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Christophe Chevance-「無題」個展:

左-無題-挖洞 120s 中- 無題-在雨中 200F 右-無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

無題-挖洞 120s 2018 壓克力彩

無題-在雨中 200F 2018 壓克力彩

無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

構築一個無題 80S 2019 壓克力彩

沒有綠色的景觀 各60F 2018 壓克力彩

沒有綠色的景觀 120F 2018 壓克力彩

風暴臨窗 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

混沌中心 100F 2016 油畫克力彩

左-風暴臨窗 80F 2016 右-沒有綠色的景觀 100F 2016 壓克力彩

左-窗口 80F 2018 壓克力彩 右-在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

蘋果 80F 2018 壓克力彩

Christophe Chevance 簡稱為Toph與國際藝評人陳奇相

圖文/陳奇相

「要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。」

Christophe Chevance (簡稱為Toph)

時間:2月18日至3月15日
地點:嘉義市地檢處大廳

前言-「無題」:
「無題」個展呼應其「無題」畫作,「無題」並非無內容物,盡在不言中之沉默語言,話語是多餘地,多元多樣與豐富獨特性造型語彙,賜給觀眾一雙翅膀展翼翱翔,敞開其感知與想像空間,自由心證。身為異鄉人Toph有一種特立獨行的處世態度、哲理及美感,認為他的生活也是「無題」,其實真實的存在是無解的。畫家說:「這『無題』個展標題,眾多畫作也『無題』,那因這個無題的,沒有任何表象和沒有讓步的自我,它被認為是通過 以同樣的方式,它富饒而豐富,是一個人無法丟失的,它是拒絕他人的無知,因為我們經常相互交會而從未真正相遇,這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇」「作為一個『無題』,它是自由的」。(註1)

在嘉義的一個法國畫家的故事:
Christophe Chevance 簡稱為Toph是位大叢朵鼻啊法國人,〝 嫁〞給一位纖細精明能幹的台灣夫人Sunny,並為愛漂泊至異鄉-美麗島嶼,家-成為法國佬的避風港,台灣人的洋女婿,三個台灣孩子的巴,桃城成為其落地生根的-家,天涯一方舟他鄉成為我鄉。他敏銳善感,有一對尖銳的眼睛擅長於觀察與思考,做事認真細心,其法國身分隱藏於流利的英文裡,「無題」的有意選擇不學(講)台語或中文,放下身段做個若隱若離的異鄉人,隱世於台灣社會複雜的人情世故後,喜歡獨處及家庭生活,過著他簡樸而富繞且自如的「無題」生活,這完全是個人的選擇。

異鄉人Toph從小就對畫情有獨鍾,一生著迷於畫,為追求藝術,很年輕就離開他心愛的海岸故鄉布列塔尼到巴黎奮鬥,生活的坎坷經由職訓成為劇場舞台設計技能,擅長畫及裝修的他,白天從事劇場舞台設計晚上熱情奮進的揮毫其藝術。為了追求自已的夢,不管生存多坎坷困難都一值念念不忘初衷-想望藝術之夢,畫是存在的出口駛向意識汪洋大海,藝術的道途千辛萬苦想望生命的未來。婚後,為愛漂泊至異鄉台灣,首先落腳於台北奮進,而後又跟隨愛妻從繁華的都會來到南島庄腳都市,落腳定居在桃城-嘉義娘家。

Toph很清楚身為畫家並非易事, 就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論在那個國家,我們都必需找到一種在社會中生存的方式。藝術家必須找到一種生存之道,同時也必須繼續創作和參予活動。搬回桃城觸礁於現實生活裡,為了基本餬口與創作資源,下海開啟法國迷惑人的餐飲料理,開了間個性風味小餐廳。精於畫及裝修的他,將一間廢棄破舊木屋整整發了一年時間,日以繼月親自一手整裝成一間溫馨個性嘉義法式餐酒館,生意蒸蒸日上,成為桃城最有質感且亮麗的個性小餐廳之一,為追憶巴黎蒙馬特取名為「小黑貓」,經營一年因租約到期,便將所有建立的一切讓渡與屋一同歸還屋主。

他接受命運之安排,一切歸零,異鄉人不免心生吶喊「無題」遭遇,帶著重挫所攜帶的力量,再次至林森路一間倒塌危樓破舊木屋重新起灶,大費周章一年多,再次傾其心力整修一番,為了生活捲土重來,「小黑貓」又重出桃城。小小法式餐飲店,在愛妻大力協助與支持下,夫婦倆用心經營下的「小黑貓 」一如旭日再次東昇,逐漸佳績,佳評廣播,成為地方異國婚姻融入社會成功案列,吸引在地眾多傳媒的關注。然而每次的「小黑貓」嘉義法式餐酒館之新聞報導,都讓Toph哭笑不得,漠視地稱他為法國廚師,陰錯陽差下畫家心底在哭泣,台灣人舌尖文化太糜爛了,命運捉弄,為了現實生活而遠離其想望的繪畫創作,其心理是多麼的掙扎與困惑。三年多來經常徘迴在午夜夢醒的藝術,念念不忘創作的初衷,
Toph由衷感謝這次台灣嘉義地方檢察署的邀請個展,讓他重拾起畫筆耕耘其心所愛的藝術心田,畫家說:「為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持」。

「無題」沉默之言的新作:
Toph三年多沒創作的空白日子裡,無可承受的生命之輕以及對藝術深思的沉澱,孕育出他深厚的藝術哲理,與受強烈想像力所激發的巨大好奇心所驅使的創作。明顯地,藝術是Toph盡在不言中且最強而有力之沉默語言及內心的呼喚。感謝這次的個展及內人的支持,讓他敞開心胸鼓起十足勇氣重拾畫筆,克服萬難的創作,擁抱自已的熱情,煥然一新的創作視野,讓他的創作脫胎換骨。相由心生,境隨心轉,從早期盤根錯節的樹(根)作為其漂泊離鄉背井的徵象寫照主題中解放出來,遵循本能感性的表現,強烈感受與覺知下,借題移情抒發其情感及安撫其生靈,簡而意駭闡述其異鄉人存在意識。

