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Archives pour 07/2018

Fabrice Gygi-「D-概念」個展:

Fabrice Gygi-「D-概念」個展現場場景 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題水彩系列 每幅180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi ne1965 Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi Dominique 110x52x14cm 2014 acier corten

圖文/陳奇相

時間:6月1日至7月11日
地點:Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊

Fabrice Gygi(1965年出生)是瑞士新生代最具代表性的藝術家之一,擅長於版畫、印刷、展演、物體裝置、繪畫、雕刻。他的藝術養成教育是從版畫開始,深受版畫的影響也形成「他非常具有圖形的思想,非常黑白,剪裁非常乾淨俐落」的藝術風格。在20世紀80年代和90年代中期,印刷項目和自我組織的活動,Fabrice Gygi一直聲稱他的工作具有社會和政治層面。(註1)

1998年,他開始創建由工業材料製成的結構,包括PVC和不銹鋼塑料。他的劇目(安全氣囊,地雷,帳篷等)和他的公共設備(登上領獎台,屏障,看台)的主題以極簡主義美學手段和社會控制結構進行複制。 簡潔有力而有效的準軍事外觀,他的作品提供了一種非凡的一致性的塑料語言,並不含有主題的模糊性。 因此,在第25屆聖保羅雙年展上展出的La vigie(2002)是一個巨大的12米高的作品,由一個桅杆和一個移動控制塔組成,它給路人帶來的印像是 目標並強調與我們社會對公共秩序問題的安全反應相關的極權主義誘惑。

2010年後放棄他的裝置開始致力於立體三度空間的雕塑,他花了幾年的時間來創作珠寶,之後開發出一種系統化邏輯的創作,建構出一種基本的幾何抽象形式,發展出精簡優雅的立方體和平行六面體雕刻,接近於現代建築結構模型 ,渴望走向一個沒有任何感性和與身體任何類比的物體。

這次新作個展Fabrice Gygi展覽命題「D-概念(D-Concet)」,他的作品牽涉到觀念與形色,依據一種系統化的數學邏輯建構。這次展出一件方型如雕刻台座立體三度空間的雕刻,數理性的邏輯,上面由四塊由大而小正方形依黃金比例的規則鉸接立方體的降序組合建構,示現虛實幻變模塊化架構原型空間結構。牆面上一座結構性立面浮雕,以一大一小的長方塊為主體上下由三塊大小變化的方塊之組合,宛若現代建築築構模型,雕刻及浮雕都展現一種獨特幾何形式美感。

此展覽中,Fabrice Gygi展出引人注目的水彩畫作新系列。是在非洲Chihuahua 沙漠數月之旅後的創舉,使用與先前應用於雕塑的規則相同的形式規則,紀律及絕心,謹嚴專注的創作精神具有一種進入冥想的非凡狀態。他拒絕曲線,專注於平行線與垂直線的建構組合,交叉成方四方形式。這些作品以疊加層中的單一線條繪製,手工一致性精準控制濃度和張力,單一色彩(共有六種顏色)以多次的暈染從濃至淡的層次造化。每件作品都以完美平衡的完美和意外狀態存在,創造出生活所強化的恆定能量。絕對性之完美的線條及濃淡層次色調,引領人們進入個人冥想的境遇。(註2)

(註1-來自維基百科)
(註2-參照個展畫廊新聞稿)

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Jason Martin-「新繪畫」個展:

Jason Martin-「新繪畫」個展現場場景

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue deep) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (phthalo blue -phthalo green) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue ) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone scarlet-red) 2018 70X60X14cm mixed media on panel

Jason Martin untitled (ultramarin blue) II 2018 130X130X10cm mixed media on velvet

圖文/陳奇相

時間:6月22日至7月28日
地點:Thaddaeus Ropac畫廊

新繪畫?是新瓶子裝著陳舊的酒,還是只換個標籤呢?是冷飯還是炒飯呢?在這個甚麼都可以地世代裡,有甚麼不以呢?新瓶裝舊酒、或根本是舊酒貼上新標 籤,新繪畫是冷飯成為炒飯後加胡椒的滋味、在這變與不變中,繪畫的觀念、形式、內容如何更新呢?那是每個世代奮發圖強的一股力量,試圖窺探的創舉。如從抽象本質性繪畫,至形式主義,到會說故事的抽象中,冷飯或炒飯還是飯,也就是繪畫還是繪畫。史岱拉之形式主義「你所看到的就是你所看到的」,經由形式主義之上的Olivier Mosset「看不到任何東西的東西」,到新抽象幾何或新幾何抽象的Peter Halley「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」。

單色繪畫是抽象繪畫終究的結果,經時代的歷煉是現代藝術抽象傳統展現方式之一。在這後現代之後的繪畫裡,炒飯上加胡椒的繪畫都還是種種可能下。Jason Martin繼承單色繪畫及抽象筆觸的傳統,他單色繪畫迷惑人的不只色彩,還有藉由肢體語彙動作行為之筆觸與充滿觸覺感的物質張力,其創作核心環繞在動作筆觸與繪畫物質上,「在這些畫作中有一些深層的有機物,在無生命的物質中被捕獲,和重建中賦予生命。 重放於自然界中發現顏色的顏料一樣般如紫色或灰色 –(……),Jason Martin美麗迷惑人地深藍色和綠色。 他的畫作示現了自然狀態,(……)」(註-參照個展畫廊新聞稿)。

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Peter Halley-「低於/高於」個展:

Peter Halley-「低於/高於」個展:一樓展場場景

Peter Halley boundaries 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley action point 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley compulsion 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)局部

地下室展場三幅方形色塊系列場景

Peter Halley solace 2015 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley the choice 2016 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

圖文/陳奇相

時間:6月9日至7月28日
地點:Xippas畫廊

Peter Halley是上世紀末新幾何抽或抽象幾何的靈魂人物之一,出生於紐約,生活與成長在這垂直宏偉巨大都會建築森林中,都會建築幾何就成為他幾何抽象或抽象幾何的主軸元素,藝術家1991 年描繪他所成長的紐約如同:「巨大而抽象之無差異性四方結構」(註1)。現代都會與工業發展都成為現代主義的原型與創作源泉,對上世紀初眾多抽象畫家們有深刻的感悟及探究,尤其幾何抽象藝術似乎就是現代都會的產物,立體派名畫家勒澤感悟說:「現代人的生活 越來越在種優勢幾何秩序中」或是「每個機械和工業人類的生物都依賴於幾何意志」(註2)。

新幾何抽象或抽象幾何畫家Peter Halley的創作與紐約大都會有密切的關係,其作品來自蒙特里安理性幾何抽象的呼喚,並從美國普普藝術和極限藝術中找到模型,尤其是紐曼、史岱拉與安迪 沃羅爾。一種幾何循環的理想在種抽象和具象張力中,謹嚴的幾何成為客觀現實的一部份,抽象失去它的純粹性,指涉或隱喻裡接近於現實社會,80年代藝術家Peter Halley經常說:「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」(註3) 。

早期的作品互相串聯四方立面結構都暗喻現實特別是「建築內隱藏結構」或「牢獄」等等,在這後現代之敘述性文學性的闡述中,Peter Halley的作品成為會說故事的幾何抽象又稱社會抽象(Abstraction Sociale)。畫家意圖反轉西方現代抽象的形式主義,從現代社會各種幾何結構中尋求抽象幾何引證,指涉現實存在的架構,例如一扇窗、導管和電線或現代高樓大廈之幾何建築結構,宛若謹嚴精準的蒙特利安加上紐曼的垂直平行幾何線條般。這種接近於社會的抽象,就像紐約新潮流倡導者Collins和Milazzo的解釋「幾何及心理分析之會合是我們迷惑的核心﹐他以極限顯現」(註4)

