Archive

Archives pour la catégorie ‘藝術 Art’

謎樣的記憶-從敘事軌跡探視「艋舺」主題展:

P1590390 前-侯怡亭 -所有小姐 2016 後- Fabien Lerat Bangka house 艋舺之屋 2016

前-侯怡亭 -所有小姐 2016 後- Fabien Lerat Bangka house 艋舺之屋 2016 物體空間裝置

P1590394 廉中浩 Yum Joongho 韓國藝術家 艋舺-日常陌生人 2016

韓國藝術家 Yum Joongho 艋舺-日常陌生人 2016 相片

P1590395 程人珮 應許之地 2016

程人珮 應許之地 2016 糖餅及物體空間裝置

P1590403 Robin Detje - Elisa Duca 過程-艋舺 2016 在地展演創作

Robin Detje – Elisa Duca 過程-艋舺 局部 2016 在地參與展演創作

P1590408 林正偉 地板 2016 物體 相片 空間裝置

林正偉 地板 局部 2016 物體 相片 空間裝置

P1590409-2 Duncan Mountford 歌手 2016 物體空間裝置

英國藝術家 Duncan Mountford 歌手 2016 物體空間裝置

P1590413 Duncan Mountford 歌手 2016 物體空間裝置

英國藝術家 Duncan Mountford 歌手 局部 2016 物體空間裝置

P1590419 丁昶文 剩餘系譜 2016

丁昶文 剩餘系譜 2016 石膏及紙漿霓虹燈管 空間裝置

P1590427 鄭亭亭 無法播音 2016 空間物質裝置

鄭亭亭 無法播音 2016 空間物質裝置

P1590428 鄭亭亭 無法播音 2016 空間物質裝置

鄭亭亭 無法播音 局部 2016 空間物質裝置

圖文/陳奇相

策展人:王俊琪
展出時間:12月22日至12月30日
展出地點:萬華剝皮寮歷史街區

前言:

台灣當前新秀藝術創作的兩種趨勢:一窩蜂的小故事大敘述的繪畫,在各種夢幻具象或寫實繪畫風格下,似乎是受到台灣市場機制的引誘,軟弱無力的表現,內涵淺顯,文學性、敘述性及故事性,缺乏視覺活力、新鮮度及冒險性。其次在當前藝術的主流意識下,多元觀點的窺探藝術之可能性,擅長駕馭多媒介,多樣性的展現:物體-雕刻、物體、錄像、攝影、影音及展演,互動及參與性的環境空間裝置,具有一股青春活力及創造能量,充滿想像空間,傾向於行為與態度及觀念性,在社會、政治、人文、歷史、人類學及考古學下,探觸未知的領域並示現時代精神。參與謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」展的藝術家們屬於後者,於全球在地的文化自覺意識下,意圖擴展他們的藝術探討。

從「艋舺」到「萬華」的歷史及時代變遷:

在這不重視自已歷史、不重視古蹟及人文藝術地方的台灣,如何從遙遠的歷史記憶中
,起死回魂的透過文史資料、田野調查及民間故事、歷史文物、建築及影音作為創作文本,勘探及想像探究一個古老都會之可能性?恩賜後現代及全球化,區域主體意識之抬頭與身分認同及土地之覺醒,以在地都會為題的專題展也順應而生,這也對應當下全球化的意識,更是在地文化自覺行動的實踐。這謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」展覽則鎖定台北都會裡的「艋舺」,於在地特定文化歷史時空架構下,透過藝術的想像力在溫故而知新下,意圖發現過去窺見未來。

謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」是一個以都會為名的主題探究展,大家都知一府二鹿三艋舺,「艋舺」是台北市的發源地,當時平埔族人以獨木舟自淡水河上游載運蕃薯等農產品與漢人交易,時稱蕃薯市,河岸成為商聚之地,進行各式各樣的手工業與商業活動,形構繁榮的商業區域,是台灣到十九世紀中葉商聚的重鎮,北部以茶葉、糖及樟腦的外銷(茶、糖、樟腦是從荷蘭時代至日本時代,台灣對外貿易的三張王牌),台灣的重心才開始北移,「一府二鹿三艋舺」的出現,讓台北與台南並駕齊驅,1875年設台北府。「Bangka 」是凱達格蘭語,獨木舟之意,後來被閩南語轉稱「艋舺」有船之意。1920年日本人改制行政區域,將台北廳原本直轄的艋舺、大稻埕、大龍峒三區,改設為台北市,隸屬於台北州,因台語發音的「艋舺」,與佛典中日語發音「萬華」(Banka)相似,「艋舺」因此被當時日本政府易字為「萬華」,今日台語猶稱其「艋舺」,且在地人的定義認為「艋舺」並不等於「萬華區」。艋舺與大稻埕間曾是台北府經貿繁茂區域,是台北盆地裡第二大的中國移民地,並歷經歷史不同時期殖民統治,如今隨著時間的變遷及商業區域更替而慢慢黯然失色。

艋舺區近三百年的開墾仍是歷史貯藏之所,歷經移民開墾及殖民其早期生活習俗和形式堆積重疊在此沉澱與延續,整區以龍山寺(建於1738年)為核心,是台北市最古老的寺廟,是艋舺人的信仰中心,更是台灣人精神的依歸。祂一直都是政治及抗爭的據點,早在1895年甲午戰爭後清國將台灣割讓給日本時,五月二十三日由陳季同起草成立「台灣民主獨立宣言」,並公推唐景崧為台灣民主國大總統。兩天後,地方士紳持藍地黃虎台灣旗,環繞剝皮寮龍山寺街道遊行。國民政府戒嚴時代台北市的選舉都環繞龍山寺作為政治活動與抗衡外來殖民政權的據點。當地居民透過示威,成功的保衛重要歷史古蹟免於被拆毀的命運等,如今成為經濟弱勢者都會遊民的避難所。

艋舺-公共空間及想像力:

謎樣的記憶:從敘事軌跡探視艋舺專題展,是台灣策展新銳王俊琪所策畫,計畫性地針對「艋舺」這場域空間位置出發的展覽論述,試圖以研究計畫的形式開展。促使藝術家針對萬華艋舺都會變遷歷史遺跡的問題探尋及想像,涉及像是探究地方史及社會與環境演變等議題,每位藝術家意圖從古老都會的蜘絲馬跡中挖掘被遺忘的斷章殘片,宛若地質學家的採樣或是考古學家的考古,藉由考證與想像從中自由歷史書寫,溫故而知新,擴展古老都會場域的藝術視野。

在地藝術家及外地藝術家,似乎對艋舺區域或多或少的陌生,都先從歷史資料著手,他們以萬華火車站為中心,於其濃縮了幾世代的痕跡之舊街區商圈的特定地點四周上,深入歷史環節場域中作一番深入的田野調查,勘探地表介面挖掘歷史記憶和敘事,班雅明(W.Benjarmin)在其柏林專文中,將記憶描繪成探索過往劇場的工具,「試圖探求其被埋藏的過往的人,必須採取猶如挖掘者的姿態…因為物質本身僅是一番沉澱、一個地層,唯有最仔細的檢視才能發掘構成其藏在地底的真正寶藏的東西-也就是影像,它們和所有先前的關聯切割開來,並像 一個收藏家展示管裡的珍貴碎片或不完整的人體雕像般,存在於我們後來理解的平凡房室中」(註1)。

「艋舺」展的全球在地與在地全球:

這主題展在當今廣州街與康定街轉角處艋舺舊聚落『剝皮寮』展出,身在這歷史舊街區展現「艋舺」自有其主體的意義存在。透過策展人梳理出的論述概念,及藝術家以「艋舺」為創作文本,潛入在地的民間生活與宏觀環境的觀察、田野調查與歷史跡象的微觀勘探下,透過藝術的多元面向及多樣性的記憶探觸,交織不同形式的文化文本,藉由環境空間與展演,呈現艋舺歷史的共時性,意圖召喚歷史情境及蕩漾的記憶空間,帶引觀眾經歷一段歷史時空之旅。在這全球化下自由書寫關於這塊土地上的殖民
、資本主義、後殖民以及相關的社會情境想像。

在全球化的大視野下參展藝術家與團隊共10組參與,是當今中外中青輩活躍於國際藝壇的藝術家們,台灣當代藝術新秀:有侯怡亭、丁昶文、程仁珮、林正偉、鄭亭亭 (年齡都在33歲左右)。一位韓國藝術家Joongho Yum、一位日本藝術家Chihiro Minato、一組bosediva德國團組(Elisa Duca)與 (Robin Detje)、一位法國藝術家Fabien Lerat、一位英國藝術家Duncan Mountford等。

在地年輕新秀對這塊土地之覺知與盛情都帶有濃厚的台灣主體性,多元探討各個面向的歷史,他們針對的議題都很罕見:如侯怡亭處理過去加工《女性勞動力》時過境遷的議題,程仁珮以歷史角度切入台灣製《糖》產業的興衰,鄭亭亭透過研究巴賽音檔追敘美麗島原住民人的身分與祖魂《原音》,林正偉以樓層地板及地表鬼魅聲陳來述過往的生活軼事及傳說,丁昶文處理物質與歷史的對話,於全球在地的情境中窺現一種罕見的文化自覺意識。

外地來的藝術家透過他們的覺知與想像力,意圖掌握在地的人事物屬性、徵象及軼事:韓國藝術家Joongho Yum對準都會邊緣建築殘跡中的情境風景,日本藝術家Chihiro
Minato以微觀鏡頭紀載都會舊牆及門窗之綠色黴菌和青苔,法國藝術家Fabien Lerat提出人與群體之社會關係,bosediva德國團組建構在生活,英國藝術家Duncan Mountford針對成衣製造業的歷史記憶及敘事,於在地全球情境下,共構一場在地文化場域的時空性。

十路人馬-各顯神通:

侯怡亭(出生1979) 展出一件圓柱形白布帷幕命題為「所有小姐」,原型來自「代工織場」計畫中的一件作品,白帷幕上刺繡著羅馬拼音的文夏「所有小姐」台語歌詞,邀請觀眾進行式參與性的過程作品 ,旁邊還有針及紅織線,藝術家邀請當地居民現場繼續刺繡。創作建構在台灣經濟起飛,城市快速發展促使女性勞動力的擴張,探究過去家庭即工廠或台灣加工區的代工年代情境。

法國藝術家Fabien Lerat(出生1960) 一件社會性的空間裝置,以鮮紅布及細紅支架騰空築建「艋舺之屋」,具有《家》之意象,在象徵主義和《穿透空》的概念上,家與流動的連接,指涉龍山寺對面的遊民之處境,「我想透過作品處理的還是,『我們是誰』,
『我們在何處』這樣的問題,在這脈絡下,艋舺遊民的問題的確是我關心的主題
」(註2),探究群體與人與人的關係,以及群體的概念。

韓國藝術家Joongho Yum展現「艋舺:日常的陌生人」非紀實攝影系列,以其敏銳的異樣眼光與這市井人事物的境遇,在日常細節或是被遺落中尋找發現這區域活活生生的存在痕跡,這系列都是都會邊緣建築殘跡中的情境風景,沒任何情緒暗喻著歷史跡象及不在現場的人之軌跡,抽象性且幽默與諷刺。

程仁珮(出生1983) 以《糖》餅之物體之空間裝置「應許之地」來談萬華的歷史,呼應台灣製糖產業歷史的重要性。艋舺過去曾是台灣北部原物料與糖重要的集散地。尤其1908 年台灣縱貫鐵路的完成也現代化了台灣製糖業後。她借由圓糖餅於空氣間的消融比重隱喻,詮釋歷史(政治、經濟及農業)製糖產業轉型層面,探討殖民與政策對於這種產業(從出口到進口)興衰的影響。

bosediva德國團組(Elisa Duca)與 (Robin Detje)來自於劇場跨造形藝術,創作融合藝術與生活,生活就成為藝術,「過程/艋舺」是件眾多大小無關所謂的東西或物體的裝置,將過程展演後遺留下來的物體作為身體境域,以一種不對勁擾人的感受,不怎協調的協調、亂中有序、神聖與世俗、衝突與矛盾的人事物流變情境,回應他們對艋舺當地狀況。「我們知道的一切界線在此都在流變、消失。而其他界線則以難以理解的方式
,在最意外的地方出現」。(註3 )

林正偉(出生1984) 「地板」是物件、相片及鋼珠動力掉落地板聲音裝置作品,召喚消失歷史的生活傳說及記憶,從建築物斷章殘壁下撿拾的樓層地板,依質地紋理,紀載歲月記憶,讓人穿梭時空境域回到過去。而那不寒而慄的空樓鬼魅的聲音,敲開台灣人的集體意識,仿彿回到兒時的民間傳說,找到屬於台灣人的共同記憶,和重探那一段文化美學的美好時光。

日本藝術家Chihiro Minato(出生1960)也是名策展人,在場域與情境中的「黴菌網絡:給池田敏雄的記憶花園」攝影系列,在微觀的鏡頭下專注殘留於老房室內的小東西,這些被遺忘的牆面和小物件都覆蓋灰燼或是綠色黴菌和青苔,作為紀念這位業餘民俗家池田敏雄作者,闡述都會時空境遷,進入時間皺褶中遙望過去的消失。

英國藝術家Duncan Mountford「歌手」以魔術師櫃子盛裝著各式各樣古老縫紉機,前
後有眾多圓透鏡裝置,透鏡聚焦讓人們觀看到縫紉機的片段,透鏡暗喻檢視與脈絡分離的物件,觀者必須隨身移動聚焦觀看,每個透鏡讓人有不同觀看位置與場景,從中意識到看的過程。這些古老的機器指涉該地區成衣製造業的歷史記憶及敘事,透過想像縫紉工廠機械運作聲響,彷如歌手激情高歌的情境,既詩意又魔幻。

丁昶文(出生1979)「剩餘系譜學」以白色剝皮碎片物體裝置,從剝皮寮(從前由福州進口的杉木都在這裡剝皮加工而得名)命名想像,聚焦於人們生活中對殘餘物回收利用的現象考察,連結在地時過境遷歷史的過去至今日,也就是當下龍山寺前遊民隨身攜帶的棉被及紙箱之想像,「這個計劃重新賦予物件在時間洪流之中的多重關係與現實位置」。(註4)

鄭亭亭(出生1985) 意圖找回美麗島巴賽族《原音》,以 (樂譜、相片、文字及黑膠唱片機)聲音裝置「無法播音」,取材於日本殖民統治時日本人類學家淺井惠倫在1936年建立的一個聲音當案其中的一段錄音,因向台灣大學人類博物館借巴賽語音檔被拒所以稱「無法播音」。她藉由語言作為身分認證,檢視不同文化中的溝通,藝術家只希望能過在攸關政治及殖民歷史之作品中,帶起不同類型的關注與討論。

策展人苦心經營與多元視野的論述:

這展是旅居德國柏林多年的台灣新秀策展人王俊琪所策,她遊走於歐洲有跨國文化經驗,策展經驗豐富,且具國際當代藝術的視野。這是一個落實在地的思考,具有在地全球與全球在地的面向與格局,很有質感、知識性及學術性的國際性主題展,三部曲(三區域)的展覽空間各有其場域情境,展出作品精準地依展場確立空間,作品多元多樣且有格局,加上一個明確論述是台灣罕見的好展覽,只可惜展覽時間太短。

這展覽雖經費短缺卻不為所困,設想周到,全面性的開展學術論述,進行式的展覽如侯怡亭「所有小姐」表演式的裝置展演,bosediva德國團組「過程-艋舺」觀眾參與式的行為過程展演創作。並邀請不同領域專家學者們:如國北師教授林志明和日本藝術家Chihiro Minato與談《文化城市》,國立高學大學創意設計及建築學系助理教授藝術家侯淑姿和侯怡亭與談《從身體圖像到勞動身體 》,實踐大學媒體傳達與設計助理教授沈伯丞和藝術家丁昶文與談《 關係場域-藝術與城市 》,藝評人資深策展人許文瑞與台大建築及城鄉研究所副教授康旻杰與談,針對台灣都會古蹟的保衛及維護抗爭的《叛民城市》,全面性的策畫開放性的邀請觀眾們的參予或與之對談。多元面向的探討台北都會古老社區「艋舺」隨著時代變遷的歷史及社會想像,透過專家學者們與藝術家們透過藝術與論述一起理清過去和眺望這塊土地的遠景。

還印製一本中英對照的「謎樣的記憶:從敘事軌跡探視『艋舺』」小冊作為參觀展覽的論述引導,裡面策展人還挺認真地訪談每位參展藝術家與團隊,針對他們在這展覽中所提出作品計畫的來龍去脈,還經常有批判性尖銳題問,向鄭亭亭《你的創作往往關於政治議題及殖民問題,這些都很貼近當下時代的議題。然而,創造某種政治地和批判的實踐,在一個如此善於收編和利用批評的體系中,是個令人灰心的,當代藝術具有甚麼能力,足以挑戰這種氣氛下的權力體系或思考模式?》(註5)。此外言簡意駭的介紹每參展藝術家與團隊主要探索,引導觀眾們能更能深入其境,是當今大型策展所無法項背,可見策展人的態度及精神。

註:1-Ron Honson 謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」展覽小冊 p9 2016-11 。
註2: 謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」展覽小冊 p44 2016-11。
註3: 謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」展覽小冊 p33 2016-11。
註4: 謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」展覽小冊 p29 2016-11。
註5: 謎樣的記憶:從敘事軌跡探視「艋舺」展覽小冊 p52 2016-11。

2017-02-10 於諸羅城

Categories: 藝術 Art Tags:

徐揚聰-日常物語-新物質美學:

001-%e5%8f%b0%e5%8d%97-%e5%8c%97%e9%96%80-%e7%83%8f%e8%85%b3%e7%97%85%e6%82%a3-1980-%e9%bb%91%e7%99%bd%e7%9b%b8%e7%89%87

台南 北門 烏腳病患 1980 黑白相片

002-%e8%a6%aa%e5%af%86%e9%97%9c%e4%bf%82-1985

獲選首屆「中華民國現代雕塑特展
」作品-「親密關係」 1985 木材

003-%e6%b2%92%e6%b0%b4%e7%9a%84%e6%97%a5%e5%ad%90-1988-%e6%b4%97%e6%89%8b%e5%8f%b0-%e6%9c%a8%e9%a0%ad-%e7%a3%81%e7%a3%9a-%e7%9b%b8%e7%89%87-%e7%a9%ba%e9%96%93%e8%a3%9d%e7%bd%ae

沒水的日子 1988 洗手台 木頭 磁磚 相片 空間裝置

006-%e7%99%bc%e5%85%89%e9%ab%94%e7%9a%84%e7%95%b6%e4%bb%a3%e9%9b%95%e5%88%bb%e7%89%a9%e9%ab%94-2007-%e7%b2%89%e6%a8%82%e7%94%ba%e6%88%b6%e5%a4%96%e7%a9%ba%e9%96%93%e8%a3%9d%e7%bd%ae

發光體的當代雕刻物體 2007 粉樂町戶外空間裝置

007-%e7%99%bc%e5%85%89%e9%ab%94%e7%9a%84%e7%95%b6%e4%bb%a3%e9%9b%95%e5%88%bb%e7%89%a9%e9%ab%94-2008

發光體的當代雕刻物體 2008 公共空間裝置

005-2-%e7%99%bc%e5%85%89%e9%ab%94%e7%9a%84%e7%95%b6%e4%bb%a3%e9%9b%95%e5%88%bb%e7%89%a9%e9%ab%94-%e7%95%b0%e4%b8%96%e7%95%8c-moca-2011

發光體的當代雕刻物體 異世界 MOCA 2011

009-%e7%99%bc%e5%85%89%e9%ab%94%e7%9a%84%e7%95%b6%e4%bb%a3%e9%9b%95%e5%88%bb%e7%89%a9%e9%ab%94-%e8%8a%b1%e9%9d%9e%e8%8a%b1-%e5%8f%b0%e5%8c%97%e5%a4%a7%e7%9b%b4-2014

發光體的當代雕刻物體 花非花 台北大直 2014

012-2-%e7%99%bc%e5%85%89%e9%ab%94%e7%9a%84%e9%9b%95%e5%88%bb%e7%9a%84%e5%86%8d%e5%89%b5%e4%bd%9c%e7%b3%bb%e5%88%972011

發光體的雕刻的再創作系列 2011 彩色相片

013-%e7%99%bc%e5%85%89%e9%ab%94%e7%9a%84%e9%9b%95%e5%88%bb%e7%9a%84%e5%86%8d%e5%89%b5%e4%bd%9c%e7%b3%bb%e5%88%972011

發光體的雕刻的再創作系列 2011 彩色相片

014-%e7%99%bc%e5%85%89%e9%ab%94%e7%9a%84%e9%9b%95%e5%88%bb%e7%9a%84%e5%86%8d%e5%89%b5%e4%bd%9c%e7%b3%bb%e5%88%97-2015

發光體的雕刻的再創作系列 2015 彩色相片

016-%e6%9c%89%e4%b8%80%e5%a4%a9%e6%82%a8%e6%9c%83%e8%80%81-2015

有一天您會老 2015 塑膠片及燈光

p1480952

遙望天際- 徐揚聰 2016-02-21

圖文/陳奇相

「人生到處都有意外的風景」

前言:

藝術來自於生活,生活造化藝術,生活與藝術密不可分,徐揚聰的藝術創作源泉還自於生活,生活孕育藝術的因子,從日常生活物件中找出存在的意識及覺知,並從中窺見所有創作之可能性,以其敏銳的感知與想像,藉由手藝的巧思造化,發展出有別於傳統材料的應用與形式,另闢新徑,介入社會凸顯其所處的當代性,示現他日常生活的批判態度與現代性的日常物語。

徐揚聰喜歡閒逛百貨公司、時尚設計精品店、五金材料店勝過美術館,他的創作是開放性的來自於百貨公司裡的突發異想,從與物件的交會中碰撞出靈思火花,遊走在藝術與不那麼藝術間,他的創作是材料的選擇、加工改造與製作。揚聰的創作來自偶然不經意的企圖,藉拆解日常物件重新拼錯組合建構(造型、色彩、亮度) 加上燈光勘探與實驗,找出創作的竅門,隨著當下的直覺及想像深入其境,意外的風光總特別迷人,他對於創作及存在認為:「人生到處都有意外的風景」。

人生到處都有意外的風景-徐揚聰:

徐揚聰(1953-2016年雲林斗南) 創作範疇遊走於設計、影像及雕塑,以介入社會審視眼光建構其意識
,是台灣唯一探究發光體雕刻的台灣中堅藝術家,注重手工藝的巧思,其別開生面絢爛塑膠素材所製造的發光雕刻物體,都涉足社會現場,及台灣的環境空間意識。揚聰從小手就很巧,不亦樂乎的愛上勞作、工藝及畫畫,國小二年級時,就將整本國語本內的插圖重新以紙畫一遍,並在家裡自已設計房子,從平面圖到立面模型建構,小四時自已動手以木板自製鉛筆盒。小學時就酷愛畫,喜好偷看高年級上美術課及作品展示,每天早上喜歡掃大庭院,只為了觀賞晨間露水在大掃把左一撇右一畫被橫掃過的痕跡,驚嘆那宏偉壯麗筆觸紋路,成為他小小心靈最初的美感經驗印記。很難想像,是甚麼力量驅使他如此能耐的行動呢?創作能力是與生俱來的嗎?每個人似乎都具有無限潛能,創作力來自於本能驅駛,這自證德國行為藝術家所說的「每個人都是藝術家」。

徐揚聰初中時繼續沉迷於繪畫,巧遇郭宏機(藝專美工科畢業)年輕美術老師的啟蒙,自釘寫生板,開始勤於寫生,成為學校的壁畫高手,接觸美術書籍,對藝術的憧憬。高中受水彩畫家陳誠的影響,開始畫起水彩畫,為了考美術系進入陳老師之畫室習藝。因郭老師是藝專畢業,每當有機會北上,經過板橋藝專時都許願有一天到此就讀。經過幾年的奮戰後,當完兵終於吊火車尾進入如願以償的藝專雕塑科。

徐揚聰進入夢寐以求的藝專時,思想已熟成,尤其當兵期間定期閱覽美術雜誌外,最喜歡看的讀物是所有廣告及設計的圖書與雜誌,增廣創作的視野也提供很多新觀念,點開他的竅門,喚醒他的敏銳度與意識,也深深影響他的學習、觀察及創作,偏好從日常生活中尋思與正視現實世界,這時期就肯定他的日常生活物語。藝專期間他積極的學習及摸索,這階段以現成物簡單演練建構的言簡意駭廣告式語彙,如:金色圖釘排列及一顆釘有圖釘的柳橙-「篳路藍履」(1978) ,示意年輕人的心境路程。同年中華民國退出聯合國與中美斷交,他有感而發,也創作了一件介入社會的「看看你自已」作品:以他收集剪貼眾多有關這斷交的新聞報章(圖片及文字),在大桌面上呈現台灣島嶼地圖,海洋貼滿(抗議、憤怒、不滿、悲歎)的文字,島嶼則鋪滿圖片影像,並在首都台北擺一後座鏡,提示看看你自已,看看我們的國家,很觀念性的表達他對台灣前景及事件的省思,示現威權下台灣人無賴的集體意識。

隔年創作更完整更具張力與熟成,以綠塑膠管上裝水龍頭加上長短不一之黃色塑膠管,下面一個紅色塑膠水桶,人們不時聽到水從上面一滴滴滴下來的聲音-「水來了嗎?」,闡述當年台灣的乾旱情境。藝專畢業展的代表作「台北的天空」(1979):在一幅沾滿塵埃的大台北地圖桌面上插著一支北市的多面公車站牌,指涉大都會混亂交通與空汙環境,現成物的解構組合建構,完全脫離傳統雕塑的範籌,以大型物體環境空間裝置創作,足以窺見他早熟的「當代性」。

徐揚聰從藝專時代就開始拍照,至於攝影是從天上掉下來的禮物,有一天他父親中了愛國獎卷,向父親要了一台高檔相機,開始展開影像摸索,勤於拍照,很快就著迷,甚至於愛上攝影,難分難捨。與台灣名攝影家阮義忠學暗房,和攝影愛好者們籌備一間簡落的暗房,玩起沖洗黑白相片,大夥經常互相討論攝影技術與影像藝術,幾年後鍛鍊出一身攝影的功夫。藝專畢業後與班同學攝影愛好者楊明忠,於畢業展時,另辦雙人攝影展,作為告別藝專的禮物。

人生到處都有意外的風景,沒想到雙人攝影展在遠東百貨公司舉辦,被遠東企劃部發現,1979年一畢業就進入遠東百貨附屬的《消費時代》雜誌從事封面設計與攝影工作,在他獨特眼光以拆解物件的符號元素,本著現代主義的對比手法重組符旨,強化言簡意駭的攝影語彙,如引人注目的「包裝設計專輯
」,運用金黃香蕉皮包覆著白色雞蛋,並以粉紅塑膠繩懸吊著,像拉下拉鍊似的露出雞蛋的「包裝」,在對比的軟硬媒介與色彩間,讓人遐想。另一強化冷熱物體的張力「家庭電器專號」,一台電熨斗陷入一個溶解中的冰塊中,戲劇性的視覺驚豔,展現強而有力的當代性。

三年後成為婦女雜誌特約攝影,白天專注於生計的應用攝影與設計,平時晚上藝術創作靈思湧現時,習慣性地以草圖作為紀錄,1985年在生命的轉角處嶄露頭角,從草圖中選出最得意的「親密關係」一作
,製造成作品,參與首屆「中華民國現代雕塑特展」競賽,新秀徐揚聰意外的與當時國際資歷的藝術家林壽宇與黎志文一起獲大獎,肯定其藝術創作,也標誌出他迥異於同儕的坎坷藝術之路。躍上台灣當代藝術舞台,隔年參予「前衛、裝置、空間」特展,1987年起每年參展「中華民國現代雕塑特展」,影像新銳展。1988年「時代與創新現代美術展」,1990年出國前獻給自已的雙重禮物,台北爵士攝影藝廊「走過人間」徐揚聰攝影個展,並由攝影家出版社出版他見證台灣這塊土地14年「走過人間」專輯攝影集。

嚮往義大利的設計、藝術及時尚, 1990年徐揚聰與夫人倆留學義大利,來到設計之都-米蘭,就讀米蘭藝術學院,擴展視野,繼續深化藝術及設計,勘探各式各樣的創作可能,從1991年骨頭衣架物體
,1992節奏性骨頭系列,1993-94年雙腳與物體的關係系列,1994-95現成物語物體的變奏曲到小人物與小鳥的結構系列,1996年流動性建築模型-穿透的空間勘探。終於1997年獲國立米蘭美院雕塑及米蘭名校Domus設計學院產品設計雙碩士學位,讓他今後的創作如虎添翼。畢業後返台,樂觀進取,以新生的創作能量,積極的投入設計與創作領域,1998年受邀成功大學校園雕塑展。2000年俆揚聰首次在臺北漢雅軒「帶著草坪去郊遊」個展,在詩意快活的情境下建構場域,啟開繽紛燦爛的日常生活物語,隨後啟開發光體雕刻創作天窗。

介入社會的現代雕刻:

揚聰八o年代只作了四件精簡有力的現代雕刻作品,採取廣告式言簡意駭的語彙,都以日常生活物件之現成物的拆解組合建構,黑白對比系列,寓意的闡述,採取介入社會之審視態度,暗喻生命存在意識。超現實感覺的「親密關係」(1985) :桌子和椅子本是分開而互相陪伴的個體,椅子暗喻「人」,桌子成為諧擬關係,將兩座黑椅子嵌進白桌面中形構一體,提示我們-人間不是黑白的可以更接(親)近點,闡述都會的疏離與冷漠,標題也暗喻了椅子是某種情侶關係的徵象物。同年「身不由己」 是一件黑白空間裝置的作品,地面一片白(粉)長方形,中央一座歪一邊白椅子,椅背上一件黑西裝外套,傾斜椅腳下畫出四條如影子的對角線。這裡椅子被人物化,以歪斜不穩指出個人或社會壓力,其情境暗喻世事經常讓人哭笑不得別無選擇的身不由已。

「要命的賭桌」(1987)是由六面方形黑灰白桌面所構成,充滿音樂性的節奏,以光滑白銅、大釘子及尖形木杵為支架。黑白桌面如賭桌上的六面股子,從白底一黑圈、黑中二黑、三尖杵、灰底四黑盤到五枝大釘子,宛若危機四伏陷阱般的場景,示意著要命的賭博,勸世論的藝術闡述生命政治議題。「沒水的日子」(1988)繼續深化十年前的「水來了嗎?」議題,這是揚聰最經典性的大作,意圖指涉的其實是當時台灣久旱不雨的社會性現實。地板上平鋪敲碎的磁磚,靠牆面以彎曲樹枝架構著潔白的洗手台,原洗手台上方的鏡子,則以一座白洗手台在一張乾枯而皸裂的土地上相片取代,影像呼應地板上敲碎的磁磚意旨,重言式的洗手台隱含於表意結構中的指涉關係,鏡子成為攝影,兩重隱喻-鏡子真實的映照現實,現實成為影像,沒水的日子示意著不是天災一定是人禍,再漂亮的洗手台,沒水也沒用,或我們沒缺水龍頭,缺的是水,暗喻著台灣解嚴前的微妙情境與氣圍。

走過人間的攝影集:

揚聰的人文攝影蘊藏著堅軔生命力,抓住當下感覺,很少是賞心悅目的,影像具有一種迷惑人的魅力及張力,那是來自於人性關懷的視界及介入社會的觀照。他拍攝的對象都遊走社會底層、深山及鄉間僻壤,深入都會被遺忘的角落。來自底層的藝術家本著同理心,捕捉社會各層的生活百態與記錄存在瞬間意識,如台南北門的烏腳病院、霧台的原住民、新化精神療養病院、抗議事件不斷的中正紀念堂、昔日公娼所在地的寶斗里、鄉野的畸零人、入殮、人間的葬禮或家人等等,敏銳地以鏡頭掌握預期可能發生的事件,他說:「正因為生活苦,給人的感受比較強烈,那裡蘊藏著生命力,使你想按下快門」。(註1)

攝影的本質是發現及記錄,藝術家說:「我很高興我會拍照,因為我很會發現」(註2),他的作品不只發現,那是一種集體從再現真實轉移到表現。「走過人間」是台灣普通生活的日常情境與場景,陰鬱、晦澀及疏離的照片示現當時的社會真實。誠如攝影家阮義忠為「走過人間」撰寫的序言所言,「他的攝影作品,有一股特殊的魅力,乍看稍嫌零散,然而卻有一種不定型的結構感。使他感到強烈興趣的,並不是事件、人物組合的完美無缺,情緒高潮點的那種畫面」(註3) 。顯然,他以攝影方式體現他對社會的文人關懷,與人間煉獄的觀照,意圖重新找回人的價值,發現人與生活本身才是創作的根源對象,也見證台灣解嚴前的社會氣場及存在意識。揚聰的攝影想凸顯卻只是過程:「展出作品只是在影象與觀賞者間做一種溝通,對我來說並無多大意義。因為,結果只是一種交代,過程才是真正的作品」(註4)。

日常生活物語:

揚聰對義大利當代藝術及設計的一番認知及體悟後,以隨興自在的創作心態,深化他個人的藝術創作。從旅居米蘭時就開始勘探日常生活的中的器物,並化為創作組合零件,加以微調、變造、解構處裡,再造現成物語彙之可能性。揚聰留學歸國後漢雅軒首次個展「帶著草坪去郊遊」(2000年),作品都來自於米蘭期間的實驗,混合參雜雕刻及設計意味的造型語彙:腳踏車後座運載著一疊方型塑膠草坪,上面四隻鋁鑄小(鳥)麻雀,詩情畫意示現主題意象。如「街燈」鳥兒們整齊地站在一座T型木作街燈架上
,鳥喙啣著一根連通燈泡的銅線,而燈泡仍在發亮,這是一幅令人莞爾的景象。系列站在牆面居高腑下的「小人物」,闡述當代人面對未來之茫然心境。溫馨的「角落」則是一盞小燈照耀著一隻落單的小鳥,與整串的「小鳥」聚集在一起成對比,指涉當代都會個人及集體意識,這是藝術家底層視角的生命寫照嗎?在小故事大敘述中帶著濃厚的社會人文關懷,於情境構設中,窺探物質新美學。

新物質美學-發光體的當代雕刻物體:

光鮮亮麗發光體雕刻是徐揚聰最熟成獨秀的作品,在有機抽象的自然形態下,具強烈的當代性,突破傳統雕術的範疇,獨特的「光」為雕刻添加一種非凡的體積、格局及氣圍。有關發光體他從藝專時代就開始使用,1999年再次以(LED)燈光設計方式出現,三年後在五彩繽紛的洗菜藍上找出創作的竅門,翻轉創作的意外風光,透過拆解這些廉價的塑膠籃,浸淫於材料中的剪裁、拼接、組合及建構,隨著當下的直覺及想像模擬著各種生物體樣態的發光體,形構成異樣世界生物的奇幻感。絢爛的發光雕刻物體宛若巨大的燈籠,每當華燈初上時,所有傳統雕刻都沉睡時,揚聰的發光體雕刻卻獨秀黑夜中,形構迷惑人的情境,環境空間成為浪漫詩意的場域,與星空和都會情話綿綿地對話。於後結構式的空間裝置,運用彩色鮮豔的塑膠物,打造出有如萬花筒般繽紛色彩的舞台場景,試圖營造出「一種被期待或正在等待勾引的氣圍,一種有利於心靈互動、信息對話的場域」(註5)。其創作在設計及雕刻、 素材及造型、光及氣圍、感知及想像、生活及藝術間。

他創作如是說:「不經意而有企圖」的創作心態,是近年來個人與作品之間一到有趣的感應線。透過簡單的工具和繁複的手工,在工作室裡鴨子划水般的閉門煉丹。藉由日常塑膠用品,基於「釋放現成品或半現成品的美感基因」,解構,重組成為新的立體造型物,並藉由內裝燈灯光的運用,傳遞出在功能化的新物質美學。(註6)

發光體的雕刻的再創作系列(2011-16):

從義大利返台後創作概念裡有新的突破,2000年在漢雅軒個展命題「帶著草坪去郊遊」,「郊遊」啟動一種流動性創作型態,這種型態來自於作品的組構與空間意識,隨著空間場域(裝置)而改變作品的表現形態,參與環境活化雕刻語彙,更進一步來到再創作的勘探嘗試。2011年在台北貝瑪畫廊個展命題「狗狗當家 當主人帶著大石塊去旅行」,從作品的外出郊遊到旅行,而且是帶著狗狗出去郊遊或運載著大石塊去旅行。透過既有的發光體雕刻隨著景觀造化的再創作,將作品納入自然或人文環境景觀以相片紀錄呈現之系列:帶著大石塊環島旅行上山下海遊趟於都會及鄉間,田野、草原、森林及海灘等等,這系列可以光天化日拍,也可在華燈初上時拍,作品隨著景致、光線、白晝的氣圍展現不同的感覺風光,驗證揚聰所謂的「人生到處都有意外的風景」。

註1:林秀英 影像的背後-徐揚聰這個人 「走過人間」攝影集1990 攝影家出版社出版
註2:同上。
註3:阮義忠 出版緣起「走過人間」攝影集1990 攝影家出版社出版。。
註4:後記「走過人間」攝影集1990 攝影家出版社出版。
註5:基隆文化局出版 徐揚聰 海.光.雨展訊資料 2008。
註6:同上。

2016-12-14 諸羅城

Categories: 藝術 Art Tags:

徐揚聰-走過人間:

p1480842

揚聰-斗南工作室 2016-02-21

p1480843

揚聰-(斗南)生命及藝術煉金術的工作室 2016-02-21

p1480844

揚聰-(斗南)生命及藝術煉金術的工作室-地震的傑作-書架 2016-02-21

p1480845

繽紛燦爛的洗菜藍上找出創作的竅門

p1480846

將這推有的沒的日常素材化為藝術物語

p1480869

工作室到處有出其不意的創作竅門

p1480870

藝術似乎無所不在

p1480880

「光」是揚聰作品的靈魂及意識- 工作室裡的藝術家

p1480894

工作室裡的藝術家

p1480899-%e6%84%8f%e5%a4%96%e9%a2%a8%e6%99%af-%e7%b4%84-2001-2010

另一工作室 意外風景 約 2001-2010

p1480901-%e6%84%8f%e5%a4%96%e9%a2%a8%e6%99%af-%e7%b4%84-2001-2010

紀念碑形式的意外風景 約 2001-2010

p1480904

紀念碑形式的意外風景 約 2001-2010

p1480913-%e6%84%8f%e5%a4%96%e9%a2%a8%e6%99%af-%e7%b4%84-2001-2010

紀念碑形式的意外風景 約 2001-2010

p1480920

新物質美學的開創者-徐揚聰 2016-02-21

p1480921-1

在工作室前的揚聰 2016-02-21

圖文/陳奇相

揚聰瀟灑的人間走一回,宛若一顆閃亮的星劃過天際,英年早逝真令人婉惜。他是我在台灣藝術活動中所認識的傑出藝術家朋友之一,我們都曾在台北貝瑪畫廊個展過,那是我們藝術活動的空間,經常於開幕茶會及藝術講座中會晤,我們對藝術有共同理想及關懷這塊土地的人文藝術走向。今年初返巴黎前,我在嘉義參與一場當代藝術座談會時,令人驚喜地揚聰與貝瑪-蓮花意外出現在會場,從他乾枯瘦弱的身軀,方知他正在與生命搏鬥(化療),我很快就理會到,閣幾天就去斗南拜訪他,紀錄他的工作室並深入訪談,我們都在藝術裡高歌抒所懷,沒想到年底返台時他已離我們遠去。僅以他的攝影集的命題走過人間,遙望天際。在此藉文向我的藝術家朋友揚聰鞠躬懷思,安息吧!朋友。

Categories: 藝術 Art Tags:

2006年杜象獎入圍特展:

p1560712-4-barthelemy-toguo-vaincre-le-virus-2016

Bartheley Toguo 征服病毒 porcelaine haut 每座 200x 圓心 50cm 物體繪畫及裝置 2016

p1560714-4-barthelemy-toguo-vaincre-le-virus-porcelaine-haut-200x-diam-50cm-2016barthelemy-toguo-vaincre-le-virus-2016

Bartheley Toguo 征服病毒 物體繪畫及裝置 2016

p1560716-3-barthelemy-toguo-vaincre-le-virus-2016-installation

Bartheley Toguo 征服病毒 物體繪畫及裝置 2016

p1560718-yto-barrada-objets-indociles-supplement-a-la-vie-de-terese-riviere-2016-installation

Yto Barrada objets indociles (supplement a la vie de Terese Riviere的生活 ) 2016 installation

p1560719-yto-barrada-objets-indociles-supplement-a-la-vie-de-terese-riviere-2016-installation

Yto Barrada objets indociles (supplement a la vie de Terese Riviere的生活 ) 2016 installation

p1560721-yto-barrada-objets-indociles-supplement-a-la-vie-de-terese-riviere-2016-installation

Yto Barrada objets indociles (supplement a la vie de Terese Riviere的生活 ) 2016 installation

p1560729-2-ulla-von-brandenburg-it-has-a-golden-sun-and-an-elderly-grey-moon-2016-installation-et-video

Ulla Von Brandenburg it has a golden sun and an elderly grey moon 全景 2016 installation et video

p1560729-4-ulla-von-brandenburg-it-has-a-golden-sun-and-an-elderly-grey-moon-2016-installation-et-video

Ulla Von Brandenburg it has a golden sun and an elderly grey moon 局部 2016 installation et video

p1560730-ulla-von-brandenburg-it-has-a-golden-sun-and-an-elderly-grey-moon-2016-installation-et-video

Ulla Von Brandenburg it has a golden sun and an elderly grey moon 局部 2016 installation et video

p1560732-5-ulla-von-brandenburg-it-has-a-golden-sun-and-an-elderly-grey-moon-2016-film-super-16-mim-couleur-son-22-min-25-sec

Ulla Von Brandenburg it has a golden sun and an elderly grey moon 2016 film super-16 mim couleur son 22 min 25 sec

p1560734-2-kader-attia-reflechir-la-memoire-2016-installation-sculpture-objets-et-film

Kader Attia 記憶的思考 2016 installation sculpture objets

p1560738-kader-attia-l-nempreinte-de-l-autre-2016-papier-meche-installation

Kader Attia 記憶的思考 2016 installation sculpture objets

p1560745-2-kader-attia-reflechir-la-memoire-2016-video-hd-40-min

Kader Attia 記憶的思考 2016 installation video HD 40 min

p1560745-3-kader-attia-reflechir-la-memoire-2016-video-hd-40-min

Kader Attia 記憶的思考 2016 installation video HD 40 min

圖文/陳奇相

地點:龐畢度一樓南畫廊
展期:2016年10月12日至~2017年1月30日

杜象獎是法國當代藝術的指標,從2000年起為鼓舞法國當代藝術的創作所設的最高獎項及舞台,類似英國的泰納獎,如今(十六年)已成為法國的當代藝術體制。每年從法國藝壇(不一定是法國籍只要創作在法國)上入圍四名新秀。今年起由法國當代藝術國際發展協會主持,明顯地都是跨領域的藝術創作,入圍新秀首次在龐畢度中心登場亮相展出。他們大都在創作上都已別苗頭,甚至都已進入藝術體制或市場,今年入圍藝術家有Kader Attia、Yto Barrada、Ulla Von Brandenburg及Bartheley Toguo。

Kader Attia及Bartheley Toguo已小有名氣都以具足「明日之星」之姿態,每位以他們獨特的語彙及表現手法,在種精神發洩似的經驗面對當代人類學及政治問題,疾病似的作為一種社會病理和症狀,糾纏地提出四個難以想像的方案:Kader Attia提出族群或個人的集體意識的創傷,經由一些精神醫師及學者的協助,Yto Barrada選擇民族學家Therese Riviere悲慘生活勘探。Bartheley Toguo呈現非洲愛滋及伊波拉病毒的蹂躪情境,關注奠基於科學家們在科學和倫理學研究上,藝術家考慮到個人如同社會較寬廣轉化的點。展覽允許他們提問如同可能醫治社會的醫治者般。那Ulla Von Brandenburg提出一種儀式的感覺圍繞一個新社區的禮品經濟重建。(註-下面一段來自展場簡介)

Categories: 藝術 Art Tags:

Carl Andre -「Sculpture as place 1958-2010 」 回顧展:

p1570608

巴黎市立現代美術館 Carl Andre -「Sculpture as place 1958-2010 」 回顧展海報

p1570619-magnesium-magnesium-plain-ny-1969-36-element-64-tim-square-ny-1976-64-element

巴黎市立現代美術館 – Carl Andre -「Sculpture as place 1958-2010 」 回顧展現場場景

p1570609-4-carl-andre-lever-n-y-1966-brique-refractaire-137-elements

lever N Y 1966 brique refractaire 137 elements

p1570618-carl-andre-8005-monchengadbach-square-1968-acier-lamine-a-chaud-36-element

8005 monchengadbach square 1968 acier lamine a chaud 36 element

p1570616-carl-andre-magnesium-ribbon-anvers-1969-magnesium-1-bande-continu

magnesium ribbon Anvers 1969 magnesium -1 bande continu

p1570610-1995reconstruibrique-sillico-calcaire-8-rectangulaires-forme-120-element

1995(reconstrui)brique sillico-calcaire 8 rectangulaires forme 120 element 回顧展場景之一

p1570614-1995reconstruibrique-sillico-calcaire-8-rectangulaires-forme-120-element

1995(reconstrui)brique sillico-calcaire 8 rectangulaires forme 120 element 局部

p1570609-6-redan-n-y-1964detruite-n-y-1970reconstru-madrier-en-sapin-27-elements

redan N Y 1964(detruite) N Y 1970(reconstru) madrier en sapin 27 elements

p1570609-2-proposition-minneapolis-1971-bois

(proposition) Minneapolis 1971 bois

p1570620-carl-andre-neubruckwerk-dusseldif-1976-cedre-rouge-de-l-ouest-19-elements

neubruckwerk dusseldif 1976 cedre rouge de l ouest 19 elements

p1570622-carl-andre-neubruckwerk-dusseldif-1976-cedre-rouge-de-l-ouest-19-elements

neubruckwerk dusseldif 1976 cedre rouge de l ouest 19 elements

p1570624-carl-andre-1986-pierres-b-96-element

1986 pierres B 局部 96 element

p1570623-carl-andre-altozano-n-y-2002-aluminium-101-element

Altozano 局部 N Y 2002 aluminium 101 element

圖文/陳奇相

展出地點-巴黎市立現代藝術美術館
展出日期2016-10-18 至2017-21-2

「全部我所作的只是摒棄布朗庫西之無限的柱子」

Carl Andre

卡爾‧安德烈(Carl Andre,1935~)是美國極限藝術代表性的藝術家之一。1951至1953年於菲利浦學院求學,他在那兒與史提拉會面,畢業後旅居歐洲,注意到布朗庫西的作品及史前巨石建築,深受其影響,安德烈寫道:「……為什麼布朗庫西的作品和地面有重大的關連?因為無限延伸的柱子是這種經驗的極致,柱子深深根置於土地裡,無限地垂直。在它之前,雕刻有其限制。布朗庫西的雕刻垂直在路面範疇之外,它根置在土地裡。布朗庫西使用眾多素材,但這些並不是重點……重要的是他組合這些異質元素建構台座。我認為他工作有趣之處是這些令人興奮的物質台座」(註1)。除之是受到其友人史提拉決定性的影響,特別是那種謹嚴做藝術的態度(1959年安德烈在史提拉畫室裡工作,親眼看到史提拉黑色線條繪畫的誕生),他說:「史提拉是最後一任大師」(註2)。

安德烈從1959年開始組合建構物質,1959至1964年金字塔形式的〈雪松作品〉是他早期最具徵兆性的代表作,經由九十二公分規格化的方木柱,系統化組建成垂直與平行構造,可以無限垂直堆積來延伸組構,就像布朗庫西無限延伸的柱子般。1965年他個展中還繼續在垂直建構裡。之後他停止堆積那些素材,而採取依地點水平線的佈置,每件作品都依空間成形,地點與空間就成為極限藝術最具特徵的展現。

1966年起對「感知」甚感興趣,特別經由系列及反覆的現象來呈現,並直接使用「不用雕」的素材媒介,安德烈寫道:「如果要以素材切割,不如把它們直接拿來切割空間」(註3)。同年和勒威特、賈德、佛雷文、莫里斯等藝術家參與「基本結構」主題展,首次展現平行雕刻作品〈欄杆〉,由一三七塊規格化的耐火磚布置平行系列,完美地結合在地面上。安德烈解釋這件雕刻:「我什麼也沒作,只把布朗庫西無限延伸的柱子佈置在地面上而已。過去的雕刻眾多是普里阿波的(Priapique),也就是說堅挺的男人性器官。而在我的作品裡普里阿波是在地面上的……」(註4)。確實垂直是傳統性雕刻的感覺,今後雕刻的章程已經受嚴肅的考驗,尤其在極限藝術裡。同年個展中,安德烈展出八座平行布置的作品,每座都由一二○塊灰漿磚建構而成各式各樣排列組合形式,雕刻成為線性與面性。1967年其最具戲劇性的(Cuts)作品,以水泥磚布滿畫廊地面,並留下八個長方形的空洞(可以看到地面),成為「否定形式雕刻」形成一種文學性的空間及對照形式狀態。依據斯特茲密斯基及庫布羅說:「作品取決於總體時間及空間的節奏,安置那些部分的,全部的都等同它們相互間的關係」或是「沒有任何一點比在空間裡更為重要。另外體積核心的密度使其不可能性的聯繫空間。那『體積』占領雕刻的核心是一面銀幕……在體積之外,空間對我們是難以捉摸的」。接著「我們環繞雕刻移動,才發現隱藏在作品之後的空間。然而發現……。體積出現就像空間這兩部分人為的限制般」(註5)。

1969年作品〈Zinc-Lead Plain〉,是由各十八塊規格化鋅板和鉛板兩種顏色所組合建構在地面上,和同年古根漢美術館聯展中的〈37 Piece of Work〉作品一樣,都完美的結合地面宛若黑白色併列地板般的雕刻,戲劇性的空間確立整體一致性,反照物體,它不只是「看的」或「被領會的」,觀眾還可從作品上面走過,這是安德烈的意圖,他寫道:「各種素材具有眾多屬性,那是可能的行走在上面的感覺:使作品成為特別的,它們或光滑或粗糙。我同樣相信整體感覺之可能,令人滿意這成為個人的迷戀……」(註6)。安德烈常使用規格化工業素材,重新擴展傳統組合概念,朝向水平建構「雕刻如同延伸的空間」觀念就成為創作核心,探討展覽空間意識,和觀眾現實轉換相符合。那麼!他考慮這些元素的週期性分類就像「一種調色盤的類型」等同的作為雕刻「這些色調是繪畫……銅基本不同於鋁,是紅色及綠色」。安德烈說:「我順從素材的屬性,它們反映我性格的一些類型……我喜歡取決於我的素材屬性……」(註7)

七○年代裡安德烈針對運動、比例、地點、空間及素材的關係,作品不再確立一種內部體積,縮減在它最低限裡,保留雕刻在物體章程中。最引人矚目的是規格化的長方形木柱,組合建構各式各樣形式,他說:「他以一種最大的經營,達到最完美的效果」。1974年〈四節六角形〉,1977年〈Trabum〉則由九支松木柱建構一立面方形體。1978年〈Black Creek〉由五支木柱組建成幾何對稱形式。1979年〈Triskaidek〉,則由九十一支粗木柱從一至十三重疊建構,形式宛若樓梯。1980年〈Fallen Timbers〉,則由四十支木柱行行列列依間距分佈成形,都經由素材本身勾畫空間之輪廓,就這樣表達一種雕刻新觀點,引進移轉形式的觀賞和身體瀏覽之概念,使雕刻更加獨立。安德烈說:「我時常作出雕刻的一種類型,人們能夠在那兒進入,但它並不是建築物」(註8)。

八○年代安德烈繼續取決於素材的屬性,針對地點及空間確立作品位置,他說:「我察覺到我的裝置比我能實現的還更簡單,考慮一種素材及提供一個地點:比較審慎的我能夠獲取的」並強調「那些東西在它們的元素裡,並不在它們的關係中」(註9)。例如由木柱垂直建構的1981年(Furrow)及1985年依牆角垂直與平行經營的(Bloody Angle)作品,形成一種戲劇性的展現。地面上平行線建構的1983年作品則依牆角成形,〈Ledge〉則依牆面成形,「Fin」系列平行線豎立在地板上,隱喻無限延伸
,1985年的〈45th Travertine Integer〉從一至九塊的水泥磚建構等等。安德烈聲明強調:「那些東西在它們的元素裡,而不在它們的關係中」(註10)。「考慮雕刻具地點的功能,在那兒它存在著,並促使觀眾繞著它行,並廢除正面及台座,因為這些有礙作品融入環境空間」(註11)。綜觀他探討的是物質、形式、面性、線條、色彩、立體(體積)及空間,最重要的還確立他的雕刻就像一個地點,觀眾甚至於能夠走進去。

註1:Artforum 1966年10月 P15。
註2:Irving Sandler Le Triomphe de L Art Americain Les annee Soixant tome 2法國巴黎Carre出版社1990年出版 P280。
註3:同上P280。
註4:Artforum 1966年10月 P15。
註5:Artstudio Art Minimal N6 1987秋季刊 P64-66。
註6:Irving Sandler Le Triomphe de L Art Americain Les annee Soixant tome 2法國巴黎Carre出版社1990年出版 P282。
註7:同上P282。
註8:同上P282。
註9:參考龐畢度文化中心現代藝術美術館極限藝術導覽卡。
註10:Irving Sandler Le Triomphe de L Art Americain Les annee Soixant tome 2法國巴黎Carre出版社1990年出版 P282。
註11:同上P282。

Categories: 藝術 Art Tags:

Maurizio Cattelan 語不驚人-死不休「不怕愛」回顧展:

p1570636-maurizio-cattelan-2016-10-monnaie-de-paris

Maurizio Cattelan 巴黎錢幣博物館「不怕愛」個展海報

p1570636-2-maurizio-cattelan-lessico-familiare-19-7x15-2cm-1988-photographie-noir-et-blanc-cadre-en-argent

Maurizio Cattelan 示愛的作品 lessico familiare 19.7×15.2cm 1988 黑白相片金框

p1570638-4-maurizio-cattelan-novecento-196x192x55cm-1997-cheval-naturalise-sellerie-en-cuir-corde-poulie

novecento 196x192x55cm 1997 cheval naturalise sellerie en cuir corde poulie 馬-空間裝置

p1570644-2-4-maurizio-cattelan-novecento-196x192x55cm-1997-cheval-naturalise-sellerie-en-cuir-corde-poulie

novecento 196x192x55cm 1997 cheval naturalise sellerie en cuir corde poulie 馬-空間裝置

p1570646-maurizio-cattelan-sans-titre-240x140x70cm-2007-resine-de-silicone-cheveux-naturels-caisse-en-bois-tissu-d-emballage-vis

無題 240x140x70cm 2007 resine de silicone cheveux naturels caisse en bois tissu d emballage vis

p1570645-3-maurizio-cattelan-sans-titre-240x140x70cm-2007-resine-de-silicone-cheveux-naturels-caisse-en-bois-tissu-d-emballage-vis

無題 240x140x70cm 2007 resine de silicone cheveux naturels caisse en bois tissu d emballage vis

p1570648-4-2-maurizio-cattelan-sans-titre-80x85x56cm-2003-resine-polyester-cheveux-sythetiques-vetenents-chaussures-electronique-tambour

無題 80x85x56cm 2003 resine polyester cheveux sythetiques vetenents chaussures electronique tambour

p1570650-maurizio-cattelan-la-nona-ora-1999-polyester-resine-silicone-robber-pigment-natural-hair-fabric-clothes-props-stone-carpet-dimensions-variables

la nona Ora 1999 polyester resine silicone robber pigment natural hair fabric clothes props stone carpet dimensions variables

p1570661-maurizio-cattelan-sans-titregerard-82x66x97cm-1999-marnneque-en-plstique-vetements-chaussures

無題 (Gerard) 82x66x97cm 1999 marnneque en plstique vetements chaussures

p1570675-maurizio-cattelan-others-2011-pigeons-mini-me-45x20x23cm-1999-resins-gomme-cheveux-syntetiques-peinture-vetements

自傳式的作品 others 2011 pigeons -mini-me 45x20x23cm 1999 resins gomme cheveux syntetiques peinture vetements

p1570682-2-maurizio-cattelan-sans-titre-150x60x40cm-2001-resine-polyester-cire-pigments-cheveux-naturels-vetements

自傳式的作品 無題 150x60x40cm 2001 resine polyester .cire pigments cheveux naturels vetements

p1570733-maurizio-cattelan-charlie-don-t-surf-112x71x70cm-1997-mannequin-table-et-chaise-d-ecole-vetements-peinture-chaussures-crayons

Charlie Don t surf 112x71x70cm 1997 mannequin table et chaise d ecole vetements peinture.chaussures crayons

p1570735-maurizio-cattelan-charlie-don-t-surf-112x71x70cm-1997-mannequin-table-et-chaise-d-ecole-vetements-peinture-chaussures-crayons

Charlie Don t surf 局部 112x71x70cm 1997 mannequin table et chaise d ecole vetements peinture.chaussures crayons

p1570680-maurizio-cattelan-sans-titre-2007

Maurizio Cattelan最溫馨的作品 無題 2007

p1570700-maurizio-cattelan-all-2007-30x100x200cm-chacune-neuf-sculptures-en-marbre-de-carrare

all 2007 共九座 每座約 30x100x200cm 大理石

p1570705-maurizio-cattelan-we-68x148x78-7cm-2010-resine-polyester-polyrethane-peinture-cheveux-humains-vetements-bois

自傳式的作品 we 68x148x78.7cm 2010 resine polyester. polyrethane.peinture cheveux humains .vetements bois

p1570707-maurizio-cattelan-sans-titre-140x45x60cm-2000-resine-cire-polyester-pigment-cheveux-naturels-vetements

自傳式的作品 無題 140x45x60cm 2000 resine cire polyester. pigment cheveux naturels vetements

p1570688-maurizio-cattelan-sans-titre-300x170x80cm-2007-cheval-naturalise

無題 300x170x80cm 2007 馬-空間裝置

p1570687-3-maurizio-cattelan-sans-titre-300x170x80cm-2007-cheval-naturalise

無題 300x170x80cm 2007 馬-空間裝置

p1570708-3-maurizio-cattelan-sans-titre-140x45x60cm-2000-resine-cire-polyester-pigment-cheveux-naturels-vetements

前-雙重畫像 140x45x60cm 2000 resine cire polyester. pigment cheveux naturels vetements 後-無題 300x170x80cm 2007 馬-空間裝置

p1570713-2-maurizio-cattelan-him-101x41x53cm-2001-resine-polyester-cire-pigments-cheveux-humains-vetements

him 101x41x53cm 2001 resine polyester .cire pigments cheveux humains vetements

p1570714-maurizio-cattelan-him-101x41x53cm-2001-resine-polyester-cire-pigments-cheveux-humains-vetements

him 101x41x53cm 2001 resine polyester .cire pigments cheveux humains vetements

p1570717-maurizio-cattelan-him-101x41x53cm-2001-resine-polyester-cire-pigments-cheveux-humains-vetements

him 101x41x53cm 2001 resine polyester .cire pigments cheveux humains vetements

p1570718-maurizio-cattelan-him-101x41x53cm-2001-resine-polyester-cire-pigments-cheveux-humains-vetements

him 局部 101x41x53cm 2001 resine polyester .cire pigments cheveux humains vetements

p1570751-1-maurizio-cattelan-him-101x41x53cm-2001-resine-polyester-cire-pigments-cheveux-humains-vetements

Maurizio Cattelan 「不怕愛」個展 現場

p1570750-4-maurizio-cattelan-we-68x148x78-7cm-2010-resine-polyester-polyrethane-peinture-cheveux-humains-vetements-bois

Maurizio Cattelan 「不怕愛」個展 現場

p1570747-3-maurizio-cattelan-sans-titre-300x170x80cm-2007-cheval-naturalise

Maurizio Cattelan 「不怕愛」個展 現場

p1570745-3-maurizio-cattelan-all-2007-30x100x200cm-chacune-neuf-sculptures-en-marbre-de-carrare

Maurizio Cattelan 「不怕愛」個展 現場

p1570744-maurizio-cattelan-la-nona-ora-1999-polyester-resine-silicone-robber-pigment-natural-hair-fabric-clothes-props-stone-carpet-dimensions-variables

Maurizio Cattelan 「不怕愛」個展 現場

p1570743-maurizio-cattelan-charlie-don-t-surf-112x71x70cm-1997-mannequin-table-et-chaise-d-ecole-vetements-peinture-chaussures-crayons

Maurizio Cattelan 「不怕愛」個展 現場

p1570660-maurizio-cattelan-sans-titregerard-82x66x97cm-1999-marnneque-en-plstique-vetements-chaussures

Maurizio Cattelan 「不怕愛」個展 現場

圖文/陳奇相

地點:巴黎錢幣博物館
時間:2016-10至2017-08-01

Maurizio Cattelan(1960年出生) 是當今紅得發紫難以捉摸與最受爭議的義大利藝術家(當然他並不以藝術家自居) ,更是當今藝術市場的寵兒。其語不驚人-死不休之戲劇性語彙,帶有極盡挖苦嘲諷,充滿黑色幽默、戲謔與諷刺之豐富想像力的視覺震撼影像,與確立環境空間裝置著名。在來到藝術創作之前,他做過各式各樣的工作(如清潔工、太平間的工作人員、木工、花店店員等)後,擴展其存在視界及生活經驗,在製造木工家具中,品嘗到造型藝術的快感,Cattelon逮住這機會打開他新的藝術世界,踏入藝術創作這條路,以其非正統藝術學院局外人較充裕的宏觀立場,敏銳觀察、尖刻地批評當今世界,另眼旁觀的心態切入大眾議題:舉凡宗教、政治、文化、媒體現象等,顛覆社會俗成觀念、震撼人心及挑釁人們的感官與意識,正視人類存在的種種問題。

Maurizio Cattelan這次巴黎小型回顧展命題為「不怕愛 (Not afraid of love)」,這主題來自他千禧年的一件幽默的作品:將巨大的大象套上一塊白布,覆蓋著身軀,只露出象鼻及兩開眼睛,在現成物的挪用轉化下成為神秘的物體,「不怕愛」似乎指出一個希望的吶喊擁抱未知和對抗癱瘓人類的恐懼之情(困)境。確實宇宙存在的最大能量就是「愛」,在當今遽變的全球化裡,消費社會下,唯一用金錢買不到的就是「愛」。愛不是施捨,愛來自深層意識的人性自然表現,愛安撫人心及撫慰社會,不要怕愛,唯有「愛」的包容和開放能將人類帶往和平的世界。

藝術家說:「幽默是一種交流,可以超過羞怯的障礙的一種方式。它是一個煙霧信號允許傳達一個重要的信息,如果我是依字面表達實際上效果將會愻色,諷刺往往隱藏著一時的戲劇性」。「我們今天看到的藝術 是通過圖片和複製品。最後,定位一件作品並無關所謂,遲早那東西會在我們腦海裡變得有趣。我更感興趣的是心理意像與在回憶經由那些確立地點的作品」。(註)

註-參照巴黎錢幣博物館Maurizio Cattelan 「不怕愛」回顧展展覽小冊。

Categories: 藝術 Art Tags:

季勇-「咖啡小憩(Coffee Nap)」個展:

sleeper-017

咖啡小憩Coffee Nap系列之一 2015 相片

sleeper-034

咖啡小憩Coffee Nap系列之二 2015 相片

sleeper-031

咖啡小憩Coffee Nap系列之三 2015 相片

sleeper-001

咖啡小憩Coffee Nap系列之四 2015 相片

sleeper-035

咖啡小憩畫廊現場

p1580131

畫廊負責人劉躍籍藝術家季勇也在畫廊小憩

圖文/陳奇相

地點:台北靜慮畫廊
展期:2016.11.12-12.4

季勇(Guillaume Hebert)畢業於法國諾曼第Caen高等美院,是旅居台灣多年的法國年輕攝影藝術家。以一種法國人或西方人獨特的眼光及距離抒發其所處的異鄉氣質,掃描台灣日常生活之所見所知所感所觀,意圖以鏡頭捕捉台灣人社會生活情境與自然風光(海景及風景)的徵象,以攝影作為文化的觸媒探究,闡述其文化與視覺上的觀點。他的作品具有一股強烈的異樣及迷人的意象。他的影像不論形式、色彩、構圖都別具獨特的西方繪畫性之美感,還有一種後現代仿古攝影特質,這是經由後製的濾鏡般的顏色處理之結果,也藉此方式統一其形式及色澤,成為他詩性的攝影繪畫風貌。

咖啡小憩系列是季勇生活在台北都會咖啡館裡的所見所感,藝術家如是解釋說:「這些休眠人物畫像從2015年六月開始在台北,都是都會市井小民,他們在咖啡廳交流聊天、等待、閱讀或玩收機渡時間……。」,他接著又說:「疲憊的身軀,無法抵禦咖啡廳裡的催眠音樂,最後一顆顆的頭掉到桌面上,在鬆弛和惰性身體不再顧及環境」(註) 。 這系列沒有人頭像的畫像宛若日常劇場性展演出台北人的生活情境及藝術家的奇異都會風光。

趴在桌面上小憩對一位法國人而言簡直難以想像,在公共空間趴在桌面上睡午覺是不雅,甚至不文明之舉,那對台灣人根本就沒這問題,因為亞熱帶的氣候下,午飯後人們有小憩的習性,且這習慣是自小所養成,還記得中小學時,不趴在桌上睡午覺會被罰。當今尤其在咖啡廳還能享受冷氣,是放鬆身心小憩片刻的好時機,所以咖啡小憩並不足為奇。台灣人對公共空間及私人空間生活場域似乎是摸糊,這也是人們生活的常態,這在西方人眼裡將成為都會的異樣風光。

咖啡小憩系列,似乎都是年輕族群,示現台灣年輕學子們,面對學校課業壓力,加上填鴨式的教育,造成身心疲乏所致的昏沉腦障,吃就成為整個社會身心的解放出口吧。這些沒人頭像的畫像有點超幻,疲憊的身軀,軟巴巴趴在交叉雙臂上或是直接趴在桌面書上,在甜蜜的夢周公情境裡神遊。烏溜溜頭髮及五顏六色服飾外,前面靜物:一杯咖啡 (且依咖啡杯就可知在那家咖啡廳) 、一本書、講義、手機、眼鏡等等配件,充滿現代畫的色面結構,在具象及抽象間,想像及影射,夢幻及詩意間,反映了台北都會之社會情境,示現藝術家的內視文化語境。

來自Guillaume Hebert網站

Categories: 藝術 Art Tags:

Ben-「全部都是藝術」回顧展:

p1570092-ben-tout-est-art

Ben-「全部都是藝術」回顧展排仿

p1570121-3-ben-l-art-est-inutile-1967-huile-sur-bois

藝術是無用的 1967 油畫/木板

p1570120-1-ben-sculptures-objets-1958-62

宣揚「開放性的藝術作品」物體雕刻 1958-62

p1570128-3-gestes-et-actions-de-rue-1958-72

街頭藝術展演圖文資料 局部 1958-72

p1570128-4-gestes-et-actions-de-rue-1958-72

看我就過了街頭藝術錄像 1965年在尼斯

p1570129-1

Ben野野心勃勃的想要支配「世界」,1961年起用簽名的方式將所有東西佔為已有:「全部都屬於Ben的」

p1570129-6-ben-mon-urine-1962

義大利藝術家曼佐尼的大便罐頭的回響-Ben 的尿液 1962 物體及文字

p1570129-5-ben-le-temps-1961

簽上時間 1961 物體及文字

p1570129-2-ben-la-mort-1956-2015-installation

「死亡」 1956-2015 相片及圖文物體裝置

p1570187-ben-le-collectionneur-du-pauvre-1989-2015-installation

平庸的典藏系列 圖文及物體裝置 1989-2015

p1570188-4-ben-les-portraits-1980-2015-installation-2

幽默的畫像系列-物體圖畫 1980-2015 空間裝置

p1570196-2-ben-encore-un-objet-qui-se-prend-pour-de-l-art-1995

物體藝術系列 1995 物圖建構

p1570197-5-ben-les-ecritures-1958-2015

書寫大系列 局部 1958-2015 油畫/壓克力 -畫布 木板

沒有失敗的相片 1960-90 相片及圖文裝置

p1570224-ben-les-femmes-libres-2016

自由解放的女人新系列 局部 2016 相片.文字畫.陶

p1570230-ben-le-temps-1961-2015-installation

時間 1961-2015 物體及圖文畫 裝置

p1570235-ben-la-fin-approche-1993

接近結束的時刻 1993 物體及書寫圖畫

p1570239-ben-c-est-le-courage-qui-compte-1987-2015

唯有勇氣才算數系列 1987-2015 圖畫文字

p1570181-ben-lla-verite-est-un-mensange-2016-acrylique-sur-toile

Ben對當今社會政治的感悟-「真相是謊言」 2016 壓克力/畫布

圖文/陳奇相

地點:Maillol美術館。
時間:9月14日2016-元月15日2017。

Ben Vautier(1935年出生)是瑞士-法國人生活在蔚藍海岸-尼斯,是法國藝壇上最具挑釁及爭議性人物,總體藝術的藝術家,也是國際激浪派最激進份子之一,少數法國藝術家中最具國際性其中的一位,更是第二次世界大戰以後新達達主義裡,實踐杜象觀念最徹底的一位藝術家。早在50年代抽象繪畫藝術大風暴時,他以一種充滿幽默及嘲諷的作品反駁之。在新達達主義的反藝術的精神裡,Ben探討的並不是繪畫,而是行為態度,1957年他以平庸圖形作畫,他說:「我在抽象範疇裡所探討的一種形式它將是不需要畫的」(註1)這種急切重述的意願下証實作品及人的關係,試圖解除藝術與生活的範疇。1958年更極端的將他的嘔吐物吐在畫布上當作繪畫傑佳的媒介物,可想而之知,繪畫是什麼模樣?藝術該是什麼?Ben似乎比當時代的藝術家們更很清楚。同年Ben最具徵象性的文字書寫之出現,他並不像其他藝術家注重美學的運作,文字、句子及格言對他具有一種特殊意義的價值,常常是在幽默諷刺中傳達知性的建構、批判及觀念。Ben以文字聲明:「畫『之外』的理解都全部這些畫之外的才是藝術」(註2)。

Ben這種反常、挑撥及顛覆藝術與非藝術的行為態度,正吻合60年初在美國所形成的國際激浪運動的理念,其主持人馬吉那斯於1963年如此聲明:「清除死的藝術,模仿的,不自然的藝術,抽象的藝術,幻覺主義者的藝術,數學的藝術。推動活的藝術,反對的藝術,推動不是藝術的實在性讓所有人都能了解,並不是唯有這些藝評家們、藝術愛好者們及專家學者們才能了解的藝術」(註3)。Ben的藝術探討就是「激浪」精神的化身,很快就成為這運動積極的成員,並忠實於這運動的精神,Ben繼義大利藝術家曼佐尼的大便罐頭後,於1962年則將尿液裝在透明玻璃瓶裡,宛若果汁般的展現。同年在國際激浪運動的英國倫敦展演中,Ben最引人注目的展演是獨自關在One畫廊櫥窗裡生活十五天。

1963年Ben邀請國際激浪成員至尼斯展演,此次Ben則在尼斯車水馬龍的路尖上悠閒地睡覺及吃早餐等等。1964年的展演中,當著觀眾叫喊直到沒聲音為止。1965年與費里歐及布萊希特在尼斯近郊舉辦了一個「微笑的音符」展演。同年在第二屆「自由表現嘉年華會」中展演〈看我,這樣就過了〉作品,要求觀眾看藝術家之行動。1969年在一次的展演中,以頭撞擊牆壁直到頭破血流,都可看出Ben的極端行動。他終身宣揚鼓吹「開放性的藝術作品」,解除藝術與非藝術及藝術與日常生活之限制,Ben在全部都是藝術創作活動中,他掌握的包括素人藝術、前衛舊貨業、表演藝術、繪畫,也投入在這些標語的擬定裡:書寫的、格言的,時而強烈地諷刺或批判,時而牽連到他個人的幽默、他的質疑和他的不安。

如果說克萊茵和阿曼將「空的」及「實的」佔為已有,那麼Ben野野心勃勃的想要支配「世界」,1961年起用簽名的方式將所有東西佔為已有:「全部都屬於Ben的」、「Ben簽上地平線」、「Ben簽上上帝」,狂妄自大的藝術家,然後他自我嘲諷的說:「我就像小狗到處小便作為牠的領域記號般」(註4)。今後被簽上名的都成為藝術,這樣還不過爽,在後杜象的形式探討裡,1962年乾脆聲明:「全部都是藝術」「決對地任何東西都是藝術」,最後就成為「總體藝術」。如此從1958年至1973年完成的代表作「商店」就是這種觀念最徹底的展現,這商店是Ben維持生計的舊唱片行,更是生活與創作的傑佳地點,曾好幾年期間成為尼斯前衛的集合地點,當初Ben曾在這商店組織藝術會合與展演。這「商店」作品是由各式各樣的物體併揍裝配,貼著、釘著、捆綁著、畫的,都來自於消費社會廢棄的物體之接收:混合著物體、繪畫、書寫及塗鴉,五花八門,應有盡有宛若市集或雜貨店,並簽上班的大名佔為已有,授予一種自動任命權,這和杜象並沒兩樣。

同時還有眾多的黑白書寫畫大系列(白底寫黑字或黑底寫白字)的幽默風趣的文句或格言畫作,這些都允許人們能夠混亂的閱讀:「我全部簽名」、「藝術是自我」、「藝術是小丑」、「我在這裡」、「藝術是混亂」、「藝術,存在著」、「藝術是否有界線」、「藝術是無用的」、「新的時常是革命性的」、「沒有壞的審美觀」、「Ben懷疑一切」、「我要說的是真相,但我作出的卻是謊言」、「我等待戰爭」、「死亡是容易的」、「我感到孤獨」、「全部都是商品」、「我什麼也沒找到」、「我不喜歡藝術」、「那兒是新的」、「全部都是藝術」、「Ben,他微笑」、「什麼都買」、「怎麼知道這個洞是美的或是醜的,新的或是舊的呢」、「什麼是藝術」……等等,這確實是不巧的藝術,表達出「垃圾的光榮」,它是極端的及巴洛克的。或是較長的文章解釋他的藝術觀點:「新的並不是一種物質的品質規定客體性之範疇,然而是一種精神對照關係在於形式及過去整體形式之間。它是一種不同的驗證及結果:只有唯一一種本份,是有所差別的,那無論怎樣已經達到新的了」(註5)。在1973年Ben展出一系列173幅圖畫並不是沒有幽默,在藝術作品盡可能下定義的全部類型裡:「我畫一幅畫」、「繃緊的畫布」等等。那麼!他運用文字並不是一種簡單冷漠的過程及預先考慮,而是種本能地力量,這些書寫都是由白色顏料管中擠出直接書寫在黑圖畫上。然而這些文字畫作品並不是主體的中斷,它所具有的特色,都保留在繪畫及圖畫裡。在這多樣性、反常、不一致的藝術裡,Ben不斷的肯定他個人強烈的特色,但無論如何創作這「新的」,只為了在藝術史上佔上一席之位。

80年代後至今Ben的興趣及關注特別在法國境內這些少數民族的文化上,在當今麥當勞化的強勢文化下,他保衛多元化的文化,認為:「下次的藝術革新:是承擔它自己的語言、文化及種族」(註6),班構想那些種族的「差異」都是不可忽略的元素。在他生活與總體藝術關係的觀念裡,新的及有差異的都是主要的價值,那些活動唯一可以感受的是促進革新及轉變和進化。如果拒絕多元化將被強勢文化經由各式各樣形勢所支配,藝評家伯納特 拉曼斯-瓦特爾寫道:「班這一堆光彩奪目的觀念建立在方法論、條件、品質,這將是一種作品」(註7)。

註25:「今天的藝術」Edward Lucie-Smith 著巴黎Fernand Nathan出版社 1976出版 P178 。
註26:Art Contemporain un choix de 200 oeuvres du Fonds national d art
contemporain(1985-1999)法國巴黎 Chene出版社2001年出版 P191。
註3:參考龐畢度文化中心國立現代藝術美術館Fluxus導覽卡。
註4:「藝術及文字」Artstudio N15 1989冬季刊 P87。
註5:同上 P90。
註6:同上 P90。
註7:同上 P93。

Categories: 藝術 Art Tags:

「呼啊虎虎」(布農族口語):

p1570237-ben-ethnisme-1970-2015-acrylique-sur-toile

Ben ethnisme 1970-2015 acrylique sur toile

圖文/陳奇相

法國當代藝術家Ben 80年初就認為
:「下次的藝術革新:是承擔它自己的語言、文化及種族」Ben構想那些種族的「差異」都是不可忽略的元素。在他生活與總體藝術關係觀念裡,新的及差異的都是主要的價值,差異就成為後現代最為重要的一種資產及身份,更是一種源源不絕藝術創造力的動能。

如是他寫道:「第三世界及少數民族文化的信使,於世界性的帝國主義之前鋒」。

「呼啊虎虎」(布農族口語)-加油之意

Categories: 藝術 Art Tags:

Takashi Murakemi-「學習繪畫的魔法」個展:

p1560326-takashi-murakemi-enco%ef%bc%9aar-our-side-bending-space-time-170x144-7cm-2015-acrylique-et-feuille-de-platione-sur-toile-montee-sur-chassis-en-aluminium

村上隆自畫像 局部 enco:ar our side.bending space-time 170×144.7cm 2015 壓克力.金箔/畫布

p1560298-takashi-murakemi-b1962-homage-to-francis-bacon-three-studies-for-portait-of-g-dyeron-lighe-ground-3-panneaux-100x100cm

向培根致敬系列之一 -three studies for portait of G Dyer(on lighe ground ) -3 panneaux 每幅100x100cm 2016 壓克力.金箔/畫布

p1560299-takashi-murakemi-b1962-homage-to-francis-bacon-three-studies-of-lucian-freud-3-panneaux-197-8x147-5cm-chaque

向培根致敬系列之一 -three studies of Lucian Freud -3 panneaux 每幅 197.8×147.5cm 2016 壓克力.金箔/畫布

p1560301-takashi-murakemi-b1962-homage-to-francis-bacon-second-version-of-triptych-3-panneaux-197-8x147-5cm-chaque

向培根致敬系列之一-second version of triptych -3 panneaux 每幅197.8×147.5cm 2016 壓克力.金箔/畫布

p1560301-3-takashi-murakemi-b1962-homage-to-francis-bacon-second-version-of-triptych-3-panneaux-197-8x147-5cm-chaque

向培根致敬系列之一-second version of triptych 局部-左 每幅197.8×147.5cm 2016 壓克力.金箔/畫布

p1560301-2-takashi-murakemi-b1962-homage-to-francis-bacon-second-version-of-triptych-3-panneaux-197-8x147-5cm-chaque

向培根致敬系列之一-second version of triptych 局部-中 每幅197.8×147.5cm 2016 壓克力.金箔/畫布

p1560301-4-takashi-murakemi-b1962-homage-to-francis-bacon-second-version-of-triptych-3-panneaux-197-8x147-5cm-chaque

向培根致敬系列之一-second version of triptych 局部-右 每幅197.8×147.5cm 2016 壓克力.金箔/畫布

p1560317-takashi-murakemi-b1962-727-to-be-determined-300x400cm-2016-acrylique-sur-toile-montee-sur-chassis-en-aluminium

727 (to be determined )300x400cm 2016 壓克力/畫布

p1560329-takashi-murakemi-a-picture-of-lives-wrigglig-in-the-forest-at-the-deep-end-of-the-universe-240x3255cm-31-panneaux-2015

a picture of lives wrigglig in the forest at the deep end of the universe 240x3255cm -31幅 2015 壓克力/畫布

p1560329-2-takashi-murakemi-a-picture-of-lives-wrigglig-in-the-forest-at-the-deep-end-of-the-universe-240x3255cm-31-panneaux-2015

a picture of lives wrigglig in the forest at the deep end of the universe 局部 240x3255cm-31幅 2015 壓克力/畫布

p1560329-5-takashi-murakemi-a-picture-of-lives-wrigglig-in-the-forest-at-the-deep-end-of-the-universe-240x3255cm-31-panneaux-2015

a picture of lives wrigglig in the forest at the deep end of the universe 局部 240x3255cm -31幅 2015 壓克力/畫布

p1560329-6-takashi-murakemi-a-picture-of-lives-wrigglig-in-the-forest-at-the-deep-end-of-the-universe-240x3255cm-31-panneaux-2015

a picture of lives wrigglig in the forest at the deep end of the universe 240x3255cm 局部 -31幅 2015 壓克力/畫布

p1560342-takashi-murakemi-a-picture-of-lives-wrigglig-in-the-forest-at-the-deep-end-of-the-universe-ganesha-nature-s-239-9x525cm-5-panneaux-2015

a picture of lives wrigglig in the forest at the deep end of the universe 局部 240x3255cm -31幅 2015 壓克力/畫布

p1560306-2-takashi-murakemi-b1962-dragon-heads-gold-130-8x84x84-2cm-2015-feuille-d-or-sur-fibre-de-carbone-et-fibre-de-verre

dragon heads -gold 130.8x84x84.2cm 2015 feuille d or sur fibre de carbone et fibre de verre

p1560286-3-takashi-murakemi-b1962-murakemi-arhat-robot-title-to-be-determined-187x90-5x91cm-avec-socle-15x90-5x91cm-socle-seul-2016

自雕像 Murakemi arhat robot (title to be determined) 187×90.5x91cm -avec socle 15×90.5x91cm socle seul 2016

圖文/陳奇相

地點:巴黎Perrotin畫廊
時間:9月10日至12月23日

日本頂紅藝術家-普普藝術大師村上隆(Takashi Murakemi) (1962 年出生) 是當今全球當代藝術中最閃耀的明星。村上隆是位不掩聲色的將日本文化語境全套搬上當代藝術舞台的一位藝術家,透過他獨特的視覺符號,表達了青春的美和殘酷,以其當今可愛詭異卡漫風格色彩的藝術著名,深受日本動漫、電玩、漫畫及浮世繪的影響,擅長挪用轉化民間傳統圖像及大眾傳媒與文化,組合大眾文化建構成其可愛甜美幽默風趣獨特手法風格,在東方及西方,過去及現代,民間及菁英文化之間,他濃厚的卡通漫畫色彩,呈現當今日本獨特文化內涵外,並影射諷刺當今全球化現實幻滅的平庸及膚淺。

村上隆開宗明義說到:「將來的社會、風俗、藝術、文化,都會像日本一樣,都變得極度平面(two-dimensional)……今天,日本電玩和卡通動畫最能表現這種特質,而這些又在世界文化中具有強大的力量」。他可愛詭異的漫畫式圖像其實在嘲諷越來越膚淺浮面的大眾文化,扁平而且欠缺深度,也就是這樣玩味戲謔背後的嚴肅和批判,讓他成為目前國際上最熱門、也最具有爭議的藝術家之一。(引言來自維基百科)

Categories: 藝術 Art Tags: