反常軟的雕刻和硬的模型雕刻﹐專門把日常生活用品﹐工具神奇性的放大﹐在想像與現實中成為難以想像的紀念碑之體積﹐更成為出乎意料的雕刻。

George Segal:物體之再現﹐加上現成物。以社會人物為主的實物翻疇再製之物體﹐進而配合各式各樣的社會形象主題﹐依據主題之現成物安置成場景狀態﹐構成社會日常生活層面之各種情節﹐在現實與想像的體積中﹐成為種普普藝術三度空間的典範﹐並開創環境藝術的範疇。

Jim Dine:物體的再現﹐透過現成物的意象再以繪畫描寫現成物(一種影像的再現)﹐在現實與想像中成現消費社會日常生活現象景致。那麼他最具典型的作品是將現成物(衣服﹐臉盆﹐工具等等)黏貼於畫面上﹐並粗枝大葉的描繪或寫上各式各樣的名稱。

Larry Rivers:物體的再現﹐繪畫意象由半立體所構成(也就是說以木板切割造型)或看圖解讀的一種圖畫。常透過繪畫史之影像﹐宛如後現代的模擬主義者們﹐例如馬內的圖畫以幽默的方式轉移對調形式之浮雕形式繪畫﹐或圖解加點色彩或在畫法上動腦筋等等之典型普普。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

George Segal(1924-2000) :

電影售票員 66-67 法國巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

Bowery 1970 瑞士Kunsthaus Zurich現代藝術美術館典藏

圖與文/陳奇相

George Segal(1924-2000) : 他的雕刻作品並不是雕出來的﹐而是直接拿主題人物來作{活的翻模} ﹐就好像他無法相信自己的眼睛所看到的東西般。然而在他那些白石膏人像之展出中。﹐經常配合各種意圖展現的場景景觀之現成物體裝置成景。就使觀眾們有如身歷其境的感覺﹐是種環境藝術觀念之賦予那{記已存在}的概念。他的作品則在此範疇的邊緣徘徊﹐因為他認為藝術品應該將觀賞者的所有感官知覺包括在內﹐而不應只是視覺而已。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

Claes Oldenburg (1929):

Giant 3-way plug scale 3-2 1970 英國倫敦新泰德現代藝術美術館典藏

Soft Drainpipe-blue version 1967 英國倫敦新泰德現代藝術美術館典藏

圖與文/陳奇相

Claes Oldenburg (1929):他的藝術嘗試是有關於陳列之效果方面﹐他的東西在雕刻和繪畫兩大領域間游移不定。從這些漢堡到壓碎的洗澡盆或 WC﹐和家庭用具等等一應俱全。然而這些東西有時是仿造的模型﹐裡面天填滿了棉花﹐或沒有的就變成軟雕塑﹐或是用卡紙仿製則變成硬體模型雕塑再加點色彩。

Oldenburg說:「我採取一種很天真的模仿行為﹐這並不是因為我毫無想像力或者因為我想說些日常生活的事物﹐我模仿的事物分為兩大類:一﹐物體﹐二﹐被造出來的物體﹐例如象徵符號便是﹐象徵符號並不是欲使之成為{有藝術感}而被製造出來。而它卻很自然地包含了一種有作用力的當代神奇﹐而我則嘗試的經由我自己天真的想法﹐來將此作更進一步地推廣﹐這並不是虛偽膚淺的﹐所謂更進一步的意思就是說﹐我要賦予它們更大的力量﹐更加考究它們的相關性﹐我並不想使它們{藝術化}這一點是我們必須了解的(而這一點像極限藝術的某些觀點相接近)﹐我之所以模仿這些東西是因為我要人們能習慣於認識物體之能力﹐我的工作具有一種教導的目標。」

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

Jim Dine(1935):

Putney Winter Heat 183×183 71-72 法國St-Etienne現代藝術美術館典藏

Jim Dine(1935):是位接近新達達主義的藝術家﹐他有兩種特質使得他與Rauschenberg和Johns兩人有著極密切的關係(在使用現成物或繪畫本質之應用﹐或是像Rauschenberg一般的從事即興﹐偶發表演等等)。就精神而言Dine是一位綜合及集景的藝術家。他的主題便是實物的各種不同樣貌﹐於其最為典型的作品裡﹐他將一些現成物一如衣服﹐臉盆﹐工具等等黏貼在畫面上﹐然後粗枝大葉的配合這些物體描繪情節﹐那通常把所表現的東西﹐小心翼翼的寫上名稱。

然而當我們愈是仔細的考察美國普普藝術﹐我們也就愈加發現到它並不是在贊美大眾文化﹐甚至也不是一種反大眾文化之行動。反之﹐在普普藝術裡通俗的意象乃是被當作一種藉口來加以利用﹐它變成了一種偷偷摸摸地進入玄奧哲學問題裡之手段。那這些藝術家們﹐當他們被詢問的時代﹐幾乎總是要談到觀察事務之方法﹐而並不是談我們真正看到的是些什麼事物﹐各種廣告﹐標誌﹐連環圖畫﹐以及其他等等真正吸引人們的地方。只要當我們想起這個問題的時候﹐便會發現﹐似乎是在於它的意象乃是{被給出來的}。{無緣故地}在那兒﹐也就無需去為重新創造的問題弄得頭昏腦漲﹐。然而美國普普藝術家們並不像英國普普藝術家們那樣﹐將他們所處理的事物蒙上一層浪漫主義的外衣。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

Janes Rosenquist (1933):

frosting 1964 荷蘭阿姆斯特丹現代藝術美術館典藏

Target 122x122cm 1996 私人收藏

Janes Rosenquist(1933):普普藝術之另一種典型﹐也是聚繪紛紛的問題:普普藝術雖然是具象的﹐但是看起來它似乎無法利用它自己第一手觀察所得到的意象的﹐那為了存在起見﹐它的意象必須經過某種程序。畫家Rosenquist說:「我對於廣告牌﹐就將它當作是廣告排地來處理﹐我畫它就如同是在翻版其他的東西一般﹐但我設法儘可能的遠離它」。他將各種廣告招牌之意象﹐以一小塊一小塊的方式併合起來﹐進而產生一種近乎抽象之效果的綜合意象圖畫。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

Roy Lichtenstein(1923-1997):

Entablature 178x284CM 1975 法國 St-Etienne現代藝術美術館典藏

筆觸 94x133cm 1984 私人典藏

筆觸 94x133cm 1984 私人典藏

Roy Lichtenstein(1923-1997):接受平面表現繪畫的方法﹐而仿照印刷網點一點也不遺漏地照抄不誤。他曾說:「所謂藝術是有組織之概念也」又補充的說:「觀賞一幅繪畫作品所取的任何外表形式無關﹐與它有關係的乃是構成一種統一的觀賞之模式途徑是什麼 ?」

Lichtenstein早期作品都是根據通俗連環圖畫而畫的﹐甚至於連彩色網點一點也不漏地照抄。有一次人家訪問他說道:「我想我的作品和連環圖畫是有所區別的﹐不過我也不稱為轉換﹑﹑﹑那我所關心的是形式﹐至於通常的連環圖畫﹐並沒有我使用的{形式}是這個詞之意義的那種內涵」。連環圖畫的確是有造型﹐但是它們並沒有花心血在使它們更強而有力的統一起來﹐我們之間的目的是不同的。一個是意要描述﹐另一個則是立意要統一。而我的作品和連環圖畫是的確不同的﹐每一個地方都是如此﹐儘管在某些人看來這種差別是多麼微小。

也就是說他之模仿連環圖畫乃事一種策略手段上的問題﹐而且是一種溶合繪畫表面之手段﹐而他的另一個目標則可以在此一幅叫{筆觸}的畫作裡﹐很明白地看出來:同樣地也是一點不漏地(連圖畫中之印刷網點一點不漏的照畫之)﹐像這樣的題材﹐對於一個抽象表現主義的畫家們可能筆一揮便完成地﹐在這一系列的連作中是一種{遷移法}之實驗﹐這個經常在Lichtenstein的談話裡出現﹐同時是這也是一種要使觀眾自己去探究它的價值之企圖。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

Andy Warhol(1930-1987):

Self -portrait 1986 英國倫敦新泰德現代藝術美術館典藏

Ten Lizes 1963 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

img145 Andy Warhol Furniturein the Valley I II 127X116CM 1982

前 Andy Warhol Brillo 盒子 後 J-M Basquiat Budha 1984

Andy Warhol(1930-1987):是美國普普藝術家中﹐最讓人議論紛紛﹐同時也是最為著名的一位。他的活動遠遠的超越了傳統繪畫的範圍:電影﹑策劃夜總會節目﹐製造廣告等等。然而 Warhol本人對於{個性}這個詞所抱的態度是很混淆又曖昧﹐他宣稱他本人意願成為{一部機器}﹐他除了製造某些工業化的產品之外﹐並不畫(在此我們可以從1957年Hamilton所寫下的:普普的特質中找到那大眾化的﹐消費的﹐迷人的﹐及企業化的﹐大量生產的等等﹐都能引證Warhol作品的特性)。

1965年在費城舉行回顧展時Samuel Adams Green評論如下:「他的繪畫語言包括了一切陳腔濫調的口頭禪﹐在我們這個時代以前﹐從來沒有任何一種文化曾經想像到世界上會有這麼多絕對無個性的﹐機械製造的﹐從未沾過手的日用品。Warhol利用了那些已經經過了長期的考驗之廣告世界的視覺力量﹐和生命力之技巧﹐他關心包裝本身更甚於包裝物。Warhol乾脆地接受了群眾人們習性的英雄人物們﹐而不去追究它們的意義﹐因此接受了它無可避免地事實。它們反而比你去反對它的時候﹐更加易於處理﹑﹑人們接受那些被榮耀的傳說先於人們之直接經驗的實在性﹐以致於使得那些傳說變成平庸陳腐﹐竟至於失去了他首次激起我人之興趣的那個特質。」

事實上﹐Warhol比其他普普藝術家們更極端。然而他所關心的似乎是在於使我們對眼前所遭遇之事物反應更加麻木﹐例如:可口可樂﹐瑪麗蓮夢露﹐電椅﹐汽車事故﹐種族暴動或自畫像等等之意象以照片放大方式不斷的重複﹐而用捐絹印將它轉換至畫布上。這種意象之重複及色彩用法乃是一種道德與美的{空白}之證明﹐一種自戀狂對物質之崇拜﹐而達到這樣子的使人們感到惱怒。藝評家Frank Oaara說:「大多數普普藝術在本質上都是一種{偽裝}﹐並且都是一種臉像樸克牌般的毫無表情之企圖﹐想要看看到底群眾相信它到甚麼程度呢?然而這種態度發揮到了極端﹐而達到一種愚弄人的程度呢?」

然而Warhol的絹印繪畫作品之重複意象和{極限藝術}幾乎並沒有太太的區別﹐因為雖然他的作品是具象的﹐但是它們也幾乎都是沒有任何內容的。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

普普藝術(Pop-Art):

Andy-Warhol 電椅 1967 法國巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

Roy Lichtenctein Whaam 1963 英國倫敦新泰德現代藝術美術館典藏

James Rosenquist Silo 1963-64 英國倫敦新泰德現代藝術美術館典藏

Oldenburg Ghost Drun Set 軟雕刻 1972 法國巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

Richard Artschwager Door-Door II 1984-85 painted laminate and wood 英國倫敦新泰德現代藝術美術館典藏

Richard Hamilton The citizen 1981-3 英國倫敦泰德現代藝術美術館典藏

David Hockney Great pyramid at giza with broken head from thebes 1963 英國倫敦泰德現代藝術美術館典藏

普普藝術乃是在對抽象表現主義之挑戰—或者看來是在向它挑動—這可以分成三種不同的看法:一﹐普普藝術是具象的﹐而抽象表現主義幾乎完全是抽象的。二﹐普普藝術是抽象表現主義的另一種{更新}。三﹐普普藝術乃比抽象表現主義更{美國式}的。

其主要藝術家們:美國藝術家:有Andy Worhol(1930-1987)、Jim Dine(1935)、Claes Oldenburg(
1929)、Roy Lichtenstein(1923-1997)、Janes Rosenquist(1933)、Larry Rivers(1923-2002)、
、George Segal(1924-2000)、Tom Wesselmenn(1931-2004)、 Richard Artschwager(1924-2013
)、Robert Indiana(1928)、Edward Ruscha(1937)。英國藝術家:Richard Hamilton(1922-2010)、David Hockney(1937)、Peter Blake(1932)、Clive Barker(1940)、Patrick Caulfield(1936)、
Derek Boshier(1937)、Peter Phillips(1939)、Joe Tilson(1928)等藝術家。

1957年Richard Hamilton寫下他所尋求的特質是:「大眾化的﹐短暫性的 ﹐機智性的﹐性感的﹐消費的﹐迷人的﹐年輕的﹐企業化的﹐大量生產的﹐花費低廉的等等」。像這樣的藝術﹐不可能由人來製造﹐因為它並不是民俗藝術﹐那Hamilton所稱謂的:「過濾之後的次要物質之一幅新風景」。

普普藝術的由來:

普普藝術純屬盎格魯 沙克森民族之產物﹐同時以各種類似的消費影像出現在英美兩地。那麼普 普兩字首次出現在英國﹐由英國普普藝術家們像John Mchale及Banham等作家和Hamilton等人們從1952年來互相辯論而產生。而後在1956年的時候這個團體舉辦了聯展在{白教堂藝術畫廊}在倫敦當代藝術學院展出﹐主題為{這是明天}﹐一種半考古﹐半數諷刺﹐戲劇性的展出。在此展中﹐由Hamilton所提供在入口處之作品﹐以剪貼所完成的繪畫作品標題為{到底是甚麼東西使得今日的家庭看起來是如此的不同凡響}如此的吸引人們呢?在這一幅畫中由那個肌肉強壯的男人手上拿著一隻字巨大無比的棒棒糖﹐上面出現{Pop}這三個字。而由於這一件作品遂導致了許多有關於普普藝術成例﹐其中當然包括利用現成的意象在內。

英國藝評家Alloway在1959年所說:「大量生產的技術(包括可以複製的字句﹐圖畫和音樂)形成了一大堆符號與會象徵兆﹐若以文藝復興那種藝術獨特性之觀念來理解這個尚在探索的領域﹐那麼無疑是一件失當的事﹐接受這種大眾傳媒可以幫助我們瞭解文化的真貌﹐我們應該多使用文字來形容{這個社會面貌}﹐而不要只用來服務歷史上的十大思想和高級藝術」。

Categories: 名畫賞析 Peinture Tags:

藝術無所不在-但無關乎美也:

藝術無所不在-但無關乎美也

美-都是異樣的

在這現實顛倒世界裡,『醜』有時候也很『美』

Dirk Skreber in 1961 USA Untitled -crash 2001 Saatchi Gallery

Peter Buggenhout in 1963 Belglum The blind leading The blind -26 126.5x166x150 cm 2007 Saatchi Gallery

後面- John Baldessari in 1931USA Beethoven s Trumpet-With Ear -Opus -133 186x183x267 cm 2007 前面- Berlinde de Bruyckere K36-the black horse Polyurethane foam horse hide wood iron Overall size -295x286x158 cm 2003 Saatchi Gallery

生活間創意無所不在,它是人類文明的原動力,創作力是存在最為主要的能量及活力,不斷的創造力是生命的活源,它造化每個人的生活及創造美滿的社會與美麗新世界。創造力,不一定都要披著「藝術」之名,如此藝術就不需要一定要在藝術體制範疇(美術館、畫廊、藝術中心等)中,廣義的說生活空間中藝術比比皆是且無所不在,只要敏銳點,就能看到及體會得到,不見得必須美其名,這也不一定要關乎美也。

明顯地,藝術精彩無比地無所不在,且是無關乎美,美並不是人間事物與藝術的標準及尺度,因為其中還牽涉到善與真。「美」隨著地域、時空、文化及傳統而異,還有其物質及精神的美感,當下的心境,成為美的感知及覺受的原初。無所不美,卻無關乎藝術,顯然,美是不完整的,在相對的二元性心智中,如果沒有醜,如何顯現美,美是比較性的嗎?還是感受性的呢?一美一切美下,放下對立,方能遇見喜樂的內在世界。

綜觀近代西方藝術史,每個時代開疆闢土,其創作都無關乎美,美是被藐視的,甚至被詛咒的,媚俗的藝術,很容易就被「美」所遺棄,難怪法國浪漫主義詩人波特萊爾(Charles Baudelaire)說:「美-都是異樣的」。長江後浪推前浪,並非沒有原因,此浪非彼浪下,必有其不同的人生觀、藝術觀,對價值提出疑惑,對美感經驗也不列外。例如,寫實主義大師庫爾培所畫的裸女,當時被譏諷說:「他所畫的裸女掉到水溝,鱷魚也不會咬她」,可想而知,這是對美的藐視,也是對社會大眾的挑戰,除舊佈新,需要相當的勇氣及見解,如今你用甚麼眼光欣賞她呢?

現代藝術比比皆是有趣的列子:野獸派則是被罵出來的,這簡直像野獸般之形容詞,挑戰世俗美感,及時代的價值觀。更激進的達達主義如反對所有一切,總之反對這個世界的機械化,聲稱藝術可以是邪惡的、厭煩的、粗魯的、甜蜜的、危險的、悅耳的及醜陋的或是眼睛之享宴的等等。八十年代的邊緣性的牆上塗鴉或是新表現主義的「壞畫」啟不也是如此,詛咒及藐視傳統美感經驗,創作無關乎美也。法國當代藝術團隊蓬舒納特(Presence Panchounette)寫道:「在這現實顛倒世界裡,『醜』有時候也很『美』」,如是如樣,藝術無所不在-但無關乎美也。但,明顯地,藝術的真相是扣人心弦似乎比美感經驗更動人,雖十分沉重及悲壯,但卻如是如樣的映照當下虛偽的社會處境,真相總是讓人難以接受及面對的,真相 總是在不言中,就像美一樣迷人。真相不只改變藝術,並改變世界,哲學家尼采說:「我們創作藝術是為了不讓『真相』夭折」。

Categories: 巴黎 Paris Tags:

美無所不在-但無關乎藝術也:

無關乎藝術-讓疲倦的軀體能獲得休息的「寮」

有個空間坐下來-納涼的地方-無關乎藝術

比巴黎龐畢度現代美術館「Ben」商店更精采的物體裝置

精彩無比的物體結構-無關乎藝術不藝術

生活似乎比藝術更生動更迷人

喜出望外的創作-無關乎藝術

無關乎藝術的生活最自然最自在

美無所不在-但無關乎藝術也

農夫並不認為的美學-足以成立美學論點嗎?

明顯地,創意無限,在社會的任何角落,比比皆是,這是人類最大的能量及活力

生活一向都在都會中打滾,巴黎都會的生活不只在水泥森林中,還在自稱文明的藝術裡,從博物館、美術館、當代藝術中心、畫廊等等,這樣看還不夠,連都會邊緣的牆上塗鴉一點都不放過它,看盡都會所能展演及所有可能的「看」。從當代、現代、古代或是甚麼「代」都好,東西方,當代前衛及文明古物,一覽無遺,只要想看,就盡在眼前。藝術都在這些美術及藝術體制中嗎?除此之外的呢?算是藝術嗎?那生活裡,能引起好奇的或是另眼觀看的呢?人們所認為的,或無所認為的,都能美其名稱謂「藝術」嗎?

價格取代價值的時代裡,商品化後,市場成為藝術世界的指標下,價值被蒙蔽,當然,這不是藝術的錯。應也沒有錯,在這資本主義自由市場中,沒有甚麼是無價格的,藝術操縱就如股票,有何不可,有本事的人當道,魚目混珠是必然,因為醉翁之意不在酒。如此製造出一大票有眼無珠的藝術貴族,「頌」得好。這些並不損藝術的本質,有眼光及眼力的人不會被迷惑被蒙蔽,撥雲見日,理所當然。走出體制,下鄉去走走,呼吸自然新鮮的空氣,品嘗另類的情境,淨化心智,煥然清新,遠離塵(或城)埃,免得受感染。

下鄉,高山綠水,秀麗田野,擁抱青蔥翠綠的自然美景,品茗土地的芬芳,很踏實,心智煥然一新。樸素的鄉野,沒有品頭論足,沒有文明的困惑,就是如此的自然,日出而作,日落而息。似乎沒有甚麼比自然更宏偉壯麗,在大自然下「藝術」兩個字應是文明的謙卑,還有甚麼可品頭論足的呢?在太陽底下那有啥新鮮事,反璞歸真的生活,找回人類自然的面目。

下鄉,奔放在自然裡,一切是如此的自在與美好,享受陽光及空氣,美的事物及景色盡在眼前(這並不比藝術不精采),也體會農夫 (我自認為) 的「另類美學」(都會文明的人,有點高估了樸素生活的意義)。他在他的瓜田梗上只為了避風遮雨,以他眾多破爛不堪的工作服及生活中所撿來的器具及物體所搭出的「寮」,只希望在工作累的時候,能有個地方坐下來倚靠,讓疲倦的軀體能獲得休息,或是裝模作樣讓人(認為有人在)不會來偷襲農作物而已,並不是甚麼藝術不藝術。另外,又在檳榔樹下,菜圃邊,以繩子將大小不一的塑膠布及拾來的塑膠罐作為拼裝,繞成一大圈,以便驅鳥,讓鳥兒們不來討食,擾亂他的菜園而已,如此單純的動機,踏實生活下的創作,那來藝術的動機呢?這以形構成為一種在地的地景「ART」乎?是我自認為的,農夫先生一點都不在乎你的「ART」稱謂。這也是我們自稱的藝術眼光嗎?誰鳥我的藝術觀點呢?這可能藝評人的習氣吧?看來我在大自然底下還不能彎腰謙卑,還有待學習學習,喜出望外的下鄉,讓我看到我是誰?明顯地,創意無限,在社會的任何角落,比比皆是,美無所不在-但無關乎藝術也,這是人類最大的能量及活力。

Categories: 巴黎 Paris Tags: