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Archives pour 05/2019

Donald Judd個展:

untitled 1963 121.9×210.2×121.9cm huile de cadmium rouge claire sur bois et email violet sur aluminium

untitled 1970 21×642.6×20.3cm aluminium anodise clair et aluminium violet

untitled 1976 91.4×152.4×152.4cm contreplaue avec peinture cadmium roug clair

untitled 1986 7.6×71.1×71.1cm aluminium et acrylique nois

untitled 1989 100x200x200cm aluminium anodise clair avec acrylique bleue

untitled 1988 2unites 50x100x50cm plaques en alurmium et acrylique bleu

untitled 1988 50x100x50cm plaques en alurmium et acrylique bleu

untitled 1978-79 每幅 101.6×74.9cm 共15幅 黑白木刻版畫

圖文/陳奇相

時間-4月6日至6月15日
地點-Thaddaeus Ropaqc
此展由Donald Judd基金會Flavin Judd策劃

Donald Judd (1926-1994)是美國極限藝術最具代表性的藝術家之一,也是二戰後最具影響力的一位。他的藝術創作整體探討建立在數理邏輯形式,開發一種獨特的視覺詞彙,打破現代雕塑的慣例,創造出一種只有通過自身存在才能存在的非代表性三度空間的藝術,藝術家稱這為「特定物體」,拒絕以自我為中心的神秘主義,趨向工業化的色彩,在非表現性及非個性中性感覺裡,盡其可能簡化模式化或規格化形式,並透過空間建構成形。

Donald Judd的作品都使用「單一的幾何原型」盒子型態,單一或是數個同質性的立面空間裝置。此展中展出1963-1993年間的作品,引人注目Judd早期1963年「無題」紅色木材節奏性樓梯結構中一紫色圓柱,也是首次在巴黎展出,宣示他從平面繪畫進入立面三度空間的物體,藝術家所形容地:「在這個三度空間中,可以找到雕刻,也可以找到所有不屬於藝術的物質」,如是預示極限主義的來臨。

70年代起空間在空間裡,體積在體積中,確立新的創作方向,更新藝術物體在建築空間裡的章程,並以系列建構轉換一種新空間。經由工業規格化的形式:方形、長方形、橢圓形相當系統化的箱或盒子,從展覽場地及空間中獲取意識,進而有組織的經過多數單一原型反覆安置成形,建構在牆面或地上,謹嚴幾何工業性的作品,探討一種虛與實的空間節奏,呈現出一種「秩序之美感」,他說:「…我所感興趣地,是作品在它整体的效果裡,我從沒想過其他方法的展現,一種組構,而允許這局部成為更為有趣地」(註-1)。

80年代後漸漸的從素材質感中重新找回色彩,尤其在子三夾板及有機彩繪玻璃組合,和鋁合金長方形或方形箱盒子組合建構系列裡,色彩取代過去物質本身的質感,透過顏色的組合構造,形式純化在色面及線條裡,讓人聯想到蒙德里安的幾何抽象繪畫,這兒賈德將其轉化為立體三度空間的物體,介於繪畫及雕刻之間,在面及體積之間,在平行與垂直之間的一種建構性藝術探討。

Donald Judd可說是極限藝術裡最為純粹的一位,在整體可見的下,拒絕所有的曖昧,他如此聲明說:「一種形式,一個體積,一種色彩,一個表面是一些東西的本身。沒有必要去掩飾它作出另一絕對不同的部份。形式及素材在其背景下是不變地。那麼!全部一致的物體或系列,是一種整體的秩序,全部都精準的布置。我的作品是系列的布置,(…),四個或六個的系列並沒有改變鍍鋅的鐵或銅,或其他上亮漆物質建構的箱盒」(註-2)

註-1:Donald Judd 2004年2月27日法國世界報藝文版。
註-2:Art News 1966年9月

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瘋狂的世界:

牆上塗鴉也敏銳明顯的表達當下全球的意識及情境

圖文/陳奇相

希臘名導演作家尤里西斯的名言 「上帝要毀滅一個人,必先使其瘋狂」

在多元性的民主社會裡,尊重人權及個人自由,任何人都可發表其所想所思所感,自由思想發達及新穎,充滿思辨活力的社會,顯得百花齊放,這就是多元性多樣性的社會價值及意義。但在這瘋狂的世界裡人性的貪腐,祝融人心,在瞞天過海傳媒中充撤美麗的空論,於障眼法下,真相被美麗的謊言掩飾。很多政客只為達利目的而不擇手段,謊言一大堆,每天繼續在各地上演,為了個人或某集體權力與利益薰心下,官商貪婪勾結,只要睜開眼睛到處都可見可聽到張著眼睛說瞎話的政客與商人,不只囂張還很神勇,在大眾傳媒的推波助力下神勇到都忘記我是誰了之境地,嗚呼哀哉。面對張著眼睛說瞎話的謊言與假新聞信息,具有判斷力的人不動其心,絕不隨傳媒起舞,如哲人史本華說「如果我們懷疑一個人說謊,我們就應該假裝相信他,因為他會變得愈來愈神勇而有自信,並更大膽地說謊,最後會自己揭開自己的面具。」

在正義不彰時代裡,卑劣之徒們卻明目張膽,滿懷癲狂的囂張,可怕的是當今網際網路及大眾傳媒充滿顛覆性的謊言與假新聞信息,令人不寒而慄,這股極具破壞性力道,讓社會防不勝防,神不知鬼不覺地乘虛而入,不小心就掉入深淵,明顯地,這變成威權與利益者主控者操縱手段。在這世道扭曲唯利是圖瘋狂的社會裡,哲人史本華早就指出:「這個世界沉浸在罪惡之中:野蠻人互相吞食對方,文明人互相欺騙對方。這就是所謂的世道方式。 明智的人在取暖的時候懂得與火保持一段距離,而不會像傻瓜那樣太過靠近火堆;後者在灼傷自己以後,就一頭紮進寒冷的孤獨之中,大聲地抱怨那灼人的火苗。」

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Bertrand Lavier新作個展:

nobili no-3 2018 180x139cm acrylic paint on canvas

Arex 2019 74,5x20x18 cm acrylic sur extineteur

Arard 2019 99,5x148x180 cm acrylic sur piano

John Deere 2019 31.5x44x39cm acrylic sur charrue

Vezelay 2018 140×240 cm acrylic sur panneau de signalisation routiere

rouge framboise par tollens et Valentin 2019 170×140 cm acrylic sur toile

bleu,jaune,vert 2019 215×43.5 cm neons vert roug et bleu

bleu,jaune,vert 2019 215×43.5 cm neons vert roug et bleu

圖文/陳奇相

時間:4月18日-5月25日
地點:Kamel Mennour畫廊

Bertrand Lavier(1949年出生)是是當今杜象最主要的傳承人之一,以挪用、轉化及組合建構展現,操縱駕馭各種物體語言符號之可能性,其最具代表性的是重疊組構兩種物體:如保險櫃上一台電冰箱或是一台冷凍櫃上鮮紅的嘴唇沙發。或是他最具代表性的是將梵谷感性狂飆的筆觸化為已有,在挪用全部的物體(鐵櫃、鋼琴、桌椅、電冰箱、鋁梯子、消防栓、交通標誌、書本、甚至鏡子)都依物質色彩,塗上一層同質性厚實的感性粗獷筆觸顏色,也就是通過繪畫模擬對象本身,使之近似於模型與其表現物之間,這延伸杜象說明畫家的看法:「實際上是一種現成的,當他通過一種被稱為顏色的製造物體進行塗裝時」的觀念。(註1)

「畫」怎麼畫呢?為什麼畫?畫甚麼?畫在那種支架上呢?牆面、木板、畫布、紙本、石頭、物體等等,那依樣畫葫蘆模擬現實還是直接表現呢?畫是種技藝、行為、態度或是觀念呢?種種皆可,都有藝術家在嘗試勘探。那麼,B.Lavier則選擇直接畫在物體上,且依物體的顏色(以梵谷的筆觸)彩妝 (也就是替物體穿上同一套衣服),這模擬現實嗎?還是現實本身呢?現成物畫(或穿)上彩妝時,是物體的再現嗎?物體的章程被改變下,是藝術還是現成物呢?

Bertrand Lavier在這新作品發表裡,深化「彩妝物體」的潛藏意識,讓物體更玄更妙,喚醒沉睡中的物體,奔放出物體想像空間,招回色彩活力,成為色面或幾何抽象。「Arard三腳鋼琴」,普魯士藍為主調,紫色鍵紅盤,在繽紛色彩裡聽到鋼琴輕巧音樂節奏,普奏出抒情藍樂章。有體積立面色抽象之覆盆子紅「John Deer犁」與翠綠支架,與「Arex消防栓」的綠、淺藍管線及土黃色銓。風景如畫的「Vezelay都會交通標誌」褐、藍即綠都是三顏色鳴奏曲,在現實及想像,具象抽象及意象間。藍色的「Artengo乒乓球」劃分幾何對稱線條成為幾何抽象,由「多龍tollens及瓦隆丹Valenti覆盆子紅」組構出充滿溫馨及溫度色面抽象,有機符號化的「Nobility碳鋅電池」充滿抒情的意象。

一組尖銳思辨的:綠、紅、藍霓虹燈系列,藝術家偏偏將綠色霓虹命題為「藍色」,而藍色命為「綠色」,反常甚至矛盾的觀念上創造一種新干擾,名題與實際間距離間有多麼弔詭,該相信文字還是相信你所看到的呢?1935年心理學家John Ridley Stroop解釋說:「在物理上,閱讀是在大腦的枕骨 – 頂葉區完成的,而名稱和顏色的事實利用額葉,它遵循一個時間的反應,仍然被霓虹燈的視覺衝擊所強調」。(註2)

Bertrand Lavier以法式的細膩思維敏銳的在觀念主導下成就其藝術。藝術似乎並不像人們想像的那麼難,他是如此的巧妙與靈活,推演其物體及色彩的境域,不斷開拓人們的視覺領域及想像空間,讓現實生活充滿朝氣與活力,因為生活與藝術不只是一體兩面,而且是所有思想的介面,生活造就了藝術,藝術豐富了存有,可不是嗎?藝術家聲明:「他最重要和最基本的原則之一就是他不想成為任何審美的囚徒」。(註3)

註1-3 來自Kamel Mennour畫廊Bertrand Lavier新作個展新聞稿

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再見了-高雄弔詭畫廊:

弔詭畫廊以「Close」檔展覽畫下句點

賴志盛 垂直II 2019 空間裝置 從四樓挖一個洞至一樓會滴水

周育正 日光漸變 空間裝置 2019

關尚智 星期一中午(3月11日) 2019 空無一物的空間裝置

圖文/陳奇相

感謝弔詭畫廊6年作為南台灣當代藝術的平台,為高雄開了一扇天窗,打開人們的視野及想像空間,見識到藝術神秘的力量,每次走進弔詭畫廊都有意外的驚艷與啟發,似乎都吸到一股新鮮的空氣,充滿能量及思緒,每次都讓我流連忘返。

首先感謝畫廊翁老闆的全力支持當代藝術人文發展及遠見,也感謝畫廊團隊的用心及熱情,這幾年來你們的用心辛勤耕耘已奠定這股高雄當代藝術的新力道,已銘刻內化在每個藝術愛好者的心靈裡。

有意識地藉這打破空間的天窗「Close」檔展覽畫下句點,明天起高雄弔詭畫廊就打烊了,再見了弔詭畫廊,有一天,弔詭要捲土重來時,請別忘記告訴我,由衷祝福耕耘台灣這塊土地朋友們及台灣的藝術家們,台灣的未來在我們手裡,人文藝術這股力量是不可忽視的。

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台北獎2018隨想與建議:

張紋瑄 b-1991 優選 自殺技術基金會 -年度發表 2018 謀殺瑪琳切 -國際自殺大賽 複合媒介 講座表演 尺寸衣空間而定

東冬-侯溫 b-1985 入選 3M-三件正在發生的事 2018 錄像裝置 行為紀錄

于軒 b-1984 優選 克萊茵. 赫茲 -不存在的實驗室 2018 尺寸衣空間而定

陳呈毓 b-1984 入選 霧氣平衡 2018 錄像裝置

陳呈毓 b-1984 入選 霧氣平衡 2018 錄像裝置

張允圅 b-1985 優選 其實我門甚麼也不是 2018 複合媒材 尺寸一場地而定

陳漢聲 b-1988 及劉星佑b-1985 優選 走路草農-藝團 2018 湖底田水上考古系列 複合媒材 尺寸一場地而定

鬼丘鬼鏟團隊 入選 進古代臨摹 2017 影像裝置 現場表達檔案

郭俞平 b-1986 入選 我的胃裡沒有午餐,脖頸在尋覓陽光,腦子求索著愛情,靈魂裡有慌亂,心裡則有一股刺痛 2018 聲音與複媒

林羿綺 b-1986 優選 信使計畫-返向漂流與南洋彼岸 2018 影像複媒

王連晟 b-1985 首獎 閱讀計畫 2016 書,木板 機械裝置 LED 空間裝置

邱子妟 B-1985 入選 小城故事 2018 影像及複合媒材 空間裝置

賈茜茹 B-1984 入選 大勇路25巷 2016-18 複合媒材 空間裝置

饒加恩 B-1976 入選 計程車 2016 有聲UHD解析影色錄像 79分32 秒

圖文/陳奇相

地點-台北市立美術館
時間-2018年12月22日至2019年3月31日

英國泰納獎及法國杜象獎每年只選四位入圍,台北獎則一批十四個藝術家入圍,當然泰納及杜象獎是國家級的獎賞及體制之肯定(這些入圍藝術家們都已有專業畫廊經營)。台北獎的指標卻是市府獎(可看作是台灣新秀藝術指標嗎?),台北獎每年展出時都以標示出首獎、優選或入選,也就是失去驚嘆號。看看法國杜象獎是在入圍展中出人頭地,透過現場作品為依據才宣布年度杜象獎得主。這獎項都是一股對新秀藝術鼓舞的力道,具有承先啟後的見地,意圖發現與培育未來藝術的新能量。那最大的藝術體制禮物是獎金外,還送給首獎者隔年在龐畢度中心南畫廊或美術館內一個個展,並為法國當代藝術注入一股新的能量。反觀,台灣台北獎或高雄獎除了獎金外,有贈予一個個展嗎?

台北獎入圍人數多寡並非爭議的議題,因為台灣從來就沒有新浪潮的藝術想像,或培育未來藝壇的新活力思維,台北獎似乎帶有點這意味嗎?以法國藝術體制為例如青年展來自於巴黎市立現代藝術美術館自1977年起,每兩年在ARC所舉辦「工作室」(90年代中就停辦至今),接著東京宮接手自2006年起的「Modules」,都意在提拔法國當前年輕藝術創作新秀,闡述當前創作的多元趨勢,並企圖指出未來藝術的途徑及前景。如近年巴黎東京宮三兩年就來個「 Dynasty」法國青年當代藝術展(2010-09下半年同時在東京宮及巴黎市立現代美術館展出,台灣歐洲藝壇當紅的-Yuhsin U.Chang則是從這展中躍上藝壇) ,這個展「很法國」所有參展新秀都來自於法國各地的美院。接著2013-09 巴黎東京宮再一次的「新浪潮」,則屬於全球化的藝術新秀,意旨是在發現未來創作的新能量,為法國帶來新藝術的活力。

他山之石可供我們參照如是我建議台北的藝術體制,台北獎入圍藝術家可參照歐洲兩大獎的方式,四或五位即可,這讓獎項更有權威及重量。也可慎思具有前瞻性的一套未來藝術能量提拔與培育計畫(台灣從來就是看不到未來),每兩年或三年籌畫青年當代藝術展(如何徵選藝術家需一套方法),如果台北有雄心,就把這擴展成為全國性的指標展,且需多元多樣及獨特性的作品(一件代表性傑作或一組作品),受邀藝術家(三十歲為限)不一定是體制教育所造就的,任何族群有遠見及獨特性藝術創造者(人數另議),在這具藝術體制性的北美館展出,不需要獎項,因在此展過成為當位專業藝術家的墊腳石之權威。

台北獎2018我感覺不甜不苦不澀也就是清一色,似乎是一件作品,出自同時尚窗口,同質性及同溫層,類似一個(群)藝術家,同一個(群)評審委員,同一所藝術大學院校,該不是同一家公司的產品吧。反正是穿同一條褲子或同樣花格子襯衫,很難得走起路來搖搖擺擺且同步,夭壽還吃同樣食品,如果是個專題策展應該是成功的,因在某個議題下具有其關聯性及同質性是無可避免地。但這是一年一度台灣藝壇盛事激烈的藝術比賽!問題是我們缺乏的是多元性及多樣性。台北當代藝術體制調色盤單調乏味無彩,繽紛燦爛色彩在那?這叫做「多元性」與「多樣性」呢?除了物體及錄像空間裝置外,應還有更多元的新媒介勘探及實驗性作品,比上屆更嚴苛規格化,至少上屆還有繪畫之存在,要說地是異樣的色彩及一口新鮮的空氣。(當然我絕對尊重每年的評審委員,但希望每年都有不同的論述及獨特性)。

台北獎2018年入圍作品各顯神通,傾向敘述性文學性的觀念,幾乎都是物件或加上錄像之空間裝置,明顯地都是各說各話的故事:張紋瑄虛擬的「自殺基金會」辦公室,東冬-侯溫「三件正在發生的事 2018之行為錄像」的露營裝置,于軒虛擬的現實場景「克萊茵. 赫茲 -不存在的實驗室」,陳依純「進入世界系-地球防衛少年 2018 癒合-重建的記憶、影像、 繪畫、 翻譯文件」,陳呈毓無法預測的「霧氣平衡」錄像裝置,邱子妟-懷念小城故事電影錄像及模型場景,郭俞平-賣舊貨家具之我的胃裡沒有午餐、脖頸在尋覓陽光、腦子求索著愛情,靈魂裡有慌亂、心裡則有一股刺痛之聲音與複媒空間裝置,張允圅之虛擬的北極想像「其實我門甚麼也不是」,陳漢聲及劉星佑走路草農-藝團 「2018 湖底田水上考古系列 」,鬼丘鬼鏟團隊-鬼魅鬼影的迷津場景進古代臨摹影像裝置之現場表達檔案,王連晟的約讀計畫(書本機械裝置) ,林羿綺闡述計畫-返向漂流與南洋彼岸(錄像) ,賈茜茹街頭巷尾的大勇街25巷,饒加恩-計程車上的運匠(錄像) 。

台北獎2018年入圍藝術家年齡層在35歲正值熟成的創作年代,以饒加恩(1976)最熟成,張紋瑄(1991)最年輕,一位來自山區的原住民藝術家東冬-侯溫。同溫層的藝術創作手法雖多元卻具一致性,素材多元且活潑,創作靈感都來自於日常生活,融入生活片段擷取,於現實、虛擬、想像之敘情篇撰間製造軼事性情節,宛若小故事大敘述的場景。觀念、文本、敘述、故事強走了「藝術」,眾多物體空間裝置準確度不足,不只空間不見了,還喚不起更深層的意識,只剩下一堆輔導引述故事內容的敘述文本與物質,似乎沒有藝術造型經營的「藝術」,不管藝術家的論述有多麼豐富及完美,最後只剩下「觀念」論述的空殼子。

誰製造藝術體制,當然是審查委員們,但是誰邀請審查委員呢?可想而知,絕不是藝術家也不是審查委員,而是官體制製造「新秀」,但綜觀製造或炒作潮流的應是市場,資本主義裡「錢」最大,新秀藝術創作在理想及現實間擺盪,夢寐以求的理想,在煎熬中緩慢摸索邁進成長,熱血毅力加上十足的勇氣與堅持,是否能穿越現實的挑戰呢?那就考驗每個藝術家的耐力及智慧了,藝術是一生的志業,入圍或得獎只是藝術生涯之起點
,可不是嗎。新生代隨著與時俱進的全球化思潮起舞嗎?或是從中自我肯定自已的價值呢?在沒什麼培育未來台灣當代藝術新能量的體制及市場下,台灣到底要什麼樣的藝術時勢思潮呢?

藝術新秀想上舞台的方式-唯一的捷徑就是參加台北獎或高雄獎,藝術這條路是現實及坎坷地,但上了舞台,還需要後勁有力,需要去冒險患難的才能勇往直前,往那裡去呢? 困境是新秀藝術家如是有探討性的作品,市場在那,現實的問題是在台灣似乎找不到市場,在口袋沒有點子彈資源,時常為糊口而憂時如何繼續奮戰創作下去呢?公單位沒有一套救急的方案或私人基金只眼睜睜地看著新秀半路腰折誰願提供資源培育壯大呢?甚至於台灣的藝術銀行是否有前瞻性眼光收藏及鼓舞新秀創作呢?還是只收藏那些能裝飾辦公室及沙龍的作品呢?我建議台灣的藝術銀行應有一套方法,及挑戰性的前瞻計畫收藏新秀的藝術作品,只要有眼光就能放長線釣到大魚,那我們有如是的眼光嗎?收藏名作錢能做得到的並不難,那有藝術價值的作品呢?就挑戰台灣的公部門及私人藏家的敏銳度及眼界了。

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