Toph認為我們周圍世界是充滿多元性,多樣性和獨特性,他的創作及作品也不列外,解構是其創作源泉。他只探討一些純屬個人的東西,在主觀、本能、感性及表現性下擺脫全部模擬觸點及慣性圖畫,創作表現是多元與多樣,新系列:人物系列、風景系列及風暴在窗口系列,簡化形式下給予色彩一種感性的意義,意圖表現每樣東西的本質及同時回應情感上的沖擊之強度。

人物系列:
異樣穿草綠色彩迷裝如軍人之人物系列,是在這冷漠無感的世界裡,永遠看不到臉孔的人物,暗喻與指涉人類的虛無與自負虛榮,簡化人物形象及不實的身軀,行屍走肉經常相互交會而從未真正相遇的情境,畫面呈現一股強烈張力 。三位被淋著粗曠黑(筆觸)雨空間場景所吞沒之行人、一位巨大背向觀眾的中空人物及一位充滿肢體語彙軀體被畫框住的人物,另一最具徵象性手持電鑽開挖馬路的工人,示意對這無感無知冷漠社會之關愛。闡述Toph異鄉人的存在之焦慮、孤獨、苦悶、困頓、無助的心靈寫照,畫家寫道:「重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。做你自己,感受自己,與藝術對話。」

風景系列:
色面化的主觀意識之紅土高原風景,於後自然的超現實荒謬情境中,錯置的空間及想像,在現實及超現實,抽象及意象間。畫家邀請觀眾質疑對沒有綠色世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。 邀請我們提出有關所有生活形式和您想要過的生活方式的問題。其中一幅讓Toph憶起他故鄉的海灘風景意象,午夜夢醒的情境或遊子對故鄉思念的情懷。

窗上的風暴系列:
依畫面支架成型,垂直平性劃分窗戶架構,以對照性的色彩及大筆揮毫個性筆觸,借景移情抒發其情感及覺知意識。氣候就像脾氣反映人們強烈地的情緒感受,畫家睿智的借此系列覺知自已內在情緒風光,回應心情沖擊之強度梳理其能量,外境是內在的顯現,更是內心場景寫照,闡述畫家生命之起伏,藉此看見自已,傾聽自已內在聲音。畫家說:「我們都受情緒的影響。 這與良心無關,與任何人或我們以外的任何事物都沒互相關係。有時候,這些情緒可能是風暴發出必須通過的能量。如果被忽略或扼殺這種內在力量,它就會變成負能量並經常導致退縮。無論我們面對這場風暴的立場如何,無論我們是演員還是觀眾,我們都會受苦。如果我們與之力量對抗,它可能是破壞性的,但如果我們讓自己順其所然的梳理,它也可以成為更新的源泉。」(註2)

形式、色彩與質感:
本能及感性之大筆觸揮灑下的徵象性人物、風景或窗戶,都在簡化、平面化、色面化及主觀化特徵上,加上有溫度會說話的色彩,大器的構圖,畫面總是覆蓋著一層或多層白色隱藏眾多大小筆觸,細膩紋理的質感,彰顯形式的主體。形式化為畫的軀體,色彩成為靈魂,筆觸為情感的溫度,紋理質地作為感覺的載體。「形式、色彩及紋理質地的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。且無論什麼主題,都可以應用這種多元性、多樣性和獨特性的三位一體。這多元性、多樣性和獨特性,畫家認為是我們應該發展的世界之本質,是每個人應該成為的本質。反對我們社會所倡導的一致性,這種均勻性在他的藝術作品中以單色來表現。」(註3)

具洞察力的「無題」藝術思維與哲理:
詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享,這文章結論擷取片段如下,請細心品嘗閱讀。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。藝術可以改變的是你對世界的看法。藝術可以改變的是你作為一個人。因為如果藝術題問你和你正確的提題,那麼你將不會比你自己演練的那些更大和更謙虛的掌握。正如藝術家在創作中的自由。你可以自由地愛或不愛。你可以自由地感受。您可以自由地質疑自己。你對藝術作品沒有任何解釋。你沒有任何想像力。你可以自由地應適作品。藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。必成為屬於自己的自由。(註4)

註1-4:來自Toph藝術思考筆記
2019-02-10 桃城-嘉義

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曾雍甯-「燦燦光彩」個展:

曾雍甯-「燦燦光彩」個展現場

左-花團圓 166x154cm 2018 原子筆 金箔 紙 右-四季系列 2018

左 -原風景 121x243cm 2013 中-春天里 02 155x228cm 2018 右- 原風景05 121x243cm 2013 原子筆 彩鉛 紙

波光01 02 03 150x103cm 2014 礦物彩 紙

迴旋 02 206x306cm 2014 礦物彩 紙

左-是幻01 103x153cmx9p 2013-15 原子筆 紙

2019 空間裝置 鏡面

綻放 28 162x243cm 2012 原子筆 紙

左-四季 秋彩 右-四季 冬暖 各114x280cm 2018 綜合媒材 紙

四季 冬暖 局部 114x280cm 2018 綜合媒材 紙

圖文/陳奇相

時間:元月25日至4月14日
地點:彰化縣立美術館

「形象是種感覺,色彩則是論證」

曾雍甯(1978年出生鹿港人)是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,更是台灣新生代平面繪畫最耀眼的一位,以其光彩奪目原創性原子筆畫著名,在現代主義精神下勘探工具之新繪畫語彙,專注於紙繪本,他創作一場又一場的「繁花似錦」且「燦燦光彩」。他的創作靈感來自原鄉傳統民藝形式、色澤及文化裝飾性,森羅萬象的形式及繽紛燦爛色彩,形構令人目眩神迷萬花筒綺麗裝飾性繪畫風格,充滿在地的能量、意識及震盪。圖形為意志的強度,色彩成為感情溫度,「形象是種感覺,色彩則是論證」或「形象作為軀體,色彩化為靈魂」。其眩漾的視覺效果作品展露細膩、樂觀、律動的愉悅美學,「繁花」之曼陀羅成為畫家生命煉金術,承載著其豐富感情及心靈意識。

曾雍甯最獨道的風格是裝飾性的愉悅美學,對他而言形與色是一體,必需思考形式,再加上對色彩豐富想像力。他對色彩沒有禁忌也不設限,偏愛純色亮麗的高彩度色相,時溫馴合諧,時奔放對比,意圖解放傳統色彩,表現無比的張力。謎樣的色彩在他直覺及想像裡發揮至登峰造極,是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,高更說:「色彩帶給我們的感官刺激,其本身就如謎,所以邏輯說來,也只能謎一般運用。每一次,使用色彩不是為了描繪,而是取色彩自身流瀉出的音樂感覺,色彩的特質,內在神秘的謎樣力量。憑藉著精巧的和諧,可以,創造出象徵。色彩是和音樂一樣的顫動,足以觸動自然界最普遍,而且無處不在的,最廣泛的內在力量。」

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台北第一屆當代藝術博覽會省思:

台北第一屆當代藝術博覽會-這新型藝術品場景顛覆台灣觀眾的視野

難得一見的日本最頂紅藝術家-草間彌生的大作 06 Yayol Kusama flowers that bloom at midnight list g-2010 及 d-2016

東南亞藝術家 Isabel and Alfredo Aquilizan( b-1965 1962) left wing project-(belok kiri jalan terus)302x85cm 2017-18 hand-forged sickles 302x85cm

英國著名藝術家 Sarah Lucas b-1962 the good ,the bad and the ugly 2014 g-left chair d-right chair 84×40,5x52cm

Vivian Suter 3 individual works,each untitled,undated mixed media on canva dimension variable

當代藝博出現一張 Georg Baselitz漂亮的 the messenger 1984 250x200x4cm oil on canvas,旁邊是名英國雕塑家Tony Cragg的大作

左-Shirazeh Houshiary b-1955 feel 2018 120x120cm pencil and pigment on black aqucry on canvas and aluminium 右-Anish Kapoor b-1954 untitled 2014 alabester 83x82x63cm

台灣新生代藝術家Chou Shin Hsiung b-1989 100 faces of youth 2019 1152x600x413cm oil in pesrpex

圖文/陳奇相

台北第一屆當代藝博會啟開台灣藝術市場進入全球化的戰國時代,激發台灣藝術產業及挑戰在地的創作,無法跟上時代產業價值的畫廊,將黯然失色,也會自動消失(或許成為飯店博覽會展的藝品店)。那無法與時俱進的創作將無法立足,將自閉中窒息。殘酷的事實中,甚至於台灣高等藝術大學也不列外,呼嚨學生的藝術課程及方法,不只無法與時俱進及無法激起學生創意的教學,也將受到學生質疑,甚至於挑戰。當代藝術西方當然不是我們藝術的版本及指引,但他山之石,足以顛覆我們的思考與產業。台灣藝術、藝術教育及藝術產業加點勁吧,創作自已的價值,心想著,我們被全球化了嗎?

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南北藝術家大會聚於曾雍甯「燦燦光彩」個展開幕:

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕海報

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕-大合照

中間是藝術家曾雍甯-左旁邱樑城及其弟弟與兒子與我 右旁-蘇國慶、許雨人、蔡宜儒

藝術家曾雍甯及王品驊與陳明德夫婦及孩子與我

陳世明綜探語境紛絲團-藝術家及林賢俊、郭淑莉與我

南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦與我

圖文/陳奇相

在台灣我罕少主動去參加藝術展覽開幕(除非好朋友或受邀對談等),這並不代表我不看展覽,看展是我最喜歡最享受的時刻,喜歡獨自安安靜靜不受干擾的享受看展,逍遙於藝術的森林裡悠悠自如,靜謐地與藝術對話或談情說愛。

今年將第一個參加開幕,獻給曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展,這是受邀的承諾,也很期待看雍甯的新作。尤其對台灣新生代藝術創作的好奇,從這世代創作或多或少都窺探到台灣當代藝術的新能量。

沒想到曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕聚集台灣南北藝壇的人氣,請一遊覽車台北的藝術家朋友們南下,南部藝術家們前來,南北藝術家大聚陣的會師彰化之盛況,幾乎都是中青輩藝術朋友,及畫家的北藝大藝術家同學們,輸人不輸陣般,大致上都是熟悉面孔的藝術家朋友們,很高興的都在這「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕團聚。

北部悍圖社有:楊茂林、陸先銘等,及曲德義、蘇國慶、蔡宜儒、蔡宗隆、邱樑城及其兒子等。陳世明綜探語境粉絲團:林賢俊、郭淑莉等。南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦等,來自台南的許雨人、高雄的李宣霈及在地彰化的鍾敏建夫婦、陳明德夫婦與董明晉,來自宜蘭的林萬士。此展的策展人王品驊,來自台北的藝評人沈柏丞及張禮豪等等,還有雍甯的家人及親朋好友們齊聚一堂,不知道是否有收藏家參與開幕?開幕不該只是藝術家們自家取暖。我經常說「當藝術家真好,每次個展就像生日派對般,能聚集親朋好友們及久未會面的藝術家朋友們」。

隆重的開幕後,大聚陣的藝術家們移場至雍甯的故鄉-鹿港,畫家的家人請桌,大夥乘著大遊覽車來至古城-鹿港,華燈初上,我們參觀了歷史名勝古蹟龍山詩,參拜神明並體驗一下雍甯創作源泉的廟宇的裝飾圖案。最後來到鹿港的「紅樓餐廳」,藝術家們與雍甯父親地方父老級的朋友們,共有八或十桌,傳統辦桌十幾道鹿港家鄉風味佳餚配紅酒啤酒讓我們品嘗盡歡,不只畫家、策展人、畫家父親及鹿港鎮長都過來敬酒,享受藝術及美食的饗宴,在美酒笑談言歡裡,直到深夜,趕上最後一班火車返家。也認識一些新藝術家朋友們,由衷感謝雍甯夫婦及其父親的用心及細心,真是美好的一天。

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Anna Hulacova 袖珍型個展:

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)全景 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至12月16日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館-開放空間

開放空間(Open Space)是Louis Vuitton美術館專門用來奉獻創建最當前藝術的展覽空間,定期邀請法國和國際藝術家想像一個特定的計畫。在美術館頂樓建築中的小小游牧空間,經常隱藏在館內大展中而不為人所知展覽,夾帶在大展中,這袖珍型空間變成化外之地,但這空間展出的作品卻值得大家回味,它都或多或少但有點時代的訊息,近年來眾多東歐新秀經常在此出現。

Anna Hulačová袖珍型個展則夾在Egon Schiele及Jean-Michel Basquiat繽紛燦爛回顧展間,觀眾們被這兩大藝術明星所吸引,卻忘了Anna Hulačová展的存在。作為一位藝術的狂熱份子沒有一樣展覽會被漠視,推開空無一人的展場,顧展美術館員用驚呀的眼光看著我,這並不列外,確實有點有眼不識泰山之感覺?

Anna Hulačová (1984年出生)出生於捷克目前工作與生活於首都布拉格,是東歐正冉冉昇起的當代藝術新秀,以其混凝土的群像雕刻著名,她的創作建立在多重靈感上,參雜著古希臘羅馬神話及捷克民間傳說並加入現代主義之元素,在後現代藝術的徵象裡。經常體現簡化的人物與動物之間的混合生物,在現實及超幻、詩意及想像、古老及未來之間,似乎是一個不斷幻變的世界寓言。

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)(2018)則是一件人物及生物圖形群組的獨特空間裝置,以淺藍色倒立戶外小游泳池上斜躺身上冒著氣泡手拿著一串葡萄怪胎酒神為核心,周邊圍繞著一組四個人物頭上頂著或拿著無性別家電(如水壺,烤麵包機,機器人攪拌機等)的現代人,日常用品取代了神話故事中的食物及飲料。後面一系列裝飾性的生物或植物璇迴曲線戲劇性場景,混合現代及傳統、敘述及文學性的情境,欲圖指涉一個關於未來世界的幻想。藝術家說「我看到了孤零零的雕塑 – 無論是作為一個受環境影響的人之角色還是剪影,一組雕塑,相反,代表著一個影響我們經營環境的社會」。

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大專院校藝術與造型設計學期評鑑有感:

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-微雕刻 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-微雕刻 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-餐桌上彩陶作品 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-微雕刻 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-系列人像繪畫探討 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-學生向老師們闡述作品 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-學生向老師們闡述作品 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-老師們細心觀賞作品並與學生對話交流 圖片-蕭美玲老師提供

年初於國北教大藝術與造型設計學期評鑑-大四應屆畢業展學生作品-老師們細心觀賞作品並與學生對話交流 圖片-蕭美玲老師提供

圖文/陳奇相

連續三年受邀去國北教大藝術與造型設計學期評鑑,從一年級新生至畢業展到研究所都評過。評鑑只是為了打學生期末分數或是給予意見和指引方向呢?評鑑的目標是甚麼 ?評學生這學期的演練作業嗎?還是窺探學生的創意火花呢?如果只是評學生的學期演練作業,班導師或技術課程老師私下評分即可,何必還邀請校外藝術家或學者來評鑑呢?更何況也會與本學科指導老師衝突?因為指導老師會依學生上課狀況(缺息或學習態度)來評斷,而校外學者則只能依擺在眼前的作品來給予成績及方向。

當然,我對當今台灣藝術或造型設計教育理念與方法,年輕學子們之學習態度及如何學習勘探自已,對世界與周邊社會環境如何觀察,對藝術或其未來有何期許等等,充滿好奇想親自來理解,在意的是能深入其中理解台灣的藝術及設計的教育,對於學期評圖微薄鐘點費(兩千台幣)我並不很在意 (當然對這種鐘點費用的確很扭曲,每次評圖都超出兩個小時,難怪要邀請到有見識的資深校外學者專家很難) ,也希望把我對台灣未來的關懷及愛賦予這塊土地,期望未來的藝文曙光。

評鑑對我而言很難,學藝的過程裡,有天分(或個性)的學生或認真求是的學生一看了然,有關創作確實無法教也無法評鑑,不設限的給予所有可能性下,依循每個學生的天性或個性去引導,給予方法及知識,思辨能力及觀念的啟發,技術不成熟理所當然(還有很多機會磨練), 點燃創作的烈火及學習態度與熱情比甚麼都重要。藝術是一輩子的志業,對於這些對藝術或設計有興趣的年輕學子們,豈能苛求太多呢?與之交流、對話、提問,並多給予關注鼓舞,或給以指引及方法論。評圖是正面的鼓勵及指引勝過於評斷學生,激發他們的創作熱情與提共更廣泛的資訊及想像空間,引導學生找到他自已,造化每一個學子們獨一無二的個性」。

我喜歡評充滿熱情及活力的初生之犢一年級,不受拘束的能量與個性,勇於摸索,他們都帶有天真活潑的氣息還帶有一些創意小火花, 到二年創意烈火被吹熄開始被體制化,學生的創意和獨特性被忽視了。我總覺得充滿青春活力的學生大都比老師更有才華,是學校體制化的教育所致,讓人質疑學校所開的課程,無法與時俱進及無法激起學生創意的教學,也將受到學生質疑,甚至於挑戰。你曾仔細想過藝術能教嗎?我很質疑,引導與啟發性的老師在那?在這台灣藝術市場進入全球化的戰國時代裡,我們的藝術及設計教育是否有勇氣及膽識迎接新的挑戰呢?

在每年大專院校藝術與造型設計學期評鑑,總感覺在當今網際網路資訊發達與知識爆炸的時代裡,最缺乏的就是知識。大學生或是研究生,幾乎都缺乏藝術史、藝術理論及知識的視野,深入生活體驗的觸角的學生不多。當今年輕世代之學生將所有知識及訊息無條件的都繳給谷歌,沒有判斷能力,那來批判力。沒有積極向上的態度與求知熱情及未來想望,絕對無法激起創作的烈火。這種對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇。(來自於Top的筆記)

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眼見無法為憑?

看是見證當下

「美」是當下的覺知

眼見無法為憑?眼見是追求真相的始端。

圖文/陳奇相

你相信你眼前所見的嗎?

那世界未免太平面了吧,

這世界比你所見還要複雜,

如果沒有用心去看,或許都看不到。

深刻的或生命之奧秘的是眼睛無法透徹地,

現實如是 藝術也如樣

小王書中子裡面狐狸送給小王子的秘密是:
「最有價值的事物不是眼睛所能見的,但必須用你的心去感受」

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Egon Schiele「特展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Egon Schiele的展覽看板

Egon Scheiele 與雞的自畫像 1912 水彩及鉛筆/紙本

Egon Scheiele Danae 1909 油畫及金屬顏料/畫布

Egon Scheiele 小城IV 1914 油畫及黑蠟筆 /畫布

Egon Scheiele 背向男裸 1910 水彩及炭筆/紙

Egon Scheiele 年輕人畫像 1910 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 跪著半空女人 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 紅裙黑臂女孩 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 白女人睡著 1914 水彩石墨/紙

Egon Scheiele 睡著的女人 1917 炭筆及彩色石墨/紙

Egon Scheiele 自畫像 1914 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 睡著紅色吊襪帶女人 1913 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 自畫像 1916 鉛筆/紙

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館

這次Louis Vuitton美術館隆重舉辦Egon Schiele的展覽,距離上次在巴黎展出已有25年之久,在這2018年作為Schiele去世百周年的紀念展,可以想像這個展出讓巴黎觀眾們喜出望外充滿好奇心及想望。在美術館很有意思的策畫下,讓兩位藝術天才針鋒相對,與上世紀末另一具傳奇性的畫家Jean-Michel Basquiat同時對照性的展出,兩位都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。這次特展之經典作品大部分來自於私人收藏,且眾多是罕見公開展出,此展以紙本作品為主體,幾幅油畫作品,足以完全滿足眾多藝術愛好者們的想望。

Egon Schiele(1890-1918)是上世紀初奧地利表現主義代表性畫家,顛覆維也納傳統的美感與經驗,以其創新強烈表現性之人物與身體扭曲著名,在主觀之肢體及質感線條、色彩塗抹的魅力下,觸及內心的悸動,示現出一種感性、內省、強烈慾望(充滿性慾)和其存在的不安與悲慘感覺令人著迷。主題環繞在觸及靈魂深處的人物、女裸或半裸體(撩人姿態)、眾多自畫像、肖像畫及少數風景建築畫,筆下人物都顯頹靡,曖昧神態,焦慮的眼神,令人坐立不安,作品充滿強烈豐富情感且性感十足。

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Jean-Michel Basquiat「回顧展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Jean-Michel Basquiat「回顧展」招牌

Jean-Michel Basquia 無題 1982 壓克力 噴漆 及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquia 無題 1981 壓克力 噴漆及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquiat 囂張地警察 1981 壓克力及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 洗禮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 嬰兒潮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 男孩和狗在johnnypump 1982 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat 奴隸拍賣 1982 壓克力
粗蠟筆及紙剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat 作為一個年輕無用的藝術家之肖像 1982 壓克力 油畫 粗鉛筆/木板及金屬

Jean-Michel Basquiat 第三世界的汽油價格 1982 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat gillo 1984 壓克力 粗鉛筆及剪貼/木板

Jean-Michel Basquiat Js Milagro 1985 壓克力 油畫 粗鉛筆及剪貼/門板

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol 精神能量 1985 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol OP OP 1985 壓克力/畫布

jean-Michel Basquiat 彼得和狼 1985 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

jean-Michel Basquiat 無題 1987 壓克力 油畫 石墨 毛氈顏色及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat exu 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 「騎死了」 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton基金會

巴黎2018年下半年最盛大與不能錯過的經典展覽,就在Louis Vuitton美術館,同時兩個對照性展覽:上世紀初的畫家 Egon Schiele(1890-1918)特展與上世紀末的 Jean-Michel Basquiat(1960-1988)回顧展,兩位都是傳奇性與悲劇性的代表性畫家,兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。

巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat)是當今藝術市場屢創高價最頂紅的藝術家,也是最傳奇性的一位,以其響亮且家戶人曉的街頭藝術著名。這次巴黎Louis Vuitton美術館所隆重舉辨的 「回顧展」是巴黎2018年下半年藝都最盛大與不能錯過的一個經典展覽, 更是近些年來Basquiat最完整最精采最豐盛的一場藝術的饗宴,從他早期剛出道的塗鴉「無題-車禍(1980)到最後的「騎死了」(1988)騎在死神上,死神接見預知其死期將至,包含素描、壓克力及油畫與多媒介大小畫作共有120多幅,幾乎他最經典作品都到齊,且眾多是首次公開展出。展覽佔領大半場館從地下層至四樓,經由未發表作品互相對照時間順序排列的節奏,主題比較和主要合奏。

從三幅具代表性「標誌性的頭腦像」揭開參展途徑,接著依照經由不同街頭作品,英雄及戰爭,音樂,大作品,與Andy Warhol 合作之作品,晚期作品,展覽結束於Basquiat最後一幅徵象性的「騎死了」(1988),在巴黎首次展出的驚人作品。。

Jean-Michel Basquiat的傳奇一生:
巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat(1960-1988年)是當代藝術裡最具傳奇性的藝術家,至今塗鴉幫中名聲最為響亮,與哈林(keith Haing)兩位都是紐約牆上塗鴉的明星,崛起上世紀80年代初於紐約蘇荷之東村,是當今藝術拍賣市場屢創高價最頂紅的藝術家。兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(前者28歲-後者32歲)就消失於黑夜的星空。巴斯奇亞出生於紐約布魯克林區是南美洲移民的第二代,父親是海地人,母親是波多黎哥人。他的母親從事印花布設計,對他的藝術有絕對性的影響,並鼓勵他往這方面發展。巴斯奇亞四歲就開始塗鴉,展現其才華,畫他所看到的及夢見的,從此愛不釋手,家又住在海地區,與典藏美國藝術的柏克林美術館毗鄰,經常有機會與母親一起参觀美術館。父親是爵士樂的歌迷,祖父曾是吉他手兼拉丁諾樂團指揮,巴斯奇亞在這藝術的薰陶下,小時一直夢想成為一位作家或漫畫家,就立大志「我十七歲以後,就想成為一位明星」。

巴斯奇亞的命運隨著七歲時一場意外車禍而住院,在醫院期間,母親送了一本命為「Gray s解剖學」的書,成為他住院期間最佳消磨光陰的書籍,這些圖象也深 深的影響他早期的畫作,也成為他往後樂隊的名稱。也是七歲時父母親不和而仳離。1974-1976年返回海地居住,1976年重返紐約,入學結交Ai Diaz成為好友。這時期他開始與Ai Diaz走上街頭塗鴉,活躍於蘇荷區畫廊一帶,自由形象的符號及書寫句子,帶有幾分詩意,經常簽上「SAMO」,戲謔或幽默意味著「同樣老套」的意思。

1978年他被勒令退學並離家出走,開始過著波西米亞式生活,為了生活在街道上販賣汗衫及明信片。開始著迷著音樂,参與樂團,進出紐約年輕人的地下文化基地「Mudd」及「
57」俱樂部。這是當時藝文界的天堂,在這人文薈萃的地方巴斯奇亞巧遇了搖滾樂手Bowie、Madonna、Warhol及哈林等人,其中Warhol也買了他親手所繪的明信卡片,給予不少的鼓舞及肯定其藝術才華。這時也認識策展人及藝評家Diego Cortez,隔年在紐約東村這藝文圈中漸漸走紅,經常上Glenn Obrien電視節目出現。1980年新時代的來臨,紐約正處在新舊交替的時刻,新藝術思潮的興起,六月天在紐約紅燈區第四十二街的時代廣場, 與龐克及塗鴉族的藝術家一起聯展,開始引起媒體的注意。隔年詩人及藝評家Rene Ricard,在著名的Artforum發表了一篇「容光煥發的孩子」一文,提拔並將巴斯奇亞推上國際舞台。另一貴人藝評家Diego Cortez對巴斯奇亞的畫情有獨鍾,不只以文介紹他並找人收藏他的作品。這時候巴斯奇亞與其塗鴉夥伴Ai Diaz分手個自尋求發展,巴斯奇亞正式畫了起來,街頭上不知何時有人書寫著「SAMO之死」的句子,喧示一個時代的結束。

在1981年這新時代的藝術更替裡,巴斯奇亞参與Diego Cortez策畫的一個「紐約/新潮流」大型展覽在長島市的P.S.1,如此正式把巴斯奇亞推上紐約藝壇,受到很多藏家的青昧及收藏,時來運轉的走紅。隔年經常與80年代的重要名家Julian Schnabel、David Salle、Francesco Clemente及Enzo Cucchi們一起展出,這股新潮流人們很快稱為新表現主義,一種新時尚及新風格的崛起。明顯地,在這190-82年時期的影像,強烈表現性的色彩,充滿文學性及感性,經常出現骷顱人物及類似面具的頭像,還有其街頭生活的元素如汽車、警察、建築物等,加上書寫文句與自由形象的塗鴉符號。

為了現實的生活,巴斯奇亞與安妮娜 諾賽畫廊合作,並在安妮娜 諾賽的鼓勵下拼命畫畫。畫廊以廉價贈品的方式大力推銷他的作品,並在1982年為他舉行個展,獲得眾多好評,奠定他成名的基石,也在這期間巴斯奇亞染上毒癮,他說「我為了紓解壓力吸了不少毒品」。1983年巴斯奇亞成為紐約竄紅的明日之星,在這期間與其心目中的明星Andy Warhol見面,這對藝術家有十分鼓舞的作用,因為「每個人都會成名十五分鐘」,並與Warhol合作作畫,兩人建立濃厚的感情。他並加盟當時最受注目的畫商Mary Boone手下,1984年5月的為他舉行盛大的個展,巴斯奇亞一炮而紅,並藉助Andy Warhol的媒體影響力,就這樣從新秀成為明星。這期間他凸顯其個人歷史及獨特的黑人身分,畫作中出現眾多黑人形像、街頭藝人、婦女、玩具、卡漫人物等等,經由剪貼、書寫、大小拼圖之多重元素組合建構,在表現性及主觀的色彩下,充滿暴力及能量,作品都相當感興與文學性。1985年巴斯奇亞成為紐約雜誌的封面風雲人物,在「新藝術、新金錢及一位美國藝術家的推銷」主題下,巴斯奇亞成為家喻戶曉的紅頂藝術家。

巴斯奇亞聲望日正當中,藝術創作進入成熟階段,以一種新技法混和繪畫、塗鴉及剪貼,集景式樣拼置畫面,開發一種新類型的自由形象繪畫風格。在這期間以完全依賴毒品過活,1987年 Andy Warhol去逝,也深深的在巴斯奇亞心裡投下陰影。長期在過分毒品的摧毀下,身以不由已,1988年8月12日因吸毒過量致死,結束戲劇性及傳奇性的一生,宛若一顆彗星畫過星空,流下藝術永恆的光彩。

註:Jean-Michel Basquiat的生平來自「自由的藝術」回顧展一文
於2010年10月15日至2011年元月30日於巴黎市立現代藝術美術館展出。)

2019-01-03 於台灣桃城

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Tomas Saraceno自然生態的「On air」個展:

Tomas Saraceno「On air」個展:入口

闡述「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘:「事件的視野」聲音裝置 2018 擴音器

「at-tentsion蜘蛛網絡」之一 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之二 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之三 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「覺察的事件」《particular matters Jam session》 2018 araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies)局部 2018 空間裝置installation

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

les politiques des rythmes solaires :levitation cosmique 2018 video noir et blanc installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「algo-rhiythms」2018 正在彈琴的觀眾 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「Aerocene」展示 2018 想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。

太陽航空博物館 2018 由日常塑膠袋所拼貼而成的大汽球

圖文/陳奇相

時間:10月17日至2019年1月6日
地點:巴黎東京宮

你一定在戶外或屋簷角落看過蛛蜘及蛛蜘網?蛛蜘是藝術家嗎?那蜘蛛網是藝術嗎?誰曉得,你絕對沒聽過蛛蜘的細膩的聲音?讓人充滿好奇心的展覽,這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。沒想到在巴黎東京宮「On air」展中,看到整個展場都是蜘蛛網(而且是由東京宮裡的各種蜘蛛所編織),還能傾聽到東京宮裡蛛蜘美妙聲音與看到眾多有關蜘蛛之軼事。這是蜘蛛達人阿根廷藝術家Tomas Saraceno的傑作。藉蜘蛛網來闡述人類存在之相互關係和人與自然生存與共且息息相關,從蜘蛛或蜘蛛網的啟示中,也隱約的告訴世界就如康丁斯基所說:「當人類文化發展產生了危機時,必須重回到自然,重新向大自然學習」。

Tomas Saraceno1973年出生於阿根廷San MigueldeTucumán一個科學背景的家庭,是位旅居德國的阿根廷當代藝術家,曾參與美國國家航空航天局的計劃。以其蜘蛛編織的壯觀網絡而聞名,其思維與創作方式接近烏托邦,總是在超乎想像不可能下建構其作品,他的作品是對自然的真正讚美,在學科的十字路口,融合了詩意的形式,建築的維度和科學的結構。他的反思主要集中在城市生活方式以及如何以不同方式看待未來美麗的新世界。他布宜諾斯艾利斯國家美術學院獲得建築學碩士學位後,繼續到歐洲深造,進法蘭克福Städelschule習藝,然後繼續至威尼斯IUAV深造藝術和建築。2007年以Poetic Cosmos Of The Breath1等壯觀的裝置肯定其創作,2009年參予第53屆威尼斯雙年展,在2015年COP21之際,他展示對環境願景的Aerocene大作。他與藝術家Olafur Eliasson 是當今環境藝術的主要代表靈魂人物,整個藝術創作跨界融合建築、科學、自然科學及環境空間探討,建立在自然生態學,展示環保意識,創新及創意於全球運動願景上。

「On air」展就像一個運動生態系統,在人類、生物(蜘蛛)與自然間(空氣、風、陽光、宇宙灰燼及石頭等等)進行多種科學的勘探編排,在自然及科學、人類及非人類、生命及非生命、詩意及想像間,從作品中揭示了相互依存的大一統世界,脆弱和短暫的節奏和軌跡,將這些世界聯合起來。 這展建立歸功於眾多的這些存在,生命的與無生命的,闡述宇宙生存與共的自然生態。

他的創作分為兩大主軸:戲劇性的「蜘蛛」及「蜘蛛網」,意圖透過蜘蛛網向大自然學習及想像生存與共的合諧世界。與「Aerocene」想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。詩意地重新思考我們居住的這個世界, 並重新評估我們作為人類的方式。

「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘的啟示::
入場一件同深咖啡色擴音器陳列平台上「事件的視野」:你聽過蜘蛛顫動的聲音嗎?這真是個宇宙事件,其振動是現場轉錄的,靜謐的人才能傾聽到一 隻棲息在東京宮地下室的holocnemus pluchei蜘蛛所發出振動聲音,通過想像人們可能會感覺到牠們的存在並與之對話之可能。這作品揭示了其他物種的感知範圍,宇宙網中其他物種的敏感性,我們都是其中的一部分。

大展場「at-tentsion」一片漆黑的空間中佈滿大大小小混合動力76座蜘蛛網,雕刻或是現成物呢?這些美麗又自然的星座般網絡由東京宮裡各種不同種類蜘蛛所編織,多元型態的網絡,往四面八方的空間伸延建構,整體形構成一座漂浮美麗又神秘的風景。網絡成為其感官世界相遇的地方,感覺的延伸,棲息空間,敏銳的聽覺,發送和接收振動 -也許是想法,一種讓牠與世界聯繫的方式。此展中這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。據說五百多隻蜘蛛棲息在東京宮裡,這些星座網絡邀請我們反思我們與牠們的共存。

接著「空氣的聲音」輕巧詩意的空間裝置作品,是一種樂器,由5細長輕柔的細線組成,在空氣中漂浮和共鳴。在一系列力量和條件,改變空間及其動態:經由溫度變化引起的隱形運動,或是觀眾的呼吸所引發。通過將振動轉換為聲音頻率,這種裝置使我們能夠聽到空氣的聲音。

藝術家如是說:「看著蜘蛛,我意識到我是一個不斷發展的生態系統之一部分。…..讓我質疑人類如何在自然中找到自己的位置,與其他生物生存與共,而不是處於統治地位。 在這個展覽中,我試圖分享,關注他人,放大一些通常聽不見的聲音,還是在 空氣中,那給看不見的顆粒。 對我來說,觀察,保存,揭露這些蜘蛛網,揭示它們的美麗,根據物種的形式的多樣性,是為了表明我們被令人難以置信的藝術作品所包圍!(註1)

此展中最戲劇性的「algo-rhiythms」讓觀眾陷入一個超大的蜘蛛網,是由眾多琴弦線幾何形式空間建構,其形式來自蜘蛛網的聯想及幾何方形式的延伸擴展,是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置,這種結構改變了我們對自然現象的觀點。這別開生面的作品邀請觀眾們即興參加音樂演出,手指輕輕地在琴弦上撥彈,每條都會發出不同音調音階,並匹配他們周圍的節奏,每條線有不同頻率產生其共鳴,有些是聽得見的,有些聽起來像是振動。次聲放大器將地面變成巨大的外殼,躺在地上,我們的身體變成了一種寬廣的海灘,振動膜將我們的注意力轉移到其他感知模式。即興創作並成為意外網絡際遇。

空氣的勘探與「Aerocene」一個全新世的時代挑戰:
整個展覽就像一個整體,揭示了空氣中的實體的強度以及它們影響我們的方式:從二氧化碳(CO2)到宇宙塵埃,從基礎設施和無線電頻率到新的走廊, 空中機動性。 這些看不見的故事構成了我們所屬的本質,它邀請我們詩意地重新思考我們如何居住在這個世界 – 並重新評估我們作為人類的方式。(註2)

空氣是藝術家Tomas Saraceno最睿智最迷惑人的勘探主體,這些看不見的物質構成了地球存所有存在生靈所屬的本質,也是人類後工業時代未來存活的新元素與挑戰的課題。地下室展廳「覺察的事件」《particular matters Jam session 》是一件科學實驗勘探空氣的複雜裝置系列,試圖捕捉永久性攪動的空氣物質,我們如何怎麼能聽到漂浮粒子的運動呢?以一束光照亮家庭、地面、宇宙用空氣顆粒,藉由攝像機實時記錄他們的位置和速度,然後,這些數據在不同的音樂中被傳播在展覽空間中的一系列音箱中。這裡建構組合網上蜘蛛的震動,及直播來自地中海底的海豚聲,還有現場觀眾們走動呼吸混和的空氣。它讓我們將世界視為一個複雜的物質組合,人類與之密不可分。

別開生面的「空氣狀況圖表」牆面一大系列各式各樣蜘蛛網鉛筆素描,空間中漂浮輕巧透明塑膠氣球,線下綁著一隻鉛筆,隨著空氣的流動書寫記錄空氣圖表狀態。這裡測試不同的方式,人類,非人類和風的運動影響他們周圍的空氣。因氣球隨著自然及人的活動條件漂浮,自然所繪畫出跟踪航空圖的空氣的狀態,明顯的,整體這些航空圖表是如此多的符蹤和圖象特徵形成了一個全新世的時代。

「Aerocene的開發」是一件能漂浮沖空中而不需任何燃燒化石、氦氣或氫氣燃料的物體。它配備了幾個能夠測量溫度,濕度和氣壓質量的傳感器。它是一個以連續,開放和集體的方式建造的物體,一種詩意的工具,可以想像一個沒有化石能量的新時代。

「熱力學的想像力」(大小氣球與微妙光線投影之空間裝置):一片漆黑讓人如置宇宙星空,漂浮著幾大小黑球體行星,周邊陳列系列幾何形式的物體,牆面上投影出圓形球體與觀眾的身影,在壯麗永恆幻變的光與影景觀中。觀眾在行星形態的陰影中目睹了一連串的日食,宛如置身於宇宙中。喚起了熱力學原理,熱力學是研究熱能和能量的物理學的一個支。在這空間裝置裡,提醒觀眾們地球與太陽之間的聯繫依賴其元素與其影響之間生存與共的互惠關係。

「Aerocene」是一個國際化的多學科社區,想像著無邊界,沒有化石能量的新存在方式,這個空間是經由工作室及參與活動,推廣自已或集體動手的實踐,這些工作室提出了一個基本問題,在後化石能量裡我們呼吸的感覺如何?

在這工業掠奪性開採地球資源枯竭時代裡,威脅到整個生存與共的地球自然生態環境,「Aerocene」是藝術家Tomás Saraceno所發起的國際開源項目之運動,是一個跨學科的藝術項目旨在復興的共同想像與大氣和環境倫理的工作,邀請觀眾集體參與調協活動。

響應人類世界,提出了描述我們時代中空前絕後所面臨的挑戰,並開始檢討人類活動對地球生態系統的全球性的影響,他想像著地球歷史上的一個新時代,生態意識,道德和環境政策成為主要的社會價值觀。從這個新的歷史時代開始,Aerocene提供新的運動和感覺形式,與太陽能,風能和紅外輻射相協調。這就是為什麼不使用太陽能電池板和電池,沒有氦氣,氫氣或其他稀有氣體的情況下,Aerocene Explorer雕塑浮動而不燃燒化石燃料。從這個意義上說,他們遵循我們星球和它最近的恆星的最基本能量運動,處使公民主導的環境研究成為可能, 以及空中機動性的新理由。(註3)

註1:Telerame Stephane Renault 16/10/2018。
註2:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註3:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註-全文參照展覽新聞稿。

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