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Archives pour la catégorie ‘藝術 Art’

Douglas Gordon -「我的慾望解剖」個展:

「所有昨天的聚會」 2019 52個銀中間只一個是金的

「混響(reverb)」空間裝置 2019 煤油路燈、繩子、氣球

「混響(reverb)」空間裝置 窗外一景 2019 煤油路燈、繩子、氣球

一罐紅色水,上面插著一黑烏鴉頭之筆 2019 空間裝置 物體

「因為因為因為因為因為」2019 白霓虹燈管

「看起來沒有手-保羅和帕斯卡爾(look no hands -paul and Pascal )」
2019 衣物

「沉默,流放,謊言(silence,exile,deceit)」2013-19 錄像裝置 4分2秒

「固體牛奶(solid milk ) 」 2019 video -still 12min 24s

「偷來的水果(stolen fruit) 」 2019 aluminium 55.6x175x59.6cm

17 水彩畫 2019 每天畫一張如靜坐般

「d」 2019 羊毛毯 220x180cm

展場一景

圖文/陳奇相

「生命是一團慾望,慾望不滿足則痛苦,滿足便無聊。人生就在痛苦和無聊之間搖擺。」

史本華

時間:6月7日7月20日
地點:Kamel Mennour畫廊

Douglas Gordon (1966出生於蘇格蘭)是當今英國最具代表性的當代藝術家之一,以其錄像藝術著名,是英國每年一度的泰納獎唯一錄像藝術家(1996),他的多元性實踐包括錄像、電影、雕刻、相片、文本、繪畫與空間裝置等等。藝術家審視人類存在條件狀況的基礎,如記憶和時間的流逝,真理,生與死,善與惡。「毫無疑問,他是當今拒絕個人風格最有力的概念藝術家之一。 他致力於挪用轉換的圖像,並在不同的背景下進行展演出」,從這個角度來看,展覽成為藝術家表達的基本要素。(註1)

慾望是生命的能量及意志,在意識及無意識裡驅駛人類存在的一股無比力道,在人性的貪婪下,慾望之火難以駕馭,宛若野火燎原-如幻如夢在虛實幻滅中,但慾望滿足人們的狂妄與無知。如哲人史本華寫到「生命是一團慾望,慾望不滿足則痛苦,滿足便無聊。人生就在痛苦和無聊之間搖擺。」,這個展挪用及轉換很多電視或電影影集裡的場景及物體,需要藝術家的註解後,方能更深入其境,在指涉及隱喻、觀念及文學
、敘述及抒情間剖析其慾望。

慾望的解剖(the anatomy of my desire)是藝術家在經過三十多年創作後,從去年開始自我省思存在的疑惑,慾望成為他創作的核心,他想知道他的慾望是什麼,一種無意識的能量,堅不可摧,支持著存在,藝術家說:「我想明白,我試著看看慾望是多元的還是總是重複同樣的事情」。(註2)

個展從Douglas Gordon個人永難忘懷的記憶開始,他六歲時與妹妹意外看到一部法國〈亞爾伯 拉姆西斯(Albert Lamorisse)紅色氣球〉(1956) 電視影集,闡述這位六歲小朋友去上學掉入一個連繫反射鏡氣球上,這個神奇的氣球並不停地帶孩子接受新的冒險。此展在兩個空間展出,大展場是遊戲場域,小展場則是通過清晰、精確和殘酷的迷霧。如是大展場如劇場般,展覽從牆面上「所有昨天的聚會」(2019)小紅氣球結作品起開序幕,52個銀中間只一個是金的,闡述聚會人數?並暗喻著眾多慾望幻滅中只有一個是有價值的?但從他的創作歷程來說,曾在2007一個骷顱頭上銘刻四十個星型命題為「四十(forty)」,如是-尋找出蜘絲馬跡,恍然發現這是藝術家52歲的生日,這種年度時間加密提醒了人類的虛榮心。

前面一組白霓虹書寫著「自私(nom(bri) du monde)」(2019),闡述所有的慾望都以自我為核心。在窗前柱腳面鏡間一罐紅色水,上面插著一黑烏鴉頭之筆,夢幻般超現實的情境,藝術家向其高中老師夫婦致敬,因透過他們的引導開啟他的視野及天窗。下樓梯,進入戲劇性的「混響」(2019)電影場景,返回藝術家的童年影集記憶再現,在透明玻璃屋下一座煤油路燈(柱上擊著一條繩子),充滿想像的繩子,指涉斷了線的氣球,人們在玻璃上若隱若現的看到一顆紅氣球影子,氣球是慾望的純粹隱喻-難以捉摸、難以預測和挑釁人們的想望。

另間展場則是通過清晰、精確和殘酷的迷霧,試圖解析慾望的原型,一進入就被白霓虹燈管書寫著「因為因為因為因為因為」(2019)五次因為,當我們嘗試去勘探慾望時,都會狡辯找理由從因為因為甚麼開頭,這句來自綠野仙踪影集的一句質疑的話,那是「因為什麼?」這才是問題所在。「偷來的水果(stolen fruit)」(2019) 一枝與藝術家等身高,斷掉在地上的樹酯樹枝,有些果實及奇怪如鷹爪。慾望不再結出碩果,如是,慾望有其記憶、邏輯、神秘與沒有為甚麼,沒有任何可解釋的。確實偷來的水果最好吃或是吃不到的最甜,『貪婪』這才是人性慾望的原型,慾望充滿了永恆的奧秘,它的探索需要一種特殊的倫理。

牆面上「看起來沒有手-保羅和帕斯卡爾(look no hands -paul and Pascal)」(2019),兩件(一大一小)同質同樣剪裁灰色外套懸吊一起,小件是保羅(六歲)的,大件成年人帕斯卡爾(四十歲)的。仔細看既沒鈕扣沒口袋,那我們的手呢?這兩件衣服來自於《巴黎最後的探戈》影集中的兩位人物。也闡述小朋友會長大,成年人會癡念童年,即使性慾的組織方式不同,但人類的慾望沒有年齡之別。

兩件傑出錄像作品「固體牛奶(solid milk)」(2019),這是Douglas Gordon最獨特的錄像風格,也就是左手拿錄影機,機靈地拍右手緊握著一塊固體奶油的行為表演動作。固體奶油經過手的緊握搓捏下,情慾感性十足,漸漸地轉化奶油的能量流出潤滑汁液,在情色的祝融情境下,表現一種情慾的行為。性感,口是心非,愛恨仇愁,衝突,主題等等,那甚麼是慾望呢?這就是永恆的奧秘,在「沉默、流放、謊言(silence、exile、deceit)」(2013-19) 闡述一隻黑烏鴉正在吞食一隻小金絲雀的視頻。大鳥吃小鳥似乎是自然生態,就叫「殘忍」嗎?但弱肉強食則是世道的法則,為了繼續殘存或是保護自已的存在。那麼這段視頻喚起了詹姆斯·喬伊斯(James Joyce)的書中英雄斯蒂芬·迪達勒斯(stephen Dedalus)的重要決定,以迪達勒斯或藝術家作為一個年輕人的肖像:「我會告訴你我將做什麼以及我不會做什麼……我會盡力表達自己,我可以用某種生活和藝術方式,用自己保護自己我賜予自己的唯一武器就是沉默,流亡和狡猾」,這是種特殊的存在倫理嗎?(註3)

註1:來自維基百科
註2:展覽新聞稿文
註3:展覽新聞稿文

Categories: 藝術 Art Tags:

Thomas Schutte〈三幕〉回顧展:

Thomas Schutte〈三幕〉回顧展: 巴黎錢幣美術館展出海報

「風中年輕的少年人物」(2018)系列之一 bronze patine

「沒面孔的人或拿旗子的人」(2018)沒面孔的人 bronze patine

「父親祖國」(2010) acier

「聯合的敵人」(2011)bronze patine

玻璃女頭像系列之一 2013 義大利murano玻璃

女人雕像系列-18 2006 acier

女人雕像系列 2009 -aluminium

〈三幕〉1982 繪畫及物體空間裝置

「藝術家Mohr的生活」(1988-89)系列之一: 第一幕是畫家Mohr在畫架上正畫在風景畫 小雕像及物體裝置

「藝術家Mohr的生活」(1988-89)系列之一: 第三幕畫商站在衣櫃前正在向收藏家出售一件舊夾克 小雕像及物體裝置

鏡子鬼 2011 鏡子及小雕像空間裝置

「藝術家墓碑」(1981) 亮光漆及木板與紙

「聯合的敵人」(1993-94) 系列之一 局部

「聯合的敵人」(1993-94) 系列之一 相片 局部

「恐怖分子的度假屋」I II III系列 2002 acajou木材與彩色壓克力

擴建雕刻基金會 2018 MDF木材及鋁

水晶房 2014 空間裝置

水晶房 2014 空間裝置

圖文/陳奇相

時間-3月15日至年6月16日
地點-在巴黎錢幣美術館展出。

Thomas Schutte(1954年出生)是德國80年代新生代中被認雕塑主要重塑者,其獨特作品在後現代的徵象裡,發展就從古典概念如同自然、政治、社會及(後現代)時空文化背景般開始,納入各種可能性條件的主題及社會關係。他反復出現的動機從代表性建築到公共雕塑。眾多類型的主題都是現代主義所忽略的:人物、人頭像、裸女及房子,其主題的選擇經常都帶有一種諷刺與批評的意味面向。在2005年他的創作於威尼斯雙年展中獲取最佳藝術家獎的榮譽肯定。Thomas Schutte的多元探討可歸類三大創作方向:對於充滿想像之人形象雕刻狂熱興趣,謹嚴的建築結構模型及感性抒情的水彩紙本與版畫作品。精勘的技藝與多樣複合性媒介勘探:陶瓷、青銅、鐵、鋁、玻璃等。在這回顧展中他就像電影般的以「繆斯和英雄」、「其他和更遠的」與「從模型到紀念碑」之〈三幕〉作為情景及場域展現,這〈三幕〉標題來自於他早期1982年一組作品的主題。

Thomas Schutte是出生在上世紀二戰後的新生代,身受波伊斯藝術覺醒的啟示,藝術家以個人的敏銳度及時代覺知意識探觸國家、歷史及時空背景,創作藉由象徵及隱喻闡述其多元性的所思所感,與其哲學性的存在意識,見證德國戰後的劇烈歷史情懷及瘋狂的世界。其神話和英雄在悲劇和喜劇之間搖擺不定,諷刺、絕望、憂鬱與不可解決的矛盾,或多或少的冥想似乎在表達世界劇烈碰撞。

第一幕「繆斯和英雄」雕刻:

人物雕像是Thomas Schutte創作主軸之一,從早期以小人物作為空間比列開始,到後來人物雕像敞開來成為主體價值。他的立體三度空間雕刻創作是不斷通過小模型作品嘗試來勘探其規模(如「三幕」(1982)、「雕塑家Mohr的生活」系列(1988-89)),事隔幾年後成為紀念碑形式的大作品,他明顯地解放性借助不同風格-從古典雕刻到極簡主義。並經常不斷的更新及尋求很個人獨特性的形象、氣圍與質感,廣泛的表現 – 人類各種情境從怪誕到冥想,充滿活力且引人注目。

在傳統雕統的傳承裡,男性為英雄與女性為膠斯,英雄雕像都是怪誕表現性的具象人物,神情憂鬱痛苦。引人注目的以德國表達指定國家命名紀念碑雕像的「父親祖國」(2010),是一位瘦弱沒手臂的老人,看起來微不足道,沒權勢無能為力的人物,但嚴肅的表情足以維護他的權威般。當人家詢問藝術家國家的概念時,他引述作家Gunter Eich於1968年所書寫的一段話:「什麼是世界上最噁心的,他們是我的父母。無論我走到哪裡,他們都如影相隨,(……)。當我找到一把椅子時,門打開了,其中一個看起來在裡面,國家父親或母親國家」(註1)。當人們問藝術家為甚麼沒手臂,他卻幽默回答說沒有時間完成,哈哈。這足以闡述德國藝術家們面對自已國家歷史時的不堪回首之淒涼寫照。

「沒面孔的人或拿旗子的人」(2018) ,是為這展覽所創作的作品,兩尊粗壯男人(英雄)踩在爛泥巴裡面對面的站著,具對話及對比的型態,帶著棉帽一手拿著器物另一手插在工作服口袋裡之無面孔男人似乎暗喻著甚麼都「無」。穿著風衣拿旗子的人,炯炯有神的眼神及趾高氣昂姿態,藝術家以他們通過隱喻質疑權力的表現及其可能的英雄。

「風中年輕的少年人物」(2018) 動機來自於1982年紙黏土捏塑小人物雕像, 描繪三位年輕力壯的少年在狂風中踩在爛泥巴賣力奮進的三位人物雕像,仔細閱讀下三個韌性的少年人,堅強的意志寫在臉及軀體上,若有所思的神情,兩位軀體裹在風衣裡,中間這位露出一隻粗重手臂,左邊類東方臉孔則兩隻手都縮在風衣中禦寒,右邊神勇地則全裸,身上披著似乎獸皮(仔細審視後方發現是一對熱戀的全裸情人,暗喻著人間的「愛」),一手緊握拳另一隻手上拿著器物,仰望天際,三位堅忍不拔地緩慢的奮力前行。戲劇性的勵志情操,暗喻著暴風雨過後穿越歷史情境場景。這兩系列都是讓人聯想到羅丹的卡萊市民的作,也是藝術家登峰造極的傑作。

「聯合的敵人」(2011) 來自於藝術家1993-94年紙黏土穿衣物的「聯合的敵人」系列的放大。這扭曲誇張神經兮兮雙面孔人物雕像,明顯的處於神經質緊張狀態宛若連體嬰般纏繞成一體。這系列來自於柏林圍牆倒塌後東西德統一的歷史情境寫照,及藝術家敏銳地對當時政治社會所思所想所感,藝術如一片明鏡映照著歷史,見證一個時代。這組雕塑強烈喚起個人生命中的緊張關係,並可能讓人發瘋發狂。

從九十年代就開始嘗試勘探陶雕,近十幾年來才大量採用之。「侏儒(Gnomes)」 (2006) 12座系列人頭陶雕像,在傳統誇張表現主義怪誕形象裡,充滿滑稽表情幾乎卡漫人物的品味,具有對人性戲弄嘲諷批判的意味,讓人聯想到杜米埃的雕像般。

玻璃為素材是從2010年也標誌著一個創作的轉折點,「玻璃頭像」系列(2013) :假設通過表現性的女性或雌雄同體的面孔展現,闡述玻璃素材的質地美感。這系列是經由威尼斯murano世界聞名的玻璃師傅代工完成,藝術家說:「修補一些東西,並以一種稍微野蠻的方式稱現,要不然美麗的東西做什麼用呢?」(註2)

「藝術家Mohr的生活」(1988-89) 都是由紙黏土捏塑小人物雕像,穿著衣服環繞日常物件的空間裝置,是藝術家個人自我身分的寫照的情境。以三幕方式描繪藝術家Mohr的生活:第一幕是畫家Mohr在畫架上正畫在風景畫,後面一列排開三幅風景畫擺在畫架上,畫家正面對著曬滿五彩繽紛的襪子發想著。第二幕式雕塑家Mohr站在他的人頭雕像前審視其創作,左邊是一個油漆桶有邊則是檯燈,後面一座鞋櫃。第三幕看起來,一位畫商站在衣櫃前正在向收藏家出售一件舊夾克,藝術家他正在審視或欣賞他自己的創作。敘事藝術家機制的比喻,藝術家似乎被描繪成一個被拋棄的人。

藝術家從1997年開始探究傳統女裸體,之後繼續將這些小雕像放大成為陶雕。1999年開始「鋼鐵女人」(坐、躺及彎腰)雕像系列,共大小18件(青銅、鐵、鋁),女性繆斯則經常在解構形態下呈現,精簡成塊面性的女裸體意像如「鋼鐵女人-18」等,有時寧靜和淫蕩,有時殘缺不整,每一個都是由藝術史的厚度來衡量,有時讓人想起麥約爾。

第二幕「其他和更遠的」:
Thomas Schutte很年輕(27歲)時就對生命存在的思索,探觸死亡的意味與覺知?就為自已創立下一塊鮮紅色「藝術家墓碑」(1981) ,碑上書寫著藝術家姓名,標示著出生至死亡日期16.11.1954-25.3.1996,預測42歲的生涯。是件具黑色幽默或是哲學性的作品,開啟了藝術家對死亡和他者的不斷關注,「死亡是一種讓你遠離所有荒謬的想法,這真的很有趣,當它表現出來時,就會產生一種致命感覺,這震撼會產生凡人的感覺。」(註3)

「聯合的敵人」(1993-94) 是藝術家最著名的作品,如小玩偶般的小雕像由紙黏土捏塑,對比鮮明的誇張面孔和扭曲的身體,裹著衣物以木桿為支架纏在一起在托盤中,呈令人不安的情境,藝術家說:「展出時,竟沒人想看她們,因太小了」,如是,將這雕像表情拍照放大呈現。所以這系列對照身穿衣物的小雕像及頭像相片。除闡述德國統一的外境,也進入人性的探究,存在的二元性黑與白、陰與陽、善與惡、生與死、敵人與朋友、歡笑與哀傷等等。擁抱你的朋友是很自然地,但能愛你的敵人將是種超越二元性的對立。表達表達內心不可解決的矛盾,其瘋狂的差異和不和諧,體現在聯合敵人的雙重身影上,在悲劇和喜劇之間搖擺不定。

第三幕「從模型到紀念碑」:

模型是建築物實體縮形圖,時常由簡單媒介所組構。建築模型與藝術的距離在那,建築模型是為了建構一座實體物,也是建築構程之一,藝術家Thomas Schutte很年輕時就開始玩建築模型,從1973年開始,建築模型成為他的烏托邦想望。至於紀念碑型態則出現在「三幕」(1982)劇場中,所有的行動都發生都在畫面前展演出,我們看到了力量和進步的徵象。如是藝術家經常返回這種虛構或真正的紀念碑觀眾的位置上。

千禧年新世紀裡藝術家返回他的烏托邦世界,以建築模型的形態建構其藝術的想望,「建築模型」1973-2016、「恐怖分子的度假屋I- II- III」 (2002) 、「單身的房子」(2006) 、「結晶體的房子」(2014)「雕刻美術館」(2012-15) 、「雕刻美術館的擴建」(2018),很難說藝術家是否在玩現代建築的陳詞濫調,或者他是否認真對待這門學科呢?從2007年他根據收藏家的要求製作了規模1的建築。2016年並與建築師合作與設計他自己雕刻美術館。藝術家說「我並不怎麼關心建築,它簡單的出現就如同主題,實際上宛若自然的替代品,因為它的工作是如此不易於自然上。要不然我只能夠出色的描畫那些樹及建築物前之人物」。(註4)

註1-Thomas Schutte〈三幕〉回顧展新聞稿
註2-Thomas Schutte〈三幕〉回顧展新聞稿
註3-Thomas Schutte〈三幕〉回顧展新聞稿
註4-Thomas Schutte2007-06-13 個展新聞稿

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Donald Judd個展:

untitled 1963 121.9×210.2×121.9cm huile de cadmium rouge claire sur bois et email violet sur aluminium

untitled 1970 21×642.6×20.3cm aluminium anodise clair et aluminium violet

untitled 1976 91.4×152.4×152.4cm contreplaue avec peinture cadmium roug clair

untitled 1986 7.6×71.1×71.1cm aluminium et acrylique nois

untitled 1989 100x200x200cm aluminium anodise clair avec acrylique bleue

untitled 1988 2unites 50x100x50cm plaques en alurmium et acrylique bleu

untitled 1988 50x100x50cm plaques en alurmium et acrylique bleu

untitled 1978-79 每幅 101.6×74.9cm 共15幅 黑白木刻版畫

圖文/陳奇相

時間-4月6日至6月15日
地點-Thaddaeus Ropaqc
此展由Donald Judd基金會Flavin Judd策劃

Donald Judd (1926-1994)是美國極限藝術最具代表性的藝術家之一,也是二戰後最具影響力的一位。他的藝術創作整體探討建立在數理邏輯形式,開發一種獨特的視覺詞彙,打破現代雕塑的慣例,創造出一種只有通過自身存在才能存在的非代表性三度空間的藝術,藝術家稱這為「特定物體」,拒絕以自我為中心的神秘主義,趨向工業化的色彩,在非表現性及非個性中性感覺裡,盡其可能簡化模式化或規格化形式,並透過空間建構成形。

Donald Judd的作品都使用「單一的幾何原型」盒子型態,單一或是數個同質性的立面空間裝置。此展中展出1963-1993年間的作品,引人注目Judd早期1963年「無題」紅色木材節奏性樓梯結構中一紫色圓柱,也是首次在巴黎展出,宣示他從平面繪畫進入立面三度空間的物體,藝術家所形容地:「在這個三度空間中,可以找到雕刻,也可以找到所有不屬於藝術的物質」,如是預示極限主義的來臨。

70年代起空間在空間裡,體積在體積中,確立新的創作方向,更新藝術物體在建築空間裡的章程,並以系列建構轉換一種新空間。經由工業規格化的形式:方形、長方形、橢圓形相當系統化的箱或盒子,從展覽場地及空間中獲取意識,進而有組織的經過多數單一原型反覆安置成形,建構在牆面或地上,謹嚴幾何工業性的作品,探討一種虛與實的空間節奏,呈現出一種「秩序之美感」,他說:「…我所感興趣地,是作品在它整体的效果裡,我從沒想過其他方法的展現,一種組構,而允許這局部成為更為有趣地」(註-1)。

80年代後漸漸的從素材質感中重新找回色彩,尤其在子三夾板及有機彩繪玻璃組合,和鋁合金長方形或方形箱盒子組合建構系列裡,色彩取代過去物質本身的質感,透過顏色的組合構造,形式純化在色面及線條裡,讓人聯想到蒙德里安的幾何抽象繪畫,這兒賈德將其轉化為立體三度空間的物體,介於繪畫及雕刻之間,在面及體積之間,在平行與垂直之間的一種建構性藝術探討。

Donald Judd可說是極限藝術裡最為純粹的一位,在整體可見的下,拒絕所有的曖昧,他如此聲明說:「一種形式,一個體積,一種色彩,一個表面是一些東西的本身。沒有必要去掩飾它作出另一絕對不同的部份。形式及素材在其背景下是不變地。那麼!全部一致的物體或系列,是一種整體的秩序,全部都精準的布置。我的作品是系列的布置,(…),四個或六個的系列並沒有改變鍍鋅的鐵或銅,或其他上亮漆物質建構的箱盒」(註-2)

註-1:Donald Judd 2004年2月27日法國世界報藝文版。
註-2:Art News 1966年9月

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Bertrand Lavier新作個展:

nobili no-3 2018 180x139cm acrylic paint on canvas

Arex 2019 74,5x20x18 cm acrylic sur extineteur

Arard 2019 99,5x148x180 cm acrylic sur piano

John Deere 2019 31.5x44x39cm acrylic sur charrue

Vezelay 2018 140×240 cm acrylic sur panneau de signalisation routiere

rouge framboise par tollens et Valentin 2019 170×140 cm acrylic sur toile

bleu,jaune,vert 2019 215×43.5 cm neons vert roug et bleu

bleu,jaune,vert 2019 215×43.5 cm neons vert roug et bleu

圖文/陳奇相

時間:4月18日-5月25日
地點:Kamel Mennour畫廊

Bertrand Lavier(1949年出生)是是當今杜象最主要的傳承人之一,以挪用、轉化及組合建構展現,操縱駕馭各種物體語言符號之可能性,其最具代表性的是重疊組構兩種物體:如保險櫃上一台電冰箱或是一台冷凍櫃上鮮紅的嘴唇沙發。或是他最具代表性的是將梵谷感性狂飆的筆觸化為已有,在挪用全部的物體(鐵櫃、鋼琴、桌椅、電冰箱、鋁梯子、消防栓、交通標誌、書本、甚至鏡子)都依物質色彩,塗上一層同質性厚實的感性粗獷筆觸顏色,也就是通過繪畫模擬對象本身,使之近似於模型與其表現物之間,這延伸杜象說明畫家的看法:「實際上是一種現成的,當他通過一種被稱為顏色的製造物體進行塗裝時」的觀念。(註1)

「畫」怎麼畫呢?為什麼畫?畫甚麼?畫在那種支架上呢?牆面、木板、畫布、紙本、石頭、物體等等,那依樣畫葫蘆模擬現實還是直接表現呢?畫是種技藝、行為、態度或是觀念呢?種種皆可,都有藝術家在嘗試勘探。那麼,B.Lavier則選擇直接畫在物體上,且依物體的顏色(以梵谷的筆觸)彩妝 (也就是替物體穿上同一套衣服),這模擬現實嗎?還是現實本身呢?現成物畫(或穿)上彩妝時,是物體的再現嗎?物體的章程被改變下,是藝術還是現成物呢?

Bertrand Lavier在這新作品發表裡,深化「彩妝物體」的潛藏意識,讓物體更玄更妙,喚醒沉睡中的物體,奔放出物體想像空間,招回色彩活力,成為色面或幾何抽象。「Arard三腳鋼琴」,普魯士藍為主調,紫色鍵紅盤,在繽紛色彩裡聽到鋼琴輕巧音樂節奏,普奏出抒情藍樂章。有體積立面色抽象之覆盆子紅「John Deer犁」與翠綠支架,與「Arex消防栓」的綠、淺藍管線及土黃色銓。風景如畫的「Vezelay都會交通標誌」褐、藍即綠都是三顏色鳴奏曲,在現實及想像,具象抽象及意象間。藍色的「Artengo乒乓球」劃分幾何對稱線條成為幾何抽象,由「多龍tollens及瓦隆丹Valenti覆盆子紅」組構出充滿溫馨及溫度色面抽象,有機符號化的「Nobility碳鋅電池」充滿抒情的意象。

一組尖銳思辨的:綠、紅、藍霓虹燈系列,藝術家偏偏將綠色霓虹命題為「藍色」,而藍色命為「綠色」,反常甚至矛盾的觀念上創造一種新干擾,名題與實際間距離間有多麼弔詭,該相信文字還是相信你所看到的呢?1935年心理學家John Ridley Stroop解釋說:「在物理上,閱讀是在大腦的枕骨 – 頂葉區完成的,而名稱和顏色的事實利用額葉,它遵循一個時間的反應,仍然被霓虹燈的視覺衝擊所強調」。(註2)

Bertrand Lavier以法式的細膩思維敏銳的在觀念主導下成就其藝術。藝術似乎並不像人們想像的那麼難,他是如此的巧妙與靈活,推演其物體及色彩的境域,不斷開拓人們的視覺領域及想像空間,讓現實生活充滿朝氣與活力,因為生活與藝術不只是一體兩面,而且是所有思想的介面,生活造就了藝術,藝術豐富了存有,可不是嗎?藝術家聲明:「他最重要和最基本的原則之一就是他不想成為任何審美的囚徒」。(註3)

註1-3 來自Kamel Mennour畫廊Bertrand Lavier新作個展新聞稿

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台北獎2018隨想與建議:

張紋瑄 b-1991 優選 自殺技術基金會 -年度發表 2018 謀殺瑪琳切 -國際自殺大賽 複合媒介 講座表演 尺寸衣空間而定

東冬-侯溫 b-1985 入選 3M-三件正在發生的事 2018 錄像裝置 行為紀錄

于軒 b-1984 優選 克萊茵. 赫茲 -不存在的實驗室 2018 尺寸衣空間而定

陳呈毓 b-1984 入選 霧氣平衡 2018 錄像裝置

陳呈毓 b-1984 入選 霧氣平衡 2018 錄像裝置

張允圅 b-1985 優選 其實我門甚麼也不是 2018 複合媒材 尺寸一場地而定

陳漢聲 b-1988 及劉星佑b-1985 優選 走路草農-藝團 2018 湖底田水上考古系列 複合媒材 尺寸一場地而定

鬼丘鬼鏟團隊 入選 進古代臨摹 2017 影像裝置 現場表達檔案

郭俞平 b-1986 入選 我的胃裡沒有午餐,脖頸在尋覓陽光,腦子求索著愛情,靈魂裡有慌亂,心裡則有一股刺痛 2018 聲音與複媒

林羿綺 b-1986 優選 信使計畫-返向漂流與南洋彼岸 2018 影像複媒

王連晟 b-1985 首獎 閱讀計畫 2016 書,木板 機械裝置 LED 空間裝置

邱子妟 B-1985 入選 小城故事 2018 影像及複合媒材 空間裝置

賈茜茹 B-1984 入選 大勇路25巷 2016-18 複合媒材 空間裝置

饒加恩 B-1976 入選 計程車 2016 有聲UHD解析影色錄像 79分32 秒

圖文/陳奇相

地點-台北市立美術館
時間-2018年12月22日至2019年3月31日

英國泰納獎及法國杜象獎每年只選四位入圍,台北獎則一批十四個藝術家入圍,當然泰納及杜象獎是國家級的獎賞及體制之肯定(這些入圍藝術家們都已有專業畫廊經營)。台北獎的指標卻是市府獎(可看作是台灣新秀藝術指標嗎?),台北獎每年展出時都以標示出首獎、優選或入選,也就是失去驚嘆號。看看法國杜象獎是在入圍展中出人頭地,透過現場作品為依據才宣布年度杜象獎得主。這獎項都是一股對新秀藝術鼓舞的力道,具有承先啟後的見地,意圖發現與培育未來藝術的新能量。那最大的藝術體制禮物是獎金外,還送給首獎者隔年在龐畢度中心南畫廊或美術館內一個個展,並為法國當代藝術注入一股新的能量。反觀,台灣台北獎或高雄獎除了獎金外,有贈予一個個展嗎?

台北獎入圍人數多寡並非爭議的議題,因為台灣從來就沒有新浪潮的藝術想像,或培育未來藝壇的新活力思維,台北獎似乎帶有點這意味嗎?以法國藝術體制為例如青年展來自於巴黎市立現代藝術美術館自1977年起,每兩年在ARC所舉辦「工作室」(90年代中就停辦至今),接著東京宮接手自2006年起的「Modules」,都意在提拔法國當前年輕藝術創作新秀,闡述當前創作的多元趨勢,並企圖指出未來藝術的途徑及前景。如近年巴黎東京宮三兩年就來個「 Dynasty」法國青年當代藝術展(2010-09下半年同時在東京宮及巴黎市立現代美術館展出,台灣歐洲藝壇當紅的-Yuhsin U.Chang則是從這展中躍上藝壇) ,這個展「很法國」所有參展新秀都來自於法國各地的美院。接著2013-09 巴黎東京宮再一次的「新浪潮」,則屬於全球化的藝術新秀,意旨是在發現未來創作的新能量,為法國帶來新藝術的活力。

他山之石可供我們參照如是我建議台北的藝術體制,台北獎入圍藝術家可參照歐洲兩大獎的方式,四或五位即可,這讓獎項更有權威及重量。也可慎思具有前瞻性的一套未來藝術能量提拔與培育計畫(台灣從來就是看不到未來),每兩年或三年籌畫青年當代藝術展(如何徵選藝術家需一套方法),如果台北有雄心,就把這擴展成為全國性的指標展,且需多元多樣及獨特性的作品(一件代表性傑作或一組作品),受邀藝術家(三十歲為限)不一定是體制教育所造就的,任何族群有遠見及獨特性藝術創造者(人數另議),在這具藝術體制性的北美館展出,不需要獎項,因在此展過成為當位專業藝術家的墊腳石之權威。

台北獎2018我感覺不甜不苦不澀也就是清一色,似乎是一件作品,出自同時尚窗口,同質性及同溫層,類似一個(群)藝術家,同一個(群)評審委員,同一所藝術大學院校,該不是同一家公司的產品吧。反正是穿同一條褲子或同樣花格子襯衫,很難得走起路來搖搖擺擺且同步,夭壽還吃同樣食品,如果是個專題策展應該是成功的,因在某個議題下具有其關聯性及同質性是無可避免地。但這是一年一度台灣藝壇盛事激烈的藝術比賽!問題是我們缺乏的是多元性及多樣性。台北當代藝術體制調色盤單調乏味無彩,繽紛燦爛色彩在那?這叫做「多元性」與「多樣性」呢?除了物體及錄像空間裝置外,應還有更多元的新媒介勘探及實驗性作品,比上屆更嚴苛規格化,至少上屆還有繪畫之存在,要說地是異樣的色彩及一口新鮮的空氣。(當然我絕對尊重每年的評審委員,但希望每年都有不同的論述及獨特性)。

台北獎2018年入圍作品各顯神通,傾向敘述性文學性的觀念,幾乎都是物件或加上錄像之空間裝置,明顯地都是各說各話的故事:張紋瑄虛擬的「自殺基金會」辦公室,東冬-侯溫「三件正在發生的事 2018之行為錄像」的露營裝置,于軒虛擬的現實場景「克萊茵. 赫茲 -不存在的實驗室」,陳依純「進入世界系-地球防衛少年 2018 癒合-重建的記憶、影像、 繪畫、 翻譯文件」,陳呈毓無法預測的「霧氣平衡」錄像裝置,邱子妟-懷念小城故事電影錄像及模型場景,郭俞平-賣舊貨家具之我的胃裡沒有午餐、脖頸在尋覓陽光、腦子求索著愛情,靈魂裡有慌亂、心裡則有一股刺痛之聲音與複媒空間裝置,張允圅之虛擬的北極想像「其實我門甚麼也不是」,陳漢聲及劉星佑走路草農-藝團 「2018 湖底田水上考古系列 」,鬼丘鬼鏟團隊-鬼魅鬼影的迷津場景進古代臨摹影像裝置之現場表達檔案,王連晟的約讀計畫(書本機械裝置) ,林羿綺闡述計畫-返向漂流與南洋彼岸(錄像) ,賈茜茹街頭巷尾的大勇街25巷,饒加恩-計程車上的運匠(錄像) 。

台北獎2018年入圍藝術家年齡層在35歲正值熟成的創作年代,以饒加恩(1976)最熟成,張紋瑄(1991)最年輕,一位來自山區的原住民藝術家東冬-侯溫。同溫層的藝術創作手法雖多元卻具一致性,素材多元且活潑,創作靈感都來自於日常生活,融入生活片段擷取,於現實、虛擬、想像之敘情篇撰間製造軼事性情節,宛若小故事大敘述的場景。觀念、文本、敘述、故事強走了「藝術」,眾多物體空間裝置準確度不足,不只空間不見了,還喚不起更深層的意識,只剩下一堆輔導引述故事內容的敘述文本與物質,似乎沒有藝術造型經營的「藝術」,不管藝術家的論述有多麼豐富及完美,最後只剩下「觀念」論述的空殼子。

誰製造藝術體制,當然是審查委員們,但是誰邀請審查委員呢?可想而知,絕不是藝術家也不是審查委員,而是官體制製造「新秀」,但綜觀製造或炒作潮流的應是市場,資本主義裡「錢」最大,新秀藝術創作在理想及現實間擺盪,夢寐以求的理想,在煎熬中緩慢摸索邁進成長,熱血毅力加上十足的勇氣與堅持,是否能穿越現實的挑戰呢?那就考驗每個藝術家的耐力及智慧了,藝術是一生的志業,入圍或得獎只是藝術生涯之起點
,可不是嗎。新生代隨著與時俱進的全球化思潮起舞嗎?或是從中自我肯定自已的價值呢?在沒什麼培育未來台灣當代藝術新能量的體制及市場下,台灣到底要什麼樣的藝術時勢思潮呢?

藝術新秀想上舞台的方式-唯一的捷徑就是參加台北獎或高雄獎,藝術這條路是現實及坎坷地,但上了舞台,還需要後勁有力,需要去冒險患難的才能勇往直前,往那裡去呢? 困境是新秀藝術家如是有探討性的作品,市場在那,現實的問題是在台灣似乎找不到市場,在口袋沒有點子彈資源,時常為糊口而憂時如何繼續奮戰創作下去呢?公單位沒有一套救急的方案或私人基金只眼睜睜地看著新秀半路腰折誰願提供資源培育壯大呢?甚至於台灣的藝術銀行是否有前瞻性眼光收藏及鼓舞新秀創作呢?還是只收藏那些能裝飾辦公室及沙龍的作品呢?我建議台灣的藝術銀行應有一套方法,及挑戰性的前瞻計畫收藏新秀的藝術作品,只要有眼光就能放長線釣到大魚,那我們有如是的眼光嗎?收藏名作錢能做得到的並不難,那有藝術價值的作品呢?就挑戰台灣的公部門及私人藏家的敏銳度及眼界了。

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意圖呈現台灣偉大風景畫的典範- 蘇國慶「消失的風景/時間/記憶」個展:

台灣土地銀行-館前藝文走廊-
蘇國慶「消失的風景/時間/記憶」個展:邀請卡

餘暉 112x290cm (二拚) 2018-19 油畫/畫布

浮雲 73x90cm 2019 油畫/畫布

春暖 73x90cm 2019 油畫/畫布

孤獨千年 130x97cm 2018-19 油畫/畫布

畫家蘇國慶於工作室 2018-12-09日拍於新北市-永和

圖文/陳奇相

「展示的作品基調是充滿感傷與哀愁的靈魂詠嘆,色彩雖然明亮艷麗,但在高彩度的背後,自然的災難、命運的無常、人生的漂泊、死亡的陰影,全是真實的反應。我以風景代言事物存在的荒繆,見證過程的艱辛,展覽的意義或許就是這般企圖淡化或抹平的行為。」

蘇國慶

展出時間: 3月13日至4月3日
展出地點:台灣土地銀行-館前藝文走廊

在這對風景畫寓意漠視的年代裡,對於鍾情風景畫的畫家蘇國慶無疑有一種深層苦悶感及孤獨感。在當今甚麼都可以的時代裡,以風景表現有何不可?當今如何畫風景畫,畫甚麼樣的風景呢?如何表現風景,現代或當代特色行風景面貌該如何之可能呢?是一大考驗,國慶似乎將風景作為生命的救贖,風景自然而然成為他生命的本地風光?

風景是國慶觸景生情之內心關照的主觀表達,他以文學的手法畫他心目中之人生的風景或心景,且隨著生活參照與觀察一直在幻變中,他一直在追尋生命的那把鑰匙想解開存在的密碼,他的風景畫是生命追尋的紀錄,是紀錄那消失。綜觀他的風景畫分為三:都會風景-具象、自然風景-意象、內心風景-心象,德國象徵主義畫家C‧ David Friedrich說:「風景即畫家的心境」,蘇國慶認為這有兩層面,一是「畫家用心眼在看世界」,另一說法則是「畫家用風景表達他的心象世界」。

他的風景絕不是伊甸園,具有強烈「孤寂美感」,而是畫家個人生命的隱喻?畫家寫道:「我作為一個畫家從事風景寫生在自然風景中啟開對話,從現場將場景搬到畫室在畫面,客觀和主觀不斷融合衍生,最終形成新的生命,一件繪畫作品,我很高興可以擺脫生命的束縛,可以永生,不會因風景時間和記憶的消失而毀滅,奈何這只是一種妄念。弔詭的是我們清楚卻無視毀壞的威脅仍然坦然面對,繪畫想表達以上的階段過程,想釐清自然的迷障恢復風景的清明樸實,於是我透過一件件的作品反覆細數在風景消失前種種的記憶」。

無可質疑地,風景觸擊到畫家內在深層意識,是存在的場域與情境,面對當下風景的冥想,與當下感情與經驗是不可分的,風景成為畫家自我內心的剖析,抒發的是對人間的感觸與體悟,在可見的與非可見的,指涉及隱喻中,闡述畫家壯闊生命裡美麗波濤洶湧風光,畫家說:「我用風景繪畫來傳遞內心底層的人類共同情感」,他雄心壯志探討,意圖呈現台灣偉大風景畫的典範。

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遙望天際 -向我心目中的南島騎士李俊賢致敬:

李俊賢 戳 II 2000 2008-2015 225x222cm 影像輸出 油彩 拚貼 畫布 拍攝於台灣雙年展-野根莖 2019-01

南島騎士李俊賢 2012-03-29於仁武工作室訪問時所拍 遙望天際-由衷祝福

圖文/陳奇相

南島騎士李俊賢是台灣藝壇上最有種與氣魄的硬漢,親身以行動實踐落實在地的藝術家之一,台到深處無怨尤之最「台」的一位,他作品頌哥午辣,豪邁又豐饒,動容又入骨,繪出阮台灣人心聲,有情有義,有血有淚,充滿台灣情感、意識、精神及氣慨,牽動台灣人的神經與土地靈魂,在強烈文化信仰下,見證在地精神,叫出阿母的名-台灣。唯一純道地的「台」滋味:酸、鹼、苦、澀擱辣,吃起來伙人嬤感動,心涼俾逗開,午葛頌,強葛武力表現出在地的震盪和神經。二十世紀大文學家勞倫斯寫道:「每個大陸都有其自己偉大的地方精神,每個民族也有其地方特性,那就是家,那就是故鄉。在這大地上,不同的地方有不同的活力,不同的震盪,不同的化學氣味,不同的星星,不同的特性,你要稱呼它甚麼都可以,但地方精神是一種偉大的實在」。

遙望天際 -在此僅以此文深深地合一向南島騎士致以最高敬意,感激你對這塊土地無怨無悔的耕耘及付出,你的勇猛開拓精神將化為這塊土地的能量,感召新生代。

「李俊賢 -台灣藝壇的南島騎士」一文,發表在台南鹽分地帶文學雙月刊,陳奇相台灣藝術家專欄上,2012-04。並發表在我的部落格上。

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Christophe Chevance-「無題」的藝術哲理:中法對照

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之一

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之二

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之三

尚未完成的構築一個無題畫作 80S 2019 壓克力彩

畫室牆面及壓克力顏料

畫家在無題-挖洞畫作前 作者陳奇相拍攝於畫室

圖文/陳奇相

詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享請細心品嘗閱讀。

法文筆記:Christophe Chevance
中文翻譯:Chen Chi-Hsiang 陳奇相

作為一名藝術家並非易事。就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論國家如何,我們都需要找到在社會中生存的方式。
但藝術家必須找到一種生存之道,同時也需要繼續創作和參展行動。
為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持。

在談論我的藝術作品之前,我想回答我的問題。
什麼是藝術? 特別是造型藝術。

很難準確解釋藝術是什麼。我不假裝持有真相,而我的真相可能不屬於你。 每一個真理都是獨一無二的,沒有絕對的真理。
然而,現代社會一些觀點可解釋藝術的消極性如何對我們所有人都有利。

負面意味著藝術與我們社會中的有用性對立。
與技術之對立。
我的意思是通過技術在藝術中對人類活動的有用性。
用技術反對這一點並沒有錯,因為該技術旨在將其產品用於人類活動。從這個意義上說,藝術是無用的。
與自然的對立。

自然是遵循某些規律和純粹的機械過程,符合物理決定論。
藝術本身預示著自由行為的干預,這在作品中實現了預先存在這工作的目的。
從這個角度來看,這項工作是“無用的”,或者更確切地說是無私和有限的。
與身體的對立。
因為不能說藝術品的質量和審美愉悅對身體或感官具有“實用性”。
與道德的對立。

藝術不同於在道德責任意義上做“好”的感覺。
藝術不遵循任何規則,擁有所有權利,包括可怕和殘酷的美麗。
藝術不僅是在陽光的熱量上升起的樹,也是在黑暗的寒冷深處的根。

所有這些從技術到藝術,自然,物質本身 甚至是道德的“消極”對立都揭示了藝術活動中具體而恰當的“積極”。
與社會相對的藝術不是必要的,沒用的,在這個意義上它成為是不可或缺的。

作為一名藝術家,它分享了他自己對世界的看法。 他是一位探究人員,受強烈想像力所激發的巨大好奇心的激勵。它毫無疑問地繼續學習。它傾聽一個人的感受並教育一個人的敏感性,以便讓其他人在沒有約束,沒有規則和完全自由的情況下教育自己。

所有知識都始於感情。
藝術是為了教育你的敏感性並挑戰你的感受。藝術提問你。這就是他反對社會的原因。
當我談到自我教育時,我不是在談論一般知識,而是談論自我知識。

雖然掌握一些理解藝術作品的關鍵很重要,但總是問問為什麼是沒用的。
當你聽音樂時,你不會問音樂家他為什麼按順序放音符。你喜歡和不喜歡音樂。
它應該與我們看到的不同。視覺和聽覺都不是一種感覺嗎?我們不能超越我們所看到的。

外表可能具有欺騙性,但我們仍然相信我們所看到的。
為什麼總是問為什麼藝術在那裡與你溝通。
答案必須來自你,並且會與另一個人不同。
在一個物質主義社會中所有這些問題都來自於我們生活,每個目標和每個行為都必須具有意義,必須能夠得到解釋。
不管它是什麼所有這一切都是為了獲利。

但不要忘記,藝術的積極性來自於對社會的反對。
對我來說,在我的藝術作品中提出的問題往往沒有理由。
藝術並非旨在提供答案,而是幫助您提出問題。關於你自己的個人問題,你自己可以回答。

現實絕不是藝術作品,而是觀眾的心靈。
眼睛只是一種迴聲,是與我們大腦相關的共鳴。
就像我們的其他感官一樣。
對於任何能夠超越形式的人,都可以建立對話。
形狀,紋理和顏色的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。

這是藝術的本質,是與你的關係和對話。
在我的藝術作品中,我沒有尋找顏色的象徵意義。
顏色的象徵意義取決於我們的傳統和我們的時間起源,與我們的個人情感無關。

顏色對我來說最重要的是與我們的感官互動的能力。顏色有音樂,味道和氣味。
顏色的語言不能用文字轉譯。
顏色是在我們中呼喚或撫慰我們的情感和感受的語彙。
喚醒我們超越人類狀況的意識的感覺語彙。
對於大多數人來說,很難相信顏色可以是他們所看到的以外的任何顏色。
但顏色是音樂,氣味,味道,可以讓我們所有的感官與我們振動和對話。
顏色是對話的邀請,不能保持沉默。

只有黑色和白色的兩種極端顏色,從中散發出無限的灰色,鼓勵沉默,使對話更加平和。
但事實仍然是他們無法保持沉默。
所有其他顏色或多或少地表達自己,並根據他們的關聯或多或少地冷靜。
無論如何,顏色總是有話要說,你可以學習聽到它們,感受它們並聽取它們。

在我的藝術作品中,沒有無辜的顏色,他們聲稱,他們的不完美表現出他們的純潔。
純色是不完美的,這些缺陷揭示了純色。
如果你接受這樣一個事實,即純色是不完美的,並通過它的缺陷顯露出來,那麼顏色就會顯示出來,而不是它的外觀。

也許你只會繼續相信你看到的東西,只會在畫布上看到彩色斑點。
但在我的作品中,所有這些顏色都有理由。它們代表同一實體的三個符號。形成一個整體的三個原則。

它們不是存在的存在之三位一體。
他們是三位一體,不存在的存在。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

它們具有多元性,多樣性和獨特性。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

在我活生生主題中並因此受到有機過程的影響,主題內部的內容是多元性,多樣性和獨特性的來源。主題的外部是解構的來源。

但這不是生命的感官之一,也是許多恐懼的根源。
多重性,多樣性和獨特性是我認為是我們應該進化的世界本質,是每個人應該成為的本質,我們宇宙的本質。
他們反對我們社會所倡導的一致性。
這種均勻性在我的藝術作品中以單色代表。

在我的風景中,我希望通過我們周圍世界的互惠顏色來對待。如果綠色消失,我們的風景會是什麼?地球的顏色將變得占主導地位,而少數顏色如紅色和黃色則會強加於自身。
大自然遵循純粹的機械過程,絕不是慷慨或豐富。自然界豐富最常導致物種滅絕。

我的風景邀請您質疑您對沒有綠色的世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。他們邀請您提出有關所有生活形式和您想要的生活方式的問題。
我的風景由不同的顏色,形狀和材料組成,因為這裡也有多重性,多樣性和獨特性。
無論什麼主題,都可以應用這種多重性,多樣性和獨特性的三位一體。

我說無論主題是活的還是惰性的,因為一個物體,只要它們不是來自一個過程,它的目的是複制和復制相同的物體,三位一體的一部分。
作為一個對象,藝術作品從這個角度來看是這三位一體的完美例證。

如果這個標題“無題”的展覽,而我一些畫作沒有標題,那麼由於一個簡單的原因,它是一個無題的,沒有外表和沒有讓步的自我,它被認為是通過以同樣的方式,它是富繞的財富,一個人不能失去的,它是拒絕其他人的無知,因為我們經常相互交叉而從未真正相遇。
這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇。
成為一個無題是自由的。

重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。
做你自己,感受自己,與藝術對話。

通過藝術,無需不斷尋找答案,而是試著回答問題。所以也許有一天你會在沒有意識到的情況下生活在答案中。
藝術在那裡向你提問,答案只能是個人和個人。因為這裡又是多重性,多樣性和獨特性。
想要談論藝術工作經由作品等於隔離交響樂的音符。它將喪失了所有的意義。

孤立的藝術作品可以在特定的時刻表達一種感覺,一種感覺,但不表達藝術家整體的藝術研究。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。
要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。
藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。

藝術可以改變的是你對世界的看法。
藝術可以改變的是作為一個人的你。
因為如果藝術題問你,或你提正確的問題,那麼你對於你自己,將比你自己演練的那些更重大和更謙虛的…更有所掌握。

正如藝術家在創作中自由。
你可以自由地愛或不愛。
你可以自由地感受到。
你可以自由地質疑自己。
你對藝術作品沒有任何解釋。
你沒有任何想像力。
你可以自由地適應作品。
藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。
成為屬於自己的自由。

你是這種多元性,多樣性和獨特性三位一體的一部分嗎?
你是多色還是單色?
你的內心世界和周圍的人是完美的還是不完美的?
它是土地,行星還是宇宙?
這也是我的藝術作品對你的質疑。
除了你所有的外表外,它質問你一個簡單的問題。
你到底是誰?

Toph法文原稿;
Etre un artiste n’est pas une vie facile. Tout comme la majorité d’entre nous, que nous soyons artiste ou non et quelques soit le pays, il faut trouver un moyen de survivre dans notre société.
Mais un artiste doit trouver un moyen de survivre mais aussi un moyen de continuer à travailler et exposer.
Pour cela je voudrais remercier … pour leur support à cette exposition et le support qu’ils apportent a la création artistique de Chiayi.

Avant de parler de mon travail artistique, je souhaiterai apporter ma réponse à une simple question qui n’en demeure pas moins complexe.
Qu’est-ce qu’est l’art ? Et principalement l’art plastique.

Il est difficile d’expliquer précisément ce qu’est l’art. Je ne prétends pas détenir la vérité, et ma vérité n’est peut-être pas la vôtre. Chaque vérité est propre à chacun et il n’y a pas de vérité absolue.
Toutefois il y a certains points de vue de la société moderne qui explique à quel point la négativité de l’art peut être positive pour chacun d’entre nous.
J’entends par négatif, l’opposition de l’art par rapport à son utilité dans notre société.

Une opposition avec la technique.
J’entends par technique l’utilité de l’art dans l’activité humaine.
Il n’est pas faux de faire cette opposition avec la technique car la technique vise l’utilité de son produit dans les activités humaines. Dans ce sens l’art est inutile.
Une opposition avec la nature.
La nature suit certaines lois et procédés purement mécaniques, se conforme à un déterminisme physique.
L’art lui-même suppose l’intervention d’un acte libre, qui réalise dans l’œuvre une fin qui préexiste à cette œuvre.
De ce point de vue, l’œuvre est « inutile » ou plus exactement désintéressée et fini.
Une opposition avec le physique.
Car on ne peut pas dire que la qualité et le plaisir esthétique de l’œuvre d’art ait une « utilité » pour le corps ou les sens.
Une opposition avec la morale.
L’art se distingue du sentiment d’accomplir quelque chose de « bon » au sens d’un devoir moral.
L’art ne suit aucunes règles et a tous les droits, y compris celui d’être terrible et d’une beauté cruelle.
L’art n’est pas seulement un arbre s’élevant sous la chaleur du soleil mais aussi les racines s’enfonçant profondément dans la froideur des ténèbres.
Toutes ces oppositions « négatives » de l’art à la technique, à la nature, au physique et même, au moins parfois à la morale, révèlent ce qui est spécifique et proprement « positif » dans l’activité artistique.
L’art par opposition à la société n’est pas nécessaire et n’a aucune utilité, c’est en ce sens qu’il est indispensable.
Etre un artiste, c’est partagé sa propre perception du monde. C’est continué à apprendre sans aucunes certitudes. C’est être à l’écoute de ses sentiments et éduquer sa sensibilité. C’est permettre aux autres de s’éduquer eux-mêmes, sans contraintes, sans règles et en toute liberté.
Quand je parle de s’éduquer soi-même, je ne parle pas de connaissance générale, mais de connaissance de soi.
Toutes connaissances commencent par les sentiments.
L’art est là pour éduquer votre sensibilité et interpeler vos sentiments. L’art vous questionne sans jamais affirmer.
C’est aussi en cela qu’il se situe en opposition par rapport à la société.
Même si il est important d’avoir certaines clefs afin de comprendre un travail artistique, il est inutile de demander tout le temps pourquoi.
Quand vous écoutez une musique, vous ne demandez pas au musicien pourquoi il a mis les notes de musique dans cet ordre. Vous appréciez la musique ou non.
Doit-il en être diffèrent avec ce que l’on voit. La vision n’est-elle pas un sens au même titre que l’ouïe. Ne peut-on pas voir au-delà de ce que l’on voit.
Les apparences peuvent être trompeuses mais nous continuons à croire en ce que l’on voit.
Pourquoi toujours demandé pourquoi alors que l’art est là pour communiquer avec vous.
Les réponses doivent venir de vous et seront différentes d’une autre personne.
Toutes ces questions viennent du fait que nous vivons dans une société matérialiste ou chaque but et chaque acte doivent avoir un sens, doivent pouvoir s’expliquer.
Tout ce que l’on fait doit apporter un bénéfice quel qu’il soit.
Mais n’oubliez pas que la positivité de l’art vient, entre autre, de son opposition à la société.
Bien souvent les questions qui me sont posées sur mon travail artistique ont, à mes yeux, aucunes raisons d’être.
L’art n’a pas pour but d’apporter des réponses mais est là pour vous aider à vous poser des questions. Des questions personnelles propres à vous-même dont vous êtes les seuls à pouvoir répondre.
La réalité n’est jamais dans le travail artistique mais dans l’esprit du spectateur.
Les yeux ne sont qu’un écho, une résonance liée à notre cerveau.
Tout comme nos autres sens.
Pour quiconque sait voir au-delà des formes, un dialogue peut être établi.
Un langage de formes, de textures et de couleurs qui ont la capacité de mettre en résonance nos sens.
C’est l’essence même de l’art, d’être en relation et de dialoguer avec vous.

Dans mon travail artistique, je ne recherche pas la symbolique des couleurs.
La symbolique des couleurs dépende de nos traditions et de nos origines dans le temps et n’a rien à voir avec nos émotions personnelles.
Ce qui m’importe dans les couleurs c’est cette habilité à dialoguer avec nos sens. Les couleurs ont une musique, un gout et une odeur.
Les couleurs ont un langage qui ne peut pas être retranscrit par les mots.
Les couleurs sont le langage des émotions et des sentiments qui crient en nous ou nous apaisent.
Le langage des sentiments qui éveille notre conscience au-delà de notre condition humaine.

Il est difficile pour la plupart des gens de croire que les couleurs peuvent être autre chose que ce qu’ils voient.
Mais les couleurs sont musiques, odeurs, gouts et peuvent mettre tous nos sens en vibration et dialoguées avec nous.
La couleur est une invitation au dialogue et ne peut se taire.
Seul les deux couleurs extrême que constituent le noir et le blanc, d’où émanent une infinité de nuances de gris, incitent au silence et rendent le dialogue plus paisible.
Mais il n’en reste pas moins qu’elles ne peuvent se taire.
Toutes les autres couleurs s’expriment de manière plus ou moins bruyante et selon leurs associations d’une manière plus ou moins calme.
Les couleurs ont toujours quelque chose à dire et c’est à vous d’apprendre à les entendre, à les sentir et à les écouter.
Dans mon travail artistique, il n’y a pas de couleurs innocentes, elle revendique, elles clament et leurs imperfections révèlent leurs puretés.
Une couleur pure se veut imparfaite, une couleur pure se révéler grâce à ces défauts.
SI vous accepter le fait qu’une couleur pure se veut imparfaite et se révèle grâce à ses défauts, des lors la couleur se révèle telle qu’elle est et non pas telle qu’elle parait.

Peut-être continuerez-vous à ne croire que ce que vous voyez et ne verrez que des points de couleurs sur une toile.
Mais dans mon travail artistique, tous ces points de couleurs ont une raison d’être.
Ils représentent trois symboles d’une même entité. Trois principes qui forment un tout.
Ils sont multiplicité, diversité et unicité.
Ils sont la trinité non pas de l’existence mais d’exister.
Ils sont la trinité non pas de l’être mais d’être.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes qui nous entourent.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes à l’intérieur de nous.
Dans mes sujets vivant et donc assujettie a un processus organique, ce qui est intérieur du sujet est source de multiplicité, de diversité et d’unicité. Ce qui est extérieur du sujet est source de décomposition.
Mais n’est-ce pas là un des sens de la vie et la source de nombreuses peurs.
La multiplicité, la diversité et l’unicité sont ce qui constitue, à mes yeux, l’essence même du monde dans lequel nous devrions évoluer, l’essence même de ce que chacun devrait être, l’essence même de notre univers.
Ils se trouvent en opposition à l’uniformité préconisé par notre société.
Cette uniformité qui dans mon travail artistique est représenté par la monochromie.

Dans mes paysages, j’ai voulu traité par le biais de la couleur de la réciprocité du monde qui nous entoure. Que serait nos paysages si le vert venait à disparaitre. Les couleurs terre deviendraient prédominantes et des couleurs minoritaire tel que le rouge et le jaune s’imposerait d’elle-même.
Mes paysage invitent à vous questionnez sur votre vision d’un monde sans vert et ce que serait notre place dans une nature ou le vert disparaitrait. Ils vous invitent à vous questionner sur le chemin que prend toutes forme de vie et celui que vous souhaitez emprunté.
La nature suit un procédé purement mécanique et n’est en aucun cas généreuse ou abondante. L’abondance dans la nature mène le plus souvent à l’extinction d’une espèce.
Mes paysages se composent de diverses couleurs, forme et matière, car là aussi il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Quel qu’en soit le sujet, cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité peut être appliquée.
Et je dis bien quel qu’en soit le sujet, vivant ou inerte, car un objet, à la condition qu’ils ne soient pas issus d’un procédé ayant comme finalité la duplication et la reproduction d’objets identiques, fait lui aussi partie de cette trinité.
L’œuvre d’art, en tant qu’objet, est de ce point de vue une parfaite illustration de cette trinité.

Si cette exposition a pour titre « Sans titre » et que certains de mes tableaux sont des sans titres, c’est pour la simple raison qu’être un sans titre et être soi sans apparence et sans concession.
C’est pensé par soi-même.
C’est être riche d’une richesse que l’on ne peut pas perdre.
C’est refusé l’ignorance des autres, car trop souvent nous nous croisons sans jamais vraiment se rencontré.
C’est refusé l’ignorance des choix car dans un monde ou l’information est si facilement accessible, l’ignorance est devenu un choix.
Etre un sans titre, c’est être libre.

Soyez vous-même, loin de toute apparence, car la société quel qu’elle soit, est trop souvent dénué de sentiments et l’uniformité et la moralité y règne en maitre.
Pensez, ressentez par vous-même et dialoguer avec l’art.
La connaissance de soi commence par les sentiments et l’art peut vous aidez à éduquer votre sensibilité.
A travers l’art, ne cherchez pas continuellement des réponses mais essayé de vivre la question. Alors peut-être un jour vivrez-vous dans la réponse sans même vous en rendre compte.
L’art est là pour vous questionner et la réponse ne peut être que personnel et individuelle. Car là encore il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Vouloir parler d’un travail artistique à travers une œuvre équivaut à isoler les notes de musique d’une symphonie. Elle en perd tout son sens.
Une œuvre d’art isolée peu exprimer un sentiment, un ressentit a un moment donné, mais n’exprime en rien la recherche artistique de l’artiste dans sa globalité.
Un véritable artiste a pour vocation à évoluer et son travail artistique évolue avec lui.
Pour comprendre un travail artistique, il est plus important de comprendre le créateur que sa création.
Un travail artistique ou un artiste ne changera jamais le monde et ceux qui pensent le contraire vivent dans une illusion, car la perception de l’art est individuelle et non collective.
Ce que l’art peut changer, c’est votre perception du monde.
Ce que l’art peut changer, c’est vous en tant que personne.
Si l’art vous interroge et que vous vous posez les bonnes questions.
Il n’y aura pas de maitrise plus grande et plus humble que celle que vous exercerez sur vous-même.
Tout comme l’artiste est libre dans sa création.
Vous êtes libre d’aimer ou non.
Vous êtes libre de ressentir ou non.
Vous êtes libre de vous questionner ou non.
Vous êtes libre de toute interprétation du travail artistique.
Vous êtes libre de toute imagination.
Vous êtes libre de vous appropriez l’œuvre.
La seule liberté que l’art ne pourra pas vous donner car cette décision n’appartient qu’à vous.
C’est la liberté d’être vous-même.
Faites-vous parti de cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité ?
Etes-vous multi couleur ou monochrome ?
Votre monde intérieur et celui qui vous entoure se conjugue-t-il au parfait ou à l’imparfait ?
Est-ce une terre, une planète ou un univers ?
C’est aussi en cela que mon travail artistique vous questionne.
Par-delà toutes vos apparences, il vous pose une simple question.
Qui êtes-vous ?

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Christophe Chevance-「無題」個展:

左-無題-挖洞 120s 中- 無題-在雨中 200F 右-無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

無題-挖洞 120s 2018 壓克力彩

無題-在雨中 200F 2018 壓克力彩

無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

構築一個無題 80S 2019 壓克力彩

沒有綠色的景觀 各60F 2018 壓克力彩

沒有綠色的景觀 120F 2018 壓克力彩

風暴臨窗 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

混沌中心 100F 2016 油畫克力彩

左-風暴臨窗 80F 2016 右-沒有綠色的景觀 100F 2016 壓克力彩

左-窗口 80F 2018 壓克力彩 右-在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

蘋果 80F 2018 壓克力彩

Christophe Chevance 簡稱為Toph與國際藝評人陳奇相

圖文/陳奇相

「要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。」

Christophe Chevance (簡稱為Toph)

時間:2月18日至3月15日
地點:嘉義市地檢處大廳

前言-「無題」:
「無題」個展呼應其「無題」畫作,「無題」並非無內容物,盡在不言中之沉默語言,話語是多餘地,多元多樣與豐富獨特性造型語彙,賜給觀眾一雙翅膀展翼翱翔,敞開其感知與想像空間,自由心證。身為異鄉人Toph有一種特立獨行的處世態度、哲理及美感,認為他的生活也是「無題」,其實真實的存在是無解的。畫家說:「這『無題』個展標題,眾多畫作也『無題』,那因這個無題的,沒有任何表象和沒有讓步的自我,它被認為是通過 以同樣的方式,它富饒而豐富,是一個人無法丟失的,它是拒絕他人的無知,因為我們經常相互交會而從未真正相遇,這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇」「作為一個『無題』,它是自由的」。(註1)

在嘉義的一個法國畫家的故事:
Christophe Chevance 簡稱為Toph是位大叢朵鼻啊法國人,〝 嫁〞給一位纖細精明能幹的台灣夫人Sunny,並為愛漂泊至異鄉-美麗島嶼,家-成為法國佬的避風港,台灣人的洋女婿,三個台灣孩子的巴,桃城成為其落地生根的-家,天涯一方舟他鄉成為我鄉。他敏銳善感,有一對尖銳的眼睛擅長於觀察與思考,做事認真細心,其法國身分隱藏於流利的英文裡,「無題」的有意選擇不學(講)台語或中文,放下身段做個若隱若離的異鄉人,隱世於台灣社會複雜的人情世故後,喜歡獨處及家庭生活,過著他簡樸而富繞且自如的「無題」生活,這完全是個人的選擇。

異鄉人Toph從小就對畫情有獨鍾,一生著迷於畫,為追求藝術,很年輕就離開他心愛的海岸故鄉布列塔尼到巴黎奮鬥,生活的坎坷經由職訓成為劇場舞台設計技能,擅長畫及裝修的他,白天從事劇場舞台設計晚上熱情奮進的揮毫其藝術。為了追求自已的夢,不管生存多坎坷困難都一值念念不忘初衷-想望藝術之夢,畫是存在的出口駛向意識汪洋大海,藝術的道途千辛萬苦想望生命的未來。婚後,為愛漂泊至異鄉台灣,首先落腳於台北奮進,而後又跟隨愛妻從繁華的都會來到南島庄腳都市,落腳定居在桃城-嘉義娘家。

Toph很清楚身為畫家並非易事, 就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論在那個國家,我們都必需找到一種在社會中生存的方式。藝術家必須找到一種生存之道,同時也必須繼續創作和參予活動。搬回桃城觸礁於現實生活裡,為了基本餬口與創作資源,下海開啟法國迷惑人的餐飲料理,開了間個性風味小餐廳。精於畫及裝修的他,將一間廢棄破舊木屋整整發了一年時間,日以繼月親自一手整裝成一間溫馨個性嘉義法式餐酒館,生意蒸蒸日上,成為桃城最有質感且亮麗的個性小餐廳之一,為追憶巴黎蒙馬特取名為「小黑貓」,經營一年因租約到期,便將所有建立的一切讓渡與屋一同歸還屋主。

他接受命運之安排,一切歸零,異鄉人不免心生吶喊「無題」遭遇,帶著重挫所攜帶的力量,再次至林森路一間倒塌危樓破舊木屋重新起灶,大費周章一年多,再次傾其心力整修一番,為了生活捲土重來,「小黑貓」又重出桃城。小小法式餐飲店,在愛妻大力協助與支持下,夫婦倆用心經營下的「小黑貓 」一如旭日再次東昇,逐漸佳績,佳評廣播,成為地方異國婚姻融入社會成功案列,吸引在地眾多傳媒的關注。然而每次的「小黑貓」嘉義法式餐酒館之新聞報導,都讓Toph哭笑不得,漠視地稱他為法國廚師,陰錯陽差下畫家心底在哭泣,台灣人舌尖文化太糜爛了,命運捉弄,為了現實生活而遠離其想望的繪畫創作,其心理是多麼的掙扎與困惑。三年多來經常徘迴在午夜夢醒的藝術,念念不忘創作的初衷,
Toph由衷感謝這次台灣嘉義地方檢察署的邀請個展,讓他重拾起畫筆耕耘其心所愛的藝術心田,畫家說:「為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持」。

「無題」沉默之言的新作:
Toph三年多沒創作的空白日子裡,無可承受的生命之輕以及對藝術深思的沉澱,孕育出他深厚的藝術哲理,與受強烈想像力所激發的巨大好奇心所驅使的創作。明顯地,藝術是Toph盡在不言中且最強而有力之沉默語言及內心的呼喚。感謝這次的個展及內人的支持,讓他敞開心胸鼓起十足勇氣重拾畫筆,克服萬難的創作,擁抱自已的熱情,煥然一新的創作視野,讓他的創作脫胎換骨。相由心生,境隨心轉,從早期盤根錯節的樹(根)作為其漂泊離鄉背井的徵象寫照主題中解放出來,遵循本能感性的表現,強烈感受與覺知下,借題移情抒發其情感及安撫其生靈,簡而意駭闡述其異鄉人存在意識。

Toph認為我們周圍世界是充滿多元性,多樣性和獨特性,他的創作及作品也不列外,解構是其創作源泉。他只探討一些純屬個人的東西,在主觀、本能、感性及表現性下擺脫全部模擬觸點及慣性圖畫,創作表現是多元與多樣,新系列:人物系列、風景系列及風暴在窗口系列,簡化形式下給予色彩一種感性的意義,意圖表現每樣東西的本質及同時回應情感上的沖擊之強度。

人物系列:
異樣穿草綠色彩迷裝如軍人之人物系列,是在這冷漠無感的世界裡,永遠看不到臉孔的人物,暗喻與指涉人類的虛無與自負虛榮,簡化人物形象及不實的身軀,行屍走肉經常相互交會而從未真正相遇的情境,畫面呈現一股強烈張力 。三位被淋著粗曠黑(筆觸)雨空間場景所吞沒之行人、一位巨大背向觀眾的中空人物及一位充滿肢體語彙軀體被畫框住的人物,另一最具徵象性手持電鑽開挖馬路的工人,示意對這無感無知冷漠社會之關愛。闡述Toph異鄉人的存在之焦慮、孤獨、苦悶、困頓、無助的心靈寫照,畫家寫道:「重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。做你自己,感受自己,與藝術對話。」

風景系列:
色面化的主觀意識之紅土高原風景,於後自然的超現實荒謬情境中,錯置的空間及想像,在現實及超現實,抽象及意象間。畫家邀請觀眾質疑對沒有綠色世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。 邀請我們提出有關所有生活形式和您想要過的生活方式的問題。其中一幅讓Toph憶起他故鄉的海灘風景意象,午夜夢醒的情境或遊子對故鄉思念的情懷。

窗上的風暴系列:
依畫面支架成型,垂直平性劃分窗戶架構,以對照性的色彩及大筆揮毫個性筆觸,借景移情抒發其情感及覺知意識。氣候就像脾氣反映人們強烈地的情緒感受,畫家睿智的借此系列覺知自已內在情緒風光,回應心情沖擊之強度梳理其能量,外境是內在的顯現,更是內心場景寫照,闡述畫家生命之起伏,藉此看見自已,傾聽自已內在聲音。畫家說:「我們都受情緒的影響。 這與良心無關,與任何人或我們以外的任何事物都沒互相關係。有時候,這些情緒可能是風暴發出必須通過的能量。如果被忽略或扼殺這種內在力量,它就會變成負能量並經常導致退縮。無論我們面對這場風暴的立場如何,無論我們是演員還是觀眾,我們都會受苦。如果我們與之力量對抗,它可能是破壞性的,但如果我們讓自己順其所然的梳理,它也可以成為更新的源泉。」(註2)

形式、色彩與質感:
本能及感性之大筆觸揮灑下的徵象性人物、風景或窗戶,都在簡化、平面化、色面化及主觀化特徵上,加上有溫度會說話的色彩,大器的構圖,畫面總是覆蓋著一層或多層白色隱藏眾多大小筆觸,細膩紋理的質感,彰顯形式的主體。形式化為畫的軀體,色彩成為靈魂,筆觸為情感的溫度,紋理質地作為感覺的載體。「形式、色彩及紋理質地的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。且無論什麼主題,都可以應用這種多元性、多樣性和獨特性的三位一體。這多元性、多樣性和獨特性,畫家認為是我們應該發展的世界之本質,是每個人應該成為的本質。反對我們社會所倡導的一致性,這種均勻性在他的藝術作品中以單色來表現。」(註3)

具洞察力的「無題」藝術思維與哲理:
詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享,這文章結論擷取片段如下,請細心品嘗閱讀。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。藝術可以改變的是你對世界的看法。藝術可以改變的是你作為一個人。因為如果藝術題問你和你正確的提題,那麼你將不會比你自己演練的那些更大和更謙虛的掌握。正如藝術家在創作中的自由。你可以自由地愛或不愛。你可以自由地感受。您可以自由地質疑自己。你對藝術作品沒有任何解釋。你沒有任何想像力。你可以自由地應適作品。藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。必成為屬於自己的自由。(註4)

註1-4:來自Toph藝術思考筆記
2019-02-10 桃城-嘉義

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曾雍甯-「燦燦光彩」個展:

曾雍甯-「燦燦光彩」個展現場

左-花團圓 166x154cm 2018 原子筆 金箔 紙 右-四季系列 2018

左 -原風景 121x243cm 2013 中-春天里 02 155x228cm 2018 右- 原風景05 121x243cm 2013 原子筆 彩鉛 紙

波光01 02 03 150x103cm 2014 礦物彩 紙

迴旋 02 206x306cm 2014 礦物彩 紙

左-是幻01 103x153cmx9p 2013-15 原子筆 紙

2019 空間裝置 鏡面

綻放 28 162x243cm 2012 原子筆 紙

左-四季 秋彩 右-四季 冬暖 各114x280cm 2018 綜合媒材 紙

四季 冬暖 局部 114x280cm 2018 綜合媒材 紙

圖文/陳奇相

時間:元月25日至4月14日
地點:彰化縣立美術館

「形象是種感覺,色彩則是論證」

曾雍甯(1978年出生鹿港人)是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,更是台灣新生代平面繪畫最耀眼的一位,以其光彩奪目原創性原子筆畫著名,在現代主義精神下勘探工具之新繪畫語彙,專注於紙繪本,他創作一場又一場的「繁花似錦」且「燦燦光彩」。他的創作靈感來自原鄉傳統民藝形式、色澤及文化裝飾性,森羅萬象的形式及繽紛燦爛色彩,形構令人目眩神迷萬花筒綺麗裝飾性繪畫風格,充滿在地的能量、意識及震盪。圖形為意志的強度,色彩成為感情溫度,「形象是種感覺,色彩則是論證」或「形象作為軀體,色彩化為靈魂」。其眩漾的視覺效果作品展露細膩、樂觀、律動的愉悅美學,「繁花」之曼陀羅成為畫家生命煉金術,承載著其豐富感情及心靈意識。

曾雍甯最獨道的風格是裝飾性的愉悅美學,對他而言形與色是一體,必需思考形式,再加上對色彩豐富想像力。他對色彩沒有禁忌也不設限,偏愛純色亮麗的高彩度色相,時溫馴合諧,時奔放對比,意圖解放傳統色彩,表現無比的張力。謎樣的色彩在他直覺及想像裡發揮至登峰造極,是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,高更說:「色彩帶給我們的感官刺激,其本身就如謎,所以邏輯說來,也只能謎一般運用。每一次,使用色彩不是為了描繪,而是取色彩自身流瀉出的音樂感覺,色彩的特質,內在神秘的謎樣力量。憑藉著精巧的和諧,可以,創造出象徵。色彩是和音樂一樣的顫動,足以觸動自然界最普遍,而且無處不在的,最廣泛的內在力量。」

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