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七月隨筆-畫、酷暑、世足:

畫畫-是人生最享受的時刻

2018世足賽-讓法國人驕傲,20年後再次寫下法國足球史世界紀錄 圖片翻拍來自AFP TV FR SPORTS YAHOO.COM

熱浪席捲整個北半球,節節高升的炎熱氣溫,中歐、東歐及南歐都在烤箱裡熱騰騰的氣溫圖表 來自87ca3eeb73c6d19f6f816ab1db9a6b77

圖文/陳奇相

七月份隨筆,有三個關鍵字:畫、世足、熱浪。

每年夏天我有更多時間經營我的後花園,進入繪畫創作,繼續勘探當今生活的存在意識,尤其科技傳播及虛擬網際網路下,幾乎忘了我是誰的隱憂。我感受到當今人受到其生活工具與傳媒的壓迫,被時間追趕及壓縮於平面空間中,四分五裂的精神狀態,整天盯著其手機沒完沒了的滑,底頭族成為日常生活儀式,沉迷於虛擬世界裡,無形中被其所使用的工具所綁架而無法自拔。當今資訊舉手可得,豐富人們的生活中並受資訊的操控,酖於虛幌的流質價值下,泡沫化的弱智時代的成形,邁向人工智能取代人類存在的情境,進入大數據時代也就是說進入完全控制的時代。我經常想讓當今生活完全停頓,並不困難,中斷全球通訊系統,與上銀行提款機提款,卻沒現金出來,這下人就慌了,不知所措。不該繼續沉迷,該是重新思考生活的時刻了。

從六月份風和日麗進入本年度的創作,七月份更因熱浪襲擊,躲在陰涼處畫畫是最佳避暑的良方,確實,心靜自然涼。畫讓我找回自已,激發我的想像力及創造力。尤其近年選擇最困難的細格子式的圖畫創作方式,挑戰自已的細心、耐心、專心與意志力,收回自已的心,將心歸回所處的位子,悠遊自在進入冥想的創作,翱翔於畫畫中。

2018年是世足大賽七月份開始進入決賽,今年我沒觀看幾場球賽(只看了法國隊的準決賽及決賽),不怎關心球事。這次法國隊勇猛奮戰過關斬將,整個法國與巴黎都瘋狂,(挺自已的球隊)到處都懸掛國旗為國家隊加油,對自已的球隊充滿信心,妙的是,我沒看賽但都知道誰贏了,因每次法國隊迎戰時,只要有進球,整個都會都都會傳來一陣狂叫或噓聲,從這就了解球況。總統答應球隊,如果真的晉級決賽將親臨下場參觀加持。

沒想到法國隊真的是走狗運,晉級決賽時整個法國與巴黎都興奮不及,大街小巷到處都是車群按喇叭的聲音與搖旗吶喊歡呼人潮「on va gagnait!」瘋狂的歡慶。在法國國慶日隔天雙喜臨門,法國隊與克羅希亞一決勝負,兩隊勢均力敵,精彩的決賽中,克羅西亞隊失誤兩球(自已誤進兩分),奮勇善戰的法國隊士氣高昂,最後以4:2獲勝,一場夢寐以求完美的夢想成真。世界足球盃-法國贏了,整個法國及巴黎都瘋狂,全法國與巴黎人們集體沉醉在凱旋的氣氛裡,看看當晚巴黎香榭里拉大道上的瘋狂歡慶夜晚盛況就知,很久沒有這種自發性的瘋狂,讓法國人驕傲,20年後再次寫下法國足球史世界紀錄。

七月份最大的感受就是夭壽熱,酷暑氣溫打破上世紀以來的高溫,很難想像巴黎41度(據說法中部某鄉下正午太陽底下高達52度,陰涼處38度,我的天呀!),這是我居住巴黎三十載最熱的夏季,這陣子平均都在35度左右或以上,每次熱浪來襲就造成巴黎空汙,雖然市內公共交通是免費,但除了必要才外出,躲入公共空間(有空調及冷氣)避暑或躲在居家陰涼處,避開兇猛烈日老虎,還以為幾天就過了,沒想到熱浪一波接一波。據氣象報告是受非洲大陸強大熱空氣壓境所致,濃罩整個法國,其實,熱浪席捲整個北半球,節節高升的炎熱氣溫,中歐、東歐及南歐都在烤箱裡熱騰騰的氣溫(參考圖表:南歐義大利及兩顆牙都47左右、希臘48.8、法國44.1、德國40.3、東歐41-44、北歐35-38、西伯利亞45.4),整個歐洲都在高溫紅色警訊裡,今年七月的高溫,創下歐洲歷史高溫紀錄,酷暑還一直持續至八月的今天。酷熱讓整個歐洲大陸到處都乾旱而成災,雨水稀少,在溫室的效應下,野火 肆虐歐洲多處都是森林大火,更罕見的現象是,在這夭壽熱的氣候裡,巴黎有一天傍晚狂風暴雨居然下起冰雹,這是天災還是人禍呢?

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巴黎蒙馬特山丘上走鋼絲展演秀:

巴黎室內交響樂團與Tatiana-Mosio Bobgonga一起穿過蒙馬特山丘走鋼絲的展演

三十五米高的空中走秀

身上沒有擊任何安全帶,輕巧細步,一步一步邁向前行

隨著音樂的旋律及節奏幻變身體姿態而手舞足蹈:大闢腿

倒吊闢腿

倒吊爬行

懸掛遊走

與白教堂對照下宛若一隻輕巧的小鳥停在鋼絲上

宏偉壯麗的蒙馬特山丘上走鋼絲展演秀

圖文/陳奇相

創意是每個文化最高價值,引領風騷的法蘭西無所不在的創造力為花都會帶來觀光最迷人的資源,巴黎繼續蟬聯世界最多人朝聖的都會。在風和日麗的巴黎每年暑期都有其獨創戲碼,讓人目不暇給精彩的戲目(巴黎每年的夏天嘉年華會有:音樂、舞蹈、戲劇、馬戲等等) ,當然還有每年的巴黎沙灘,也都為巴黎沒外出度假的市民們增添無數餘興育樂遣興活動。

還記得去年巴黎室內交響樂團與一座建築物對話的盛況展演,今年巴黎室內交響樂團與Tatiana-Mosio Bobgonga一起穿過蒙馬特山丘走鋼絲的展演。她(從不需任何安全帶)是當前罕見技藝精勘高空走鋼絲展演的高手,巴黎7月21僅此一場從未公開的展演秀,吸引成千上萬的巴黎市民觀眾們與朝聖者們,整個山丘成為人山人海,坐躺在山坡草平上往上看懸空精彩絕倫鋼絲展演秀。

展演在巴黎最迷人的蒙馬特白教堂前(巴黎最高山丘,在此可眺望巴黎全景) ,巴黎室內交響樂團則在這平台上演奏,一條鋼絲高三十五米從山丘下一直線至丘上聖心堂前平台(間距近百公尺長)。在巴黎室內交響樂團的當代樂章的輕巧節奏與迷人旋律伴隨下,穿著皮衣及皮短鞋,鋼絲女郎拿著平衡棒從山丘下的這邊高平台開啟穿越,身上沒有擊任何安全帶,專心一志輕巧細步,一步一步邁向前行,並隨著音樂的旋律及節奏幻變身體姿態而手舞足蹈:彎腰、闢腿、翻跟斗、左右旋轉、懸掛遊走、倒吊闢腿等等,展現優美軀體姿態語彙,任何困難的姿態一一精采秀出,現場一片沉寂,觀眾目瞪口呆,緊張屏息以對,由於過分專注鋼絲上的展演甚至忘記音樂的存在。不知不覺的穿越過人們的頭頂上空,漫步慢步邁向聖心堂,與白教堂對照下宛若一隻輕巧的小鳥,穿越山丘直到平台上(四十分鐘的演出),頓時, 在整個山丘一片拍掌聲喝采歡呼聲震撼蒙馬特,而圓滿結束,山丘上鋼絲展演秀畫下巴黎暑假期的高潮。

當巴黎室內交響樂團與雲端走鋼線的展演碰在一起時的感覺是難以想像的,其實觀眾的眼光與心都被走鋼絲的女郎所吸引,最後如果有人問我巴黎室內交響樂演奏甚麼曲目,我也無法告知你,似乎音樂消失,時間也不存在,客體與主體混和一體時,我只知道我進入一個美好的時光。

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Fabrice Gygi-「D-概念」個展:

Fabrice Gygi-「D-概念」個展現場場景 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題水彩系列 每幅180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi ne1965 Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi Dominique 110x52x14cm 2014 acier corten

圖文/陳奇相

時間:6月1日至7月11日
地點:Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊

Fabrice Gygi(1965年出生)是瑞士新生代最具代表性的藝術家之一,擅長於版畫、印刷、展演、物體裝置、繪畫、雕刻。他的藝術養成教育是從版畫開始,深受版畫的影響也形成「他非常具有圖形的思想,非常黑白,剪裁非常乾淨俐落」的藝術風格。在20世紀80年代和90年代中期,印刷項目和自我組織的活動,Fabrice Gygi一直聲稱他的工作具有社會和政治層面。(註1)

1998年,他開始創建由工業材料製成的結構,包括PVC和不銹鋼塑料。他的劇目(安全氣囊,地雷,帳篷等)和他的公共設備(登上領獎台,屏障,看台)的主題以極簡主義美學手段和社會控制結構進行複制。 簡潔有力而有效的準軍事外觀,他的作品提供了一種非凡的一致性的塑料語言,並不含有主題的模糊性。 因此,在第25屆聖保羅雙年展上展出的La vigie(2002)是一個巨大的12米高的作品,由一個桅杆和一個移動控制塔組成,它給路人帶來的印像是 目標並強調與我們社會對公共秩序問題的安全反應相關的極權主義誘惑。

2010年後放棄他的裝置開始致力於立體三度空間的雕塑,他花了幾年的時間來創作珠寶,之後開發出一種系統化邏輯的創作,建構出一種基本的幾何抽象形式,發展出精簡優雅的立方體和平行六面體雕刻,接近於現代建築結構模型 ,渴望走向一個沒有任何感性和與身體任何類比的物體。

這次新作個展Fabrice Gygi展覽命題「D-概念(D-Concet)」,他的作品牽涉到觀念與形色,依據一種系統化的數學邏輯建構。這次展出一件方型如雕刻台座立體三度空間的雕刻,數理性的邏輯,上面由四塊由大而小正方形依黃金比例的規則鉸接立方體的降序組合建構,示現虛實幻變模塊化架構原型空間結構。牆面上一座結構性立面浮雕,以一大一小的長方塊為主體上下由三塊大小變化的方塊之組合,宛若現代建築築構模型,雕刻及浮雕都展現一種獨特幾何形式美感。

此展覽中,Fabrice Gygi展出引人注目的水彩畫作新系列。是在非洲Chihuahua 沙漠數月之旅後的創舉,使用與先前應用於雕塑的規則相同的形式規則,紀律及絕心,謹嚴專注的創作精神具有一種進入冥想的非凡狀態。他拒絕曲線,專注於平行線與垂直線的建構組合,交叉成方四方形式。這些作品以疊加層中的單一線條繪製,手工一致性精準控制濃度和張力,單一色彩(共有六種顏色)以多次的暈染從濃至淡的層次造化。每件作品都以完美平衡的完美和意外狀態存在,創造出生活所強化的恆定能量。絕對性之完美的線條及濃淡層次色調,引領人們進入個人冥想的境遇。(註2)

(註1-來自維基百科)
(註2-參照個展畫廊新聞稿)

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Jason Martin-「新繪畫」個展:

Jason Martin-「新繪畫」個展現場場景

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue deep) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (phthalo blue -phthalo green) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue ) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone scarlet-red) 2018 70X60X14cm mixed media on panel

Jason Martin untitled (ultramarin blue) II 2018 130X130X10cm mixed media on velvet

圖文/陳奇相

時間:6月22日至7月28日
地點:Thaddaeus Ropac畫廊

新繪畫?是新瓶子裝著陳舊的酒,還是只換個標籤呢?是冷飯還是炒飯呢?在這個甚麼都可以地世代裡,有甚麼不以呢?新瓶裝舊酒、或根本是舊酒貼上新標 籤,新繪畫是冷飯成為炒飯後加胡椒的滋味、在這變與不變中,繪畫的觀念、形式、內容如何更新呢?那是每個世代奮發圖強的一股力量,試圖窺探的創舉。如從抽象本質性繪畫,至形式主義,到會說故事的抽象中,冷飯或炒飯還是飯,也就是繪畫還是繪畫。史岱拉之形式主義「你所看到的就是你所看到的」,經由形式主義之上的Olivier Mosset「看不到任何東西的東西」,到新抽象幾何或新幾何抽象的Peter Halley「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」。

單色繪畫是抽象繪畫終究的結果,經時代的歷煉是現代藝術抽象傳統展現方式之一。在這後現代之後的繪畫裡,炒飯上加胡椒的繪畫都還是種種可能下。Jason Martin繼承單色繪畫及抽象筆觸的傳統,他單色繪畫迷惑人的不只色彩,還有藉由肢體語彙動作行為之筆觸與充滿觸覺感的物質張力,其創作核心環繞在動作筆觸與繪畫物質上,「在這些畫作中有一些深層的有機物,在無生命的物質中被捕獲,和重建中賦予生命。 重放於自然界中發現顏色的顏料一樣般如紫色或灰色 –(……),Jason Martin美麗迷惑人地深藍色和綠色。 他的畫作示現了自然狀態,(……)」(註-參照個展畫廊新聞稿)。

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Peter Halley-「低於/高於」個展:

Peter Halley-「低於/高於」個展:一樓展場場景

Peter Halley boundaries 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley action point 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley compulsion 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)局部

地下室展場三幅方形色塊系列場景

Peter Halley solace 2015 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley the choice 2016 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

圖文/陳奇相

時間:6月9日至7月28日
地點:Xippas畫廊

Peter Halley是上世紀末新幾何抽或抽象幾何的靈魂人物之一,出生於紐約,生活與成長在這垂直宏偉巨大都會建築森林中,都會建築幾何就成為他幾何抽象或抽象幾何的主軸元素,藝術家1991 年描繪他所成長的紐約如同:「巨大而抽象之無差異性四方結構」(註1)。現代都會與工業發展都成為現代主義的原型與創作源泉,對上世紀初眾多抽象畫家們有深刻的感悟及探究,尤其幾何抽象藝術似乎就是現代都會的產物,立體派名畫家勒澤感悟說:「現代人的生活 越來越在種優勢幾何秩序中」或是「每個機械和工業人類的生物都依賴於幾何意志」(註2)。

新幾何抽象或抽象幾何畫家Peter Halley的創作與紐約大都會有密切的關係,其作品來自蒙特里安理性幾何抽象的呼喚,並從美國普普藝術和極限藝術中找到模型,尤其是紐曼、史岱拉與安迪 沃羅爾。一種幾何循環的理想在種抽象和具象張力中,謹嚴的幾何成為客觀現實的一部份,抽象失去它的純粹性,指涉或隱喻裡接近於現實社會,80年代藝術家Peter Halley經常說:「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」(註3) 。

早期的作品互相串聯四方立面結構都暗喻現實特別是「建築內隱藏結構」或「牢獄」等等,在這後現代之敘述性文學性的闡述中,Peter Halley的作品成為會說故事的幾何抽象又稱社會抽象(Abstraction Sociale)。畫家意圖反轉西方現代抽象的形式主義,從現代社會各種幾何結構中尋求抽象幾何引證,指涉現實存在的架構,例如一扇窗、導管和電線或現代高樓大廈之幾何建築結構,宛若謹嚴精準的蒙特利安加上紐曼的垂直平行幾何線條般。這種接近於社會的抽象,就像紐約新潮流倡導者Collins和Milazzo的解釋「幾何及心理分析之會合是我們迷惑的核心﹐他以極限顯現」(註4)

90年代以來Peter Halley突破畫的框架,經由空間裝置敞開整體空間的概念,也就是將會掛在新壁畫(畫的、文本、圖表或是數位影像輸出,這些影像來自於他的檔案中的圖表或是素描本的文字或是設計圖稿,有時會與設計師合作)上。這次巴黎「低於/高於」個展中,他不只規畫整個(一樓及地下室)展場,甚至於走廊及入門口都作為場域空間整體規劃展現。如一樓入口、樓梯間及走廊以畫廊建築結構空間形式(數位輸出影像),創造門檻和通道效果,引導觀眾進入建築空間。地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現。

主展場在一樓,共展出四大幅黃藍底有欄杆的三塊互相串聯方形式的窗(專門為此展量身製畫),命題為:邊界、落水、行動點、義務,將新幾何生活化,藝術家對其新系列如是解釋:「將幾何抽象語言轉化為牢獄和孤立單元的一種詞典」(註5) 。畫則依黃藍節奏懸掛在系列有欄杆的長方形藍色(數位影像輸出)牆面上,強化幾何形式及對話,彰顯其作品的張力。地下室展場三幅方形色塊系列,命題為:選擇、廣場及慰藉,一種人性化的闡述。這系列強調獨特的肌理,示現在黑底綠字之Jill Gasparina藝評文本上,這裡不只是觀賞還可以細細閱讀有關作者對畫家的一些觀點論述。Peter Halley認為:「繪畫是一種獨特的媒介,因為它可以刺激大腦既同是一種形象及觸覺體驗。一幅好的繪畫具有像梵谷或杜庫寧那樣具有吸引力的質感,如果無法觸動你的話, 她會使用這個大腦的觸覺部分去感受。」(註6)

他的繪畫如同他的文本:「城市規劃,數字技術的興起,視頻遊戲和建築效果圖的合成空間,歐洲和美國抽像傳統之間的聯繫,以及現代主義和後現代主義之間的聯繫,空間因此轉變為沈浸式裝置」,Peter Halley的繪畫創作繼續彰顯現代化的生活,在他那些建築或技術形式裡。(註7)

註1:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註2:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註3:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註4:法國Artstduio第六期極限藝術專題 第二篇文章藝評家Nicolas Bourriaud) 。
註5:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。
註6:Block by Block -16 Tactilisme 觸覺 Jill Gasparina) 。
註7:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。

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Olivier Mosset-「Olivier Mosset」個展:

Olivier Mosset 無題-藍 2017 240×600公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset 無題-紅 2017 240×600公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset sun city 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset codillac hotel 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas

Olivier Mosset codillac hotel 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas

文/陳奇相

時間:5月9日至6月16日
地點:VnH畫廊

「看不到任何東西的東西」

瑞士藝術家Olivier Mosset(1944年出生) 是法國七o年代BMPT團體成員,是當今色面抽象繪畫的老將。他們曾激進的與傳統性繪畫斷裂,拋棄全部個人的感性、主觀及幻覺,在一種禁錮、決對中性及客體性的繪畫中,觀念性勘探畫的自主性,於零度繪畫裡,每個人都使用他自己的視覺工具,Mosset直至1971年都在一米四方的白色畫面上,重覆及實踐,在白色畫布的中心畫一個黑色圓圈,探討繪畫的零極限,這種簡化為最低限的圓圈就成為Mosset最引人矚目的繪畫語彙及標誌身分。

當此團體解散後,Mosset就順勢解放其視覺工具的禁忌, 1976年畫家Marcia Hafif創立激進繪畫團體,隔年他則遠走高飛至隔岸大西洋紐約去開發新天地,海闊天空的開拓色面幾何象新抽象,開始闢創的單色(紅、橘、粉紅、綠色)繪畫,畫成為色彩能量場域,色彩成為其繪畫的本質。八o年代裡來到一種色域境界,平塗無筆觸的色彩,將兩幅同尺寸單色畫併置成形色面抽象,強烈色域(如黃與藍)對照建構,色彩能量場域及靜極思動的空間,引領人們進入深沉默想的世界,。Mosset一種畫面二色套色方法,經由謹嚴基本的幾何形式組合建構,成為八o年代西方新幾何抽象或抽象幾何的先驅,尤其對瑞士日內瓦新幾何抽象藝術有深遠的影響。

這次Olivier Mosset以「Olivier Mosset」為題的巴黎個展,展出讓人回味的色面幾何抽象系列,無任何筆觸的痕跡畫面,互相映照光鮮亮麗的顏色,兩幅巨作由五幅120×240公分的圖畫,由三幅白色中間拼置兩幅(藍或紅)垂直並置成形,除之由兩幅120×240公分組構成方形品作:明亮紫與翠綠、黑與深紫、 橙與褐,黃與白、或白與白等等,有時溫馨優雅,有潛伏著某種情緒與感知。以反過去無題這次作品還有趣味性的sun city 及codillac hotel系列標題,到底在賣甚麼膏藥呢?這種純以色面自身做為媒介的繪畫,如果想從色彩或標題尋求具體的東西話,那不如直觀地以心去感受色彩場域能量其間的奧妙, 如是根據藝術家的說法,好的繪畫是旁觀者「看不到任何東西的東西」,那麼,就不需要浪費時間徘徊在這些無可爭議的參考色彩和標題上。(參照Olivier Mosset -「Olivier Mosset」個展新聞稿)

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Francois-Xavier Lalanne-個展:

Francois-Xavier Lalanne 兔子 13x33x13公分 1987-95 青銅

Francois-Xavier Lalanne 鳥 22.5×116.5
x120公分 2003-2008 青銅

Francois-Xavier Lalanne 1927-2008 花園裡的鳥 120x130x190公分 1974 axier poli et cuivre

Francois-Xavier Lalanne 綿羊 90x99x36公分 1995 青銅

Francois-Xavier Lalanne 驢 143x155x202公分 1990-2002 青銅

Francois-Xavier Lalanne 綠色雕塑龜 43X123X76公分 1992-2003 青銅和植物

Francois-Xavier Lalanne 大犀牛 V 129X265X75公分 1991 青銅

Francois-Xavier Lalanne Nathalie的驢子 182x187x53公分 1973-2007 青銅與木材

Francois-Xavier Lalanne 大麋鹿 233x151x127公分 1996-99 青銅

Francois-Xavier Lalanne 北極熊 300x127x120公分 1994-2015 青銅

rancois-Xavier Lalanne 風景魚 IV 170x116x40公分 2007 青銅

圖文/陳奇相

時間:6月2日至7月28日
地點:Mitterrand畫廊

「最高的藝術是生活的藝術」

Lalanne

François-Xavier Lalanne(1927-2008)與Claude Lalanne(1924年出生)是法國罕見著名的夫妻檔藝術家,兩位都從事他們認為的「最高的藝術是生活的藝術」:其作品既是藝術品又是生活居家功能性器物與雕刻,François-Xavier以他具現代性的動物雕刻著名。他是雕刻家及版畫家, 1949年上巴黎在蒙巴納斯Julian畫室學習素描、雕塑和繪畫,並在畫室旁租了工作室與名雕塑家布郎庫西為鄰,明顯地François-Xavier現代性雕刻是受布氏的潛移默化所致,經布氏引薦認識當時活躍的藝術家如馬格里特、達利與杜像,也無形中受到超現實主義者們的影響。1950年幫Dior時尚服飾店裝飾,兩年後他在巴黎開了個人首次(繪畫)個展。(註1)

François-Xavier與Claude這對夫妻檔藝術家從1956起就一起工作,也因巴黎市場公園重建案件兩人開始從事立體三度空間的雕塑,1967兩人結為連理。上世紀60年代開始Lalanne在自然界中發現傳統形狀,從線條和紋理中找到靈感,Claude特別受植物和花卉啟示,François-Xavier則對動物感興趣。並開始受藝都公眾的關注,當時聖羅蘭和皮埃爾 伯格(Pierre Bergé)委託他們系列製作後,使他們更具國際知名度。1976法國家戶知曉的名歌手Serge Gainsbourg選擇他們的作品作唱片專輯封面。1983年為巴黎市政府廣場設計巨大噴泉,接著倫敦紐約都有他們的公共雕刻藝術作品,如紐約52街「紐約蘋果」,53街的「羊」等。2013年秋天Lalanne的綿羊群戲劇性地出現在曼哈頓切爾西地區的加油站。(註2)

François-Xavier著力以精簡強而有力的雕刻,流線型的形式及札實的體積,有家禽動物如兔子、綿羊、鳥、烏龜及驢子或野生犀牛及北極熊等,實用功能性的雕刻設計器物如犀牛或驢子辦公桌、沙丁魚沙發床盒、花園鳥搖擺椅等,花園器物如綿羊群、烏龜及驢子花盆、視窗牛或魚物體雕刻等,在爐火純青的焊接電鍍及翻模技術下,精品中散發一股奇幻超現實之頌歌。

註1-2:來自生平資料來自維基百科。

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Claude Lalanne-個展:

Claude Lalanne 愛情座 84X130X72公分1972-2011 青銅和銅 edition de 8

Claude Lalanne 舒適的玉簪 86.5x45x43.5公分 1972-2011 青銅和銅 edition de 8

Claude Lalanne 坐在森林裡 87x155x82公分 2017 青銅 edition de 8

Claude Lalanne 舒適的玉簪 84X130X72公分1972-2011 青銅與銅 edition de 8

Claude Lalanne bambiloba II 104x122x82公分 2005-2012 青銅 edition de 8

Claude Lalanne 蛇桌 49X90公分 1972-2017 青銅和電鍍銅

Claude Lalanne 大洞穴 180X180X66公分 2000-2013 青銅 edition de 8

圖文/陳奇相

時間:4月14日至5月27日
地點:Mitterrand畫廊

「最高的藝術是生活的藝術」

Lalanne

Claude Lalanne (1924年出生)與François-Xavier Lalanne(1927-2008)是法國最著名且罕見的夫妻檔藝術家,兩位都受過正規高等美術教育,Claude先在巴黎美院之後裝飾藝術學院畢業於建築系,François-Xavier於蒙巴納斯Julian畫室學藝-素描、雕塑和繪畫,兩人共同以Lalanne為他們創作精緻完美藝術家具及裝飾物體。創作建立在「最高的藝術是生活的藝術」概念,既是藝術品又是生活居家器物與物體。兩位的創作都來自於自然-François-Xavier偏好動物,Claude則喜歡植物花草,這對夫婦通過自然界中的紋理,線條和形狀找到了某種形式的靈感和互補性。Claude的創作承先啟後上世紀的新藝術,擅長以植物花草的蔓生藤蔓區線條及葉片建構家具及裝飾物體,透過獨道地精勘的青銅模壓和鍍鋅技藝,溫馨柔和的作品與物體,展現出自然卓越完美的境界。

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當代藝術不「難」-「難的」是那麼「容易」:

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圖文/陳奇相

當代藝術有些看起「容易」的東西,其實並沒有那麼「容易」,我經常說:「當代藝術並不「難」-「難的」是那麼「容易」」,尤其在抽象畫或觀念藝術上爭議性特別明顯,有人說:「那種畫連小孩子都會畫」,「而且都畫得比畫家好」,後面既然沒有問號?至於觀念性的作品,任何東西都可能成為藝術的當今,更令人目瞪口呆,那也叫「藝術」,令人驚嘆或驚喜的東西,超乎日常平凡的非凡東西,在乎的是喚起人們日常生活中的冷感,激發出觀賞者的本能、感性、想像力及冒險性,藉藝術之名喚回感知及敏銳及生命的活力。

例如當下巴黎紅屋所舉辦的「飛行或飛行的夢想」專題展中,瑞士藝術家Roman Signer命題「start」的錄像作品( 2014):將一輛三輪車轉化成為一台即將升空的太空艙。當代藝術不難,難的是那麼容易,確實,多點想像力-生活會更有趣及美好。

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「藝術家與機器人」專題展:

「藝術家與機器人」專題展海報

Nicolas Schoffer 1918-1992 cysp-1 1956

Nam June Paik 1932-2006 olympe de Gouges 1989 video installation

JeanTinguely 1925-1991 meta-matic 繪畫機器 no-6 1959

葡萄牙藝術家 Leonel Moura ne1948 機器藝術(robot Art )2017

日本藝術家Takahiro &Yamaguchi ne1984 senseless drawing bot 2011 installation

英國藝術家 Patrick tresset ne1967 human study-2 la grande vanite au corbeau et au renard

巴西藝術家 Raquel Kogan ne1955 reflexao-2 installation generative logicies castomises miroire et projection

法國藝術家 Edomond Couchot ne1932 &Michel Bret ne1941 les pissenlits 1996-2017 installation interaction en temps reel

義大利藝術家 Jacopo Baboni Schilingi ne1971 義 argo 2018 composition musicale generative et interactive duree illmitee

旅法的墨西哥藝術家 Miguel Chevalier ne1959 Mexique extra-natural 2018 realite virtuelle generative et interactive

德國藝術家 Michael Hansmeyer ne1973 astana columns 2017 20000 feuilles de papier carton decoupees au laser installation

奧地利藝術家 Peter Kogler ne1959 untitled 2018 impresion digitale sur vinyle installation

Chypre藝術家 Stelac ne1946 exoskeleton arm 機械手臂 2016 interactive installation

法國藝術家 Orlan Orlan & Orlanoide strip-teasp artistique electronique et verbal 自畫像機械人 2018 installation robotique et video

日本藝術家 Takashi Murakami ne1982 untitled Murakami archat robot 自畫像機械人 2016 silicone.FRP.animatronics

圖文/陳奇相

時間:4月5日至7月9日
地點:巴黎大皇宮

「只要他看起來像,事情就不需要是真實的」

Isaac Asimov的基礎週期 1953

在當今數位化世界及人工智能相關的科技等等突飛猛進的巨變時代裡,為樂觀進取的人類帶來空前絕後正負面衝擊,也徹底改變人們的生活、視域、感官及存在的條件。當今社會虛擬實境網際網路數位、3D與越來越機器人化下,形成新趨勢與挑戰,已超乎人們既可能的想像。一直致力於時代的延續性之藝術也不例外,新媒科技成為當下最夯的跨領域藝術探討,也提供了新機會,都成為年輕藝術家們創作的想望,窺探當下及未來之無限遐想,並與公眾進行交流,甚至互動,經由身體、接觸、聲音或是氣息改變作品,穿越時空擴展藝術美麗新視域世界之種種可能性,也改變藝術作品的新形態(生產、展覽、擴散與保護等)。

早在文藝復興時代藝術先知達文西就開創機器,隨著產業革命的發展,機器成為生產的新能量。十九世紀初工業化的機器時代之來臨,加速產業的革新,帶動了西方工商社會的發達,也改變人類生活情境及文明進化,建構了現代主義。二十世突飛猛進的科學與技術革新發展,到二十一世紀空前絕後的電子新科技網際網路的數位化時代,空前絕後的人工智能取代人類智慧的時代已悄悄登場。

明顯地,人類過去從體力至人工機械操作到當今機器完全自動化,從機器時代躍進電子化時代,從工人到機器人及到人工智能取代人類等。越來越先進,改善人們的日常生活及存在意識,縮短時空與距離,機器成為現代化生活必須的器物,現代生活與現代藝術創作息息相關,立體派的機械論與未來主義時空速度,構成主義的新媒建構,達達藝術家畢卡比亞的機械圖到杜象藉由小馬達動力的視覺作品,藝術都指向現代化機器動力的革新與創建。「藝術家與機器人」專題展則是針對五十年代至今有關藝術與機器及人工智能創建的發展,也是當今首次以機器創建的展覽。

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