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Archives pour la catégorie ‘藝術 Art’

無盡光芒-向畫家李裕源展覽概念策畫方案:

無盡光芒-向畫家李裕源展覽入口意象

無盡光芒-向畫家李裕源展覽全景

以「揮別」與「無言等待」兩幅佳作作為主展場核心

感性與理性幾何對照的一偶

深邃自省的表現作品

主牆面延伸至畫室場景

畫室場景-畫家上畫家工作服之身影

鐵道畫室的重現

鐵道畫室多年累積下的生活情境

另一牆面-自然意象的風光「門外的季節」與「山中的聲音」兩大系列大作

沒時空性的「門外的季節」

櫥窗中的生活手稿及 創作草圖等等

畫家李裕源最後歷歷在目的書信

畫家李裕源最後的素描草稿

圖文/陳奇相

前言:
感謝天,感謝地,感謝母親允之地。
站在這塊土地上《我們都在同一條船上,創造力是在地的價值,在地更因創作力而偉大。藝術對人類而言,無論如何只能讓社會更美好》《確實,好作品與成就,沒人分享會更顯得孤獨,感謝大夥來參與分享。》攏嘛因為「藝術」,攏嘛是咱耶畫家好朋友「李裕源」這感恩耶特別日期招換咱大夥聚集在此,藉「無盡的光芒」向畫家李裕源致以最高敬意,身為展人由衷感謝大家,並祝福畫展圓滿順利。

關於此次的「策展」:攏嘛是因為「愛」,用行動「圓滿藝術」。
關於此次展覽「主題」:「無盡的光芒-向畫家李裕源致以最高敬意」,靈感來自於裕源這幅「光芒」(2013)。也體會生命之輕,藝術之重的感嘆,遙望天際,一起向咱耶朋友致以最高敬意,並透過作品與之對話。

有關於此展的「意義」:紀念懷思咱耶畫家好朋友。藉此展公開他豐富作品,讓咱大夥能有機會閱覽其一生的創作。裕源地創作成就是有目共睹,咱大夥及社會大眾都能更深入他的作品,趁著展覽發現其藝術的意義、價值及偉大。

展覽主題-「無盡的光芒」(大標題) -向畫家李裕源致敬(小標題)。

佈展方案:我們以全新視野裝置展覽方式呈現。包含各階段精彩或代表性作品(作為主體)、創作手稿、畫室創作生活物件、生活照、影音資料、另闢遙望天際書寫空間(一面牆) (後兩單元沒實現) ,全方位地規劃,讓咱大夥社會人士對畫家的深思懷念及回憶與感觸。

產學合作計畫:
此外有關此展可考慮與嘉義大學藝術系(產業)合作策展方案及空間裝置等,這具有教育的功能,難得的機會讓學生見習並親身參與此展。

讓學生可學習的面向:
有關一個展覽實踐方案:策畫、如何下定主題(主題的重要性)、作品的選項、空間概念的統籌、實際空間的操作、作品空間佈置、實際參與佈置、如何梳理展文書寫、如何創造一個展覽及展現的價值等等。

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「無盡的光芒」向畫家李裕源致敬:

「無盡的光芒」向畫家李裕源致敬:展覽邀請卡

告別 2009 150×150cm 油畫/畫布

祭師的對話 2004 30f 油畫/畫布

祭典裡的戰士 2004 20f 油畫/畫布

祭師的對陣 2008 20f 油畫/畫布

門外的季節第二章(4)五部落(Aya)2013 60×50cm 複媒/畫布

山中的聲音 200F 2016 複媒/畫布

圖文/陳奇相

展覽時間:11月14日12月2日
展覽地點:嘉義市文化中心四樓
開幕時間:11月17日上午10:30
策展人:旅法國際藝評人-陳奇相

「死亡就像一種美學的概念,是屬於生命的部分」

藝術家James Lee Byars

遙望天際,無盡的光芒,親愛的畫家朋友李裕源化為天際的靈光,在這周年特別的日子裡,我們在此藉「無盡的光芒」向畫家李裕源致以最高敬意。身軀是時空的旅人,藝術化為無盡光芒,照耀人間,繼續安撫存在生靈。由衷感謝『你』,因為藝術,你繼續與我們對話,想到你或看到你的畫作時我們就同在,藝術生命是無盡的光芒,直到那永遠的永遠。

李裕源是我們這一代裡最深邃的畫家,畫是生命的煉金術,與靈魂共振的作品,見證其個人存在,觸動人們的神經,具有時代罕見的純粹與真。其創作是來自內心的呼喚與靈魂深處的吶喊,開啟他存在對話的天窗,他的表現完全是個人生活歷練和內在深層意識, 在創作裡經驗他自已。李裕源寫道:「『藝術家是透過表現別人來表現自已,透過愛別人來愛自已』,藝術創作其實是傳達創作者自我情緒及思考方向,它可以是自傳,也可將矛盾和慾望放任於衝突之中,用作品在現實狀態中,作自我省思」(註1)。裕源的所有創作都忠實於他內心感受,靈性作家Richard Rohr一針見血:「我們看見的不是事物本身,我們看見的是自已」(註2)。

李裕源的畫以「人性」為本,從現實存在到「存在的存在」,表現圍繞著人間無常生滅幻變的軀體與靈魂劇場,從群像、眾生相到窺見真實的我相本質,在感性本能的表現性下,他畫中的「人場景」都怵目驚心、嘶力吶喊、際遇坎坷、窮愁潦倒及聲色歡娛的人間寫照,在後現代新表現的思潮下,感性、文學性、敘述性、寓意性。有人說他的畫作,只有「人」,沒有「景」及只有「人」,沒有「情」。在這人間煉獄的大苦難及身心的煎熬下,其實,人成為全景,人成為全情,人成為所有一切的世間戲碼。深入人,李裕源戲劇性的表達其深刻的人性觀察,及體驗與靈魂深處最令人悸動的部份:死亡、痛苦、孤獨、絕望、殘酷、人類生命的脆弱、堅毅與生死哀樂,從人的苦難和自我的陰影中,窺見自已生命的真實樣貌,體驗生活那不可能的事物,並藉由藝術的轉化與昇華,進入存在的堂奧。

裕源一向表達其深刻的人性觀察,創作境隨心轉,2006年走出生命的悲情,苦盡甘來在愛的滋潤下真情流露,「承諾與扶持」系列,示現雙人體的夫唱婦隨的相依相隨,有機形式重塑複雜的軀體,流線性的變形扭曲曲線構造,生動幻變,這系列一直延伸至2010年間。接著另一溫馨柔情的「似水」三連作系列(2009年),在愛的力量引導下,回到存在本質的「愛」,展現出溫馨的女性軀體(平面化與色面化)、柔和的線條與冷暖調色系的對照,激現一種空前絕後的柔情及溫馨。接著強調單形體之形塑人體的「坦承」、「秘密」及「寂–思」系列(2010年) ,意圖展現其存在的意志及個人豐富的情感及深邃感受。如是的繼續深入來到的「誰=真實」(2016年) 省思生命存在的疑惑,畫家寫道:「人生好玩,人生也好難,我們從不知,生命要給我們什麼樣的功課」註3)。

裕源創作的另一樂章是自然意象風景,看起來的確很抽象,但仔細審慎下卻如是具體
又具象,繼續纏繞他那生命不堪的深刻印記,無法磨滅的部落風景就是他那些在天災中失去原住民朋友們的原鄉。「門外的季節的第一章系列」(2004-05年)始,豁然開朗的「門外的季節第二章系列」 (2013-15),明顯地,門外是沒時間性的時空。季節成為時間的記憶,確實《咱啊打開心裡那片門,『天光』的入來》,無時間的季節,將成為原鄉的紀念碑。至孰成且純粹的「山中的聲音系列」 (2014-2016) ,畫家身心解脫啟開門外深層意識的季節,聆聽來自山中的聲音,靈光乍現下窺見存在風光。悼念台灣這塊土地的苦難及生命的不堪與美麗。於謹嚴結構,主觀形式及感性筆調,詩意的併發出繽紛斑爛色彩與表現性線條,淋漓盡致的表現其豐富情感及意識,示現畫家生命昇華之意象。

畫家對自我存在的思量:
「夜是那麼靜,我在思量。月是那麼明,我在思量。世間是那麼紛擾,我在思量。紅塵是那麼煩囂,我在思量。不覺東方既白,鬢滿花髮。我一直一直在想,如何讓這個世界更美麗,我真的一直一直都在想。有一天~忽然發現,身軀竟早已枯萎」(註4)。

註1:李裕源油畫集一:印象-人-群像畫冊 2006年出版。
註2:放下對立,遇見喜樂的內在世界 P124 Richard Rohr著 王淑玫譯 2012年啟示出版
註3:來自李裕源的作品自述。
註4:來自李裕源的作品自述。

2018-10-04 於巴黎

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李明維-「聲之綻」(Sonic Blossm)互動參予展演:

藝術家李明維與歌手

「Sonic Blossm」互動參予展演現場之一

「Sonic Blossm」互動參予展演現場之二

「Sonic Blossm」互動參予展演現場之三

圖文/陳奇相

地點-龐畢度巴黎現代藝術美術館(五樓-克萊茵作品前)
時間-10月10日-11月4日每天13點至19點

「藝術家-獻給美術館觀眾們的一個驚喜禮物」

李明維(1964年出生)是台灣當下最受矚目的國際行動觀念藝術家之一,作品如生活,創作如呼吸般的自由自在,作品人性化與內省之東方哲思。繼去年龐畢度中心第一屆「Move」藝術展後,再次獻給美術館觀眾們的一個驚喜「聲之綻」(Sonic Blossm)禮物。

「聲之綻」(Sonic Blossm)靈感來自於藝術家生命自我觀照與生活參照,於其照顧母親手術後康復期間藉由舒伯特藝術名曲安撫下,李明維將這種存在經驗轉化為其藝術的行動,證明了藝術可以為存在提供的答案。

「聲之綻」(Sonic Blossm)的展演是在美術館裡以一種親密的音樂與觀眾片刻分享,一位歌手在展廳裡,向觀眾提供一個驚喜禮物,請不期而遇地觀眾坐下來聆聽歌手高歌一曲的情境,以舒伯特浪漫曲的形式展開,觀眾們驚喜地接受的一種心靈禮物,享受展演片刻的情境,體驗生命昇華之意象,如是「Sonic Blossm」意圖讓藝術能量充滿人間。

邀請數名聲樂家輪流在展覽空間內演唱「你是安寧」、「給月娘」、「慕春」、「夜與夢」、「水上吟」等5首舒伯特(Franz Schubert)的歌曲。

演出者: Beibei Guan, Yeonji Lee, Marion Sicre, Shingo Nishizawa, Sara Kehder, Constance Malta-Bey, Stéphanie Bore Colonna, Julie Grutzka.

此展是龐畢度中心與巴文合作。

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白晝夜-巴黎國家交響樂廳:聽音樂是聽到飽的

2018年白晝夜-巴黎國家交響樂廳燈光海報看板

凌晨經過巴黎國家交響樂廳-燈光看板

白晝夜-巴黎國家交響樂廳:聽音樂是聽到飽的

凌晨的巴黎國家交響樂廳還是人潮

圖文/陳奇相

2018年的白晝夜,巴黎國家交響樂廳首次參與活動,今年從周六晚上20點開始五大交響樂團,接力賽的演出,似乎輸人不輸陣,一直衝到凌晨兩點。接著,同在這交響樂廳Pierre Boulez大演奏廳(可容納三千觀眾),播放名鋼琴家Nicola Horvath音樂會影片至早上五點半,讓大家聽音樂聽到飽聽到撐,讓人們整個白晝夜沉迷在音樂裡,而不亦樂乎。

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2018巴黎白晝夜-看展是吃到飽的:

Felicie d Estienne d Orves 音樂-Franck Vigroux 「SUN 」 聲音及光線裝置

Julien Berthier e與Tatane 兩人合作的「遊戲規則」

Serial Yogger & Nicole-Marty 拉筋做瑜珈

Serial Yogger & Nicole-Marty 拉筋做瑜珈

以橋作為藝術及人文與社會交流的橋樑 Thanks for Nothing le pont des echangs ideally this text will maky you levitate Laure Provest 2018

Eric Michel 與 Akari-Lisa Ishil之「platonium」 聲音及光線裝置

Fabien Leaustic 的「geysa」引現活火山的壯觀情境

打開聲音及光線的「Termenss wardenclyffe 」,戲劇性的雷光閃現之燈光秀風光

引人注目的瘋狂地數位 – 多學科的「冬季的奇遇與對話,晦澀與明亮之平台」

一個關於水資源問題的瘋狂數位工作過程:水潛在的影像

Athem與Cruz-Diez工作室和巴黎藝術團隊製作視頻

藉由影像闡述時間及歷史與人文

Florian Viel的「城市叢林」

圖文/陳奇相

一年一度的白晝夜,像往常一樣,比聖誕節或新年更喜氣洋洋整個都會都熱鬧滾滾,不輸給任何嘉年華會,這場共襄盛舉的藝術活動,宛若全民運動般,整個巴黎到處都是人潮,不管是挫熱鬧也好,藉機出去享受一下藝術場域情境的閒情逸致氣息,看看晝夜下美麗的巴黎夜景,感染一下巴黎人的藝文能量,都值得。

今年巴黎白晝夜已經進入十七年,每年都由不同風格的策展人(今年是Gaël Charbau)策畫,每年都在巴黎各個不同區域展出,更新賭注閃耀首都的標誌性地方,今年共分為四大星座區,從市中心的聖路易島開始(也是首次在這島上舉行白晝夜),經由市政府及市場區,Invalides軍事博物館經過塞納河最漂亮的亞歷山大橋,大小皇宮及香榭里拉大道,北邊的整個 Villette公園,從科博館到音樂城(巴黎交響樂廳),南邊的dorée門延伸至凡仙森林及動物園近郊。讓人跌破眼鏡,白晝夜的藝術活動出現在不該出現的(如動物園)地方,讓藝術感染力無所不在(落實於生活),甚至於在環城輕軌站上。

今年展出的作品相當多元複合性,繪畫、雕刻、物體、錄像、相片、數位(虛擬實境)、聲音、燈光、展演、舞蹈、閱讀、遊戲、運動、街頭藝術、機械人與各式各樣音樂會(個人或樂團,尤其是巴黎交響樂廳,三大交響樂團六小時的接力演出)等等,此除,白晝夜提供藝術家重新審視的運動,美食,藝術活動以及向所有人開放的各種活動。此活動眾多環境空間裝置,偏重於互動及活動類型,戲劇性及娛樂性。

因白晝夜分四大星座區,一個晚上光跑都跑不完,而且每個室內的展覽都大排長龍方能看展(很浪費時間),只能策略性的光顧兩大區域,我選擇先參觀Invalides軍事博物館區,以速戰速決的方式,出快車捷運口,身敏眼快參觀甚麼還不清楚,就排進一列看展隊伍,很快進入擠滿人潮的燈光秀中,在意外驚奇下,迎來是新生代藝術家Felicie d Estienne d Orves以強光投影在穿洞的圓盤上,隨著Franck Vigroux的音樂節奏緩緩往前滑行的光線,很戲劇性。出來整個Invalides廣場草坪與馬路上都是好奇地觀眾,迷惑人的燈光下,一群又一群人的圍觀,進行式的展演,新生代藝術家 Julien Berthiere與Tatane 兩人合作的「遊戲規則」,闡述足球賽規則如生活般,三位足球明星的紙片人像,小朋友踢足球的現場。在隔岸草坪上另一場足球賽,隨小球員跑步節奏的聲音,又是一場遊戲性的互動展演。本想進去參觀軍事博物館內的展覽,看到大排長龍的隊伍(至少五十公尺長),腳都軟了。繼續往大皇宮路線前進,草坪上眾多成群年輕人席地而坐悠哉地喝啤酒或吃東西聊天,在人群中享受美好的白晝夜。真妙還有一群人正在拉筋做瑜珈,前面台上Serial Yogger及 Nicole-Marty老師引領著,這是藝術嗎?確實生活的藝術。法國的臉書也出現在此,人們可躺在椅子上遙望以數位虛擬實境方式展出的巴黎星空,平常巴黎人太忙了,都忘了華燈初上後的星空。巴黎最漂亮的亞歷山大橋上,來往擁擠人潮,五大座土黃色中空方形,展出五個有名的非政府組織機構(如著名的貧窮協會)與文化協會,理想性地,以橋作為藝術及人文與社會交流的橋樑。往前想進入大皇宮看展,卻排錯隊伍,花了近半個小時方知方向錯誤,快跑。

乘坐地鐵直赴巴黎北部Villette,來到這寬闊戶外的公園,還是人群,但不擁擠舒服多了。在工業城正門口前享受一件輕鬆自在的音樂燈光秀,是藝術家Eric Michel 與 Akari-Lisa Ishil之「platonium」,是種多媒體作品讓人們沉浸在色彩和聲音的和諧之中。轉個角落,在工業城後面新生代藝術家Fabien Leaustic 的「geysa」,是今年白晝夜所看過最精采最令人難以忘懷的作品,一池暗紅色泥漿水,定時從噴出高二十米高的噴泉,充滿想像空間,引現活火山的壯觀情境,在工程和造型藝術的邊界。在工業城後面的鏡面圓球上,打開聲音及光線的「Termenss wardenclyffe 」,戲劇性的雷光閃現之燈光秀風光。跨過運河,來到對岸,引人注目的瘋狂地數位 – 多學科的「冬季的奇遇與對話,晦澀與明亮之平台」,一個關於水資源問題的瘋狂數位工作過程:水潛在的影像。來到音樂城的第一交響樂廳前,系列影像牆不段的更替,是Athem與Cruz-Diez工作室和巴黎藝術團隊製作視頻 ,藉由影像闡述時間及歷史與人文。旁邊是第二交響樂廳,看看時間已經是凌晨一點,就此打道回府,結束今年的白晝夜巡禮,心滿意足地,乘著便捷的環乘輕軌返家,沒想到在輕軌站上又巧遇Florian Viel的「城市叢林」,作為晚安-巴黎的禮物。

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Ivan Argote-激發想法的「深情」個展:

「另一個的想法(紐倫堡紀事報)」 1493 2018 230x410x6cm 2018 corten steel lasser cut bois

as far as could gel 2017 video HD7 sequences duration -duiee 21;00

Colombie about a place -we are malting 2018 100 dalles installation

proudly 33×10.5×13.5cm 2018 bronze

g-skin-with us 181x140x6cm 2018b d-setting up a system-the idea of limit 2018

skin-melting.our bodies melting 210x438x7cm 2018 fibere concrete ,oil based peint

proudly 36x14x25cm 2018 bronze

proudly 31×17.5×16.5cm 2018 bronze

圖文/陳奇相

時間:6月2日至7月28日
地點:Perrotin畫廊

Ivan Argote(1983年)是當今崛起串紅的南美洲新生代藝術家,出生於哥倫比亞在一個左派思想的家庭,很年輕就體悟政治及社會與歷史對個人生命的深刻影響,在當今多媒體之跨領域展開思考性系列勘探,藉由錄像、文本、相片、雕刻、展演、影片等等,傾向觀念性的作品審視當前全球化下之社會及政治處境。他的藝術探討建立在歷史、政治和我們個人主體性建構間的關係,和我們與他人間的關係上,參與社會具批判與辯證性,激發人們的思考,如2009年在蒙特爾當代藝術展覽中提出「關於如何共同生活的問題以及我們日常生活中的力量和歷史」。

Ivan Argote在這「深情(Deep affection)」個展中,藝術家提出關於我們與歷史以及我們與歷史的關係的詩意,和他人之社會學和政治討論。展覽隨著1493年出版的一本主要百科全書中的圖標「他者的想法(紐倫堡紀事報)」展開,一裸體人物蹲坐在地面上,引人注目的是變形的倒著腳形象,藝術家意圖就這影像建立一個系統,以便找到對立概念的起源,成為此展的核心。大展廳一部「盡可能」錄像,以兩個截然對照的地理城市:哥倫比亞的Neiva和印度尼西亞的Palembang,聯繫兩地的地理環境及日常生活情境,無形中闡述一種他者的想法之後殖民批判性的歷史聲音,而錄像環繞展開在視聽分離主軸線上,藝術家使用對映軸來鼓勵對我們如何看待對方的反思。

隨著章節的展開,錄像的結束,燈光一亮,觀眾踩在(地面大型裝置)「關於一個地方」刻有詩歌的粉紅色混凝土板,我們以一種親密,倫理和政治兩種方式質疑他們所處空間的地位。他們面臨的情境有時候是矛盾與複雜的,比如展覽空間或更普遍的世界地理位置。 我們與上下文的關係具有我們可以塑造,批判和辯論的意義。

在大展室中牆面上安置一件「傲然」小雕像,雙手抱胸,引人注目的是有一雙變形的倒著腳,在空間中趾高氣昂的傲視我們,幾分幽默及挑戰人們的視野,闡述與他人的關係。自豪的形象,在這全球一致化、表徵化的時代,與眾不同成為獨特性,驕傲地與眾不同,差異成為新價值。明顯地,從他早期關注的「其他,我和其他人」互動參與事件中就了解,與他人的關係一直是Argote創作的核心,所以在這展中三座另一個的想法「「傲然」小雕像陪伴我們。

觀念形態的兩大系列探討:強調身體與觸覺作為反思的「皮膚」圖畫系列,皮膚是血肉之軀的表裡,內外及表裡間之閾界。這系列在水泥片上藉由拼置解構口號強調身體概念與政治思想形成了診色情的接觸。藝術家喚起溫柔,身體和触覺作為反思的工具,如「皮膚 – 與我們」「靠近我的眼睛」「皮膚融化。我們的身體融化」等等。另一立體作品「建立系統」系列,書寫口號在上下拼置網狀板上,事件想法和影響系統性建立在歷史、政治和個人主體性建構間的關係,如「建立一個系統 – 影響和事件」與「建立系統 – 限制的想法」兩作品上。

三張家族像冊略帶紫色相片,我們看到藝術家幼年在父親的陪同下,參與示威的老相片,教導他們的正義行動與反叛,對其生命的啟示。最後七部短片「盡可能凝固 」錄像,引人注目的「Reddishblue的記憶」,闡述藝術家父母親堅強的政治活動及行動的故事,都深深的影響藝術家對 人世間的土地、人文與歷史意識及他者之反思,散發一股視覺及聽覺強大的力量。似乎只有藝術讓人曲終不散,繼續徘迴在心豁中直到永遠。

註-此短文參照Ivan Argote「深情」個展新聞稿

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Jan Fabre-美的戰士的「比利時性民間傳說」個展:

比利時性天使 2017 93.4×88.4×23.4cm bois .pigments.papier.polymere.

比利時野蠻的性感 2017 146.6×145.2×42.1cm bois .pigments.papier.polymere. et elements electronique

比利時貝殼或守護你的黑色 2018 31.4×19..8×9.9cm bois .pigments.papier.polymere. et coquillage

比利時貝殼 lecheur 2018 24.2×56.1×27.6cm bois.pigments.papier.polymere. et coquillage

圖文/陳奇相

時間:5月17日至7月21日
地點:Templon畫廊

Jan Fabre是國際藝壇上最具代表性中堅藝術家人物之一,多樣才華,不只在造型藝術,還是其年代中一位傑出最具革新的劇作家及劇場靈魂人物,從事多元的勘探從身體藝術、展演、雕刻、物體、素描、空間裝置等等。這位全方位的藝術家誰都知道他如何將多方創作的領域推到極限,是位一個美的戰士和絕望的騎士。藝術家Jan Fabre藉這個「比利時性民間傳說」及「北海性比利時」兩大系列來描繪了他祖國比利時的全方位複雜和顛覆性肖像,如同以一種批判的愛做為聲明。

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Fabrice Gygi-「D-概念」個展:

Fabrice Gygi-「D-概念」個展現場場景 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題水彩系列 每幅180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi ne1965 Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi Dominique 110x52x14cm 2014 acier corten

圖文/陳奇相

時間:6月1日至7月11日
地點:Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊

Fabrice Gygi(1965年出生)是瑞士新生代最具代表性的藝術家之一,擅長於版畫、印刷、展演、物體裝置、繪畫、雕刻。他的藝術養成教育是從版畫開始,深受版畫的影響也形成「他非常具有圖形的思想,非常黑白,剪裁非常乾淨俐落」的藝術風格。在20世紀80年代和90年代中期,印刷項目和自我組織的活動,Fabrice Gygi一直聲稱他的工作具有社會和政治層面。(註1)

1998年,他開始創建由工業材料製成的結構,包括PVC和不銹鋼塑料。他的劇目(安全氣囊,地雷,帳篷等)和他的公共設備(登上領獎台,屏障,看台)的主題以極簡主義美學手段和社會控制結構進行複制。 簡潔有力而有效的準軍事外觀,他的作品提供了一種非凡的一致性的塑料語言,並不含有主題的模糊性。 因此,在第25屆聖保羅雙年展上展出的La vigie(2002)是一個巨大的12米高的作品,由一個桅杆和一個移動控制塔組成,它給路人帶來的印像是 目標並強調與我們社會對公共秩序問題的安全反應相關的極權主義誘惑。

2010年後放棄他的裝置開始致力於立體三度空間的雕塑,他花了幾年的時間來創作珠寶,之後開發出一種系統化邏輯的創作,建構出一種基本的幾何抽象形式,發展出精簡優雅的立方體和平行六面體雕刻,接近於現代建築結構模型 ,渴望走向一個沒有任何感性和與身體任何類比的物體。

這次新作個展Fabrice Gygi展覽命題「D-概念(D-Concet)」,他的作品牽涉到觀念與形色,依據一種系統化的數學邏輯建構。這次展出一件方型如雕刻台座立體三度空間的雕刻,數理性的邏輯,上面由四塊由大而小正方形依黃金比例的規則鉸接立方體的降序組合建構,示現虛實幻變模塊化架構原型空間結構。牆面上一座結構性立面浮雕,以一大一小的長方塊為主體上下由三塊大小變化的方塊之組合,宛若現代建築築構模型,雕刻及浮雕都展現一種獨特幾何形式美感。

此展覽中,Fabrice Gygi展出引人注目的水彩畫作新系列。是在非洲Chihuahua 沙漠數月之旅後的創舉,使用與先前應用於雕塑的規則相同的形式規則,紀律及絕心,謹嚴專注的創作精神具有一種進入冥想的非凡狀態。他拒絕曲線,專注於平行線與垂直線的建構組合,交叉成方四方形式。這些作品以疊加層中的單一線條繪製,手工一致性精準控制濃度和張力,單一色彩(共有六種顏色)以多次的暈染從濃至淡的層次造化。每件作品都以完美平衡的完美和意外狀態存在,創造出生活所強化的恆定能量。絕對性之完美的線條及濃淡層次色調,引領人們進入個人冥想的境遇。(註2)

(註1-來自維基百科)
(註2-參照個展畫廊新聞稿)

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Jason Martin-「新繪畫」個展:

Jason Martin-「新繪畫」個展現場場景

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue deep) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (phthalo blue -phthalo green) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue ) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone scarlet-red) 2018 70X60X14cm mixed media on panel

Jason Martin untitled (ultramarin blue) II 2018 130X130X10cm mixed media on velvet

圖文/陳奇相

時間:6月22日至7月28日
地點:Thaddaeus Ropac畫廊

新繪畫?是新瓶子裝著陳舊的酒,還是只換個標籤呢?是冷飯還是炒飯呢?在這個甚麼都可以地世代裡,有甚麼不以呢?新瓶裝舊酒、或根本是舊酒貼上新標 籤,新繪畫是冷飯成為炒飯後加胡椒的滋味、在這變與不變中,繪畫的觀念、形式、內容如何更新呢?那是每個世代奮發圖強的一股力量,試圖窺探的創舉。如從抽象本質性繪畫,至形式主義,到會說故事的抽象中,冷飯或炒飯還是飯,也就是繪畫還是繪畫。史岱拉之形式主義「你所看到的就是你所看到的」,經由形式主義之上的Olivier Mosset「看不到任何東西的東西」,到新抽象幾何或新幾何抽象的Peter Halley「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」。

單色繪畫是抽象繪畫終究的結果,經時代的歷煉是現代藝術抽象傳統展現方式之一。在這後現代之後的繪畫裡,炒飯上加胡椒的繪畫都還是種種可能下。Jason Martin繼承單色繪畫及抽象筆觸的傳統,他單色繪畫迷惑人的不只色彩,還有藉由肢體語彙動作行為之筆觸與充滿觸覺感的物質張力,其創作核心環繞在動作筆觸與繪畫物質上,「在這些畫作中有一些深層的有機物,在無生命的物質中被捕獲,和重建中賦予生命。 重放於自然界中發現顏色的顏料一樣般如紫色或灰色 –(……),Jason Martin美麗迷惑人地深藍色和綠色。 他的畫作示現了自然狀態,(……)」(註-參照個展畫廊新聞稿)。

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Peter Halley-「低於/高於」個展:

Peter Halley-「低於/高於」個展:一樓展場場景

Peter Halley boundaries 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley action point 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley compulsion 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)局部

地下室展場三幅方形色塊系列場景

Peter Halley solace 2015 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley the choice 2016 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

圖文/陳奇相

時間:6月9日至7月28日
地點:Xippas畫廊

Peter Halley是上世紀末新幾何抽或抽象幾何的靈魂人物之一,出生於紐約,生活與成長在這垂直宏偉巨大都會建築森林中,都會建築幾何就成為他幾何抽象或抽象幾何的主軸元素,藝術家1991 年描繪他所成長的紐約如同:「巨大而抽象之無差異性四方結構」(註1)。現代都會與工業發展都成為現代主義的原型與創作源泉,對上世紀初眾多抽象畫家們有深刻的感悟及探究,尤其幾何抽象藝術似乎就是現代都會的產物,立體派名畫家勒澤感悟說:「現代人的生活 越來越在種優勢幾何秩序中」或是「每個機械和工業人類的生物都依賴於幾何意志」(註2)。

新幾何抽象或抽象幾何畫家Peter Halley的創作與紐約大都會有密切的關係,其作品來自蒙特里安理性幾何抽象的呼喚,並從美國普普藝術和極限藝術中找到模型,尤其是紐曼、史岱拉與安迪 沃羅爾。一種幾何循環的理想在種抽象和具象張力中,謹嚴的幾何成為客觀現實的一部份,抽象失去它的純粹性,指涉或隱喻裡接近於現實社會,80年代藝術家Peter Halley經常說:「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」(註3) 。

早期的作品互相串聯四方立面結構都暗喻現實特別是「建築內隱藏結構」或「牢獄」等等,在這後現代之敘述性文學性的闡述中,Peter Halley的作品成為會說故事的幾何抽象又稱社會抽象(Abstraction Sociale)。畫家意圖反轉西方現代抽象的形式主義,從現代社會各種幾何結構中尋求抽象幾何引證,指涉現實存在的架構,例如一扇窗、導管和電線或現代高樓大廈之幾何建築結構,宛若謹嚴精準的蒙特利安加上紐曼的垂直平行幾何線條般。這種接近於社會的抽象,就像紐約新潮流倡導者Collins和Milazzo的解釋「幾何及心理分析之會合是我們迷惑的核心﹐他以極限顯現」(註4)

90年代以來Peter Halley突破畫的框架,經由空間裝置敞開整體空間的概念,也就是將會掛在新壁畫(畫的、文本、圖表或是數位影像輸出,這些影像來自於他的檔案中的圖表或是素描本的文字或是設計圖稿,有時會與設計師合作)上。這次巴黎「低於/高於」個展中,他不只規畫整個(一樓及地下室)展場,甚至於走廊及入門口都作為場域空間整體規劃展現。如一樓入口、樓梯間及走廊以畫廊建築結構空間形式(數位輸出影像),創造門檻和通道效果,引導觀眾進入建築空間。地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現。

主展場在一樓,共展出四大幅黃藍底有欄杆的三塊互相串聯方形式的窗(專門為此展量身製畫),命題為:邊界、落水、行動點、義務,將新幾何生活化,藝術家對其新系列如是解釋:「將幾何抽象語言轉化為牢獄和孤立單元的一種詞典」(註5) 。畫則依黃藍節奏懸掛在系列有欄杆的長方形藍色(數位影像輸出)牆面上,強化幾何形式及對話,彰顯其作品的張力。地下室展場三幅方形色塊系列,命題為:選擇、廣場及慰藉,一種人性化的闡述。這系列強調獨特的肌理,示現在黑底綠字之Jill Gasparina藝評文本上,這裡不只是觀賞還可以細細閱讀有關作者對畫家的一些觀點論述。Peter Halley認為:「繪畫是一種獨特的媒介,因為它可以刺激大腦既同是一種形象及觸覺體驗。一幅好的繪畫具有像梵谷或杜庫寧那樣具有吸引力的質感,如果無法觸動你的話, 她會使用這個大腦的觸覺部分去感受。」(註6)

他的繪畫如同他的文本:「城市規劃,數字技術的興起,視頻遊戲和建築效果圖的合成空間,歐洲和美國抽像傳統之間的聯繫,以及現代主義和後現代主義之間的聯繫,空間因此轉變為沈浸式裝置」,Peter Halley的繪畫創作繼續彰顯現代化的生活,在他那些建築或技術形式裡。(註7)

註1:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註2:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註3:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註4:法國Artstduio第六期極限藝術專題 第二篇文章藝評家Nicolas Bourriaud) 。
註5:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。
註6:Block by Block -16 Tactilisme 觸覺 Jill Gasparina) 。
註7:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。

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