Archive

Archives pour 06/2013

Ivan Navarro -「Where is the next war?」個展:

Ivan Navarro -「Where is the next war?」個展現場場景之一

Ivan Navarro -「Where is the next war?」個展現場場景之一

Ivan Navarro nada-ello dira 122x122x25.5cm 2013

Ivan Navarro nada-ello dira 122x122x25.5cm 2013

Ivan Navarro con razon o sin ella 122x122x25.5cm 2013

Ivan Navarro con razon o sin ella 122x122x25.5cm 2013

Ivan Navarro farandula de charlatanes 122x122x25.5cm 2013

Ivan Navarro farandula de charlatanes 122x122x25.5cm 2013

Ivan Navarro farandula de charlatanes 122x122x25.5cm 2013

Ivan Navarro untitled -twin towers 10.5×146.5×146.5cm 2011

展出地點:Daniel Templon畫廊
展覽日期:4月25日至6月1日

圖與文/陳奇相

Ivan Navarro(1972年出生)是當今燈光探討最具代表性的藝術家之一,旅居美國紐約的智利藝術家。五月份參觀英國倫敦「燈光秀」特展時,就看到他紀念碑形式的摩天大樓「Chile reality show-silver」物體裝置,上次在D Templon畫廊個展時他展出的是工業燈光管建構的光線雕刻作品。這次個展中則是充滿躍眼迷惑的霓虹燈物體裝置。他使用光線就像基本的素材媒介,建構為燈光雕刻,轉換空間成為視覺守法的場域空間。Navarro 借助現代主義的經像揭發一種虛空的形式主義的危機,轉換極限美學成為一種實質社會與政治批判的參與。成長於智利Pinochet軍人獨裁統治下,如是他的作品經常糾纏於權力、掌控及囚限軀體或心理學的問題上。

Navarro -「Where is the next war?」個展主題來自於19世紀西班牙畫家哥雅戰爭災難版畫命題。形式則借助德國藝術家Josef Albers,系統化且有秩序,同時又具有實驗性的視覺錯覺效果之開發,其最著名的「四方形之讚禮」。整體在以四方形式為主體的探究裡,宛若方形的無限伸展的圖畫-窗戶,在不斷閃爍跳動霓虹燈程序中,藝術家同時在窗戶上,銘刻書寫文句如「當下的痛苦」或「他們無法準時到達」等等,語言是一種意識靈光的閃現,映照兩重的感覺,示現慘痛的記憶在表象及真相之差距間,以表達他對當今社會及政治的情境及觀點。除之,在小展廳兩件平鋪在地面上的「Untitled-twin towers」白霓虹燈裝置,無限向地底延伸,暗喻美國紐約雙子星摩天大樓,藝術家解釋說:「這是一件反美國經濟權力紀念碑,負載著他固有的社會創傷」(註)。

附註:資料來自Navarro -「Where is the next war?」個展Daniel Templon畫廊新聞稿。

Categories: 藝術 Art Tags:

Gianni Motti的「Moneybox」個展:

Gianni Motti的「Moneybox」個展空間裝置場景

Gianni Motti的「Moneybox」個展空間裝置場景

Gianni Motti的「Moneybox」個展空間裝置場景

Gianni Motti的「Moneybox」個展空間裝置場景局部

展出地點:Perrotin畫廊
展覽日期:4月20日至6月15日

圖與文/陳奇相

Gianni Motti (1958年出生)是當下義大利最具批判性及非慣列的藝術家,其探討都針當前西方新自由主義矛盾反常經濟體制及社會或是更明確地揭發資本主義的貪婪,他這種行為態度接近七十年代德國藝術家Hans Haacke。他整體創作環繞在「藝術與政治權力的關係」經常質疑政經權力,以幽默諷刺的手法揭發社會真相。如1997年他取代印尼代表參與聯合國53屆人權大會。或2004年在法國巴黎Roland Garros網球賽時,在觀席台上,他摸仿伊拉克Abu Ghraib監獄囚犯以塑膠袋套在頭上議論,引起眾人關注。
2005年,以藝術質疑資本主義世界,特別在蘇黎世Migro美術館收次回顧展時,他在展場上建構一座大迷宮,觀眾大門口入直接引導至後門出,似乎告訴觀眾藝術沒有甚麼可看的,讓觀眾一團迷離之霧水,批判當今藝術市場的瘋狂操縱抄作。

2005年他受邀參予瑞士Basel當代藝術博覽會,於Unlimited展區,激進的把自已關在標籤的籠子裡,在這國際當代藝術市集中,提共一種超現實的形像,批評金融風暴後水漲船高的藝術市場抄作,這種活生生態度行為雕刻,讓人聯想到義大利藝術家Piero Manzoni。2009年在瑞士日納瓦銀行及商業區前,插上一隻白旗,諷刺當前全球經濟及威脅下的金融體制,到底是向金融體制投降,或是對當前資本主義的徹底失望之批判?同時豎立一尊(銀行家)稻草人,示意脆弱的傀儡,揭發當前金融依存這些犧牲者們的財富上

明顯地「Moneybox」個展,也在一種喜氣洋洋的張燈結綵氣氛下,他將這展覽展出的預算總額,以一元美鈔宛若節慶日般的綠色紙鈔懸掛在四間展覽空間上,輕鬆自在的氣圍下,暗喻當今全球經濟及金融體制都被美元所綁架及挾持。自第二次世界大戰後「美元-石油」的機制下,全球經濟及金融也隨著綠色鈔票「美金」起舞,美國打噴嚏,全世界都感冒,2008年全球經融危機,就是一個相當好的例子。當今世界經濟進入寒冬,西方開發中國家國債負纍纍,成長疲軟,投資萎縮,財政不斷惡化下,跨國資本主義囂張地挾持國貿體制,還繼續到處收刮世界各地資源。當美國國債大到不能倒的情境下,大量印製綠色紙鈔,讓世界都挫代等下。血汗工廠是如何造成的,自然環境付出慘重的代價,經濟及金融綁架下跨國殖民是必然。哀哉,在這經濟及金融寒冬時,物價節節上揚,沒人雪中送炭,卻還明目張膽及理直氣壯的,操縱民生物質糧食,趁火打劫。人類的前景依附在跨國資本主義的貪婪無盡下,那麼,人類何去何從,心知肚明。

Categories: 藝術 Art Tags:

Jammes Turrell 個展:

Crater’s Eye 14 x 26 x 52 cm 2007 Bronze, plaster, wooden plinth, in 2 parts,

Prado, Red, 1968 Light Projection Installation

Prado, Red, 1968 Light Projection Installation

Prado, Red, 側面 1968 Light Projection Installation

巴黎大皇宮歐普藝術1913-2013「Dynamo」展出作品 awakening 2006 bois.verre.tubes fluorescents et variateurs

巴黎大皇宮歐普藝術1913-2013「Dynamo」展出作品 awakening 2006 bois.verre.tubes fluorescents et variateurs

巴黎大皇宮歐普藝術1913-2013「Dynamo」展出作品 awakening 2006 bois.verre.tubes fluorescents et variateurs

巴黎大皇宮歐普藝術1913-2013「Dynamo」展出作品 awakening 2006 bois.verre.tubes fluorescents et variateurs

展出地點:Almine Rech畫廊
展覽日期:6月1日至7月13日

圖與文/陳奇相

Jammes Turrell (1936年出生)是美國70年代最為別開生面的一位藝術家,也是美國最具精神性探討的藝術家美國西海岸的藝術家,定居在Arizona,是西方最早使用燈光的藝術家之一,在激進的最低限主義者美學探討中,是美國藝壇中最為純粹及精神化的一種藝術展現。他說:「我從所使用的光線素材中,覺察這媒介。我的工作並沒主題,覺知才是主題,沒有影像,因為我對思考的聯想並不感興趣」(註1) 。

他是經由對「環境感覺」,在科學性的探討及心理學的感知上。分析各種不同相互影響在空間及光線之間,他最著名的作品都是「燈光的作品」(Light Pieces)空間裝置。都在昏暗漆黑的封閉空間裡浮現出一大幅迷惑人的單色圖畫,當人們進入展場後,等眼睛習慣昏暗後,形而上畫面及實質迷惑人的顏色慢慢顯露一種不可靠性的深度,當人們用手去觸摸圖畫時,根本就不存在,它是一種看不見的深度,透過一種色光均勻的漫射經由燈光箱盒的環境空間裝置,詩情畫意,充滿想像空間,呈現出一種別具一格精神狀態場域。Turrell 寫道:「感性空間接受全部展覽室的光線,它是外在的並成為這樣子的表現。我們觀賞空間內部是觀賞空間本身,在那我們找到空間是種感覺」(註2)。

Turrell於1966及1967間就開始使用燈光投影,早期的作品都是白色。1968年彩繪的色彩出現,每個作品都由四盞halogène燈投影,依空間屬性安置在對角牆內或平放,幾乎都呈現幾何圖形,經常都是迷惑人的單色「紅」。1967年首展在加州Pasadena博物館展出,找到贊助者,方能繼續他的實驗探討在加州藝術美術館之科技藝術單位,認識藝術家Robert Irwin及覺察性的心理分析家Edward Wortz。方有機會讓他真正在漆黑暗室中實驗彩繪光線的效應及觀察環境視象,如是允許他開發出環境空間新的投影作品(註3)。

在這新個展中,Turrell展出他歷史性的一件經典性的燈光投影環境空間裝置「 Prado, Red」(1968年),在漆黑暗室中投影一塊洋溢的紅色吸睛的長方形,暗室成為觀眾沉思默想的空間,獨自與作品面對面,環繞在靜謐的氣圍裡,深入看的意識本質,進入形而上的色面。兩座「sun and moon space」(2006年)「crater s eye」(2007年)物體雕刻,藝術家依其亞馬遜(Arizona)荒漠山丘之光線觀察台(附註),縮減成為建築模型,示意經由實際光線觀察之開拓,在一種非凡宙神秘的體積。「stone moon side」黑白相片影像系列(1999年),「ellipse」彩色相片影像系列(2012年),都是有關星象微妙的光線探討

附註:Turrell最具代表性的是「Roden Crater」(1977年)作品,是一種光線的觀察台,宏偉壯觀宛若地景藝術般,這恩賜於美國兩個基金會,他在亞馬遜(Arizona)荒漠購置一座山丘,,在那兒他實現他最重大的光線開拓,就像在古埃及金字塔裡面般。山內建立連續八間展場在火山口內部,人們可以在此觀察自然千變萬化的光線,全部的光線「並不是顯現的運載物,而是顯現成她本身」,每一間都擁有一種特別的自然光線獨特的現象。藝評家克勞特 辛特茲(Claude Gintz)在「絕對光線」中、對蒂黑爾這件作品如此描繪寫道:「在這內部狹長的坑道參觀時,人們只覺察到光線,人們似乎慢慢地更接近光線,在一些太陽月的條件下,月層更南向,我們的衛星輪剛好和坑道成一直線(…)。那從坑道出來時對照那幽禁的空間時,忽然間啟開這麼活躍的感覺考驗,人們似乎經過天空那繃緊的一層膜般」(註4)這似乎都已經超越各式各樣的藝術範疇,直到一種非凡宇宙神秘的體積。

註1:Almine Rech個展新聞稿。
註2:繪畫及雕刻字典 巴黎Larosse 1991年出版 P74-75。
註3:Almine Rech個展新聞稿。
註4:「單色繪畫」,Artstudio N16,1990年春季刊P44。

Categories: 藝術 Art Tags:

Ann Veronica Janssens個展:

法國巴黎大皇宮命題為「Dynamo」大展法國藍燈光空間裝置 2006

倫敦「Light show」特展中的英倫紅燈光空間裝置 2007

倫敦「Light show」特展中的英倫紅燈光空間裝置 2007

法國巴黎大皇宮 戲劇性的紫及青綠都藉由乳化燈(halogene)投影形構 2000

Fantazy 濃霧環境空間裝置 installation Multicolored mist in natural light 2013 Variable dimensions

april Anlaglass bar 12 x 180 x 12 cm 2013

april局部 Anlaglass bar 12 x 180 x 12 cm 2013

Clémentine 玻璃水族箱局部 Glass, serigraph, paraffin oil, wooden base Glass cube 50 x 50 x 50 cm Base 50 x 50 x 55 cm 2013

Clémentine 玻璃水族箱 Glass, serigraph, paraffin oil, wooden base Glass cube 50 x 50 x 50 cm Base 50 x 50 x 55 cm 2013

展出地點:巴黎Kamel Monnour畫廊
展覽日期:5月16日至6月22日

圖與文/陳奇相

Ann Veronica Janssens (1956年出生) 是當前歐洲藝壇中青輩最具聲望的(比利時)藝術家之一,她的探討建立在現實感覺經驗上,經由多元及多樣性的勘探:雕刻、物體、投影、環境空間、裝置、都會參預等等,藝術家說:「我所感興趣的是那些從我身旁消逝的,並不是為了攫取這流逝的,而相反的是表現這無法掌握的。在我的工作中罕有客體。都是行為的參與,失控的,承擔及提供就像活躍的經驗。」(註1)

最近在兩個重要的主題聯展上,英國倫敦戲劇性的「燈光秀」及法國巴黎大皇宮命題為「Dynamo」盛大的歐普藝術1913-2013 大展中,都看到她以燈光投影的非比尋常作品,倫敦的為英倫粉紅(2006年),巴黎的為法國藍(年2007),都由七座投影燈聚焦的投映,彩繪暈染的環境空間作品。巴黎還有兩件戲劇性作品,紫及青綠(2000年),都藉由乳化燈(halogene)投影形構,在柔和色相及色感,表現及感性,氣氛及感知間。另一件更是迷人,在一間瀰漫著濃厚淡藍雲霧密閉空間裡,人們一進入就消失在輕飄飄空間中,伸手不見五指,讓人失去方向,不知身處何處,也不知旁邊有沒有人或是其他物體,迷失在濃霧裡,不知如何是好,有時候會互相碰狀而不自知,戲劇性的讓人體驗一種身心的新經驗。此次畫廊個展中,也有一件如是的作品,而且是溫馨的粉紅色-淡藍-淡紫緩慢交替濃霧間,小規模的空間,地面又滑,憑著感知我只好依牆面循進,見識當今藝術的另類軀體體驗,物理及心理,感覺及想像,行動及意識。這種濃霧空間裝置從1997年開始,首件作品在比利時Anver,2000年後白色濃霧成為溫馨迷惑人的色彩,別開生面地出現在柏林國家博物館-命題「Blue.red and yellow」。

在巴黎首次個展中,有四件物體,主空間地面上一件細長「I」IPE鋼鐵橫跨,鋼鐵表面上光亮如鏡面,反映周遭環境並與空間對話,在物理及心理,想像及意識間,彰顯虛實幻象。另一空間,兩件透明四方長透明柱樑,澄徹透明柱中有水,呈現在地面上,視覺上分成兩層,透明柱攫取四面八方所有的光線,與光線對話,依觀眾的角度呈現不同的變化,充滿視覺性。中央一座四方玻璃水族箱,依視覺角度分兩層,或是一層透明一層不透明,箱中水上一層濃厚黃色,箱下有時如鏡面,出現一種神奇影像效應,在消失出現間,如同三菱鏡面,在現實及想像,看得到地及看不到,出現即消失,物理及心理,物質及非物質間,充滿視覺效果。藝術家說:「這些涉及引發這些限制、超越及超出之經驗,於奇妙的、暫留的、浸透的、暈眩的、速度的與筋疲力盡的形勢中。都是我所感興趣的,因為她們允許人們組織環繞唯一不確定的、短暫的、物理的及心理學的視象。」(註2)

註1:法國巴黎大皇宮命題為「Dynamo」大展Ann Veronica Janssens牆面引言。
註2:Cette citation de l’artiste est extraite de Ann Veronica Janssens 8’26’’, par Nathalie Ergino, Anne Pontégnie, Ann Veronica Janssens, ENSBA / MAC, Paris, 2004。

Categories: 藝術 Art Tags:

跟我一起去看展覽:

巴黎Thaddaeus Ropac畫廊英國新雕刻藝術家 Tony Cragg 新作前留影

巴黎Perrotin畫廊義大利藝術家 Gianni Motti的「Moneybox」 展覽 -跳躍上去栽美金

巴黎Marian Goodman畫廊義大利貧窮藝術大將Giuseppe Penone「一座花園的軀體」個展

跟我一起巴黎看展覽,大家可以閉上眼睛,跟我走就是,每一家都是最經典,最具代表性。閉著眼睛跟我走就是,進入不同尋常的展覽空間,睜開眼睛好好看,有任何藝術問題,都可以分享及討論。

陪來至遠方(故鄉)來的朋友們逛巴黎畫廊,巴黎看展覽,還是看展覽,並陪遠方朋友們再參觀展覽,一起分享巴黎最精彩的展覽,不亦樂乎。確實好展覽獨享已經很棒,能與藝術朋友一起分享更棒。平常看展喜歡自已一個人悠閒自在的看展覽,時間屬於我的,可盡情看及好好深入品嘗作品,自在如是。陪朋友們看展可一起分享展覽觀點及討論,這又是另看展覽藝情境,看精彩的展覽,讓人目不暇給,還眼花撩亂,大開眼界及一飽眼福,精神滿滿,宛若充了電般,難忘的藝術之旅,充滿新的視覺經驗及體會,銘記在心靈印記。

一向都喜歡一個人看展,就沒機會在作品前留下身影,感謝遠方來的朋友,才能看到與作品合影的身照,下次你們來,再一起去參考展覽。

Categories: 巴黎 Paris Tags:

大皇宮「園藝展」:

大皇宮「園藝展」

誰也沒想到巴黎大皇宮成為一座包容萬象的繽紛花園

五顏六色的季節性花園

巴黎人的後花園-大皇宮園藝展

有空到大皇宮我家的後庭院逍遙遣興

曾幾何時大皇宮也有杜鵑花道

異國情調的亞熱帶的竹園下

大皇宮成為巴黎人尋幽探境的散步空間

每個花草植物空間都隱藏著自然的奧祕

省道7號田園景觀別開生面的花草裝置

Christian Dior名品店以五顏六色的玫瑰花拼出大CD

漂流木建構的休閒亭及沙發椅

大皇宮幻變成一座多元及多樣之綠意盎然的溫室大花園

大皇宮內的馥郁芬芳的玫瑰園

充滿異國情調的綠竹園

圖與文/陳奇相

全球經金融危機後,西方開發中國家都面臨經濟萎縮,零成長的副效應下,幾乎所有歐洲國家財政預算都緊縮,每個國家都在嚴謹節約開支,經常最明顯地就是文化經費銳減,如是,巴黎大皇宮今年的紀念碑大展,於去年新政府上台就被取消。巴黎每一年一度的麗園藝展,過去都在青蔥翠綠的杜勒麗花園-橘園美術館後面舉行,今年撿到機會,特別在巴黎最大的藝文及商品櫥窗之大皇宮盛大舉行。這大溫室總共有一萬三千多平方,齊聚法國全國著名的園藝家、建築師、苗木培養(花商花農)、庭園器具設計家 、雕刻家、畫家、攝影家及其周邊的行業等等,今年特別邀請比利時園藝家參展。

首次巴黎園藝展進入世界最大的玻璃宮展出,大皇宮幻變成一座多元及多樣之綠意盎然的溫室大花園,令人大開眼界,成為巴黎人逍遙遣性,認識花草植物,勘探新的園藝,體驗新的植物經驗:一進大皇宮,穿越綠廊,馬上被水光幻影的荷花池所吸引,接著青蔥翠綠筆桐樹林、高大罕見的綠竹園,竹篇的小木屋,充滿異國情調亞熱帶庭院。一片片五彩繽紛的季節性花園、繽紛燦爛的杜鵑花道、馥郁芬芳的玫瑰園、別開生面的垂吊花園、菜園、鳥園、如當代藝術般的植物花草的空間裝置、植物花草書寫排仿、漂流木建構的休閒亭及沙發椅、蒙古包及高塔觀景台,最戲劇性的當然是Christian Dior名品店推出的法國典型房子,草坪上以五顏六色的玫瑰花拼出大CD兩字標記,作為參展,省道7之田野景觀及汽車植物花草的野餐裝置,人們可以到此野餐。主辦單位意圖將園藝提升為藝術及藝術在花園裡,建築師Jean-Michel Wilmott如是說:「園藝允許人們發現幸福的角落,人們隨時都能將其納入其生活中」,如此園藝是真正落實美學生活的途徑。

Categories: 園藝 Jardins Tags:

倫敦漫遊散步:

巴特拉茲馬頭上的倫敦設計博物館

巴特拉茲馬頭上的公共藝術

泰晤士河上的優美風光

壯觀永遠迷人的倫敦塔橋

在泰晤士河畔之倫敦海軍紀念碑

往白金漢宮之戲劇性紅黑禁衛騎兵表演

在市區逛來逛去經常會逛到柯芬園,喝咖啡順便聽藝人精彩的演奏場景

遠眺泰晤士河畔倫敦最高最現代的建築物Shard摩天樓 有95層樓,且有360度環形觀景台

新泰德遠眺千禧橋及聖保羅大教堂美景

英皇進駐的白金漢宮

維多利亞河畔公園上的羅丹「卡來市民」大雕像

維多利亞河畔公園上玩足球的民眾

圖與文/陳奇相

當然倫敦與巴黎都是購物天堂,來倫敦不是為逛街購物而來,但總會在商業大道上不經意的到處逛逛走走,看看迷惑人的個性櫥窗及品嘗倫敦時尚氣圍,走走停停喝咖啡品甜點,看看路上俊男美女之行人們,宛若大劇場般的一幕幕在眼前上演,人生如一場戲,戲裡戲外都是戲。確實,每個人都扮演著自已的人生戲碼,看個人如何去營造。

來倫敦我喜歡散步遣性在泰晤士河畔,畔邊是散步最令人愜意的空間,徒步的面向依當下的情境,不管從那段走起都很迷人,眾多名勝古蹟都在河畔邊。經常都從參觀的美術館或博物館開始,也就是先參觀展覽,然後就從這區域開始,有意圖或隨意的逛街或沿途散步,順便參觀名勝古蹟,或特殊的個性商店或畫廊等等。我有幾條經常散步的路線,都以美術館作為出發,如從新泰德,前面就是千禧橋,對岸就是聖保羅大教堂,往右則沙士比亞圓形劇場、沿著河畔直走到沙薩克大教堂(莎士比亞安葬於此)、海斯商場、水上戰艦是貝爾法斯號博物館、很快就來到倫敦最迷人的塔橋。穿越橋到巴特拉茲馬頭視野有很迷人,旁邊則是設計博物館等等。

新泰德往左河畔就可到皇家國家劇院、劇院圖書館、倫敦眼,對面就是宏偉壯麗的英國國會大廈。當我去參觀英倫泰德美術館時,也經常往左沿著河畔散步,則有其另類的都會景觀,可到皇家醫院、軍事博物館、攝政公園(倫敦的玫瑰花園)等。從國家畫廊,就在特拉法加廣場邊,有兩條散步路線,沿Whitehall大道,經過禁衛騎兵團部,國家廳,陣亡將士紀念碑,直走大鵬鐘國會就在眼前。國家畫廊之廣場邊穿越優美的白色(海軍)拱門,來到禁衛騎兵團部,每天有戲劇性的紅黑禁衛騎兵定期展演,都吸引眾多來自世界各地朝聖者的圍觀,前方青蔥翠綠的聖詹姆斯公園,公園的另一端則是英皇所在地-白金漢宮。

倫敦散步遣興的空間到處都是,看個人的安排規劃,到處都有繽紛燦爛的公園,倫敦以其擁有廣闊青蔥翠綠的綠地為榮,如聖詹姆斯、肯辛頓、海德公園、維多利亞河畔都在市中心等等,遠一點的皇家植物園也是喜歡植物花草愛好者非參觀不可的地方,當然又是另一選項的漫遊散步空間。有時間,逛街,逛百貨公司,逛畫廊,逛書店,逛倫敦的市場也別有一番風味,或邊緣的運河邊都值一遊。在市區逛來逛去經常會逛到柯芬園,喝咖啡順便聽藝人精彩的演奏或是技藝高超的雜耍,總是讓人不亦樂乎,倫敦時間是無時間性的,盡情享受美好的時光。

Categories: 旅行 Voyage Tags:

倫敦我來了:

從泰晤士河左岸遙望壯麗的現代建築-輪敦金融大廈

倫敦橫跨泰晤士河上最著名的塔橋

倫敦最古老的名勝古蹟-倫敦塔城堡

在塔橋邊的倫敦市政府建築物

從英國國會大鵬鐘下遠眺倫敦眼

圖與文/陳奇相

倫敦我來了,一有機會就來倫敦吸收一下別樣的空氣,倫敦成為我兩岸三地(台灣、巴黎及倫敦)的活動空間之一,倫敦是另一時尚之都,全球經融及藝術的另一重鎮,自有其迷惑人的地方。倫敦與巴黎都會各有千秋,倫敦新舊建築物並存,其都會計畫是大膽且開放的,明顯地,巴黎都會顯得有點守舊,但並不是那麼舊,因為這是一種文化觀點,文化差異是顯然地,就像吐司麵包及棍子麵包,或吃英國軟三明治或法國硬三明治一樣,形式及口感都不一樣耶。

詹森博士在200年前就說過「一個人如果厭惡倫敦他就厭惡人生,因為倫敦有人生能賦予的一切」。當然,巴黎又是另一回事,藝術家的溫柔鄉,思想家的溫床,浪漫之都,享樂主義的天堂,名作家海明威寫道:「如果你夠幸運,在年輕時待過巴黎,那麼巴黎將永遠跟著你,因為巴黎是一席流動的饗宴」。所以深感幸運能遊走在這兩大都會。那最能安撫我的地方,當然,是我的生命的原鄉-台灣,那裡還是有人生能賦予的一切,看個人如何去吸收轉化,創意照樣是無限。至於故鄉-台灣,是我生命中的饗宴,隨時隨地喚醒我的覺知及意識,不論我身在何處,台灣都與我同在,生命的原鄉是根深蒂固無法蒂除的,並非是人生的全部但卻是生命的絕對。

春天我來到倫敦,在充滿能量及活力,洋溢的自然的妝扮下,美景如是,確實我們看到我們想看的,就像艾克哈特大師(Meister Eckhaedt)貼切指出:「我們回視神的眼眸,正是先看著我們的眼睛」,如是,映照的是我當下心境吧。旅行就是離開家,放下工作,及孰悉的東西,解放自已的時空,讓人更自在優雅,不受時間及空間的限制,隨興所至下運作。遣興散步早就已成為我的生活儀式,倫敦我來了,是為了細心品味這都會獨特的的人事物,在每個永恆的現在下,享受這時空場域的情境。倫敦我來了,慕名而來,朝聖而來,為品嘗多種三明治而來,總是為好奇而來為認識英倫文明而來,因為倫敦有人生能賦予的一切,可不是嗎?

Categories: 旅行 Voyage Tags:

李裕源-生命的煉金術「畫」:

鐘聲響起IX 130×130cm 油畫-畫布 2002

祭師的祝禱 20f 油畫-畫布 2003

桃色攤 90×90cm 油畫-畫布 2004

承諾與扶持〈三〉140×140cm 油畫-畫布 2006

揮別 150×150cm 油畫-畫布 2009

等待–在消失的時間 150×150cm 油畫-畫布 2010

心相生構圖4 60×60cm 油畫-畫布 2010

自心的盲點 100×100cm 油畫-畫布 2012

珍惜>過程2 60x60cm 油畫-畫布 2013

錯位>過程2 油畫-畫布 2013

李裕源於畫室 2013-04

「生命是一束純淨的火焰,我們依靠自已內心看不見的太陽而存在。」

托馬斯 布朗

文 /陳奇相

前言:

繪畫出自於人的自發性及本能,就像呼吸,創作它來自於內心的呼喚或是靈魂的吶喊,是存在自身的需求
,如是,創作成為生命能量的出口。藝術是一片明鏡,映照的是藝術家當下的情境及意識,在創作裡經驗他自已。李裕源寫道:「『藝術家是透過表現別人來表現自已,透過愛別人來愛自已』,藝術創作其實是傳達創作者自我情緒及思考方向,它可以是自傳,也可將矛盾和慾望放任於衝突之中,用作品在現實狀態中,作自我省思。」(註1)。靈性作家Richard Rohr一針見血:「我們看見的不是事物本身,我們看見的是自已」(註2) 。

裕源的畫以「人性」為本,從現實存在到「存在」,圍繞著人間無常生滅幻變的軀體與靈魂劇場,從群像、眾生相到窺見真實的我相本質,在感性本能的表現性下,他的畫都怵目驚心、嘶力吶喊、際遇坎坷、窮愁潦倒及聲色歡娛的人間寫照,在後現代新表現的感性、文學性、敘述性、寓意性。有人說他的畫作,只有「人」,沒有「景」及只有「人」,沒有「情」。在這人間煉獄的大苦難及身心的煎熬下,其實,人成為全景,人成為全情,人成為所有一切的世間戲碼。深入人,裕源戲劇性的表達其深刻的人性觀察,及體驗與靈魂深處最令人悸動的部份:死亡、痛苦、孤獨、絕望、殘酷、人類生命的脆弱、堅毅與生死哀樂
,從人的苦難和自我的陰影中,窺見自已生命的真實樣貌,體驗生活那不可能的事物,並藉由藝術的轉化與昇華,進入存在的堂奧。

