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意圖呈現台灣偉大風景畫的典範- 蘇國慶「消失的風景/時間/記憶」個展:

台灣土地銀行-館前藝文走廊-
蘇國慶「消失的風景/時間/記憶」個展:邀請卡

餘暉 112x290cm (二拚) 2018-19 油畫/畫布

浮雲 73x90cm 2019 油畫/畫布

春暖 73x90cm 2019 油畫/畫布

孤獨千年 130x97cm 2018-19 油畫/畫布

畫家蘇國慶於工作室 2018-12-09日拍於新北市-永和

圖文/陳奇相

「展示的作品基調是充滿感傷與哀愁的靈魂詠嘆,色彩雖然明亮艷麗,但在高彩度的背後,自然的災難、命運的無常、人生的漂泊、死亡的陰影,全是真實的反應。我以風景代言事物存在的荒繆,見證過程的艱辛,展覽的意義或許就是這般企圖淡化或抹平的行為。」

蘇國慶

展出時間: 3月13日至4月3日
展出地點:台灣土地銀行-館前藝文走廊

在這對風景畫寓意漠視的年代裡,對於鍾情風景畫的畫家蘇國慶無疑有一種深層苦悶感及孤獨感。在當今甚麼都可以的時代裡,以風景表現有何不可?當今如何畫風景畫,畫甚麼樣的風景呢?如何表現風景,現代或當代特色行風景面貌該如何之可能呢?是一大考驗,國慶似乎將風景作為生命的救贖,風景自然而然成為他生命的本地風光?

風景是國慶觸景生情之內心關照的主觀表達,他以文學的手法畫他心目中之人生的風景或心景,且隨著生活參照與觀察一直在幻變中,他一直在追尋生命的那把鑰匙想解開存在的密碼,他的風景畫是生命追尋的紀錄,是紀錄那消失。綜觀他的風景畫分為三:都會風景-具象、自然風景-意象、內心風景-心象,德國象徵主義畫家C‧ David Friedrich說:「風景即畫家的心境」,蘇國慶認為這有兩層面,一是「畫家用心眼在看世界」,另一說法則是「畫家用風景表達他的心象世界」。

他的風景絕不是伊甸園,具有強烈「孤寂美感」,而是畫家個人生命的隱喻?畫家寫道:「我作為一個畫家從事風景寫生在自然風景中啟開對話,從現場將場景搬到畫室在畫面,客觀和主觀不斷融合衍生,最終形成新的生命,一件繪畫作品,我很高興可以擺脫生命的束縛,可以永生,不會因風景時間和記憶的消失而毀滅,奈何這只是一種妄念。弔詭的是我們清楚卻無視毀壞的威脅仍然坦然面對,繪畫想表達以上的階段過程,想釐清自然的迷障恢復風景的清明樸實,於是我透過一件件的作品反覆細數在風景消失前種種的記憶」。

無可質疑地,風景觸擊到畫家內在深層意識,是存在的場域與情境,面對當下風景的冥想,與當下感情與經驗是不可分的,風景成為畫家自我內心的剖析,抒發的是對人間的感觸與體悟,在可見的與非可見的,指涉及隱喻中,闡述畫家壯闊生命裡美麗波濤洶湧風光,畫家說:「我用風景繪畫來傳遞內心底層的人類共同情感」,他雄心壯志探討,意圖呈現台灣偉大風景畫的典範。

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遙望天際 -向我心目中的南島騎士李俊賢致敬:

李俊賢 戳 II 2000 2008-2015 225x222cm 影像輸出 油彩 拚貼 畫布 拍攝於台灣雙年展-野根莖 2019-01

南島騎士李俊賢 2012-03-29於仁武工作室訪問時所拍 遙望天際-由衷祝福

圖文/陳奇相

南島騎士李俊賢是台灣藝壇上最有種與氣魄的硬漢,親身以行動實踐落實在地的藝術家之一,台到深處無怨尤之最「台」的一位,他作品頌哥午辣,豪邁又豐饒,動容又入骨,繪出阮台灣人心聲,有情有義,有血有淚,充滿台灣情感、意識、精神及氣慨,牽動台灣人的神經與土地靈魂,在強烈文化信仰下,見證在地精神,叫出阿母的名-台灣。唯一純道地的「台」滋味:酸、鹼、苦、澀擱辣,吃起來伙人嬤感動,心涼俾逗開,午葛頌,強葛武力表現出在地的震盪和神經。二十世紀大文學家勞倫斯寫道:「每個大陸都有其自己偉大的地方精神,每個民族也有其地方特性,那就是家,那就是故鄉。在這大地上,不同的地方有不同的活力,不同的震盪,不同的化學氣味,不同的星星,不同的特性,你要稱呼它甚麼都可以,但地方精神是一種偉大的實在」。

遙望天際 -在此僅以此文深深地合一向南島騎士致以最高敬意,感激你對這塊土地無怨無悔的耕耘及付出,你的勇猛開拓精神將化為這塊土地的能量,感召新生代。

「李俊賢 -台灣藝壇的南島騎士」一文,發表在台南鹽分地帶文學雙月刊,陳奇相台灣藝術家專欄上,2012-04。並發表在我的部落格上。

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Christophe Chevance-「無題」的藝術哲理:中法對照

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之一

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之二

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之三

尚未完成的構築一個無題畫作 80S 2019 壓克力彩

畫室牆面及壓克力顏料

畫家在無題-挖洞畫作前 作者陳奇相拍攝於畫室

圖文/陳奇相

詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享請細心品嘗閱讀。

法文筆記:Christophe Chevance
中文翻譯:Chen Chi-Hsiang 陳奇相

作為一名藝術家並非易事。就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論國家如何,我們都需要找到在社會中生存的方式。
但藝術家必須找到一種生存之道,同時也需要繼續創作和參展行動。
為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持。

在談論我的藝術作品之前,我想回答我的問題。
什麼是藝術? 特別是造型藝術。

很難準確解釋藝術是什麼。我不假裝持有真相,而我的真相可能不屬於你。 每一個真理都是獨一無二的,沒有絕對的真理。
然而,現代社會一些觀點可解釋藝術的消極性如何對我們所有人都有利。

負面意味著藝術與我們社會中的有用性對立。
與技術之對立。
我的意思是通過技術在藝術中對人類活動的有用性。
用技術反對這一點並沒有錯,因為該技術旨在將其產品用於人類活動。從這個意義上說,藝術是無用的。
與自然的對立。

自然是遵循某些規律和純粹的機械過程,符合物理決定論。
藝術本身預示著自由行為的干預,這在作品中實現了預先存在這工作的目的。
從這個角度來看,這項工作是“無用的”,或者更確切地說是無私和有限的。
與身體的對立。
因為不能說藝術品的質量和審美愉悅對身體或感官具有“實用性”。
與道德的對立。

藝術不同於在道德責任意義上做“好”的感覺。
藝術不遵循任何規則,擁有所有權利,包括可怕和殘酷的美麗。
藝術不僅是在陽光的熱量上升起的樹,也是在黑暗的寒冷深處的根。

所有這些從技術到藝術,自然,物質本身 甚至是道德的“消極”對立都揭示了藝術活動中具體而恰當的“積極”。
與社會相對的藝術不是必要的,沒用的,在這個意義上它成為是不可或缺的。

作為一名藝術家,它分享了他自己對世界的看法。 他是一位探究人員,受強烈想像力所激發的巨大好奇心的激勵。它毫無疑問地繼續學習。它傾聽一個人的感受並教育一個人的敏感性,以便讓其他人在沒有約束,沒有規則和完全自由的情況下教育自己。

所有知識都始於感情。
藝術是為了教育你的敏感性並挑戰你的感受。藝術提問你。這就是他反對社會的原因。
當我談到自我教育時,我不是在談論一般知識,而是談論自我知識。

雖然掌握一些理解藝術作品的關鍵很重要,但總是問問為什麼是沒用的。
當你聽音樂時,你不會問音樂家他為什麼按順序放音符。你喜歡和不喜歡音樂。
它應該與我們看到的不同。視覺和聽覺都不是一種感覺嗎?我們不能超越我們所看到的。

外表可能具有欺騙性,但我們仍然相信我們所看到的。
為什麼總是問為什麼藝術在那裡與你溝通。
答案必須來自你,並且會與另一個人不同。
在一個物質主義社會中所有這些問題都來自於我們生活,每個目標和每個行為都必須具有意義,必須能夠得到解釋。
不管它是什麼所有這一切都是為了獲利。

但不要忘記,藝術的積極性來自於對社會的反對。
對我來說,在我的藝術作品中提出的問題往往沒有理由。
藝術並非旨在提供答案,而是幫助您提出問題。關於你自己的個人問題,你自己可以回答。

現實絕不是藝術作品,而是觀眾的心靈。
眼睛只是一種迴聲,是與我們大腦相關的共鳴。
就像我們的其他感官一樣。
對於任何能夠超越形式的人,都可以建立對話。
形狀,紋理和顏色的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。

這是藝術的本質,是與你的關係和對話。
在我的藝術作品中,我沒有尋找顏色的象徵意義。
顏色的象徵意義取決於我們的傳統和我們的時間起源,與我們的個人情感無關。

顏色對我來說最重要的是與我們的感官互動的能力。顏色有音樂,味道和氣味。
顏色的語言不能用文字轉譯。
顏色是在我們中呼喚或撫慰我們的情感和感受的語彙。
喚醒我們超越人類狀況的意識的感覺語彙。
對於大多數人來說,很難相信顏色可以是他們所看到的以外的任何顏色。
但顏色是音樂,氣味,味道,可以讓我們所有的感官與我們振動和對話。
顏色是對話的邀請,不能保持沉默。

只有黑色和白色的兩種極端顏色,從中散發出無限的灰色,鼓勵沉默,使對話更加平和。
但事實仍然是他們無法保持沉默。
所有其他顏色或多或少地表達自己,並根據他們的關聯或多或少地冷靜。
無論如何,顏色總是有話要說,你可以學習聽到它們,感受它們並聽取它們。

在我的藝術作品中,沒有無辜的顏色,他們聲稱,他們的不完美表現出他們的純潔。
純色是不完美的,這些缺陷揭示了純色。
如果你接受這樣一個事實,即純色是不完美的,並通過它的缺陷顯露出來,那麼顏色就會顯示出來,而不是它的外觀。

也許你只會繼續相信你看到的東西,只會在畫布上看到彩色斑點。
但在我的作品中,所有這些顏色都有理由。它們代表同一實體的三個符號。形成一個整體的三個原則。

它們不是存在的存在之三位一體。
他們是三位一體,不存在的存在。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

它們具有多元性,多樣性和獨特性。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

在我活生生主題中並因此受到有機過程的影響,主題內部的內容是多元性,多樣性和獨特性的來源。主題的外部是解構的來源。

但這不是生命的感官之一,也是許多恐懼的根源。
多重性,多樣性和獨特性是我認為是我們應該進化的世界本質,是每個人應該成為的本質,我們宇宙的本質。
他們反對我們社會所倡導的一致性。
這種均勻性在我的藝術作品中以單色代表。

在我的風景中,我希望通過我們周圍世界的互惠顏色來對待。如果綠色消失,我們的風景會是什麼?地球的顏色將變得占主導地位,而少數顏色如紅色和黃色則會強加於自身。
大自然遵循純粹的機械過程,絕不是慷慨或豐富。自然界豐富最常導致物種滅絕。

我的風景邀請您質疑您對沒有綠色的世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。他們邀請您提出有關所有生活形式和您想要的生活方式的問題。
我的風景由不同的顏色,形狀和材料組成,因為這裡也有多重性,多樣性和獨特性。
無論什麼主題,都可以應用這種多重性,多樣性和獨特性的三位一體。

我說無論主題是活的還是惰性的,因為一個物體,只要它們不是來自一個過程,它的目的是複制和復制相同的物體,三位一體的一部分。
作為一個對象,藝術作品從這個角度來看是這三位一體的完美例證。

如果這個標題“無題”的展覽,而我一些畫作沒有標題,那麼由於一個簡單的原因,它是一個無題的,沒有外表和沒有讓步的自我,它被認為是通過以同樣的方式,它是富繞的財富,一個人不能失去的,它是拒絕其他人的無知,因為我們經常相互交叉而從未真正相遇。
這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇。
成為一個無題是自由的。

重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。
做你自己,感受自己,與藝術對話。

通過藝術,無需不斷尋找答案,而是試著回答問題。所以也許有一天你會在沒有意識到的情況下生活在答案中。
藝術在那裡向你提問,答案只能是個人和個人。因為這裡又是多重性,多樣性和獨特性。
想要談論藝術工作經由作品等於隔離交響樂的音符。它將喪失了所有的意義。

孤立的藝術作品可以在特定的時刻表達一種感覺,一種感覺,但不表達藝術家整體的藝術研究。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。
要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。
藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。

藝術可以改變的是你對世界的看法。
藝術可以改變的是作為一個人的你。
因為如果藝術題問你,或你提正確的問題,那麼你對於你自己,將比你自己演練的那些更重大和更謙虛的…更有所掌握。

正如藝術家在創作中自由。
你可以自由地愛或不愛。
你可以自由地感受到。
你可以自由地質疑自己。
你對藝術作品沒有任何解釋。
你沒有任何想像力。
你可以自由地適應作品。
藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。
成為屬於自己的自由。

你是這種多元性,多樣性和獨特性三位一體的一部分嗎?
你是多色還是單色?
你的內心世界和周圍的人是完美的還是不完美的?
它是土地,行星還是宇宙?
這也是我的藝術作品對你的質疑。
除了你所有的外表外,它質問你一個簡單的問題。
你到底是誰?

Toph法文原稿;
Etre un artiste n’est pas une vie facile. Tout comme la majorité d’entre nous, que nous soyons artiste ou non et quelques soit le pays, il faut trouver un moyen de survivre dans notre société.
Mais un artiste doit trouver un moyen de survivre mais aussi un moyen de continuer à travailler et exposer.
Pour cela je voudrais remercier … pour leur support à cette exposition et le support qu’ils apportent a la création artistique de Chiayi.

Avant de parler de mon travail artistique, je souhaiterai apporter ma réponse à une simple question qui n’en demeure pas moins complexe.
Qu’est-ce qu’est l’art ? Et principalement l’art plastique.

Il est difficile d’expliquer précisément ce qu’est l’art. Je ne prétends pas détenir la vérité, et ma vérité n’est peut-être pas la vôtre. Chaque vérité est propre à chacun et il n’y a pas de vérité absolue.
Toutefois il y a certains points de vue de la société moderne qui explique à quel point la négativité de l’art peut être positive pour chacun d’entre nous.
J’entends par négatif, l’opposition de l’art par rapport à son utilité dans notre société.

Une opposition avec la technique.
J’entends par technique l’utilité de l’art dans l’activité humaine.
Il n’est pas faux de faire cette opposition avec la technique car la technique vise l’utilité de son produit dans les activités humaines. Dans ce sens l’art est inutile.
Une opposition avec la nature.
La nature suit certaines lois et procédés purement mécaniques, se conforme à un déterminisme physique.
L’art lui-même suppose l’intervention d’un acte libre, qui réalise dans l’œuvre une fin qui préexiste à cette œuvre.
De ce point de vue, l’œuvre est « inutile » ou plus exactement désintéressée et fini.
Une opposition avec le physique.
Car on ne peut pas dire que la qualité et le plaisir esthétique de l’œuvre d’art ait une « utilité » pour le corps ou les sens.
Une opposition avec la morale.
L’art se distingue du sentiment d’accomplir quelque chose de « bon » au sens d’un devoir moral.
L’art ne suit aucunes règles et a tous les droits, y compris celui d’être terrible et d’une beauté cruelle.
L’art n’est pas seulement un arbre s’élevant sous la chaleur du soleil mais aussi les racines s’enfonçant profondément dans la froideur des ténèbres.
Toutes ces oppositions « négatives » de l’art à la technique, à la nature, au physique et même, au moins parfois à la morale, révèlent ce qui est spécifique et proprement « positif » dans l’activité artistique.
L’art par opposition à la société n’est pas nécessaire et n’a aucune utilité, c’est en ce sens qu’il est indispensable.
Etre un artiste, c’est partagé sa propre perception du monde. C’est continué à apprendre sans aucunes certitudes. C’est être à l’écoute de ses sentiments et éduquer sa sensibilité. C’est permettre aux autres de s’éduquer eux-mêmes, sans contraintes, sans règles et en toute liberté.
Quand je parle de s’éduquer soi-même, je ne parle pas de connaissance générale, mais de connaissance de soi.
Toutes connaissances commencent par les sentiments.
L’art est là pour éduquer votre sensibilité et interpeler vos sentiments. L’art vous questionne sans jamais affirmer.
C’est aussi en cela qu’il se situe en opposition par rapport à la société.
Même si il est important d’avoir certaines clefs afin de comprendre un travail artistique, il est inutile de demander tout le temps pourquoi.
Quand vous écoutez une musique, vous ne demandez pas au musicien pourquoi il a mis les notes de musique dans cet ordre. Vous appréciez la musique ou non.
Doit-il en être diffèrent avec ce que l’on voit. La vision n’est-elle pas un sens au même titre que l’ouïe. Ne peut-on pas voir au-delà de ce que l’on voit.
Les apparences peuvent être trompeuses mais nous continuons à croire en ce que l’on voit.
Pourquoi toujours demandé pourquoi alors que l’art est là pour communiquer avec vous.
Les réponses doivent venir de vous et seront différentes d’une autre personne.
Toutes ces questions viennent du fait que nous vivons dans une société matérialiste ou chaque but et chaque acte doivent avoir un sens, doivent pouvoir s’expliquer.
Tout ce que l’on fait doit apporter un bénéfice quel qu’il soit.
Mais n’oubliez pas que la positivité de l’art vient, entre autre, de son opposition à la société.
Bien souvent les questions qui me sont posées sur mon travail artistique ont, à mes yeux, aucunes raisons d’être.
L’art n’a pas pour but d’apporter des réponses mais est là pour vous aider à vous poser des questions. Des questions personnelles propres à vous-même dont vous êtes les seuls à pouvoir répondre.
La réalité n’est jamais dans le travail artistique mais dans l’esprit du spectateur.
Les yeux ne sont qu’un écho, une résonance liée à notre cerveau.
Tout comme nos autres sens.
Pour quiconque sait voir au-delà des formes, un dialogue peut être établi.
Un langage de formes, de textures et de couleurs qui ont la capacité de mettre en résonance nos sens.
C’est l’essence même de l’art, d’être en relation et de dialoguer avec vous.

Dans mon travail artistique, je ne recherche pas la symbolique des couleurs.
La symbolique des couleurs dépende de nos traditions et de nos origines dans le temps et n’a rien à voir avec nos émotions personnelles.
Ce qui m’importe dans les couleurs c’est cette habilité à dialoguer avec nos sens. Les couleurs ont une musique, un gout et une odeur.
Les couleurs ont un langage qui ne peut pas être retranscrit par les mots.
Les couleurs sont le langage des émotions et des sentiments qui crient en nous ou nous apaisent.
Le langage des sentiments qui éveille notre conscience au-delà de notre condition humaine.

Il est difficile pour la plupart des gens de croire que les couleurs peuvent être autre chose que ce qu’ils voient.
Mais les couleurs sont musiques, odeurs, gouts et peuvent mettre tous nos sens en vibration et dialoguées avec nous.
La couleur est une invitation au dialogue et ne peut se taire.
Seul les deux couleurs extrême que constituent le noir et le blanc, d’où émanent une infinité de nuances de gris, incitent au silence et rendent le dialogue plus paisible.
Mais il n’en reste pas moins qu’elles ne peuvent se taire.
Toutes les autres couleurs s’expriment de manière plus ou moins bruyante et selon leurs associations d’une manière plus ou moins calme.
Les couleurs ont toujours quelque chose à dire et c’est à vous d’apprendre à les entendre, à les sentir et à les écouter.
Dans mon travail artistique, il n’y a pas de couleurs innocentes, elle revendique, elles clament et leurs imperfections révèlent leurs puretés.
Une couleur pure se veut imparfaite, une couleur pure se révéler grâce à ces défauts.
SI vous accepter le fait qu’une couleur pure se veut imparfaite et se révèle grâce à ses défauts, des lors la couleur se révèle telle qu’elle est et non pas telle qu’elle parait.

Peut-être continuerez-vous à ne croire que ce que vous voyez et ne verrez que des points de couleurs sur une toile.
Mais dans mon travail artistique, tous ces points de couleurs ont une raison d’être.
Ils représentent trois symboles d’une même entité. Trois principes qui forment un tout.
Ils sont multiplicité, diversité et unicité.
Ils sont la trinité non pas de l’existence mais d’exister.
Ils sont la trinité non pas de l’être mais d’être.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes qui nous entourent.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes à l’intérieur de nous.
Dans mes sujets vivant et donc assujettie a un processus organique, ce qui est intérieur du sujet est source de multiplicité, de diversité et d’unicité. Ce qui est extérieur du sujet est source de décomposition.
Mais n’est-ce pas là un des sens de la vie et la source de nombreuses peurs.
La multiplicité, la diversité et l’unicité sont ce qui constitue, à mes yeux, l’essence même du monde dans lequel nous devrions évoluer, l’essence même de ce que chacun devrait être, l’essence même de notre univers.
Ils se trouvent en opposition à l’uniformité préconisé par notre société.
Cette uniformité qui dans mon travail artistique est représenté par la monochromie.

Dans mes paysages, j’ai voulu traité par le biais de la couleur de la réciprocité du monde qui nous entoure. Que serait nos paysages si le vert venait à disparaitre. Les couleurs terre deviendraient prédominantes et des couleurs minoritaire tel que le rouge et le jaune s’imposerait d’elle-même.
Mes paysage invitent à vous questionnez sur votre vision d’un monde sans vert et ce que serait notre place dans une nature ou le vert disparaitrait. Ils vous invitent à vous questionner sur le chemin que prend toutes forme de vie et celui que vous souhaitez emprunté.
La nature suit un procédé purement mécanique et n’est en aucun cas généreuse ou abondante. L’abondance dans la nature mène le plus souvent à l’extinction d’une espèce.
Mes paysages se composent de diverses couleurs, forme et matière, car là aussi il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Quel qu’en soit le sujet, cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité peut être appliquée.
Et je dis bien quel qu’en soit le sujet, vivant ou inerte, car un objet, à la condition qu’ils ne soient pas issus d’un procédé ayant comme finalité la duplication et la reproduction d’objets identiques, fait lui aussi partie de cette trinité.
L’œuvre d’art, en tant qu’objet, est de ce point de vue une parfaite illustration de cette trinité.

Si cette exposition a pour titre « Sans titre » et que certains de mes tableaux sont des sans titres, c’est pour la simple raison qu’être un sans titre et être soi sans apparence et sans concession.
C’est pensé par soi-même.
C’est être riche d’une richesse que l’on ne peut pas perdre.
C’est refusé l’ignorance des autres, car trop souvent nous nous croisons sans jamais vraiment se rencontré.
C’est refusé l’ignorance des choix car dans un monde ou l’information est si facilement accessible, l’ignorance est devenu un choix.
Etre un sans titre, c’est être libre.

Soyez vous-même, loin de toute apparence, car la société quel qu’elle soit, est trop souvent dénué de sentiments et l’uniformité et la moralité y règne en maitre.
Pensez, ressentez par vous-même et dialoguer avec l’art.
La connaissance de soi commence par les sentiments et l’art peut vous aidez à éduquer votre sensibilité.
A travers l’art, ne cherchez pas continuellement des réponses mais essayé de vivre la question. Alors peut-être un jour vivrez-vous dans la réponse sans même vous en rendre compte.
L’art est là pour vous questionner et la réponse ne peut être que personnel et individuelle. Car là encore il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Vouloir parler d’un travail artistique à travers une œuvre équivaut à isoler les notes de musique d’une symphonie. Elle en perd tout son sens.
Une œuvre d’art isolée peu exprimer un sentiment, un ressentit a un moment donné, mais n’exprime en rien la recherche artistique de l’artiste dans sa globalité.
Un véritable artiste a pour vocation à évoluer et son travail artistique évolue avec lui.
Pour comprendre un travail artistique, il est plus important de comprendre le créateur que sa création.
Un travail artistique ou un artiste ne changera jamais le monde et ceux qui pensent le contraire vivent dans une illusion, car la perception de l’art est individuelle et non collective.
Ce que l’art peut changer, c’est votre perception du monde.
Ce que l’art peut changer, c’est vous en tant que personne.
Si l’art vous interroge et que vous vous posez les bonnes questions.
Il n’y aura pas de maitrise plus grande et plus humble que celle que vous exercerez sur vous-même.
Tout comme l’artiste est libre dans sa création.
Vous êtes libre d’aimer ou non.
Vous êtes libre de ressentir ou non.
Vous êtes libre de vous questionner ou non.
Vous êtes libre de toute interprétation du travail artistique.
Vous êtes libre de toute imagination.
Vous êtes libre de vous appropriez l’œuvre.
La seule liberté que l’art ne pourra pas vous donner car cette décision n’appartient qu’à vous.
C’est la liberté d’être vous-même.
Faites-vous parti de cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité ?
Etes-vous multi couleur ou monochrome ?
Votre monde intérieur et celui qui vous entoure se conjugue-t-il au parfait ou à l’imparfait ?
Est-ce une terre, une planète ou un univers ?
C’est aussi en cela que mon travail artistique vous questionne.
Par-delà toutes vos apparences, il vous pose une simple question.
Qui êtes-vous ?

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Christophe Chevance-「無題」個展:

左-無題-挖洞 120s 中- 無題-在雨中 200F 右-無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

無題-挖洞 120s 2018 壓克力彩

無題-在雨中 200F 2018 壓克力彩

無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

構築一個無題 80S 2019 壓克力彩

沒有綠色的景觀 各60F 2018 壓克力彩

沒有綠色的景觀 120F 2018 壓克力彩

風暴臨窗 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

混沌中心 100F 2016 油畫克力彩

左-風暴臨窗 80F 2016 右-沒有綠色的景觀 100F 2016 壓克力彩

左-窗口 80F 2018 壓克力彩 右-在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

蘋果 80F 2018 壓克力彩

Christophe Chevance 簡稱為Toph與國際藝評人陳奇相

圖文/陳奇相

「要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。」

Christophe Chevance (簡稱為Toph)

時間:2月18日至3月15日
地點:嘉義市地檢處大廳

前言-「無題」:
「無題」個展呼應其「無題」畫作,「無題」並非無內容物,盡在不言中之沉默語言,話語是多餘地,多元多樣與豐富獨特性造型語彙,賜給觀眾一雙翅膀展翼翱翔,敞開其感知與想像空間,自由心證。身為異鄉人Toph有一種特立獨行的處世態度、哲理及美感,認為他的生活也是「無題」,其實真實的存在是無解的。畫家說:「這『無題』個展標題,眾多畫作也『無題』,那因這個無題的,沒有任何表象和沒有讓步的自我,它被認為是通過 以同樣的方式,它富饒而豐富,是一個人無法丟失的,它是拒絕他人的無知,因為我們經常相互交會而從未真正相遇,這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇」「作為一個『無題』,它是自由的」。(註1)

在嘉義的一個法國畫家的故事:
Christophe Chevance 簡稱為Toph是位大叢朵鼻啊法國人,〝 嫁〞給一位纖細精明能幹的台灣夫人Sunny,並為愛漂泊至異鄉-美麗島嶼,家-成為法國佬的避風港,台灣人的洋女婿,三個台灣孩子的巴,桃城成為其落地生根的-家,天涯一方舟他鄉成為我鄉。他敏銳善感,有一對尖銳的眼睛擅長於觀察與思考,做事認真細心,其法國身分隱藏於流利的英文裡,「無題」的有意選擇不學(講)台語或中文,放下身段做個若隱若離的異鄉人,隱世於台灣社會複雜的人情世故後,喜歡獨處及家庭生活,過著他簡樸而富繞且自如的「無題」生活,這完全是個人的選擇。

異鄉人Toph從小就對畫情有獨鍾,一生著迷於畫,為追求藝術,很年輕就離開他心愛的海岸故鄉布列塔尼到巴黎奮鬥,生活的坎坷經由職訓成為劇場舞台設計技能,擅長畫及裝修的他,白天從事劇場舞台設計晚上熱情奮進的揮毫其藝術。為了追求自已的夢,不管生存多坎坷困難都一值念念不忘初衷-想望藝術之夢,畫是存在的出口駛向意識汪洋大海,藝術的道途千辛萬苦想望生命的未來。婚後,為愛漂泊至異鄉台灣,首先落腳於台北奮進,而後又跟隨愛妻從繁華的都會來到南島庄腳都市,落腳定居在桃城-嘉義娘家。

Toph很清楚身為畫家並非易事, 就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論在那個國家,我們都必需找到一種在社會中生存的方式。藝術家必須找到一種生存之道,同時也必須繼續創作和參予活動。搬回桃城觸礁於現實生活裡,為了基本餬口與創作資源,下海開啟法國迷惑人的餐飲料理,開了間個性風味小餐廳。精於畫及裝修的他,將一間廢棄破舊木屋整整發了一年時間,日以繼月親自一手整裝成一間溫馨個性嘉義法式餐酒館,生意蒸蒸日上,成為桃城最有質感且亮麗的個性小餐廳之一,為追憶巴黎蒙馬特取名為「小黑貓」,經營一年因租約到期,便將所有建立的一切讓渡與屋一同歸還屋主。

他接受命運之安排,一切歸零,異鄉人不免心生吶喊「無題」遭遇,帶著重挫所攜帶的力量,再次至林森路一間倒塌危樓破舊木屋重新起灶,大費周章一年多,再次傾其心力整修一番,為了生活捲土重來,「小黑貓」又重出桃城。小小法式餐飲店,在愛妻大力協助與支持下,夫婦倆用心經營下的「小黑貓 」一如旭日再次東昇,逐漸佳績,佳評廣播,成為地方異國婚姻融入社會成功案列,吸引在地眾多傳媒的關注。然而每次的「小黑貓」嘉義法式餐酒館之新聞報導,都讓Toph哭笑不得,漠視地稱他為法國廚師,陰錯陽差下畫家心底在哭泣,台灣人舌尖文化太糜爛了,命運捉弄,為了現實生活而遠離其想望的繪畫創作,其心理是多麼的掙扎與困惑。三年多來經常徘迴在午夜夢醒的藝術,念念不忘創作的初衷,
Toph由衷感謝這次台灣嘉義地方檢察署的邀請個展,讓他重拾起畫筆耕耘其心所愛的藝術心田,畫家說:「為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持」。

「無題」沉默之言的新作:
Toph三年多沒創作的空白日子裡,無可承受的生命之輕以及對藝術深思的沉澱,孕育出他深厚的藝術哲理,與受強烈想像力所激發的巨大好奇心所驅使的創作。明顯地,藝術是Toph盡在不言中且最強而有力之沉默語言及內心的呼喚。感謝這次的個展及內人的支持,讓他敞開心胸鼓起十足勇氣重拾畫筆,克服萬難的創作,擁抱自已的熱情,煥然一新的創作視野,讓他的創作脫胎換骨。相由心生,境隨心轉,從早期盤根錯節的樹(根)作為其漂泊離鄉背井的徵象寫照主題中解放出來,遵循本能感性的表現,強烈感受與覺知下,借題移情抒發其情感及安撫其生靈,簡而意駭闡述其異鄉人存在意識。

Toph認為我們周圍世界是充滿多元性,多樣性和獨特性,他的創作及作品也不列外,解構是其創作源泉。他只探討一些純屬個人的東西,在主觀、本能、感性及表現性下擺脫全部模擬觸點及慣性圖畫,創作表現是多元與多樣,新系列:人物系列、風景系列及風暴在窗口系列,簡化形式下給予色彩一種感性的意義,意圖表現每樣東西的本質及同時回應情感上的沖擊之強度。

人物系列:
異樣穿草綠色彩迷裝如軍人之人物系列,是在這冷漠無感的世界裡,永遠看不到臉孔的人物,暗喻與指涉人類的虛無與自負虛榮,簡化人物形象及不實的身軀,行屍走肉經常相互交會而從未真正相遇的情境,畫面呈現一股強烈張力 。三位被淋著粗曠黑(筆觸)雨空間場景所吞沒之行人、一位巨大背向觀眾的中空人物及一位充滿肢體語彙軀體被畫框住的人物,另一最具徵象性手持電鑽開挖馬路的工人,示意對這無感無知冷漠社會之關愛。闡述Toph異鄉人的存在之焦慮、孤獨、苦悶、困頓、無助的心靈寫照,畫家寫道:「重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。做你自己,感受自己,與藝術對話。」

風景系列:
色面化的主觀意識之紅土高原風景,於後自然的超現實荒謬情境中,錯置的空間及想像,在現實及超現實,抽象及意象間。畫家邀請觀眾質疑對沒有綠色世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。 邀請我們提出有關所有生活形式和您想要過的生活方式的問題。其中一幅讓Toph憶起他故鄉的海灘風景意象,午夜夢醒的情境或遊子對故鄉思念的情懷。

窗上的風暴系列:
依畫面支架成型,垂直平性劃分窗戶架構,以對照性的色彩及大筆揮毫個性筆觸,借景移情抒發其情感及覺知意識。氣候就像脾氣反映人們強烈地的情緒感受,畫家睿智的借此系列覺知自已內在情緒風光,回應心情沖擊之強度梳理其能量,外境是內在的顯現,更是內心場景寫照,闡述畫家生命之起伏,藉此看見自已,傾聽自已內在聲音。畫家說:「我們都受情緒的影響。 這與良心無關,與任何人或我們以外的任何事物都沒互相關係。有時候,這些情緒可能是風暴發出必須通過的能量。如果被忽略或扼殺這種內在力量,它就會變成負能量並經常導致退縮。無論我們面對這場風暴的立場如何,無論我們是演員還是觀眾,我們都會受苦。如果我們與之力量對抗,它可能是破壞性的,但如果我們讓自己順其所然的梳理,它也可以成為更新的源泉。」(註2)

形式、色彩與質感:
本能及感性之大筆觸揮灑下的徵象性人物、風景或窗戶,都在簡化、平面化、色面化及主觀化特徵上,加上有溫度會說話的色彩,大器的構圖,畫面總是覆蓋著一層或多層白色隱藏眾多大小筆觸,細膩紋理的質感,彰顯形式的主體。形式化為畫的軀體,色彩成為靈魂,筆觸為情感的溫度,紋理質地作為感覺的載體。「形式、色彩及紋理質地的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。且無論什麼主題,都可以應用這種多元性、多樣性和獨特性的三位一體。這多元性、多樣性和獨特性,畫家認為是我們應該發展的世界之本質,是每個人應該成為的本質。反對我們社會所倡導的一致性,這種均勻性在他的藝術作品中以單色來表現。」(註3)

具洞察力的「無題」藝術思維與哲理:
詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享,這文章結論擷取片段如下,請細心品嘗閱讀。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。藝術可以改變的是你對世界的看法。藝術可以改變的是你作為一個人。因為如果藝術題問你和你正確的提題,那麼你將不會比你自己演練的那些更大和更謙虛的掌握。正如藝術家在創作中的自由。你可以自由地愛或不愛。你可以自由地感受。您可以自由地質疑自己。你對藝術作品沒有任何解釋。你沒有任何想像力。你可以自由地應適作品。藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。必成為屬於自己的自由。(註4)

註1-4:來自Toph藝術思考筆記
2019-02-10 桃城-嘉義

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曾雍甯-「燦燦光彩」個展:

曾雍甯-「燦燦光彩」個展現場

左-花團圓 166x154cm 2018 原子筆 金箔 紙 右-四季系列 2018

左 -原風景 121x243cm 2013 中-春天里 02 155x228cm 2018 右- 原風景05 121x243cm 2013 原子筆 彩鉛 紙

波光01 02 03 150x103cm 2014 礦物彩 紙

迴旋 02 206x306cm 2014 礦物彩 紙

左-是幻01 103x153cmx9p 2013-15 原子筆 紙

2019 空間裝置 鏡面

綻放 28 162x243cm 2012 原子筆 紙

左-四季 秋彩 右-四季 冬暖 各114x280cm 2018 綜合媒材 紙

四季 冬暖 局部 114x280cm 2018 綜合媒材 紙

圖文/陳奇相

時間:元月25日至4月14日
地點:彰化縣立美術館

「形象是種感覺,色彩則是論證」

曾雍甯(1978年出生鹿港人)是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,更是台灣新生代平面繪畫最耀眼的一位,以其光彩奪目原創性原子筆畫著名,在現代主義精神下勘探工具之新繪畫語彙,專注於紙繪本,他創作一場又一場的「繁花似錦」且「燦燦光彩」。他的創作靈感來自原鄉傳統民藝形式、色澤及文化裝飾性,森羅萬象的形式及繽紛燦爛色彩,形構令人目眩神迷萬花筒綺麗裝飾性繪畫風格,充滿在地的能量、意識及震盪。圖形為意志的強度,色彩成為感情溫度,「形象是種感覺,色彩則是論證」或「形象作為軀體,色彩化為靈魂」。其眩漾的視覺效果作品展露細膩、樂觀、律動的愉悅美學,「繁花」之曼陀羅成為畫家生命煉金術,承載著其豐富感情及心靈意識。

曾雍甯最獨道的風格是裝飾性的愉悅美學,對他而言形與色是一體,必需思考形式,再加上對色彩豐富想像力。他對色彩沒有禁忌也不設限,偏愛純色亮麗的高彩度色相,時溫馴合諧,時奔放對比,意圖解放傳統色彩,表現無比的張力。謎樣的色彩在他直覺及想像裡發揮至登峰造極,是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,高更說:「色彩帶給我們的感官刺激,其本身就如謎,所以邏輯說來,也只能謎一般運用。每一次,使用色彩不是為了描繪,而是取色彩自身流瀉出的音樂感覺,色彩的特質,內在神秘的謎樣力量。憑藉著精巧的和諧,可以,創造出象徵。色彩是和音樂一樣的顫動,足以觸動自然界最普遍,而且無處不在的,最廣泛的內在力量。」

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台北第一屆當代藝術博覽會省思:

台北第一屆當代藝術博覽會-這新型藝術品場景顛覆台灣觀眾的視野

難得一見的日本最頂紅藝術家-草間彌生的大作 06 Yayol Kusama flowers that bloom at midnight list g-2010 及 d-2016

東南亞藝術家 Isabel and Alfredo Aquilizan( b-1965 1962) left wing project-(belok kiri jalan terus)302x85cm 2017-18 hand-forged sickles 302x85cm

英國著名藝術家 Sarah Lucas b-1962 the good ,the bad and the ugly 2014 g-left chair d-right chair 84×40,5x52cm

Vivian Suter 3 individual works,each untitled,undated mixed media on canva dimension variable

當代藝博出現一張 Georg Baselitz漂亮的 the messenger 1984 250x200x4cm oil on canvas,旁邊是名英國雕塑家Tony Cragg的大作

左-Shirazeh Houshiary b-1955 feel 2018 120x120cm pencil and pigment on black aqucry on canvas and aluminium 右-Anish Kapoor b-1954 untitled 2014 alabester 83x82x63cm

台灣新生代藝術家Chou Shin Hsiung b-1989 100 faces of youth 2019 1152x600x413cm oil in pesrpex

圖文/陳奇相

台北第一屆當代藝博會啟開台灣藝術市場進入全球化的戰國時代,激發台灣藝術產業及挑戰在地的創作,無法跟上時代產業價值的畫廊,將黯然失色,也會自動消失(或許成為飯店博覽會展的藝品店)。那無法與時俱進的創作將無法立足,將自閉中窒息。殘酷的事實中,甚至於台灣高等藝術大學也不列外,呼嚨學生的藝術課程及方法,不只無法與時俱進及無法激起學生創意的教學,也將受到學生質疑,甚至於挑戰。當代藝術西方當然不是我們藝術的版本及指引,但他山之石,足以顛覆我們的思考與產業。台灣藝術、藝術教育及藝術產業加點勁吧,創作自已的價值,心想著,我們被全球化了嗎?

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南北藝術家大會聚於曾雍甯「燦燦光彩」個展開幕:

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕海報

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕-大合照

中間是藝術家曾雍甯-左旁邱樑城及其弟弟與兒子與我 右旁-蘇國慶、許雨人、蔡宜儒

藝術家曾雍甯及王品驊與陳明德夫婦及孩子與我

陳世明綜探語境紛絲團-藝術家及林賢俊、郭淑莉與我

南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦與我

圖文/陳奇相

在台灣我罕少主動去參加藝術展覽開幕(除非好朋友或受邀對談等),這並不代表我不看展覽,看展是我最喜歡最享受的時刻,喜歡獨自安安靜靜不受干擾的享受看展,逍遙於藝術的森林裡悠悠自如,靜謐地與藝術對話或談情說愛。

今年將第一個參加開幕,獻給曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展,這是受邀的承諾,也很期待看雍甯的新作。尤其對台灣新生代藝術創作的好奇,從這世代創作或多或少都窺探到台灣當代藝術的新能量。

沒想到曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕聚集台灣南北藝壇的人氣,請一遊覽車台北的藝術家朋友們南下,南部藝術家們前來,南北藝術家大聚陣的會師彰化之盛況,幾乎都是中青輩藝術朋友,及畫家的北藝大藝術家同學們,輸人不輸陣般,大致上都是熟悉面孔的藝術家朋友們,很高興的都在這「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕團聚。

北部悍圖社有:楊茂林、陸先銘等,及曲德義、蘇國慶、蔡宜儒、蔡宗隆、邱樑城及其兒子等。陳世明綜探語境粉絲團:林賢俊、郭淑莉等。南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦等,來自台南的許雨人、高雄的李宣霈及在地彰化的鍾敏建夫婦、陳明德夫婦與董明晉,來自宜蘭的林萬士。此展的策展人王品驊,來自台北的藝評人沈柏丞及張禮豪等等,還有雍甯的家人及親朋好友們齊聚一堂,不知道是否有收藏家參與開幕?開幕不該只是藝術家們自家取暖。我經常說「當藝術家真好,每次個展就像生日派對般,能聚集親朋好友們及久未會面的藝術家朋友們」。

隆重的開幕後,大聚陣的藝術家們移場至雍甯的故鄉-鹿港,畫家的家人請桌,大夥乘著大遊覽車來至古城-鹿港,華燈初上,我們參觀了歷史名勝古蹟龍山詩,參拜神明並體驗一下雍甯創作源泉的廟宇的裝飾圖案。最後來到鹿港的「紅樓餐廳」,藝術家們與雍甯父親地方父老級的朋友們,共有八或十桌,傳統辦桌十幾道鹿港家鄉風味佳餚配紅酒啤酒讓我們品嘗盡歡,不只畫家、策展人、畫家父親及鹿港鎮長都過來敬酒,享受藝術及美食的饗宴,在美酒笑談言歡裡,直到深夜,趕上最後一班火車返家。也認識一些新藝術家朋友們,由衷感謝雍甯夫婦及其父親的用心及細心,真是美好的一天。

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Anna Hulacova 袖珍型個展:

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)全景 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至12月16日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館-開放空間

開放空間(Open Space)是Louis Vuitton美術館專門用來奉獻創建最當前藝術的展覽空間,定期邀請法國和國際藝術家想像一個特定的計畫。在美術館頂樓建築中的小小游牧空間,經常隱藏在館內大展中而不為人所知展覽,夾帶在大展中,這袖珍型空間變成化外之地,但這空間展出的作品卻值得大家回味,它都或多或少但有點時代的訊息,近年來眾多東歐新秀經常在此出現。

Anna Hulačová袖珍型個展則夾在Egon Schiele及Jean-Michel Basquiat繽紛燦爛回顧展間,觀眾們被這兩大藝術明星所吸引,卻忘了Anna Hulačová展的存在。作為一位藝術的狂熱份子沒有一樣展覽會被漠視,推開空無一人的展場,顧展美術館員用驚呀的眼光看著我,這並不列外,確實有點有眼不識泰山之感覺?

Anna Hulačová (1984年出生)出生於捷克目前工作與生活於首都布拉格,是東歐正冉冉昇起的當代藝術新秀,以其混凝土的群像雕刻著名,她的創作建立在多重靈感上,參雜著古希臘羅馬神話及捷克民間傳說並加入現代主義之元素,在後現代藝術的徵象裡。經常體現簡化的人物與動物之間的混合生物,在現實及超幻、詩意及想像、古老及未來之間,似乎是一個不斷幻變的世界寓言。

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)(2018)則是一件人物及生物圖形群組的獨特空間裝置,以淺藍色倒立戶外小游泳池上斜躺身上冒著氣泡手拿著一串葡萄怪胎酒神為核心,周邊圍繞著一組四個人物頭上頂著或拿著無性別家電(如水壺,烤麵包機,機器人攪拌機等)的現代人,日常用品取代了神話故事中的食物及飲料。後面一系列裝飾性的生物或植物璇迴曲線戲劇性場景,混合現代及傳統、敘述及文學性的情境,欲圖指涉一個關於未來世界的幻想。藝術家說「我看到了孤零零的雕塑 – 無論是作為一個受環境影響的人之角色還是剪影,一組雕塑,相反,代表著一個影響我們經營環境的社會」。

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Egon Schiele「特展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Egon Schiele的展覽看板

Egon Scheiele 與雞的自畫像 1912 水彩及鉛筆/紙本

Egon Scheiele Danae 1909 油畫及金屬顏料/畫布

Egon Scheiele 小城IV 1914 油畫及黑蠟筆 /畫布

Egon Scheiele 背向男裸 1910 水彩及炭筆/紙

Egon Scheiele 年輕人畫像 1910 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 跪著半空女人 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 紅裙黑臂女孩 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 白女人睡著 1914 水彩石墨/紙

Egon Scheiele 睡著的女人 1917 炭筆及彩色石墨/紙

Egon Scheiele 自畫像 1914 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 睡著紅色吊襪帶女人 1913 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 自畫像 1916 鉛筆/紙

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館

這次Louis Vuitton美術館隆重舉辦Egon Schiele的展覽,距離上次在巴黎展出已有25年之久,在這2018年作為Schiele去世百周年的紀念展,可以想像這個展出讓巴黎觀眾們喜出望外充滿好奇心及想望。在美術館很有意思的策畫下,讓兩位藝術天才針鋒相對,與上世紀末另一具傳奇性的畫家Jean-Michel Basquiat同時對照性的展出,兩位都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。這次特展之經典作品大部分來自於私人收藏,且眾多是罕見公開展出,此展以紙本作品為主體,幾幅油畫作品,足以完全滿足眾多藝術愛好者們的想望。

Egon Schiele(1890-1918)是上世紀初奧地利表現主義代表性畫家,顛覆維也納傳統的美感與經驗,以其創新強烈表現性之人物與身體扭曲著名,在主觀之肢體及質感線條、色彩塗抹的魅力下,觸及內心的悸動,示現出一種感性、內省、強烈慾望(充滿性慾)和其存在的不安與悲慘感覺令人著迷。主題環繞在觸及靈魂深處的人物、女裸或半裸體(撩人姿態)、眾多自畫像、肖像畫及少數風景建築畫,筆下人物都顯頹靡,曖昧神態,焦慮的眼神,令人坐立不安,作品充滿強烈豐富情感且性感十足。

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Jean-Michel Basquiat「回顧展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Jean-Michel Basquiat「回顧展」招牌

Jean-Michel Basquia 無題 1982 壓克力 噴漆 及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquia 無題 1981 壓克力 噴漆及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquiat 囂張地警察 1981 壓克力及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 洗禮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 嬰兒潮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 男孩和狗在johnnypump 1982 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat 奴隸拍賣 1982 壓克力
粗蠟筆及紙剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat 作為一個年輕無用的藝術家之肖像 1982 壓克力 油畫 粗鉛筆/木板及金屬

Jean-Michel Basquiat 第三世界的汽油價格 1982 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat gillo 1984 壓克力 粗鉛筆及剪貼/木板

Jean-Michel Basquiat Js Milagro 1985 壓克力 油畫 粗鉛筆及剪貼/門板

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol 精神能量 1985 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol OP OP 1985 壓克力/畫布

jean-Michel Basquiat 彼得和狼 1985 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

jean-Michel Basquiat 無題 1987 壓克力 油畫 石墨 毛氈顏色及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat exu 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 「騎死了」 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton基金會

巴黎2018年下半年最盛大與不能錯過的經典展覽,就在Louis Vuitton美術館,同時兩個對照性展覽:上世紀初的畫家 Egon Schiele(1890-1918)特展與上世紀末的 Jean-Michel Basquiat(1960-1988)回顧展,兩位都是傳奇性與悲劇性的代表性畫家,兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。

巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat)是當今藝術市場屢創高價最頂紅的藝術家,也是最傳奇性的一位,以其響亮且家戶人曉的街頭藝術著名。這次巴黎Louis Vuitton美術館所隆重舉辨的 「回顧展」是巴黎2018年下半年藝都最盛大與不能錯過的一個經典展覽, 更是近些年來Basquiat最完整最精采最豐盛的一場藝術的饗宴,從他早期剛出道的塗鴉「無題-車禍(1980)到最後的「騎死了」(1988)騎在死神上,死神接見預知其死期將至,包含素描、壓克力及油畫與多媒介大小畫作共有120多幅,幾乎他最經典作品都到齊,且眾多是首次公開展出。展覽佔領大半場館從地下層至四樓,經由未發表作品互相對照時間順序排列的節奏,主題比較和主要合奏。

從三幅具代表性「標誌性的頭腦像」揭開參展途徑,接著依照經由不同街頭作品,英雄及戰爭,音樂,大作品,與Andy Warhol 合作之作品,晚期作品,展覽結束於Basquiat最後一幅徵象性的「騎死了」(1988),在巴黎首次展出的驚人作品。。

Jean-Michel Basquiat的傳奇一生:
巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat(1960-1988年)是當代藝術裡最具傳奇性的藝術家,至今塗鴉幫中名聲最為響亮,與哈林(keith Haing)兩位都是紐約牆上塗鴉的明星,崛起上世紀80年代初於紐約蘇荷之東村,是當今藝術拍賣市場屢創高價最頂紅的藝術家。兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(前者28歲-後者32歲)就消失於黑夜的星空。巴斯奇亞出生於紐約布魯克林區是南美洲移民的第二代,父親是海地人,母親是波多黎哥人。他的母親從事印花布設計,對他的藝術有絕對性的影響,並鼓勵他往這方面發展。巴斯奇亞四歲就開始塗鴉,展現其才華,畫他所看到的及夢見的,從此愛不釋手,家又住在海地區,與典藏美國藝術的柏克林美術館毗鄰,經常有機會與母親一起参觀美術館。父親是爵士樂的歌迷,祖父曾是吉他手兼拉丁諾樂團指揮,巴斯奇亞在這藝術的薰陶下,小時一直夢想成為一位作家或漫畫家,就立大志「我十七歲以後,就想成為一位明星」。

巴斯奇亞的命運隨著七歲時一場意外車禍而住院,在醫院期間,母親送了一本命為「Gray s解剖學」的書,成為他住院期間最佳消磨光陰的書籍,這些圖象也深 深的影響他早期的畫作,也成為他往後樂隊的名稱。也是七歲時父母親不和而仳離。1974-1976年返回海地居住,1976年重返紐約,入學結交Ai Diaz成為好友。這時期他開始與Ai Diaz走上街頭塗鴉,活躍於蘇荷區畫廊一帶,自由形象的符號及書寫句子,帶有幾分詩意,經常簽上「SAMO」,戲謔或幽默意味著「同樣老套」的意思。

1978年他被勒令退學並離家出走,開始過著波西米亞式生活,為了生活在街道上販賣汗衫及明信片。開始著迷著音樂,参與樂團,進出紐約年輕人的地下文化基地「Mudd」及「
57」俱樂部。這是當時藝文界的天堂,在這人文薈萃的地方巴斯奇亞巧遇了搖滾樂手Bowie、Madonna、Warhol及哈林等人,其中Warhol也買了他親手所繪的明信卡片,給予不少的鼓舞及肯定其藝術才華。這時也認識策展人及藝評家Diego Cortez,隔年在紐約東村這藝文圈中漸漸走紅,經常上Glenn Obrien電視節目出現。1980年新時代的來臨,紐約正處在新舊交替的時刻,新藝術思潮的興起,六月天在紐約紅燈區第四十二街的時代廣場, 與龐克及塗鴉族的藝術家一起聯展,開始引起媒體的注意。隔年詩人及藝評家Rene Ricard,在著名的Artforum發表了一篇「容光煥發的孩子」一文,提拔並將巴斯奇亞推上國際舞台。另一貴人藝評家Diego Cortez對巴斯奇亞的畫情有獨鍾,不只以文介紹他並找人收藏他的作品。這時候巴斯奇亞與其塗鴉夥伴Ai Diaz分手個自尋求發展,巴斯奇亞正式畫了起來,街頭上不知何時有人書寫著「SAMO之死」的句子,喧示一個時代的結束。

在1981年這新時代的藝術更替裡,巴斯奇亞参與Diego Cortez策畫的一個「紐約/新潮流」大型展覽在長島市的P.S.1,如此正式把巴斯奇亞推上紐約藝壇,受到很多藏家的青昧及收藏,時來運轉的走紅。隔年經常與80年代的重要名家Julian Schnabel、David Salle、Francesco Clemente及Enzo Cucchi們一起展出,這股新潮流人們很快稱為新表現主義,一種新時尚及新風格的崛起。明顯地,在這190-82年時期的影像,強烈表現性的色彩,充滿文學性及感性,經常出現骷顱人物及類似面具的頭像,還有其街頭生活的元素如汽車、警察、建築物等,加上書寫文句與自由形象的塗鴉符號。

為了現實的生活,巴斯奇亞與安妮娜 諾賽畫廊合作,並在安妮娜 諾賽的鼓勵下拼命畫畫。畫廊以廉價贈品的方式大力推銷他的作品,並在1982年為他舉行個展,獲得眾多好評,奠定他成名的基石,也在這期間巴斯奇亞染上毒癮,他說「我為了紓解壓力吸了不少毒品」。1983年巴斯奇亞成為紐約竄紅的明日之星,在這期間與其心目中的明星Andy Warhol見面,這對藝術家有十分鼓舞的作用,因為「每個人都會成名十五分鐘」,並與Warhol合作作畫,兩人建立濃厚的感情。他並加盟當時最受注目的畫商Mary Boone手下,1984年5月的為他舉行盛大的個展,巴斯奇亞一炮而紅,並藉助Andy Warhol的媒體影響力,就這樣從新秀成為明星。這期間他凸顯其個人歷史及獨特的黑人身分,畫作中出現眾多黑人形像、街頭藝人、婦女、玩具、卡漫人物等等,經由剪貼、書寫、大小拼圖之多重元素組合建構,在表現性及主觀的色彩下,充滿暴力及能量,作品都相當感興與文學性。1985年巴斯奇亞成為紐約雜誌的封面風雲人物,在「新藝術、新金錢及一位美國藝術家的推銷」主題下,巴斯奇亞成為家喻戶曉的紅頂藝術家。

巴斯奇亞聲望日正當中,藝術創作進入成熟階段,以一種新技法混和繪畫、塗鴉及剪貼,集景式樣拼置畫面,開發一種新類型的自由形象繪畫風格。在這期間以完全依賴毒品過活,1987年 Andy Warhol去逝,也深深的在巴斯奇亞心裡投下陰影。長期在過分毒品的摧毀下,身以不由已,1988年8月12日因吸毒過量致死,結束戲劇性及傳奇性的一生,宛若一顆彗星畫過星空,流下藝術永恆的光彩。

註:Jean-Michel Basquiat的生平來自「自由的藝術」回顧展一文
於2010年10月15日至2011年元月30日於巴黎市立現代藝術美術館展出。)

2019-01-03 於台灣桃城

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