90年代以來Peter Halley突破畫的框架,經由空間裝置敞開整體空間的概念,也就是將會掛在新壁畫(畫的、文本、圖表或是數位影像輸出,這些影像來自於他的檔案中的圖表或是素描本的文字或是設計圖稿,有時會與設計師合作)上。這次巴黎「低於/高於」個展中,他不只規畫整個(一樓及地下室)展場,甚至於走廊及入門口都作為場域空間整體規劃展現。如一樓入口、樓梯間及走廊以畫廊建築結構空間形式(數位輸出影像),創造門檻和通道效果,引導觀眾進入建築空間。地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現。

主展場在一樓,共展出四大幅黃藍底有欄杆的三塊互相串聯方形式的窗(專門為此展量身製畫),命題為:邊界、落水、行動點、義務,將新幾何生活化,藝術家對其新系列如是解釋:「將幾何抽象語言轉化為牢獄和孤立單元的一種詞典」(註5) 。畫則依黃藍節奏懸掛在系列有欄杆的長方形藍色(數位影像輸出)牆面上,強化幾何形式及對話,彰顯其作品的張力。地下室展場三幅方形色塊系列,命題為:選擇、廣場及慰藉,一種人性化的闡述。這系列強調獨特的肌理,示現在黑底綠字之Jill Gasparina藝評文本上,這裡不只是觀賞還可以細細閱讀有關作者對畫家的一些觀點論述。Peter Halley認為:「繪畫是一種獨特的媒介,因為它可以刺激大腦既同是一種形象及觸覺體驗。一幅好的繪畫具有像梵谷或杜庫寧那樣具有吸引力的質感,如果無法觸動你的話, 她會使用這個大腦的觸覺部分去感受。」(註6)

他的繪畫如同他的文本:「城市規劃,數字技術的興起,視頻遊戲和建築效果圖的合成空間,歐洲和美國抽像傳統之間的聯繫,以及現代主義和後現代主義之間的聯繫,空間因此轉變為沈浸式裝置」,Peter Halley的繪畫創作繼續彰顯現代化的生活,在他那些建築或技術形式裡。(註7)

註1:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註2:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註3:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註4:法國Artstduio第六期極限藝術專題 第二篇文章藝評家Nicolas Bourriaud) 。
註5:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。
註6:Block by Block -16 Tactilisme 觸覺 Jill Gasparina) 。
註7:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。

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Olivier Mosset-「Olivier Mosset」個展:

Olivier Mosset 無題-藍 2017 240×600公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset 無題-紅 2017 240×600公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset sun city 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset codillac hotel 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas

Olivier Mosset codillac hotel 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas

文/陳奇相

時間:5月9日至6月16日
地點:VnH畫廊

「看不到任何東西的東西」

瑞士藝術家Olivier Mosset(1944年出生) 是法國七o年代BMPT團體成員,是當今色面抽象繪畫的老將。他們曾激進的與傳統性繪畫斷裂,拋棄全部個人的感性、主觀及幻覺,在一種禁錮、決對中性及客體性的繪畫中,觀念性勘探畫的自主性,於零度繪畫裡,每個人都使用他自己的視覺工具,Mosset直至1971年都在一米四方的白色畫面上,重覆及實踐,在白色畫布的中心畫一個黑色圓圈,探討繪畫的零極限,這種簡化為最低限的圓圈就成為Mosset最引人矚目的繪畫語彙及標誌身分。

當此團體解散後,Mosset就順勢解放其視覺工具的禁忌, 1976年畫家Marcia Hafif創立激進繪畫團體,隔年他則遠走高飛至隔岸大西洋紐約去開發新天地,海闊天空的開拓色面幾何象新抽象,開始闢創的單色(紅、橘、粉紅、綠色)繪畫,畫成為色彩能量場域,色彩成為其繪畫的本質。八o年代裡來到一種色域境界,平塗無筆觸的色彩,將兩幅同尺寸單色畫併置成形色面抽象,強烈色域(如黃與藍)對照建構,色彩能量場域及靜極思動的空間,引領人們進入深沉默想的世界,。Mosset一種畫面二色套色方法,經由謹嚴基本的幾何形式組合建構,成為八o年代西方新幾何抽象或抽象幾何的先驅,尤其對瑞士日內瓦新幾何抽象藝術有深遠的影響。

這次Olivier Mosset以「Olivier Mosset」為題的巴黎個展,展出讓人回味的色面幾何抽象系列,無任何筆觸的痕跡畫面,互相映照光鮮亮麗的顏色,兩幅巨作由五幅120×240公分的圖畫,由三幅白色中間拼置兩幅(藍或紅)垂直並置成形,除之由兩幅120×240公分組構成方形品作:明亮紫與翠綠、黑與深紫、 橙與褐,黃與白、或白與白等等,有時溫馨優雅,有潛伏著某種情緒與感知。以反過去無題這次作品還有趣味性的sun city 及codillac hotel系列標題,到底在賣甚麼膏藥呢?這種純以色面自身做為媒介的繪畫,如果想從色彩或標題尋求具體的東西話,那不如直觀地以心去感受色彩場域能量其間的奧妙, 如是根據藝術家的說法,好的繪畫是旁觀者「看不到任何東西的東西」,那麼,就不需要浪費時間徘徊在這些無可爭議的參考色彩和標題上。(參照Olivier Mosset -「Olivier Mosset」個展新聞稿)

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Francois-Xavier Lalanne-個展:

Francois-Xavier Lalanne 兔子 13x33x13公分 1987-95 青銅

Francois-Xavier Lalanne 鳥 22.5×116.5
x120公分 2003-2008 青銅

Francois-Xavier Lalanne 1927-2008 花園裡的鳥 120x130x190公分 1974 axier poli et cuivre

Francois-Xavier Lalanne 綿羊 90x99x36公分 1995 青銅

Francois-Xavier Lalanne 驢 143x155x202公分 1990-2002 青銅

Francois-Xavier Lalanne 綠色雕塑龜 43X123X76公分 1992-2003 青銅和植物

Francois-Xavier Lalanne 大犀牛 V 129X265X75公分 1991 青銅

Francois-Xavier Lalanne Nathalie的驢子 182x187x53公分 1973-2007 青銅與木材

Francois-Xavier Lalanne 大麋鹿 233x151x127公分 1996-99 青銅

Francois-Xavier Lalanne 北極熊 300x127x120公分 1994-2015 青銅

rancois-Xavier Lalanne 風景魚 IV 170x116x40公分 2007 青銅

圖文/陳奇相

時間:6月2日至7月28日
地點:Mitterrand畫廊

「最高的藝術是生活的藝術」

Lalanne

François-Xavier Lalanne(1927-2008)與Claude Lalanne(1924年出生)是法國罕見著名的夫妻檔藝術家,兩位都從事他們認為的「最高的藝術是生活的藝術」:其作品既是藝術品又是生活居家功能性器物與雕刻,François-Xavier以他具現代性的動物雕刻著名。他是雕刻家及版畫家, 1949年上巴黎在蒙巴納斯Julian畫室學習素描、雕塑和繪畫,並在畫室旁租了工作室與名雕塑家布郎庫西為鄰,明顯地François-Xavier現代性雕刻是受布氏的潛移默化所致,經布氏引薦認識當時活躍的藝術家如馬格里特、達利與杜像,也無形中受到超現實主義者們的影響。1950年幫Dior時尚服飾店裝飾,兩年後他在巴黎開了個人首次(繪畫)個展。(註1)

François-Xavier與Claude這對夫妻檔藝術家從1956起就一起工作,也因巴黎市場公園重建案件兩人開始從事立體三度空間的雕塑,1967兩人結為連理。上世紀60年代開始Lalanne在自然界中發現傳統形狀,從線條和紋理中找到靈感,Claude特別受植物和花卉啟示,François-Xavier則對動物感興趣。並開始受藝都公眾的關注,當時聖羅蘭和皮埃爾 伯格(Pierre Bergé)委託他們系列製作後,使他們更具國際知名度。1976法國家戶知曉的名歌手Serge Gainsbourg選擇他們的作品作唱片專輯封面。1983年為巴黎市政府廣場設計巨大噴泉,接著倫敦紐約都有他們的公共雕刻藝術作品,如紐約52街「紐約蘋果」,53街的「羊」等。2013年秋天Lalanne的綿羊群戲劇性地出現在曼哈頓切爾西地區的加油站。(註2)

François-Xavier著力以精簡強而有力的雕刻,流線型的形式及札實的體積,有家禽動物如兔子、綿羊、鳥、烏龜及驢子或野生犀牛及北極熊等,實用功能性的雕刻設計器物如犀牛或驢子辦公桌、沙丁魚沙發床盒、花園鳥搖擺椅等,花園器物如綿羊群、烏龜及驢子花盆、視窗牛或魚物體雕刻等,在爐火純青的焊接電鍍及翻模技術下,精品中散發一股奇幻超現實之頌歌。

註1-2:來自生平資料來自維基百科。

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Claude Lalanne-個展:

Claude Lalanne 愛情座 84X130X72公分1972-2011 青銅和銅 edition de 8

Claude Lalanne 舒適的玉簪 86.5x45x43.5公分 1972-2011 青銅和銅 edition de 8

Claude Lalanne 坐在森林裡 87x155x82公分 2017 青銅 edition de 8

Claude Lalanne 舒適的玉簪 84X130X72公分1972-2011 青銅與銅 edition de 8

Claude Lalanne bambiloba II 104x122x82公分 2005-2012 青銅 edition de 8

Claude Lalanne 蛇桌 49X90公分 1972-2017 青銅和電鍍銅

Claude Lalanne 大洞穴 180X180X66公分 2000-2013 青銅 edition de 8

圖文/陳奇相

時間:4月14日至5月27日
地點:Mitterrand畫廊

「最高的藝術是生活的藝術」

Lalanne

Claude Lalanne (1924年出生)與François-Xavier Lalanne(1927-2008)是法國最著名且罕見的夫妻檔藝術家,兩位都受過正規高等美術教育,Claude先在巴黎美院之後裝飾藝術學院畢業於建築系,François-Xavier於蒙巴納斯Julian畫室學藝-素描、雕塑和繪畫,兩人共同以Lalanne為他們創作精緻完美藝術家具及裝飾物體。創作建立在「最高的藝術是生活的藝術」概念,既是藝術品又是生活居家器物與物體。兩位的創作都來自於自然-François-Xavier偏好動物,Claude則喜歡植物花草,這對夫婦通過自然界中的紋理,線條和形狀找到了某種形式的靈感和互補性。Claude的創作承先啟後上世紀的新藝術,擅長以植物花草的蔓生藤蔓區線條及葉片建構家具及裝飾物體,透過獨道地精勘的青銅模壓和鍍鋅技藝,溫馨柔和的作品與物體,展現出自然卓越完美的境界。

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當代藝術不「難」-「難的」是那麼「容易」:

Signer ne1938 Suisse start 2014 video couleur par A Signer son 1min 42s en boucle

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圖文/陳奇相

當代藝術有些看起「容易」的東西,其實並沒有那麼「容易」,我經常說:「當代藝術並不「難」-「難的」是那麼「容易」」,尤其在抽象畫或觀念藝術上爭議性特別明顯,有人說:「那種畫連小孩子都會畫」,「而且都畫得比畫家好」,後面既然沒有問號?至於觀念性的作品,任何東西都可能成為藝術的當今,更令人目瞪口呆,那也叫「藝術」,令人驚嘆或驚喜的東西,超乎日常平凡的非凡東西,在乎的是喚起人們日常生活中的冷感,激發出觀賞者的本能、感性、想像力及冒險性,藉藝術之名喚回感知及敏銳及生命的活力。

例如當下巴黎紅屋所舉辦的「飛行或飛行的夢想」專題展中,瑞士藝術家Roman Signer命題「start」的錄像作品( 2014):將一輛三輪車轉化成為一台即將升空的太空艙。當代藝術不難,難的是那麼容易,確實,多點想像力-生活會更有趣及美好。

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「藝術家與機器人」專題展:

「藝術家與機器人」專題展海報

Nicolas Schoffer 1918-1992 cysp-1 1956

Nam June Paik 1932-2006 olympe de Gouges 1989 video installation

JeanTinguely 1925-1991 meta-matic 繪畫機器 no-6 1959

葡萄牙藝術家 Leonel Moura ne1948 機器藝術(robot Art )2017

日本藝術家Takahiro &Yamaguchi ne1984 senseless drawing bot 2011 installation

英國藝術家 Patrick tresset ne1967 human study-2 la grande vanite au corbeau et au renard

巴西藝術家 Raquel Kogan ne1955 reflexao-2 installation generative logicies castomises miroire et projection

法國藝術家 Edomond Couchot ne1932 &Michel Bret ne1941 les pissenlits 1996-2017 installation interaction en temps reel

義大利藝術家 Jacopo Baboni Schilingi ne1971 義 argo 2018 composition musicale generative et interactive duree illmitee

旅法的墨西哥藝術家 Miguel Chevalier ne1959 Mexique extra-natural 2018 realite virtuelle generative et interactive

德國藝術家 Michael Hansmeyer ne1973 astana columns 2017 20000 feuilles de papier carton decoupees au laser installation

奧地利藝術家 Peter Kogler ne1959 untitled 2018 impresion digitale sur vinyle installation

Chypre藝術家 Stelac ne1946 exoskeleton arm 機械手臂 2016 interactive installation

法國藝術家 Orlan Orlan & Orlanoide strip-teasp artistique electronique et verbal 自畫像機械人 2018 installation robotique et video

日本藝術家 Takashi Murakami ne1982 untitled Murakami archat robot 自畫像機械人 2016 silicone.FRP.animatronics

圖文/陳奇相

時間:4月5日至7月9日
地點:巴黎大皇宮

「只要他看起來像,事情就不需要是真實的」

Isaac Asimov的基礎週期 1953

在當今數位化世界及人工智能相關的科技等等突飛猛進的巨變時代裡,為樂觀進取的人類帶來空前絕後正負面衝擊,也徹底改變人們的生活、視域、感官及存在的條件。當今社會虛擬實境網際網路數位、3D與越來越機器人化下,形成新趨勢與挑戰,已超乎人們既可能的想像。一直致力於時代的延續性之藝術也不例外,新媒科技成為當下最夯的跨領域藝術探討,也提供了新機會,都成為年輕藝術家們創作的想望,窺探當下及未來之無限遐想,並與公眾進行交流,甚至互動,經由身體、接觸、聲音或是氣息改變作品,穿越時空擴展藝術美麗新視域世界之種種可能性,也改變藝術作品的新形態(生產、展覽、擴散與保護等)。

早在文藝復興時代藝術先知達文西就開創機器,隨著產業革命的發展,機器成為生產的新能量。十九世紀初工業化的機器時代之來臨,加速產業的革新,帶動了西方工商社會的發達,也改變人類生活情境及文明進化,建構了現代主義。二十世突飛猛進的科學與技術革新發展,到二十一世紀空前絕後的電子新科技網際網路的數位化時代,空前絕後的人工智能取代人類智慧的時代已悄悄登場。

明顯地,人類過去從體力至人工機械操作到當今機器完全自動化,從機器時代躍進電子化時代,從工人到機器人及到人工智能取代人類等。越來越先進,改善人們的日常生活及存在意識,縮短時空與距離,機器成為現代化生活必須的器物,現代生活與現代藝術創作息息相關,立體派的機械論與未來主義時空速度,構成主義的新媒建構,達達藝術家畢卡比亞的機械圖到杜象藉由小馬達動力的視覺作品,藝術都指向現代化機器動力的革新與創建。「藝術家與機器人」專題展則是針對五十年代至今有關藝術與機器及人工智能創建的發展,也是當今首次以機器創建的展覽。

「機器創建」:
藝術及文學經常天馬行空夢想超幻現實,想像創造的可能性,早在十九世紀英國新小說家Mary Shelley(1797-1851),於其科幻小說中首創一位科幻英雄怪人,沒想到,最終威脅要摧毀人類。「機器人」這字使用首次出現在1920年捷克布拉格舞台劇上,在Karel Capek的「或奴隸機器起義」作品中(註1-「藝術家與機器人」專題展覽簡介)。

藝術家創建機器的藝術品,同時成為會繪畫的機器,並從動力的機器,到當今透過電腦程序計劃全自動調控機器人。機器的創建來自上世紀五十年代末期動力藝術勘探的結果,藝術家開始嘗試拼裝動力機器般的雕刻,藝術家Nicolas Schoffer於1956首創光影與環境空間的「cysp-1」之動力控制論雕塑(sculpture cybernetique),啟開現代機械論藝術的新紀元。六十年代以其動力藝術著名的新現實藝術家JeanTinguely,則於1959年闢創一台自動繪畫機器「 meta-matic」動力雕刻 (機器人的雛形),現行結構機器夾著鉛筆即興塗鴉,成為當今自動繪畫的先驅。同時代錄影藝術的先鋒Nam June Paik,創建電視(錄)影像,與時俱進闢創一種空前絕後藝術格局,承先啟後當今的數位錄像藝術勘探與發展有深遠的影響。

此展中幾位代表性新生代藝術家,三種不同的自動繪畫機器,如葡萄牙藝術家Leonel Moura(1948)的「robot Art」,他從2001年就投入繪畫機器勘探,透過簡便全自動調控繪畫機器(人),依自動調控,在平台上節奏性的旋轉,成圓形結構圖案。一組日本藝術家Takahiro &Yamaguchi (1984)的 「無意義的繪圖機器人」(2011),一台垂直機器架構在軌道上,夾著蠟油筆來回游走牆面畫紙進行塗鴉。英國藝術家Patrick tresset(
1967)充滿隱喻性的作品命題為「人類畫市-2 與烏鴉和狐狸的巨大虛榮心」(2017)作品最精緻,一組有骷顱頭、狐狸及烏鴉的靜物,前面有一台電子化的手臂拿著原子筆,正在描繪前方的景致。義大利藝術家Arcangelo Saccolino (1967)展現一個巨大夾抓器物「無題」(2006-2016),間斷性的發出陣陣夾抓聲。

「程序計劃」:
科技的突飛猛進下,從人工經由機械到電子化的時代裡,日新月異的數位化下,起開藝術的另一紀元。機器人不再是繁重的機械組合了,墊子化的時代由電腦經由程序調整計算機所取代,機器人從視野中消失,它們依電腦軟體程序設計賦予作品自己運動形式,直到無限的生成性,並具題供與公眾互動性功能,進入比現實更真實的虛擬實境中,也完全改變人們的日常生活及藝術表現。

在這電腦程序新生代數位新媒藝術:巴西藝術家Raquel Kogan(1955)虛擬實境的鏡面空間裝置「reflexao-2」,讓觀眾沉浸整體互動數位世界,不斷更替流轉的線性數字,觀眾也成為作品的支架也改變作品的型態,光影幻變在前後鏡面的無線視野下,形構一種無止境的世界。日本藝術家Ryoji Ikeda (1966)是電子音樂的靈魂人物,「data.tron -WUXGA 版本」(2011) 視聽裝置,無限數學程序造化的資訊世界,其大型銀幕成為音樂數位聲音與影像的介面,他探索了感知滲入我們世界的無形數據的可能性。法國藝術家Edomond Couchot (1932)&Michel Bret((1941)) 詩意的「蒲公英」(1996-2017)數位實時互動裝置作品,銀幕上幾朵盛開的蒲公英,只要觀眾針對感應器一吹,蒲公英花隨風飄落。

數位藝術的先鋒墨西哥藝術家Miguel Chevalier (1959) ,從1978年就將電腦資訊當成他造型藝術 創建手段,生成和交互式虛擬現實「extra-natural」(2018) ,是一座生成虛擬實境五顏六色繽紛燦爛的花園,無限的生長、增殖、消失無盡的演化,闡述花開花謝的大自然生滅幻變,隱喻生命的哲思,觀眾能藉由觸動改變植物花草生態幻變。德國藝術家Michael Hansmeyer(1973)藉由電腦程序工具創建及想像,「astana columns
」(2017)是經由兩千萬張卡紙雷射所建構的柱子,安置在迷宮的鏡廳中,讓觀眾宛若置身於虛擬實境裡。奧地利藝術家Peter Kogler(1959)開發數位新媒的建築空間,在空間裝置「無題」(2018)中,他以流線型的曲線經由電腦建構一個比虛擬實境還更現實的視錯覺迷宮。

「機器人之解放」:
在當今尖端科技突飛猛進的時代裡,日新月異數位化革新中,也正在改變人們的日常生活(數位化器具如手機)狀態及情境,工廠有效率的自動生產線,或是日常生活人工智能提供社會多元服務,增加越來越多的生活技術訣竅,美麗的新世界正在積極被解放中。藝術創作也不列外,尤其進入21世紀,數位化及人工智能啟開新媒藝術的新紀元,藝術家們抓住了這些新探索的氛圍,挪用轉化人工智能-機器人創建各種可能性。

機器人之解放下的藝術展現:塞浦路斯表演老將Stelac(1946)藉由他自已的身體作為表現的手段「塞浦路斯手臂」(2016)互動安裝機械人手臂。展現他Re-wired/Re-mixed與觀眾互動的機械手臂表演錄像,開發不協調及支解碎片體的生理和美學。法國新媒數位化藝術的先鋒Catherine Ikam (1948)與Louis Fler ne(1953)創造靈感來自科幻,「面對點雲」錄像(2017-18),以畫數創建一個平行現實,虛擬和誘惑的人頭像,隨著現實時間無限幻變造化。法國新媒藝術家Laurent Mignonneau(1967) &Chista Sommerer(1964) 交互式視頻安裝中的肖像「the Fly」(2015),這交互式安裝基於幻覺,只要觀眾站在銀幕前,將以細小黑蒼蠅映照出觀眾的身影,質問人們的自我崇拜。

此展中兩件藝術家全身機械人裝置,法國身體藝術家Orlan的全方位機器人與數位錄像視聽空間裝置「Orlan &Orlanoide strip-teasp artistique electronique et verbal」(2018),一座藝術家自畫像Orlan機器人手足舞蹈的與一大面電子牆藝術家錄像對話,自畫像機器人與錄像中的藝術家宛似乎是同一人。恩賜新技術的探討:重建和重塑身體,因為藝術家試圖用他自己的身體做到這一點。Takashi Murakami(1982)這件「無題-Murakami archat機器人」(2016)創於2015年東京美術館的Mori art展,是日本藝術家自2011年福島事件後最深刻的省思,藝術家身穿道士服、帶著眼鏡雙重面孔、佛神的姿態及赤腳帶著飾環的自畫像,嘴上不時念著咒語,對福島事件祈福?「在你面對唯一真實形式中。我會將生活轉移到第二個副本,並根據您的意願轉讓」。(註3-「藝術家與機器人」專題展覽簡介)

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