生命的煉金術:

李裕源(1962年出生台中) 是非藝術科班出身的嘉義鐵道藝術村的畫家,也是位出色的兒童教育者。其畫如其人,不只接受嚴厲的現實生活挑戰外,還承擔自身軀體免疫系統失調,受盡皮膚乾廯苦痛煎熬的生命試煉,其帶有濃厚自傳式繪畫,從外走向內省意識,挖掘人性深處隱藏的本質,畫如生命在挫則掙扎中成長及開花結果。

他出生於清貧的家庭,於50年代的台灣是個物質較貧乏的時代裡,六歲喪父,家計全部落在一位孤苦伶仃的母親身上,幼年他過著艱辛的日子。幼小的李裕源就嘗盡社會的欺視、體驗現實存在的坎坷及無常,心靈上的創傷,內在的陰影造成他卑微的個性,禁錮的靈魂,面對生命的恐懼與存在的焦慮,形構他對世間人事物的敏銳、感傷、悲天憫人、不信任及矛盾。

人在面對無常生滅變化,有守有為,一是保守主義在有限世界內孜孜不倦。李裕源則選擇奮發圖強,將相本無種,男兒當自強,還選擇生命之不可能性-畫家,挑戰所有的可能。循進的行動、想像、開創、看破
、解放建立新模式,如是,在生命的一切可能性下,將坎坷的生活能量化為創作的動力,開啟心智與心靈空間的主要出口,藝術轉化存在的苦難,「畫」安撫生靈並成為裕源生命中的煉金術。

繪畫的因子:

繪畫對裕源是種本能,他早就種下繪畫藝術的種子,國小投稿國語日報繪畫比賽,以假名參加並入選,因沒經過老師同意,所以校長朝會頒獎時卻沒人招領,此舉給他很大的鼓舞及夢想,一有機會就極積投稿參加比賽,幸運的獲取一些獎品,嘉獎這位清貧學生。國中時曾受到美術老師的啟蒙,也短暫的在畫室學畫
,對藝術初次的邂逅,啟開他小小的心靈,成為他一生的摯愛,「畫」讓他憧景未來生命的美夢。

生命的試煉:

裕源國中畢業就去作黑手,一個月後受到很大的挫則。在同學的鼓舞下,隔年重考進入新民商工念機械工程科,早熟及藝術家叛逆性格,二年級檢定考試,抵抗體制,被勒令退學。同年參加教育部同等學歷檢定
,順利通過。他坎坷及無情的生命,不向現實低頭,想盡所有辦法賺生活零用錢,見證生活的現實,體驗存在的艱辛。民國68年期間參加國內舉行空前絕後的漫畫大擂台,讓他對繪畫藝術進有一步的體認。本想繼續升學或報考藝專,因考慮家庭經濟而放棄。當兵入伍,積極參加國防部的藝文比賽,代表部隊出賽,經常獲獎,得到參謀長的禮遇,經常出公差去畫畫並支援師部,這期間開始畫漫畫,並經常投時報周刊,在畫中慢慢的找到自已生命的出口及存在的微笑。

一場又一場生命嚴苛試煉與撼動存在,不久唯一依靠的慈母走了,孤苦伶仃的他,體驗無常與苦難,悲慘的從幼兒成為孤兒,身心受到嚴厲的打擊。天主經(主禱文)中:「當大試煉來到時,主啊,緊握住我,不要讓我心生怨懟或是歸咎他人」(註3)。在孤獨及絕望中,峰迴路轉,巧遇他修佛同學,並隨他去中台禪寺,師父開示他吃齋能為亡者積陰德及為自已做功德,如是1995年皈依守戒,開始吃齋至今,在信望與愛的宗教信仰感化下,安撫其心靈,步上安康途徑。

生命轉折中見到微笑:

意志強韌的他奮發上進,白天在工廠作工,晚上進學二專夜間部深造機械工程科。畢業,幫外商繪製機械製圖,生活穩定,開始深思生命存在的意義。他躬逢當時社區總體營造,參加其種子教師陪訓,取得三張證書,在內心本能的驅策下,下定決心選擇生命的存在意識-畫藝,破斧沉舟,辭掉穩定的工作,開始教兒童畫。隔年,成為社區總體營造種子培訓班的助教,巧遇畫家廖本生,兩年後,裕源進入廖本生畫室,
才對油畫及繪畫有更明確的看法及藝術觀點,1999年起,他才真正畫起油畫。

家是生命的歸處,浪子的避風港,日常生活的居所,安撫生靈的場域,情有所鍾的空間,安身立命的地方
。孤兒尋求家的溫暖,裕源渴望成家,但人間世事都可遇不可求。皈依佛教的裕源,克服萬難下,2000年與謙誠的基督教夫人締結美滿的婚姻,家成為他安身立命的歸宿。兩年後,搬到嘉義,之後並進駐嘉義藝術村,慢慢地深受基督教義感化。體驗基督教的信念:「信靠耶穌最美的應許就是擁有永恆的生命:因此面對死亡,無須畏懼」,經歷生命的轉折,建立美滿的家庭讓他從存在苦難和自我陰影桎梏中解脫出來
,確實,那些勇於承擔最大風險的人才能得到最深的愛和最大的成就。奧修說:「愛-是你生命的歡舞,去愛就是去經驗你本身內在最美的空間」(註4)。

靈魂的吶喊:

裕源經歷台灣九二一大地震的驚魂動魄,深入災區,親身見證大災難之天災人禍,親眼看到遍地慘不忍睹的屍體,身心的震攝撼動,尤其他深交的原住民軍友們不只家破人亡而消失,內心的悸動,面對死亡及災難陰影情緒波動漣漪的煎熬。隔年東南亞大海嘯,面對人類的大災難下,深入思考人的脆弱與存在的價值及意義下,省思自然中人的位置,人類的共同性是甚麼?

兩年後悸動的反芻開始進入「赤裸裸的人」之探討,在極激烈的徹底支離破碎之人物意象中,勇敢面對生命的痛楚、哀戚及無常的真面目。熬過逆境就擁有新的力量,意識發酵,靈魂吶喊,本能騷動,畫下觸擊人類死亡的深層意識之「天羅」及「鐘聲響起」兩大系列(2002年):怵目驚心,慘不忍睹的屍體,片地哀嚎場景,戰慄,人的軀體宛若繪畫的軀體。熾熱的生命在燃燒,高亢激昂的震攝,悲天憫人,如釋重負表現畫家心中的真實-感受。闡述天地人的關係,人逃離不了「天羅」。當自然的「鐘聲響起」時,人又能怎麼樣。經由「畫」創作的煉金術,疏導存在能量,宣洩內心的不安及解放心靈意識,超脫生命情境,穿越死亡所并發出的光彩。藝術家James Lee Byars認為「死亡就像一種美學的概念,是屬於生命的部分」。

安撫生靈的安魂曲:

經由靈魂的吶喊-痛楚哀慟後,裕源畫了系列安撫生靈的安魂曲,祈福災難及安撫生靈的畫作,帶著贖罪的意識。意義深長的「弔信」(2003年)是一幅九二一紀念碑,描述倖存者們哀怨的家屬,抱著紅色軀體淒涼哀傷,悲壯神聖,台灣的聖殤圖。他藉由「畫」弔祭台灣大地的生靈塗炭及慰問死者家屬們,安撫存在生靈,昇華人間的無常與苦難。「祭師的祝禱」及「祭師的對陣」都對在天之亡靈的禱告祈福,安撫生靈(並撫慰自已的存在),引向西方極樂世界。「問天」系列(2003年)在無語問蒼天的嘶聲吶喊,極端感性本質之形式,展現人心之絕望的痛楚哀嚎。「最後的慶典」帶有西方宗教意識的最後晚餐,存在就是慶典,最後卻沒有人曉得,喻示人的無常。悲天憫人都是大難後神經痛的覺悟,詩人艾略特寫道:「我們追求探索的盡頭,是要達到我們原始的開端
,而對它擁有初度的了悟」。

眾生相中窺見我相:

2004年裕源從鯨魚的肚腹中被吐出來,看見自已生命的真實樣貌。面對所處的繁華喧囂都會文明,走入人群之眾生相中窺見我相,畫家省思說:「文明被進步切割成兩面:現代人不只消費了物質文明,也吞噬了古老的價值觀念。不協調的現代體制,讓人對生命的公平性開始疑惑」(註5)。試圖攫取都會車水馬龍的過路行人擦肩而過剎那間的情緒感覺如「都市形影」。都會文明的,「新市現象」系列的誕生,走出災難的陰影,現代主義(立體派)都會意象中建構畫面,神經質線條變有序之結奏,感性激情的色彩被詩意所訓服,這系列近乎抽象畫,是熬過逆境最詩情畫意的代表作。

在裕源自傳式的繪畫裡,人們隨著畫面場景察覺他每時期的心思情境的起伏,挫折的生命歷程「困惑」(
2004年)伴隨成長,畫家站在一尊白色雕像後面,面對觀眾一愁莫展的神情,理性征服感性,謹嚴的形式及色彩結構的畫隨之誕生。人易受情緒的波動與環境影響,「是非對錯」、「不散夢饜」、「靜思量」
、「責備」(2005年)在感性及表現性的人物,深層陰鬱的色彩中,思考性的色面結構出現。畫家對自我存在的思量:「夜是那麼靜,我在思量。月是那麼明,我在思量。世間是那麼紛擾,我在思量。紅塵是那麼煩囂,我在思量。不覺東方既白,鬢滿花髮。我一直一直在想,如何讓這個世界更美麗,我真的一直一直都在想。有一天~忽然發現,身軀竟早已枯萎」(註6)。

經由對稱幾何的「桃色攤」,2005年激進的終結於抽象幾何色面化的「不是非黑白」系列,裕源對世俗的表白:「是白非黑,從誰說起,紅停綠走,究屬何由,道理曲直,怎去辨識,諸所謂禮,俱乃人為,方矩規圓,策馬行船,閣蛙鳴蟬,歸於自然。不是!不是!誰說白色是純潔?誰說黑色是永恆的污穢?誰說公平是真正道理?誰說光明一定就是白天?誰說黑暗不是國家棟樑?誰說紅燈一定要停?綠燈……這到底是誰說的?」(註7),在建構性的具象及抽象,理性與感性間,映照畫家當下的情境。靈性作家Richard Rohr闡言:「你創造了對外在世界的反應,那反應是基於實際的理由,你的反應就你的實相」(註8)。

生命情境寫照:

畫是生活的延伸,更是生命的煉金術,「尊重共同體」的家庭互動過程,2006年始於「重新思考」,以一位老智者闡述深思熟慮藝術創作,考量夫妻間之家庭關係。接著「誘惑」「意亂」、「情迷」經由「觀望」到「抉擇」,畫題材的改變,女人軀體的出現,激情的線條被色面淹沒,簡化、平面化及色面化,在意象及抽象、感性與理性間,畫風正在變革中,都以女裸柔性體述青春活力及能量,充滿性幻想,傳遞畫家內在深處的愛,暗喻畫家的婚後情境,終結於「承諾與扶持」大系列,兩性激情互相擁抱纏綿,指涉人生中的婚姻許諾。畫家不只畫下愛的「誓言」,還寫下婚姻諾言:「承諾終生廝守,扶持相伴以走,對峙、爭執間中會有忍耐、包容,永遠牽手。婚姻是一個承諾的開始,困惑、對峙、爭執,都是過程中的點綴。包容、扶持纔是一生的禮讚」(註9)。

在靈魂深處遇見自已:

裕源體驗家的溫暖及充滿幸福感,遇見喜樂的內在世界,2007年三聯作「信仰三分之三」,他將2002年為九二一大災難時所畫的兩幅「無題」藍與白人物,中併置紅人物,每個人都背負著個人的生命十字架,藉安撫生靈的信仰力量,超越生死。2008年,藉由「重生」,描繪死裡重生的情境,示意著裕源的重生及活力,「耶穌為我們戰勝恐懼,從轄制中得自由,享受真正的平安」、「復活的耶穌能帶我們走出內心的墳墓,讓我們從死寂中蛻變及重生」。接著,隱喻幸福美滿的「蜜桃傳說」系列,表現人間的溫柔,在複雜分割的畫面形式下,描繪充滿性感的裸女,甜美如蜜桃的臀部,喻示桃色繽紛的人間誘惑,以此警惕自已。

深入女人的感知,從精簡有力的「似水」系列開始,體驗夫人的溫馨柔情,似水溫順柔情的線條及不定型形象,表現女人柔媚的無比力道與情境,示喻柔情似水的力量。溝通是化解所有衝突及傳遞訊息交流的管道,和諧的社會建立在「對話」,系列從親情的「對話(母與子)」,經由君子之儀的「對話(兩人之間)
」。最引人注目的「對話在2009年」,別有風味的混和立體派及表現形態,闡述母親的偉大,一生無怨無悔的奉獻精神,思母情懷,畫家似乎藉此感恩母親養育之恩。複雜的分割、精簡色面及線條、表現性的色彩,形構一種新風格。「揮別」在謹嚴畫面結構中,一位精簡人物轉頭回視牆面陰影的情境,意圖告別過去生命中的陰鬱,豁去迷思,審慎存在的意識,真誠還復那原始的本質,並找回真正的自已。

內在的掠影行途:

意識的孰成,裕源內省反觀自照,內化深入意識,畫面精簡俐落,背景單純,立體派的變形與卡夫卡式的形象語態,尋找新的繪畫面貌。意圖表現內在深層的東西,個人感知無法言喻的苦難及難以啟口之痛處,隱藏內心無法與人分享的心事,或生命不可言喻的秘密。內省就是赤裸裸的面對自已,不隱藏地剖開心胸,「秘密」、「心相生構圖」、「坦承」、「疾-思」及「內在的剖析」系列(2010年),都以剖心開腹,坦承以對,卡夫卡式的軀殼袒露五腑六臟,豐富多樣變化的肢體語彙,在感知及表現,意象及想像,非具象及抽象間,傾訴畫家微妙心思及意識。2011年繼續深化,「風采」與「風華流失年代」系列,俐落形式、謹嚴完整,具體的呈現精神意象。藝術家Mona Hatoum說「藝術作品首先是真正生活過的感受,內涵及組構只來自於真正生活過的創舉。」

回視神的眼眸:

裕源一路走來,坎坷及苦難塑造其強韌的意志,宛若一枝壓不倒的蘆葦,不可磨滅的經驗銘刻成為生命印記。聖嚴法師一語道破人生:「面對它,接受它,處裡它,放下它」。這兩年來的創作「疑問」、「省思」、「回望」(2012年),證明他對存在的疑惑及省思,苦盡甘來,並在回望的眼淚中看到自已生命的真實。在2013年「珍惜-過程」中擁抱自已,於「凝望沉思-過程」中凝聚存在能量及意識,艾克哈特大師(Meister Eckhaedt)貼切指出:「我們回視神的眼眸,正是先看著我們的眼睛」(註10)。

後記-生命的樣態:

綜觀裕源的藝術表現都是靈魂深處的悸動,帶有強烈的表現性及批判性,他體悟到當人除去五官臉孔後便與動物不存任何的差異,赤裸裸的軀體,誇張行徑肢體最能表現他情緒及感受。其畫如孟克「吶喊」般之撩人心靈與震撼,深受北歐繪畫表現主義的影響,尤其是孟克觸及靈魂本質性形象,直覺性的主觀色彩則來自席勒,經由英國畫家培根對人的扭曲之情緒性體會,最後受畢卡索立體派的啟示,試圖探究人存在底的本質,藝術如夢,體驗那不可能的事物。

2010年前的創作都是靈魂向外的吶喊,面對存在的恐懼、噴怒、批判、沸騰的慾望,夢噩的陰影,生命的創傷,帶著贖罪的意識。在新表現主義下,接近北歐眼鏡蛇畫派,直接表現潛意識的奇妙,而不用訴諸理性的撿查,更不排斥形象,介於感性及表現,具象與抽象間,安撫其深處的悸動與不安。之後,在愛的撫慰下,漸從無節制的感性中甦醒,回到神智的思維,反觀自照,內化,進入深層精神意識,經驗自已並超越自已,觸及形而上的本質。畫面精簡俐落,背景單純,平面化,色面化及抽象化,意圖表現內在精神
,如是,托馬斯 布朗說:「生命是一束純淨的火焰,我們依靠自已內心看不見的太陽而存在。」

註1:李裕源油畫集一:印象-人-群像畫冊 2006年出版。

註2:放下對立,遇見喜樂的內在世界 P124 Richard Rohr著 王淑玫譯 2012年啟示出版 。

註3:同上 P192。

註4:此段話來自奧修的生命,愛與歡笑一書。

註5:李裕源油畫集一:印象-人-群像畫冊 2006年出版。

註6:來自李裕源的作品述說。

註7:來自李裕源的作品述說。

註8:放下對立,遇見喜樂的內在世界 P124 Richard Rohr著 王淑玫譯 2012年啟示出版 。

註9:來自李裕源的作品述說。

註10:放下對立,遇見喜樂的內在世界 P124 Richard Rohr著 王淑玫譯 2012年啟示出版 。

附註:有關李裕源的生平事故來自於2013年3月的訪問。

2013-05-25 於巴黎

Categories: 藝術 Art Tags: