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Archives pour 04/2016

Tomas Saraceno – 師法自然:

011 Tomas Saraceno  b1973 hybrid musical instrument cygnus a-built by a  solitary spider nephila kenianensis and two semi-social

hybrid musical instrument cygnus a-built by a solitary spider nephila kenianensis and two semi-social 2015 物體空間裝置

013 Tomas Saraceno  b1973 hybrid musical instrument cygnus a-built by a  solitary spider nephila kenianensis and two semi-social

hybrid musical instrument cygnus a-built by a solitary spider nephila kenianensis and two semi-social 2015 物體空間裝置

014 Tomas Saraceno  b1973 hybrid musical instrument cygnus a-built by a  solitary spider nephila kenianensis and two semi-social

作品來自巴黎東京宮-「世界邊緣」聯展 2015-04 現場場景

圖文/陳奇相

Tomas Saraceno(1973年出生) 南美洲新生代最具代表性藝術家之一,擅長跨界融合的多媒介空間裝置及物體,他的這件作品創作來自蜘蛛網的靈感,是師法自然的好例子,如畫家康丁斯基所說:「當人類文化發展產生了危機時,必須重回到自然,重新向大自然學習」。在當今消費社會藝術是否也迷失在日常物語雲霧中而不自知呢?都會的藝術自然而然的與自然的疏離,在這情境下,觀念取代藝術,思維及辯論下,「藝術」剩下「論證」,頭腦取代一切人性的直覺及感性也消失無蹤-那裏去了呢。

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讚嘆自然之美感:

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讚嘆自然之美感-自然是創作的源泉

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偉大的工程師、卓越的數學家-蜘蛛

圖文/陳奇相

抽象大師康丁斯基說:「當人類文化發展產生了危機時,必須重回到自然,重新向大自然學習」。畫家陳聖頌說:「因為大自然是雍容慷慨,自已沒有必要有個人的偏執及偏見來面對它,越謙遜,越是悉心來傾聽他的訊息,越能得到啟示。於是藝術,已經不再是抽象與具象之問題不再是前衛與後衛之問題。反而是大自然中那恆久不變的東西,引起他更多的好奇與挑戰,大自然對他的影響,不只是藝術的層面上,也是他在人生的處是態度上,大自然即我師焉」。(註-引用陳聖頌的文章-來自於楠弘德國居家品牌2016年年歷)

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蘇國慶「孤獨與自然」個展:

回望 Retrospect 2015 油彩 麻布 Oil on linen 100x80cm

回望 100x80cm 2015 油彩/麻布

百年孤寂 One Hundred Years of Solitude 2015-16 油彩 麻布 Oil on linen 130x193cm

百年孤寂 130x193cm 2015-16 油彩/麻布

圖文/陳奇相

策展人:王嘉驥
地點:高雄小畫廊
展期:4月16日至~6月5日

「我用風景繪畫來傳遞內心底層的人類共同情感」

蘇國慶

在這後現代之後,甚麼都可以的情境下,如何風景畫,畫甚麼樣的風景,如何以風景表達內心的感悟?畫家在造訪自然,眺探自然時,看是觸點,風景才是觸媒物,它觸擊到的是畫家當下內在深層意識。的確,風景是存在的場域與存在的情境,面對眼前風景冥想時,與當下情感及經驗是不可分離的,風景是自我內心的映現剖析,借景抒發人事物的感觸及意識風光,在覺知與感性,可見的與非可見的中,闡述畫家壯闊生命裡美麗的風景,蘇國慶說「我用風景繪畫來傳遞內心底層的人類共同情感」。

蘇國慶(1947年生)台南白河庄腳人,出生在山明水秀明媚自然風光裡,畫風景是從小養成的,這份來自鄉間對自然濃厚的情感之投射,畫風景成為蘇國慶的獨鍾,在東方及五月抽象風暴下,同學程延平與一批激進年輕藝術學子們都跑去跟李仲生學藝-自動性技法時,蘇國慶卻不動於衷偏愛自然風光,確實,性格決定一個人的命運,畫風景就成為蘇國慶的藝術創作宿命及個人藝術追求風格。

素知蘇國慶好愛大自然風景,特別喜愛樹,他認為樹是最接近人的存在,樹林猶如人間社會,發生過各種故事。他說每當他佇立於自然風景或人樹參雜的都會裡,「誰在那裏?」-(哈姆雷特)一劇開場的獨白就會在他耳中響起。(註1)

風景是蘇國慶觸景生情之內心關照,映現當下的覺知,他以文學的手法畫他眼裡的風景,而他心中之人生的風景隨著生活參與觀察領會都一直在變化中,他一直在追尋生命的那把鑰匙想解開生命的密碼,他的風景畫是追尋的紀錄,是紀錄那消失(註2)。綜觀他的風景畫分為三:都會風景-具象、自然風景-意象、內心風景-心象,德國象徵主義畫家Caspar David Friedrich說:「風景即畫家的心境」,蘇國慶認為這有兩層面,一是「畫家用心眼在看世界」,另一說法則是「畫家用風景表達他的心象世界」(註3)。儘管取材於現象世界的真實景致,蘇國慶的風景繪畫總是帶著一股耐人尋味的孤獨感(註4),德國詩人里爾克:「花開花落同時在我們的意識中」。

註1:蘇國慶 風景-我的內心世界 講義2011 三月 引言 王溢嘉。
註2:風景密碼 為崑山科大同學的說明 蘇國慶。
註3:蘇國慶 風景-我的內心世界 講義2011 三月。
註4:蘇國慶「孤獨與自然」2016個展新聞稿 王嘉驥。

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晨間沐浴在巴黎人後庭院-凡仙森林:

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美不勝收的湖畔風光

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花都員林及森林中到處都如詩如畫

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美景中孔雀開屏增添詩意

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小島上一群自由自在的孔雀-開屏迎接我們

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吸睛-罕見的白孔雀

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湖畔邊的白天鵝

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春滿人間-繽紛燦爛的櫻花

圖文/陳奇相

凡仙森林是我每星期日練氣功的地方,好幾年了,成為我巴黎日常生活的戶外空間,正值大地甦醒,百花齊放繽紛燦爛的時刻,森林樹木枝頭隨著時間穿上青蔥翠美麗衣棠,氣溫還很低-週日晨間才五度,白天只八度,我們一群人不畏寒意充滿朝氣,在這很愜意自然劇場裡,呼吸新鮮芬多精,做氣功鍛鍊身心,洗滌一身的倦意。結束後,到水光幻影的湖畔邊,與裡面兩座小島漫步欣賞春天花開滿人間的美景,島上一群孔雀,翩翩起舞迎接我們,湖中一群群白天鵝及野鴨逐食與嬉戲玩得不亦樂乎,周末湖畔邊到處都有人在運動,巴黎市民們喜愛繞湖慢跑,總覺得每到周末凡仙森林公園好不熱鬧。

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雲門舞集是台灣人的驕傲:

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巴黎市劇院 Theatre de la Ville 的演出海報 圖來自雲門網路圖檔

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「稻禾」的演出海報 圖片來自雲門網路圖檔

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「稻禾」的演出海報 圖片來自雲門網路圖檔

文/陳奇相

台灣雲門舞集是世界最受矚目的現代舞團之一,是台灣文化外交的尖兵,從這月起到歐洲巡迴演出,首站在巴黎巴黎市劇院(Theatre de la Ville)演出,有幸的在巴黎觀賞雲門舞集林懷民精彩新作「稻禾」,雖然兩年前在台灣嘉義明雄演藝廳看過,但在異鄉卻感受特別深,是台灣故鄉對遊子的呼喚,這種呼喚是來自土地及文化深切的情感,撼動我的心,感動外還為身為台灣人而驕傲。

「稻禾」的精采舞技及身後的在地情感與意識,牽動台灣人的神經與土地靈魂,撼動巴黎觀眾的心靈,讓大家感動不及。「稻禾」是與台灣這塊地最深刻的連結之大作,展現台灣地方之活力、震盪、能量及精神偉大的實在,呈現美麗寶島的生命意識,讚嘆-藝術表現的張力與撼動力,感謝雲門及舞團靈魂人物林懷民先生,祝福雲門歐洲巡迴演出成功,你們是台灣人的驕傲。

巴黎市劇院 Theatre de la Ville 的演出海報及圖片來自雲門網路圖檔

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莊喆「50年抽象畫」個展:

002 Chuang Che  Red Cliff, 1976, TM sur toile, 121,5x89,5

Red Cliff 121.5×89.5cm 1976 油畫壓克力/畫布

001 Chuang Che   ST, 1976, 96x127,5

ST 96×127.5cm 1976 油畫壓克力/畫布

003 Chuang Che  Diptych, 1977, 99,8x126

雙拼-構成 99.8x126cm 1977 油畫壓克力/畫布

004 Chuang Che   Eagles Will, Diptych, 1981, 127x128

Eagles Will 雙拼Diptych 127×256.5cm 1981 油畫壓克力/畫布

005 Chuang Che  88-58 Diptych, 1988, 98,2x128

雙拼-構成 98.2x128cm 1988 油畫壓克力/畫布

圖文/陳奇相

時間:3月24日至4月30日
地點:巴黎Herve Courtaigne與Sabine Vazieux畫廊合辦

在後現代的之後,全球化下,在地文化差異成為藝術價值,多元現代化觀念成為顯學,大前年龐畢度國立現代藝術美術館館藏就以「多元化的現代藝術」命題呈展,絕對有其意義,這是被遺落價值的重新發現肯定或是另類操縱呢?在這新世紀東方(中國)成為全球經濟的龍頭,藝術市場靠邊(東方)站時,亞洲現代藝術話語權更形重要,尤其中國與台灣戰後抽象畫更具其徵象性,其意義有待各方面的探究及詮釋。

中國及台灣戰後抽象藝術因旅居巴黎的趙無極及朱德群之賜,台灣戰後抽象畫尤引人注目,他們這一代的藝術價值及意義都有待歷史的註釋。台灣抽象畫的市場只僅於趙無極及朱德群作品炙手可熱,近年來因為劉國松的關係,藝術市場開始熱絡討論東方、五月畫會,也讓兩會的其他成員藝術價格蠢蠢欲動。在這藝術市場的趨勢,巴黎意圖繼趙無極及朱德群之後,闢創中國及台灣戰後抽象畫家市場,Sabine Vazieux女士先知之見,畫廊負責人則以法國戰後抽象專家的身分,近兩年來毅然決然地投入中國及台灣戰後抽象畫的藝術市場版圖。莊喆「50年抽象」個展就是個例子,是Sabine Vazieux畫廊所策劃的展覽,並與Herve Courtaigne畫廊合辦 。

旅美華人藝術家莊喆(1934年出生於北京)是台灣五月畫會重要成員,他們質疑中國傳統水墨的死胡同,更新再創現代水墨之可能。莊喆一生都奉獻在他所謂的「第三條路線」抽象繪畫探討上,他出生在書香世家,父親莊嚴是已故知名書法家,曾擔任北京故宮博物院副院長。自幼耳濡目染,從小就學書法,生活在中國歷代名書畫中,人文藝術的薰陶,培養出對藝術的興趣。1948年隨著中華民國政府播遷台灣,1954年進入台灣師範大學美術系就讀,曾在朱德群的指導下學習繪畫, 1958年畢業後加入「五月畫會」,開始接觸抽象繪畫,深受美國抽象表現主義與趙無極的藝術探討影響,與五月夥伴藝術家們勘探現代水墨畫。1966年獲洛克菲勒基金會贊 助,首次赴美遊學,畫家說:「因為我們的傳統文化中沒有,所以只能在美國及歐洲尋找」。兩年後到歐洲旅行,在巴黎拜訪趙無極及朱德群,去西班牙巴塞隆納結識Antoni Tapies,1973年莊喆移居美國,1988年移居紐約至今。

莊喆「50年抽象」個展也是他首次在巴黎展出。莊喆的中西渾融自成一格的抽象繪畫來自於本能,其創作隨著感性節奏遊走,開發一種有機的形式,書法筆觸線條、優雅紋理及潑染的面之組織結構,自由造化中,表現自然山川萬物的各種意象型態。莊喆「50年抽象畫」個展從六o年代融合書法的現代水墨開始,感性書寫文字成為畫面主體結構,表現語言及形式雙重的情感及意識「雙拼構成」(1966),七o年代藉由水性壓克力顏料的輕巧、流暢、潑染、透明接近於水墨虛實飄渺建構,渾然天成的形式,明亮濃郁色調,加上瀟灑筆觸及實質細線條,隱現中國宏偉山水意象「雙拼構成」(1977)。

八o年油畫及壓克力顏料及水墨的混和使用,融合流暢潑染與陽剛的粗曠線條,金字塔形式的謹嚴結構,充滿能量的「鷹的意志」(1981)。流暢潑染面及充滿能量線條筆觸建構的有機形式,明亮濃郁而多彩,開放結構充滿音樂性,於虛實間示現壯觀自然山川萬物意象型態,在靜之動態優雅節奏中兩幅「雙拼構成」(1988) 。2000年後風格更熟成,內聚外放的形式結構,沉著的色調,虛實飄渺的空間及自然意象「構成」(2008-2012-201-2015)。從這些中國水墨長橫的畫幅作品,有機形式中都有意無意間示現栩栩如生的大自然世界,明顯地,莊喆承先啟後更新現代化中國山水畫傳統。他相信,在具象及抽象,沒有所謂中斷,在人及自然間也沒對立,然而是一種連續性,一種互相經過的可能性(註1)。抽象與否並不重要,對莊喆來說:「重要的是透過作品的形式探尋它欲傳達的真直意義。」(註2)

莊喆的抽象繪畫,於中國道家及佛家智慧傳統中,在深厚哲學及美學裡,探討人與自然或人與宇宙間的關係。莊喆一生創作明智探討所謂的「第三條路線」,也就是既不東方也不西方,既非具象又非抽象,既非書法的更非西方繪畫性的,而是融入其中找出自已的風貌(註3)。他在中國傳統文化根裡,不只將書法筆觸融入繪畫,在水性壓克力潑染虛實飄渺間隱現中國山水意象,綜觀莊喆「50年抽象」個展,明顯地,是結合中國文人畫傳統與西方抽象表現主義精隨,東西方並不衝突,具象與抽象並不重要,示現書藝及西方繪畫性的徵象,起死回生中國傳統山水,體現現代性,這就是莊喆個人獨特抽象繪畫語彙。

註1:模糊的回憶,湧現及創作:莊喆的抽象-風景Chang Ming Peng 莊喆「50年抽象」個展 SabineVazieux畫廊與Herve Courtaigne畫廊合辦2016-03出版 p15。
註2:莊喆-來自於維基百科網站
註3:第三條路線:莊喆的藝術Chen Hung- Hsing 莊喆「50年抽象」個展 SabineVazieux畫廊與Herve Courtaigne畫廊合辦2016-03出版 p7。

2016-04 Paris

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Niele Toroni -「路過」個展:

052  Niele Toroni  empreintes des pinceau n-50 a intervalles reguliers de 30cm acrylique bleue sur toile 200x200cm 2016

借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色,30公分的間距間各公式化的畫一筆 藍色 200x200cm 2016 壓克力/畫布

053  Niele Toroni  empreintes des pinceau n-50 a intervalles reguliers de 30cm acrylique jaune sur toile 200x200cm 2016

借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色,30公分的間距間各公式化的畫一筆 黃色 200x200cm 2016 壓克力/畫布

054  Niele Toroni  empreintes des pinceau n-50 a intervalles reguliers de 30cm acrylique rouge  sur toile 200x200cm 2016

借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色,30公分的間距間各公式化的畫一筆 紅色 200x200cm 2016 壓克力/畫布

055  Niele Toroni  empreintes des pinceau n-50 a intervalles reguliers de 30cm acrylique bleue sur toile 200x200cm 2016

借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色,30公分的間距間各公式化的畫一筆 藍色 局部 200x200cm 2016 壓克力/畫布

057  Niele Toroni  intervention murale painture acrylique noir 2016

借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色,30公分的間距間各公式化的畫一筆 2016 壓克力/牆面

058  Niele Toroni  intervention murale painture acrylique noir 2016

借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色,30公分的間距間各公式化的畫一筆 2016 壓克力/牆面

圖文/陳奇相

地點-巴黎 Marian Goodman畫廊
時間-3月5日-4月16日

尼耶爾 托羅尼(Niele Toroni)(1937年出生)是法國BMPT團體裡和布罕一樣都是最具國際性的藝術家之一,也是此運動中最激進及最神奇的一位,在西方現代主義純化縮減過程形式中,以他的作品最為精簡及低限,美國藝評家布羅克寫道:「托羅尼在縮減主義裡,如果和史提拉比較的話,他額外的超出一級」(註1)。那甚麼是繪畫?繪畫該是怎麼模樣?這托羅尼似乎一清二楚,繪畫就是拿著畫筆沾顏色畫在支架(例如圖畫紙或畫布)上,這種畫行為過傳統了吧!確實。那麼!繪畫豈不就尋求一種個人獨特的語彙,風格面貌就成為藝術家的身份認証?托羅尼首次出現這種激進類型的作品是在1965年,當時並非是一種形式的革新,因為早在60年初阿曼(Arman)就以同質現成物堆積,或沃霍爾同樣以影像複製等等。

1966年托羅尼才確立其終身創作的章程,宛若當時系統化的觀念藝術,也就是說借助50號畫筆,在白色底之支架上,使用一種顏色(例如黑色、深藍色),30公分的間距間各公式化的畫一筆,如此反覆的在整個畫面上。美國極限藝術家賈德有一天說:「理想性的形式將不是有機的,更不是幾何的」那麼!人們能夠說托羅尼找到理想化的形式(註2),盡管全部都是謹嚴的縮減在這50號畫筆中,托羅尼之工作從來就不刻板,今後形象繼續身份化,空間量化,環境空間成為每次工作最為主要的組織元素。托羅尼對於借助如此解釋:「借助並非是影像或觀念,一種借助的幻覺。然而令人滿意的是現實的借助一支50號的畫筆」(註3),似乎證明馬蒂斯的一句著名的格言:「我並不畫女人,而我畫一幅畫」(註4)這豈不是說托羅尼的借助也是一幅畫。

從此以來托羅尼就不再改變,並更加強化的肯定這種形式,成為他最具徵兆性的語彙及藝術身份,托羅尼對這種工作聲明說:「對於我並沒有涉及到使變成神話的一種工作,它將是『理想性的作品』在反覆的外貌形象裡;並沒有涉及到機械性的反覆是為了反覆的愉悅。它涉及到批評工作的一種方法時常是有效的及必需地;看得見的工作在這裡及現在提出一些問題(她成為問題,並形成問題)」(註5)。這種獨特的形式就成為最為中性及客體的繪畫,她可以經由多樣化的色彩(每次他只選擇一種)畫在各式各樣的支架上:畫紙、畫布、木板、三夾板、塑膠片、玻璃、落地窗、甚至於牆面或地面,並依空間展覽空間建構形式。畫成為一種藝術行為,工具形成符號,經由藝術家謹嚴的經營,在這種沒有甚麼可看性的,就是要給人們看的裡。那些借助及形式佈置沒有任何的參照只有她們本身,作品也沒有任何表現立及意義,在她謹嚴中只將是「繪畫」。全部可能性的肯定就像匿名的活動,在反覆機械性的影像裡,托羅尼對他的作品解釋:「這工作是托羅尼所作,那麼!這工作能夠由任何人來執行,他應用系統性的(30公分之間距),一隻50號的畫筆在白色(畫紙、塑膠、牆面或畫布上…等等)底上」(註6)

綜合的辯證法經由托羅尼主觀行為及客觀性的符號,能夠描繪就像狀態有時是唯一的及特別的東西,或一種同樣東西無限的多樣化、有機的特性和機械性的客體,都展現個人和公眾的匿名。1985年托羅尼在巴黎市立現代美術館ARC個展,命題為「瞄一眼」藝評家黑納 丹尼佐寫道:「作品必需出現,既使她出現,顯示出這個它是死亡的及這個它是活生生的,她發揮其固有的消失。是唯一批評的觀點,這在美學裡並不過份,(…)作品的出現發揮其消失。是她(…)批評的面向。她並不屬於任何美學標準」(註7)

註1:25 ans d Art en France 1960-1985 巴黎Larousse出版社 1986年出版 P157。
註2:Benjamin Buchloh著 Essais HistoriquesII Art Contemporain 法國巴黎Art édition 1992年出版 P.89。
註3:同上P.86。
註4:「成問題的70年代藝術」,Bordeaux當代藝術美術館2003年出版 P111。
註5:Benjamin Buchloh著 Essais HistoriquesII Art Contemporain 法國巴黎Art édition 1992年出版 P.82。
註6:同上P.87。
註7:「法國藝術的形勢」Artstudio N5,1987年夏季刊P130。

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在巴黎看展覽-是吃到飽的:

P1500286  Anselm Kiefer

龐畢度-德國新表現藝術家Anselm Kiefer回顧展,

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當一個大展結束,另一個我們所喜歡的保羅 克利大展又上場

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法國敘述性寫實畫家Gerad Fromanger特展

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巴黎市立現代美術館-「潘朵拉的盒子-另類攝影」及 Albert Maququet「時間休止符的繪畫」回顧展

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巴黎東京宮- Jean-Michel Alberola 「局部的冒險」回顧展與「雙重的-我」特展及Florian & Michael Quistrebert「 The light of the light 」創作展

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巴黎密特郎國家圖書館Miquel Barcelo「Sol y Sombra」個展

圖文/陳奇相

展覽還是展覽,我喜歡看展覽,百看不厭,看是我人生的一大享受,不只滿足我的好奇,擴展生命視野,也更帶來新的體驗,看不完的展覽-還是一口氣全覽眼中,看到心滿意足為止,確實在巴黎看展是吃到飽的。三十幾年來如一日,見證時代的變遷及思潮的演化。有人說我在巴黎看展就像「巡田水」,確實我不是聰明絕頂的人-但我相信勤能補拙。

當下巴黎幾個大型的展覽:龐畢度-德國新表現藝術家Anselm Kiefer的回顧展,到這周日就結束,當一個大展結束,另一個我們所喜歡的保羅 克利大展又上場,在美術館裡還有法國敘述性寫實畫家Gerad Fromanger特展。巴黎市立現代美術館-「潘朵拉的盒子-另類攝影」,介紹攝影史及當代藝術上的攝影課題探究。還有被遺忘的法國畫家Albert Maququet,是位在野獸派邊緣的畫家-「時間休止符的繪畫」回顧展。

巴黎東京宮-系列的個展及特展,兩大主題幾大展覽-法國藝術家Jean-Michel Alberola 「局部的冒險」回顧展,從繪畫走向觀念藝術的一位傑出藝術家。另類展覽混合藝術手藝及藝術家的「雙重的-我」特展,在這展覽呈現法國藝術手藝工作室,並在其中混合藝術家的作品,讓人不知甚麼是藝術。除之還有幾個年輕藝術家的特展 Florian & Michael Quistrebert「 The light of the light 」,繪畫及錄像裝置,傾向於歐普藝術。

巴黎密特郎國家圖書館目前展出,西班牙藝術家Miquel Barcelo「Sol y Sombra」個展,以版畫為主,並在圖書館大片落地透明窗上,闢創一大壁畫。除了這些大展覽,還有其他如大皇宮或兩大攝影館與畫廊等等,展覽還是展覽展覽,走到雙腿腳軟,明天再來再來。讓我目不暇給與不亦樂乎的參觀再參觀,直到吃到飽。

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Markus Schinwald個展:

000-1 Markus Schinwald  b1973  machines 2016

Markus Schinwald 個展現場-機械性的新裝置雕刻系列 2016

001  Markus Schinwald  b1973  machines 2016 (2)

機械性的新裝置雕刻系列 2016

004  Markus Schinwald  b1973 untitled 200x200cm 2015 huile sur toile

左-無題 200x200cm 2016 油畫 右-機械性的新裝置雕刻系列 2016

012  Markus Schinwald  b1973 140x100cm 2016 pigment print

女士畫像 140x100cm 2016 pigment print

014  Markus Schinwald  b1973 140x100cm 2016 pigment print

男爵畫像 140x100cm 2016 pigment print

015  Markus Schinwald  b1973  140x100cm 2016 pigment print

女士畫像 140x100cm 2016 pigment print

013  Markus Schinwald  b1973 140x100cm 2016 pigment print

女士畫像 140x100cm 2016 pigment print

011  Markus Schinwald  b1973  kerdtin 140x100cm 2016 pigment print

女士畫像 140x100cm 2016 pigment print

圖文/陳奇相

時間:3月12日至4月9日
地點:巴黎Thaddaeu Ropac畫廊

Markus Schinwald(b1973)是奧地利中青輩藝術家,以其充滿神秘、心理、精神、意識、軼事性的作品著稱。作品很多元及多樣,不管新媒介(錄像) 、傳統油畫及素描、別開生面的雕塑,或空間裝置樣樣精通,戲劇性的映射當今世界的社會學、哲學及心理學的,甚至於是自我物戀的迥響。

Schinwald的繪畫及素描風格看起來相當學院,但引現地並非如此,技藝精勘令人讚嘆,他擅長挪用來自於西洋傳統古代最經典的比德邁(Biedermeie)時代人物繪畫,並在這人物臉上加上牛頭不對馬嘴的假體元素,經由這行為使人像更具張力、想像力及奧秘,闢創一種非時間性的美學,將觀眾帶入一種密教奧義之旅,這種經驗並非只是視覺或是想像的更是軀體情感同化。

在這次的巴黎新個展中,Schinwald展出三大系列:新繪畫系列-宛若學院派的風格,畫幅都方形特別大,反過去人物為核心的論據,人物或畫室裡的女模特兒都縮小其尺寸範疇,不是在正中(下)就是在邊緣角落,整個都是帷幕畫面幾乎是單色畫,畫面空間顯得無限空曠,另一幅小小的人坐在畫面的正中央,天地畫成兩色面,夕陽無限好的氣圍下,宏偉的空間人顯得微不足道,但人還是在中央,示意著人的自大?呈現色面抽象的意像。人物給予一種心理學的重量與其軼事性外,近乎是色面抽象繪畫。

在大展場裡中間陳列機械性的新裝置雕刻系列,像立體圖畫都在大白色木框裡,裡裝著一些精緻木製的機動元素:齒形輪、圓柱形轉軸、開張樹枝型等,簡單機動性的運動旋轉,間段性不斷發出(豆豆)敲木框的節奏聲音,引現一種重複舞蹈節拍。在這些窗戶般白木框,呈現一種空及實間的玩法,創造出一種象徵性的對話,在內與外、內省與外向、詩意及想像之間。

樓上系列Schinwald代表性精典素描,技藝精勘,充滿神奇及想像的人像畫,有男士及女士都盛裝穿著,頭部成為畫面的核心,臉上都裝有假體支架,在鼻、眼、嘴、耳上等等,假體成為一種畫的情境或是一種觀念。這系列最神奇的是將臉或頭部以衣物、帽套或摸布覆蓋掩飾,成為神秘性的引現出一種非同凡可的精神狀態體積,讓畫面更為抽象,在心理及軼事,想像及堂奧,具象及抽象,精神及物質間,揭示一種神秘的情境。

本文參照Markus Schinwald個展新聞稿。

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春天後花園賞花散步:

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Bercy公園邊公共藝術及背景電影圖書館

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初春大地季節性花圃正在甦醒中

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湖畔的垂柳正得意昂然迎接春天

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湖畔邊春風得意的白屋

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春天在水面上書寫情歌

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在春光下高歌書所懷的花草植物

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醉在春光中-溫馨自在如是

圖文/陳奇相

花都-大地慢慢甦醒中-萬象在明媚陽光下更新,繽紛花草增添自然風光的新衣棠。走出陰翳寒冬,雖然春天後母臉,晴時多雲偶陣雨之交響樂章下,從台灣回來後,又找回巴黎日常生活的腳步,工作之餘花園或公園散步成為生活習慣,尤其在居家附近有好多大小花園及公園。

Bercy公園是我生活圈經常會出入或散步的地方,Bercy小村落休閒街吃喝玩樂或電影城看電影是生活的一部分,很喜歡與朋友們約會散心聊天及喝咖啡的地方,旁邊是巴黎電影圖書館,上月候孝賢回顧展時,我們就到此看「戲夢人生」,很動人的台灣布袋戲大師李天祿之故事,很難想像,電影結束後,觀眾都站起來拍手鼓掌叫好,持續好幾十分鐘,很動人的場面,對美有見識的觀眾們,這似乎只有藝都-巴黎的影迷對侯導才有的禮遇吧。

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