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Archives pour 09/2015

盡情的生活:

P1440232

風平浪靜-心平氣和,「美」自然如是

生命無他-只有盡情的生活

哥德:「理論是灰色的,只有生活之樹才是長青地」

坎伯-生活美學:「如果你無法在日常生活中找到你的神,那麼,你將無法在任何地方找到祂。」

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羊毛出在羊身上?:

026Jota Castro The flag1998 180x120

藝術家 Jota Castro The flag 180x120cm 1998 拍於巴黎東京宮

問題出在問題上?

如果

人道主義成為人類的遮羞布時?

那(……)。

(有關阿拉伯之春後,中東戰火連連及民不了生,全球難民及移民浪潮下,造成周邊國家的失衡,歐洲成為難民及移民首當其衝,也造成歐盟境內的衝突,似乎比希臘債務危機更嚴峻的挑戰,問題出在問題上之深層感愾。)

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當前全球的形勢-站在火山口跳舞:

013  Mark Handforth 02  Honda

藝術家Mark Handforth Honda 2002 拍於東京宮

016    Mark Handforth 01  Vespa

藝術家Mark Handforth Vespa 2002 拍於東京宮

意識當下-只有祝福再祝福再祝福

不隨外境起舞,隨時安住自已的心

不輕信傳媒,事件中安住反觀自照

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曾雍甯-「野火」燎原之後遍地「繁花」:

000 原 風景01  215x450cm  2010  原子筆 紙

原 風景01 215x450cm 2010 原子筆 紙

005 原 風景 5    121x243cm  2014  原子筆 礦物彩 紙

原 風景 5 121x243cm 2014 原子筆 礦物彩 紙

006 原 風景 7  121x243cm  2014  原子筆 礦物彩 紙

原 風景 7 121x243cm 2014 原子筆 礦物彩 紙

003 芽 05   103x153cm  2015  礦物彩 紙

芽 05 103x153cm 2015 礦物彩 紙

004 秋意 01   103x153cm  2014  原子筆 礦物彩 紙

秋意 01 103x153cm 2014 原子筆 礦物彩 紙

009 迴 01   57x77cm x9件 2014 原子筆 紙

迴 01 57x77cm x9件 2014 原子筆 紙

010 迴旋 02  206x306cm 2014  礦物彩 紙

迴旋 02 206x306cm 2014 礦物彩 紙

011  綻放 28   162x242cm  2013 原子筆 紙

綻放 28 162x242cm 2013 原子筆 紙

013  Steaming city 08  162x242cm  2015  原子筆 紙

Steaming city 08 162x242cm 2015 原子筆 紙

014 綻放 32 107x75cm  2014 原子筆 紙

綻放 32 107x75cm 2014 原子筆 紙

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畫家曾雍甯 拍照於2015-04 台北畫室

圖文/陳奇相

「形象是種感覺,色彩則是論證」

前言:-

曾雍甯是台灣新生代平面繪畫上最耀眼的一位,以其光彩奪目原創性的原子筆畫著名,在現代主義精神下勘探新工具新繪畫語彙,專注於紙繪本,創作從一場原生熱情的「野火」燎原之後遍地「繁花」。他的創作靈感來自原鄉傳統民藝形式、色澤及文化裝飾性,森羅萬象的形式及繽紛燦爛色彩,形構令人目眩神迷萬花筒綺麗裝飾性繪畫風格,充滿在地的能量、意識及震盪。圖形為意志的強度,色彩成為感情的溫度,「形象是種感覺,色彩則是論證」或「形象作為軀體,色彩化為靈魂」。其眩漾的視覺效果作品展露細膩、樂觀、律動的愉悅美學,「繁花」曼陀羅成為畫家生命的煉金術,承載著其豐富的感情及心靈意識。

藝術啟蒙及關鍵人物-父親:

曾雍甯(1978年出生鹿港人)出生在鹿港人文底蘊傳統工藝家庭,祖父是神桌雕刻的工藝師,父親從事室內裝潢且是位業餘攝影家(1978年開始拍相片(報導攝影)) ,耳濡目染,從小就喜歡塗鴉畫畫,常跟父親的班去攝影,見習拍攝,國中父親升級買了一台哈梭大相機(135相機就給他),他們就一起外出拍攝,畫家感動地說:「父親拍大台的,我拍小台的」(註1),按快門是觀察及感覺的瞬間,學習對自然的細膩觀察,不只是形式,尤其是色彩的覺知,提升其敏銳度及感性,改變他對事物的觀察也深深影響他往後的藝術創作。

父親1987年起專注於斯生斯長的鹿港 (彩色相片),完整的紀錄鹿港城鎮的環境變遷。曾在台北開過兩次攝影個展。有一次與父親在鹿港拍照時巧遇年輕畫家陳來興戶外寫生,給予他生命的驚嘆。父親拍過畫家陳來興寫生照並首次參觀畫室,驚呀感嘆,並與他分享順道教誨兒子「要做藝術家就要認真,我會全力支持你」(註2),萌芽當畫家的初心,父親成為他當藝術家最重要的啟蒙老師及關鍵人物。

藝途上-良師益友的牽引:

曾雍甯本想報考復興美工,國中寒暑假期間就北上至畫室學畫,對規格化的技藝訓練感到無法適應。上竹山高中美工科,深受美術老師關有富的現代藝術啟蒙影響,關老師是李仲生的學生,注重潛意識的自動性技法,是位傑出的現代抽象畫家。解放他年輕的心靈意識,開始接觸西洋名家畫冊,認識世界名畫,開拓曾雍甯的藝術視野及見識,試圖直覺性地找出圖案化的徵象觀念就成為其創作的基底。

高中整整三年無法自拔地栽進繪畫及攝影,荒廢學科,在師長的建議,投考東方設計學院二專視覺傳達
,視覺設計使他更寬闊的理解造型及結構也更親近了藝術。求學期間都在偏鄉僻壤,上山下海,對自然生態及環境別有情鐘,自比喻像個野人,對藝術及自然美感有初步的體會認知。二專畢業留在故鄉-鹿港老家,持續向心所嚮往的藝術之路推進,隱居家裡勤奮的自已摸索探討整整畫了六年的水墨畫,曾積極參與彰縣的水墨畫比賽(從入選至首獎) 作為自我肯定。並投考剛成立的南藝大一屆至第三屆都名落孫山,越挫越猛終於2005年同時考上南藝及北藝,選擇北藝大。北藝大期間被稱為野人,只懂得畫自已的畫,專注創作疏忽學科,落差很大,對藝術理論一竅不通,巧遇貴人林賢俊的拔刀相助,以白話的方式幫忙他理解藝術理論。

2000年從水墨中解放開來嘗試新的媒介-原子筆畫,新的嘗試開創原子筆加水彩。2004-05年期間專注於原子筆繪畫,深入其境大量且不停的畫,勘探屬於自已個人符號圖案。2005年是曾雍甯藝術的轉身
,在藝友蔡秉訓之建議下,投考藝大前夕在北藝大走廊開個展,獨樹一格的原子筆畫,引起黎志文老師的好奇,並成為他首位收藏其作品的人。肯定及鼓舞他的創作面向,同年榮獲李仲生獎,成為有史以來最年輕(28歲)的得獎人,奠定藝術的信心,藝術家角色的形成。北藝大期間激發他更大的創作能量、意識及視野,整個寒暑假期間日夜都與同學們躲進圖書館地下室空間(地美館)專心創作(連續三年),奠定其獨一無二的個人(原子筆畫)藝術風貌。

北藝大期間陳世明老師的引導,觀察、思考、生活及生命的見次,真摯發現自已作自已,深入體驗存在意識「用你的方法去開拓你的創作」,「要作藝術家之前,要先懂得做人」(註3)。2007年榮獲ACC獎學金,休學一年,隔年遊歷中國及日本,增廣見聞,開闊其經驗及視野,豐富他今後的創作,北藝大熬了五年畢業。2010年到中國桂林駐村,認識了蘇國慶老師(曾長期居住在紐約),隔年住村藝術家在上海開大型聯展,認識來自中國及台灣南北二路的藝術界朋友,啟開新的藝術視野及激發創作的能量。就此常參與國外聯展有機會國外深入觀察,2012年法國南部Toulous駐村,讓他創作轉身蛻變而孰成。

原子筆侷限下的魔力:

傳統素描用鉛筆及炭筆或其他素色,油畫或壓克力/畫布是正統,現代藝術加上特殊材質,前衛則革藝術之命,突破藝術創作的素材擴展各種可能性,現代主義之繪畫被視為後衛並被宣判其死亡,後現代或後現代之後沒有甚麼是不可能,藝術創作空前絕後的開放,繪畫起死回生,繪畫革新不再是藝術探討的前題,新生代持續經由勘探新素材勘探畫之可能性,新媒介質感總帶來新的藝術視野及風貌。

更新繪畫就必須更新工具及素材,曾雍甯2000年從水墨中解放開來混合我們習以為常的書寫簡便工具-原子筆,並成為其表現的主要工具。新工具帶來繪畫的新可能性,獨創出他令人驚艷的原子筆繪畫風貌。原子筆有其纖細的線條,無法混色、漸層及修飾之侷限,但其繽紛綺麗的色系卻給畫家無限想像魔力及可能性。擁有其細膩雅緻及濃重絢爛格局是其他素材所無法取代的,工筆刻畫景物,多層次交疊線條編織森羅萬象的形式,繁複的圖形建構密實的畫面空間,相互關連形構畫的主體。原子筆畫充滿手工質感與紋理是密集肢體勞動的結果,考驗畫家的細心與耐心,在直覺、本能、感性中,表現畫家的敏銳度及激情,畫不只成為能量的出口,也成為畫家的鍊心術,畫家說:「繪畫過程,靠身體的不斷重複運行,將內在的能量釋放出來,這種過程心靈是沉澱的,潛能在漫長的勞力消耗之下等待被激發,一股意志力的考驗透過藝術轉化為個人內在精神的救贖與情緒的寄託」(註4)。如今除原子筆外,增添彩色筆、水墨或壓克力顏料,軟硬筆互補下強化活力畫出新的感覺,並繼續尋找新的工具、素材,勘探新的方法擴展新繪畫語彙之可能。

如何誕生一張畫:

曾雍甯的創作不設立場、構圖、沒始沒終的計畫、不受畫幅所限(可無限延拓) ,畫從感覺開始,可同時兩張或多張,在潛意識自動性技法下,從邊緣或核心,不受畫面所限,四面八方的遊走塗鴉刻畫,一點一滴一筆一畫的發展,從點線反覆的進展成為面,隨著感覺流動遊走,成形築構出圖形,一朵花或是細胞甚麼的,接著一朵又一朵的長出來或繁殖下去,直到鋪滿整個畫面,一張接著一張,一系列到另一系列。開放性的創作,從直覺性的感覺開始,隨機發現,隨時攫取當下的覺知,隨著筆進入創作狀態,每天都可順手畫或重新畫,可隨時放手不拘所限,反反覆覆不厭其煩的深入其境,於每個狀態下直覺的觀其形及色,順暢自如時則圓滿,有時畫下休止符,停一陣子,靜觀其變等候其自然成形。創作時經常是多張進行,系列在感覺整合下完成。

「野火」燎原之後片地「繁花」:

綜觀曾雍甯的創作分兩大類型:繽紛奔放的彩色圖形系列-都是花、花園、環境、萬花筒等,多元符號的交織組合建構,自然意象偏向裝飾性。充滿表現性單色系列-畫空間及地景如紅色系的「野火」、「火燄山」、「火種」及「紅光」,深藍色系的「星空」系列與抽象性黑色系的「迴」系列,承載著心靈意識。隨著覺知的流淌有時狂放多彩有時沉靜內斂,如是,彩繪與單色相互交替創作。

曾雍甯2005年得李仲生獎的鼓舞及進北藝大激勵下展開大量創作,從對土地的情感向度起,經由潛意識發展出「野火」單紅色系列,鮮紅為烈火的徵象,熾熱空氣中火的意象,描繪風吹草(浪)動飄揚節奏的情境,洋溢感情的粗曠筆觸疊出不同光暈層次景韻,表現畫家內在強烈情感,野火是對自然花草植物及握筆姿態手勢(握一把原子筆的筆心)勘探結果。一場奔放感情的「野火」燎原,從描繪至2012年鮮紅色系列之表現,塑成圖案化的「紅木」:反覆環著中心圓循轉,呈現歲月姿態時間密度,結構性刻畫流白裂隙,強化節奏及想像。熾熱外放「火種」:整個空間佈滿大小不一飽和紅點,相互依存波瀾紅白對照, 充滿動能及視覺張力,彰顯生命的意識。細緻的「草原上的營火」剛好與「火種」相反,紅底上留大小白點,詩情畫意宛若宇宙星空,給予無限遐想空間。迷惑人「紅光」是收斂野(火)性的結果,韻紅天際時空中出現一道神光。暈開來的「紅 花火」則來自於「野火42」的漣漪蕩漾。

野火系列同時無意間開出一朵朵花「野人花園系列」的誕生,這系列來自南島「花」的原生意象,生意盎然一朵一朵個別綻放開來的花圖案,恬靜卻顯刻板。「野人花園」(畫了十幾張後) 在曲老師的提議及曾雍甯的領會下,解放開來重新更名為「原生律動」(2008-2011) ,進入孰成的創作階段,迎接創作的春天盛開花季,將人間最美最繽紛瑰麗的五顏六色拚發出來讓繁花開滿山頭,一朵又一朵的花和一個又一個圓相互交錯堆疊,直到繁複簇擁溢滿的組織與瑰麗色彩結構堆滿空間為止,雖擁擠但盎然生機充滿動能及意識,建構出一種非凡包洛可壯麗風格。載歌載舞的音樂節奏旋律形式圖形相互盎輝,艷而不俗充滿愉悅的眩漾裝飾性,令人目眩神迷,繁花化為伊甸園,揭示人間樂土意象,指向存在的心靈意識。

「原生律動」是曾雍甯最具代表性的風格大作,進入創作的繽紛花季,整個畫面光彩奪目溢滿大小繁花與類圓形花果意象圖形組構,隨著大小形狀的前後交疊合與色彩的分佈組成一種有機秩序空間,均質化的大構圖,畫繼續向境外無止境延拓,眩漾對比色彩及耀動光線與音樂性律動成為樂觀進取能量,展現都會光彩奪目五光十色的(霓虹燈或迪斯可)感官,擴展出色與光的活潑新視野,建構出他個人綺麗的藝術語彙風格。

明顯地,每個新系列都是畫家創作上的蛻變及新生,「綻放」大系列(2010-2014)是原生律動系列對線性刻畫圖形、繽紛色彩、耀眼光線及旋律動感發展的結果。繼續誇大與質變原生律動的有機繁花圓形及橢圓型造型,騰出透氣的背景空間,加入多重符號、圖像、交錯線條形式等。在蕩漾的大繁花圖形上有組織的漂浮一些大小色圓點或多彩圓圓圈,或強化畫面結構的三角形,不規則隨機的形式及線條,且將不同色系及色譜並置,強化節奏及意識。至2014年的「綻放」則解構過去以花的主體,進入組織性的理性結構,以碎片、縫補及拼貼的形式建構色面及線性畫面,闢創新的畫面節奏及綻放出新空間。

都會的寓意「Buld」 (2011-13)及「Steaming city」系列(2013-15):都會的強烈感官,更具組織及設計感,在謹嚴幾何對稱的建築結構裡,以色面及色線呈現多重的都繪建築及街景視野,抽象性的幾何及非幾何的形式拼貼,闡述都會五光十色迷惑人的意象。溫馨色系表達自然季節如「春天里」或「秋意」(2013) ,熟成的花造型的語彙,色彩成為感情的溫度。

「輪」及「迴旋」系列(2014)是「炎炎」(2012) 的彩色版,都反覆環著中心圓循轉,從內圈循序向外副射擴展開來,一圈圈的節奏性紋路,展現質感的向度與時間的密度。「炎炎」是紅白分隔曲線性建構,具有波動的效應,留白強化畫面結構及節奏,示現橫剖的樹輪。「輪」及「迴旋」則是繽紛瑰麗對照性圓輪狀紋理,「輪」的彩繪迴紋讓人聯想到礦物寶石橫剖的紋理。「輪」是幅三連作的拚置,以中間圓輪為核心,與兩邊半切面對稱組構,解構自然意象,豐富多變彩繪紋理溢滿節奏感,呈現內聚與外擴效應。「迴旋」旋渦主義的變奏曲,以白細線劃分左右對稱四重奏的摺層疊環狀圖形,迴旋延拓環轉律動,如炫目神迷的萬花筒世界。

新意識次元的「徑系列」(2014) : 解構了「輪」及「迴旋」環圓、核心及圖形化,將眾多大小不規則形式均質化的攤開來,在紅色的視域下,依每個局部節奏延拓環轉建構,在寬密、稀疏、細膩、粗擴線條組織成迷陣場景,一條黃色路徑穿越統合了視覺焦點及意識,宛若軍事鳥瞰山丘陵地勘攝圖,獨創出一種新視界。別開生面的光線探討「波光」(2014) :由大小飽和的紅圓色點所組成,由深色漸層環繞中央淡黃及白形成炫目耀眼波光粼粼。充滿生機的「芽」(2014) :都是隨興所致的五顏六色細小點均質化稠密構成,並在小點上畫龍點睛似的撇上幾筆色彩,點化出新芽蓄勢待發的生命力,眩漾的視覺效果暗喻創作者的存在意識。

曾雍甯綺麗的風格特色:

曾雍甯最為獨道的風格是裝飾性的愉悅美學,對他而言形與色是一體無法分離,必需思考形式,再加上對色彩豐富的想像力,「形象是種感覺,色彩則是論證」,「形象作為軀體,色彩化則是靈魂」。獨特的形式及綺麗色彩來自於斯生司長的生活環境,充滿在地的能量及意識。繽紛燦爛的色彩來自南島田野間的自然(亞熱帶植物花草)及閩南式廟宇(如高彩度色彩的彩繪、交趾陶、剪黏的磁釉),甚至民間廟會的宋江陣、白鶴陣及花車眩漾的五顏六色。他對色彩沒有禁忌也不設限,偏愛純色亮麗的高彩度色相,有時溫馴合諧,有時奔放對比,意圖解放傳統色彩,表現無比的張力。謎樣的色彩在他直覺及想像裡發揮至登峰造極,是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,高更說:「色彩帶給我們的感官刺激,其本身就如謎,所以邏輯說來,也只能謎一般運用。每一次,使用色彩不是為了描繪,而是取色彩自身流瀉出的音樂感覺,色彩的特質,內在神秘的謎樣力量。憑藉著精巧的和諧,可以,創造出象徵。色彩是和音樂一樣的顫動,足以觸動自然界最普遍,而且無處不在的,最廣泛的內在力量。」

曾雍甯的形式圖案原型都來南島(亞熱帶)田野間的自然花草植物及潛意識深處森羅萬象的意像,開滿山頭的繁花-這些無語名狀的橢圓花造型,充滿自由心證及聯想空間,與其說是花,不如說是他獨特風格造型最原創語彙。與其故鄉鹿港的龍山寺裝飾性的八卦鑿景密窗及繁複的鏤刻圖騰有密不可分的關係,花的內構造型與鑿景鏤刻圖騰形構異曲同工,所有圖形都從一片片一朵朵繁殖生長開來。並在繁花裡偶發隨機生出如圓形、三角形、有機規則與不規則線條強化畫面結構激發能量。

曾雍甯從原子筆出發至簽字筆、彩色筆、水墨及壓克力等等,解放工具就是釋放形式與色彩,闢創新視覺語彙,在直覺及想像,意識及潛意識,感性及理性,意象及抽象中建構。明顯地風格特色是平面化、色面化、圖案化、抽象化、裝飾性及音樂性,有機形式,組織性結構,平塗彩繪,無筆觸,純色亮麗的色彩,繁複溢滿形色,令人目眩神迷,熾熱,洋溢感性,充滿動能與視覺感官。圖形即色彩,色彩即形塊,色澤召喚光線,色彩成為情感的溫度,多重節奏的形與色成為律動,節奏組成音樂旋律,律動成為能量,感覺化為情境,結構綻放出空間場域。

註1:來自畫家訪談錄 2015-03-31 台北。
註2:來自畫家訪談錄 2015-03-31 台北。
註3:來自畫家訪談錄 2015-03-31 台北。
註4:引述原生的律動 2008-2012曾雍甯作品集畫冊
繪畫作為軀體,身體成為器官-曾雍甯的亞熱帶風景 王品驊 p5。

2015-08-07於巴黎

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Agnes Martin -倫敦現代泰德美術館回顧展:

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Agnes Marti -倫敦現代泰德美術館回顧展

000  Agnes Martin 1912-2004    2015-07

新墨西哥荒漠中的畫家大型海報

001 Agnes Martin untitled 1957 oil paint and graphite on canvas

最早期的作品之一 untitled 1957 oil paint and graphite on canvas

001-2 Agnes Martin 1912-2004 falling bleu 1963 huile et graphite sur lin

falling bleu 1963 huile et graphite sur lin

002 Agnes Martin  the tree 1964 oil paint and graphite on canvas

the tree 1964 oil paint and graphite on canvas

004 Agnes Martin adventure 1967  acrylic paint and graphite on canvas

adventure 1967 acrylic paint and graphite on canvas

016 Agnes Martin 1912-2004 untitled-5 1988 acrylique  et graphite sur lin

untitled-5 1988 acrylique et graphite sur lin

圖文/陳奇相

時間:6月3日至10月11日
地點:倫敦 現代泰德美術館

今年暑假七月初倫敦美術館之旅的兩個美國70年代藝術家個展。

「當我想到藝術我覺得它是美,美是生命的奧秘,它不是用眼睛觀看,要用心去感受。」

艾格尼絲.馬丁(Agnes Martin)

Agnes Martin:(1921-2004)是美國極限藝術最具前瞻性的藝術家之一,更是此運動中少數專以平面繪畫創作的女性藝術家。從40年代末期就開始從事繪畫創作,早期在感性的抽象表現主義裡,接近高基(Gorky)、羅斯科(Rothko)及高蒂伯(Gottlib)們的風格。她可稱是美國極限藝術的先驅,因為在抽象表現主義的風暴及後期色彩抽象方興未艾時,1958年馬丁以激進的態度肯定最低限的藝術,在謹嚴的線性之組織特徵裡,探討形式及空間的關係。從1963年起她的作品已達到成熟階段,純化在最低限的精神狀態中,專在白方形畫面只以纖細敏銳的鉛筆或感性的灰色規格性畫出垂直線或平行線,組織建構畫面。今後這種感性敏銳的純化繪畫就成為馬丁最具徵兆性的藝術語彙及風貌,專以標準尺寸(200 ×200公分)之方型畫面,她認為這是最為中性形式的就像黑和尚萊茵哈特般,馬丁對這如此說道:「我的形式都是方型,然而我的方格從來就沒有真正方形的組合:與其說是四方型,這創立一種反常的類型,一種不協調,從一開始我就不希望的」。

至1967年馬丁的探討達到極限,她毅然中斷藝術創作,進而退隱於新墨西哥的荒漠中。直至1972年復出,在更為純化實質地幾乎接近空靈的新面向上,嘗試探討那具有沉思默想廣闊無邊的白色空間,整個大方形畫面只由4或6條纖細之藍色或紛紅色垂直或平行線穿越,實質的色彩,敏銳的併發一種前所未有的感性,宛若靈光乍現,相當迷惑人。直到80年代更為純化低現到只剩下兩條垂直或平行線條,橫越廣州無邊的白色空間,接近於敏銳的白色單色畫。馬丁企圖表現其最純粹的存在,近乎空靈狀態,是極限藝術運動裡最精神化的作品,建立在形而上的世界及象徵性的觀念中,這種探討介於紐曼及羅斯科的作品間。

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Duane Hanson 倫敦個展:

023 Duane Hanson self-portrait with model 1979  poltvinyl  polychromed in oil .mixed media with accessories

self-portrait with model 1979 poltvinyl polychromed in oil .mixed media with accessories

037 Duane Hanson old couple on a bench 1984 bronze   polychromed in oil .mixed media with accessories

old couple on a bench 1984 bronze polychromed in oil .mixed media with accessories

039 Duane Hanson   man with hand cart 1975 polyester resin and fibreglass polychromed in oil .mixed media with accessories

man with hand cart 1975 polyester resin and fibreglass polychromed in oil .mixed media with accessories

040 Duane Hanson   man with hand cart 1975 polyester resin and fibreglass polychromed in oil .mixed media with accessories

man with hand cart 局部 1975 polyester resin and fibreglass polychromed in oil .mixed media with accessories

041 Duane Hanson   man with hand cart 1975 polyester resin and fibreglass polychromed in oil .mixed media with accessories

man with hand cart 局部 1975 polyester resin and fibreglass polychromed in oil .mixed media with accessories

034 Duane Hanson   house painter 1984-88 autobody filler polychromed in oil .mixed media with accessories

house painter 1984-88 autobody filler polychromed in oil .mixed media with accessories

035 Duane Hanson   house painter 1984-88 autobody filler polychromed in oil .mixed media with accessories

house painter局部 1984-88 autobody filler polychromed in oil .mixed media with accessories

043  Duane Hanson   man on mower 1995 bronze  polychromed in oil .with  lawn mower

man on mower 1995 bronze polychromed in oil .with lawn mower

時間:6月2日至9月13日
地點:倫敦 Serpentine 畫廊

圖文/陳奇相

Duane Hanson(1925 – 1996年)是欺騙眼睛的-美國超級寫實主義最具代表性的藝術家之一,以其戲劇性實際人物翻製,再噴上和人一樣的質感膚色,在依照社會階級主題衣著,並配合社會場景物質環境安置成形,維妙維肖以假弄真似的大都是資本主義下的消費社會人物。早期糾纏在社會事件之展現,例如一位流產婦女之屍體覆蓋在白色床單下,或幾個酒鬼醉醺醺的躺臥在街頭,骯髒的衣服,身旁周圍散落幾瓶空酒瓶,接著美國黑人暴動(尤其是68年美國著名黑人牧師路德 金遇害後)場景,一位白人警察正拿著警棍兇猛的鎚打躺臥在地上的黑人之逼真事件鏡頭,就這樣成為美國社會事件永恆性的紀念碑。從這社會事件主題後,漸漸把重心轉移至美國消費社會之市民景象寫照:油漆工人、清潔婦人、辦公人員、觀光客們或遊客們,要不然則是剛從超級市場出來推著滿載商品的小推車之肥胖婦人等等,都依照其主題衣物穿著、髮型及各階層的物體安置成形,這些栩栩如生相當「美國普羅眾生典型的人物」都站立在地面上(真人的實際比例),如果參觀者也站立著不動,人們還會以為也是韓森的作品般,戲劇性的逼真,似乎無形中參觀者們也成為韓森先生的活雕塑了,當假作真時,真亦假,這豈不是一種虛構的倒置或是種幻覺呢?韓森說道:「我所創作的雕塑意在反映美國中下階層的價值觀。我要表現常人的深刻感。我的作品顯露感情,是為了要捕捉住生命的真相」。

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