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Archives pour la catégorie ‘藝術 Art’

Fabrice Gygi-「D-概念」個展:

Fabrice Gygi-「D-概念」個展現場場景 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題水彩系列 每幅180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium 圖片來自Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊網站

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi 無題 180x135x6.5cm 2018 Watercolor on paper monuted on aluminium

Fabrice Gygi Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi ne1965 Octavie 97x595x59.5cm 2014 acier corten

Fabrice Gygi Dominique 110x52x14cm 2014 acier corten

圖文/陳奇相

時間:6月1日至7月11日
地點:Chantal Crousel & Niklas Syrnnung畫廊

Fabrice Gygi(1965年出生)是瑞士新生代最具代表性的藝術家之一,擅長於版畫、印刷、展演、物體裝置、繪畫、雕刻。他的藝術養成教育是從版畫開始,深受版畫的影響也形成「他非常具有圖形的思想,非常黑白,剪裁非常乾淨俐落」的藝術風格。在20世紀80年代和90年代中期,印刷項目和自我組織的活動,Fabrice Gygi一直聲稱他的工作具有社會和政治層面。(註1)

1998年,他開始創建由工業材料製成的結構,包括PVC和不銹鋼塑料。他的劇目(安全氣囊,地雷,帳篷等)和他的公共設備(登上領獎台,屏障,看台)的主題以極簡主義美學手段和社會控制結構進行複制。 簡潔有力而有效的準軍事外觀,他的作品提供了一種非凡的一致性的塑料語言,並不含有主題的模糊性。 因此,在第25屆聖保羅雙年展上展出的La vigie(2002)是一個巨大的12米高的作品,由一個桅杆和一個移動控制塔組成,它給路人帶來的印像是 目標並強調與我們社會對公共秩序問題的安全反應相關的極權主義誘惑。

2010年後放棄他的裝置開始致力於立體三度空間的雕塑,他花了幾年的時間來創作珠寶,之後開發出一種系統化邏輯的創作,建構出一種基本的幾何抽象形式,發展出精簡優雅的立方體和平行六面體雕刻,接近於現代建築結構模型 ,渴望走向一個沒有任何感性和與身體任何類比的物體。

這次新作個展Fabrice Gygi展覽命題「D-概念(D-Concet)」,他的作品牽涉到觀念與形色,依據一種系統化的數學邏輯建構。這次展出一件方型如雕刻台座立體三度空間的雕刻,數理性的邏輯,上面由四塊由大而小正方形依黃金比例的規則鉸接立方體的降序組合建構,示現虛實幻變模塊化架構原型空間結構。牆面上一座結構性立面浮雕,以一大一小的長方塊為主體上下由三塊大小變化的方塊之組合,宛若現代建築築構模型,雕刻及浮雕都展現一種獨特幾何形式美感。

此展覽中,Fabrice Gygi展出引人注目的水彩畫作新系列。是在非洲Chihuahua 沙漠數月之旅後的創舉,使用與先前應用於雕塑的規則相同的形式規則,紀律及絕心,謹嚴專注的創作精神具有一種進入冥想的非凡狀態。他拒絕曲線,專注於平行線與垂直線的建構組合,交叉成方四方形式。這些作品以疊加層中的單一線條繪製,手工一致性精準控制濃度和張力,單一色彩(共有六種顏色)以多次的暈染從濃至淡的層次造化。每件作品都以完美平衡的完美和意外狀態存在,創造出生活所強化的恆定能量。絕對性之完美的線條及濃淡層次色調,引領人們進入個人冥想的境遇。(註2)

(註1-來自維基百科)
(註2-參照個展畫廊新聞稿)

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Jason Martin-「新繪畫」個展:

Jason Martin-「新繪畫」個展現場場景

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue deep) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (phthalo blue -phthalo green) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone magenta-ultramarine blue ) 2018 185X185X15cm mixed media on alumonium

Jason Martin untitled (quinacridone scarlet-red) 2018 70X60X14cm mixed media on panel

Jason Martin untitled (ultramarin blue) II 2018 130X130X10cm mixed media on velvet

圖文/陳奇相

時間:6月22日至7月28日
地點:Thaddaeus Ropac畫廊

新繪畫?是新瓶子裝著陳舊的酒,還是只換個標籤呢?是冷飯還是炒飯呢?在這個甚麼都可以地世代裡,有甚麼不以呢?新瓶裝舊酒、或根本是舊酒貼上新標 籤,新繪畫是冷飯成為炒飯後加胡椒的滋味、在這變與不變中,繪畫的觀念、形式、內容如何更新呢?那是每個世代奮發圖強的一股力量,試圖窺探的創舉。如從抽象本質性繪畫,至形式主義,到會說故事的抽象中,冷飯或炒飯還是飯,也就是繪畫還是繪畫。史岱拉之形式主義「你所看到的就是你所看到的」,經由形式主義之上的Olivier Mosset「看不到任何東西的東西」,到新抽象幾何或新幾何抽象的Peter Halley「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」。

單色繪畫是抽象繪畫終究的結果,經時代的歷煉是現代藝術抽象傳統展現方式之一。在這後現代之後的繪畫裡,炒飯上加胡椒的繪畫都還是種種可能下。Jason Martin繼承單色繪畫及抽象筆觸的傳統,他單色繪畫迷惑人的不只色彩,還有藉由肢體語彙動作行為之筆觸與充滿觸覺感的物質張力,其創作核心環繞在動作筆觸與繪畫物質上,「在這些畫作中有一些深層的有機物,在無生命的物質中被捕獲,和重建中賦予生命。 重放於自然界中發現顏色的顏料一樣般如紫色或灰色 –(……),Jason Martin美麗迷惑人地深藍色和綠色。 他的畫作示現了自然狀態,(……)」(註-參照個展畫廊新聞稿)。

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Peter Halley-「低於/高於」個展:

Peter Halley-「低於/高於」個展:一樓展場場景

Peter Halley boundaries 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley action point 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley compulsion 2018 188x188cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現

地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)局部

地下室展場三幅方形色塊系列場景

Peter Halley solace 2015 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

Peter Halley the choice 2016 183x198cm acrylic.fluorescent acrylic and roll-a-tex on canvas

圖文/陳奇相

時間:6月9日至7月28日
地點:Xippas畫廊

Peter Halley是上世紀末新幾何抽或抽象幾何的靈魂人物之一,出生於紐約,生活與成長在這垂直宏偉巨大都會建築森林中,都會建築幾何就成為他幾何抽象或抽象幾何的主軸元素,藝術家1991 年描繪他所成長的紐約如同:「巨大而抽象之無差異性四方結構」(註1)。現代都會與工業發展都成為現代主義的原型與創作源泉,對上世紀初眾多抽象畫家們有深刻的感悟及探究,尤其幾何抽象藝術似乎就是現代都會的產物,立體派名畫家勒澤感悟說:「現代人的生活 越來越在種優勢幾何秩序中」或是「每個機械和工業人類的生物都依賴於幾何意志」(註2)。

新幾何抽象或抽象幾何畫家Peter Halley的創作與紐約大都會有密切的關係,其作品來自蒙特里安理性幾何抽象的呼喚,並從美國普普藝術和極限藝術中找到模型,尤其是紐曼、史岱拉與安迪 沃羅爾。一種幾何循環的理想在種抽象和具象張力中,謹嚴的幾何成為客觀現實的一部份,抽象失去它的純粹性,指涉或隱喻裡接近於現實社會,80年代藝術家Peter Halley經常說:「我一直認為我的作品是某種東西的圖像」(註3) 。

早期的作品互相串聯四方立面結構都暗喻現實特別是「建築內隱藏結構」或「牢獄」等等,在這後現代之敘述性文學性的闡述中,Peter Halley的作品成為會說故事的幾何抽象又稱社會抽象(Abstraction Sociale)。畫家意圖反轉西方現代抽象的形式主義,從現代社會各種幾何結構中尋求抽象幾何引證,指涉現實存在的架構,例如一扇窗、導管和電線或現代高樓大廈之幾何建築結構,宛若謹嚴精準的蒙特利安加上紐曼的垂直平行幾何線條般。這種接近於社會的抽象,就像紐約新潮流倡導者Collins和Milazzo的解釋「幾何及心理分析之會合是我們迷惑的核心﹐他以極限顯現」(註4)

90年代以來Peter Halley突破畫的框架,經由空間裝置敞開整體空間的概念,也就是將會掛在新壁畫(畫的、文本、圖表或是數位影像輸出,這些影像來自於他的檔案中的圖表或是素描本的文字或是設計圖稿,有時會與設計師合作)上。這次巴黎「低於/高於」個展中,他不只規畫整個(一樓及地下室)展場,甚至於走廊及入門口都作為場域空間整體規劃展現。如一樓入口、樓梯間及走廊以畫廊建築結構空間形式(數位輸出影像),創造門檻和通道效果,引導觀眾進入建築空間。地下室展場門口樓梯間以藍色系他風格化的四方及長方形縮圖(數位輸出影像)作為整體空間呈現。

主展場在一樓,共展出四大幅黃藍底有欄杆的三塊互相串聯方形式的窗(專門為此展量身製畫),命題為:邊界、落水、行動點、義務,將新幾何生活化,藝術家對其新系列如是解釋:「將幾何抽象語言轉化為牢獄和孤立單元的一種詞典」(註5) 。畫則依黃藍節奏懸掛在系列有欄杆的長方形藍色(數位影像輸出)牆面上,強化幾何形式及對話,彰顯其作品的張力。地下室展場三幅方形色塊系列,命題為:選擇、廣場及慰藉,一種人性化的闡述。這系列強調獨特的肌理,示現在黑底綠字之Jill Gasparina藝評文本上,這裡不只是觀賞還可以細細閱讀有關作者對畫家的一些觀點論述。Peter Halley認為:「繪畫是一種獨特的媒介,因為它可以刺激大腦既同是一種形象及觸覺體驗。一幅好的繪畫具有像梵谷或杜庫寧那樣具有吸引力的質感,如果無法觸動你的話, 她會使用這個大腦的觸覺部分去感受。」(註6)

他的繪畫如同他的文本:「城市規劃,數字技術的興起,視頻遊戲和建築效果圖的合成空間,歐洲和美國抽像傳統之間的聯繫,以及現代主義和後現代主義之間的聯繫,空間因此轉變為沈浸式裝置」,Peter Halley的繪畫創作繼續彰顯現代化的生活,在他那些建築或技術形式裡。(註7)

註1:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註2:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註3:Block by Block -4 underground chambers Jill Gasparina 。
註4:法國Artstduio第六期極限藝術專題 第二篇文章藝評家Nicolas Bourriaud) 。
註5:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。
註6:Block by Block -16 Tactilisme 觸覺 Jill Gasparina) 。
註7:Peter Halley-「低於/高於(au-dessous/au-dessus)」個展新聞稿。

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Olivier Mosset-「Olivier Mosset」個展:

Olivier Mosset 無題-藍 2017 240×600公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset 無題-紅 2017 240×600公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset sun city 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas 圖檔來自VnH畫廊網站

Olivier Mosset codillac hotel 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas

Olivier Mosset codillac hotel 系列 2017 240×240公分 acrylic on convas

文/陳奇相

時間:5月9日至6月16日
地點:VnH畫廊

「看不到任何東西的東西」

瑞士藝術家Olivier Mosset(1944年出生) 是法國七o年代BMPT團體成員,是當今色面抽象繪畫的老將。他們曾激進的與傳統性繪畫斷裂,拋棄全部個人的感性、主觀及幻覺,在一種禁錮、決對中性及客體性的繪畫中,觀念性勘探畫的自主性,於零度繪畫裡,每個人都使用他自己的視覺工具,Mosset直至1971年都在一米四方的白色畫面上,重覆及實踐,在白色畫布的中心畫一個黑色圓圈,探討繪畫的零極限,這種簡化為最低限的圓圈就成為Mosset最引人矚目的繪畫語彙及標誌身分。

當此團體解散後,Mosset就順勢解放其視覺工具的禁忌, 1976年畫家Marcia Hafif創立激進繪畫團體,隔年他則遠走高飛至隔岸大西洋紐約去開發新天地,海闊天空的開拓色面幾何象新抽象,開始闢創的單色(紅、橘、粉紅、綠色)繪畫,畫成為色彩能量場域,色彩成為其繪畫的本質。八o年代裡來到一種色域境界,平塗無筆觸的色彩,將兩幅同尺寸單色畫併置成形色面抽象,強烈色域(如黃與藍)對照建構,色彩能量場域及靜極思動的空間,引領人們進入深沉默想的世界,。Mosset一種畫面二色套色方法,經由謹嚴基本的幾何形式組合建構,成為八o年代西方新幾何抽象或抽象幾何的先驅,尤其對瑞士日內瓦新幾何抽象藝術有深遠的影響。

這次Olivier Mosset以「Olivier Mosset」為題的巴黎個展,展出讓人回味的色面幾何抽象系列,無任何筆觸的痕跡畫面,互相映照光鮮亮麗的顏色,兩幅巨作由五幅120×240公分的圖畫,由三幅白色中間拼置兩幅(藍或紅)垂直並置成形,除之由兩幅120×240公分組構成方形品作:明亮紫與翠綠、黑與深紫、 橙與褐,黃與白、或白與白等等,有時溫馨優雅,有潛伏著某種情緒與感知。以反過去無題這次作品還有趣味性的sun city 及codillac hotel系列標題,到底在賣甚麼膏藥呢?這種純以色面自身做為媒介的繪畫,如果想從色彩或標題尋求具體的東西話,那不如直觀地以心去感受色彩場域能量其間的奧妙, 如是根據藝術家的說法,好的繪畫是旁觀者「看不到任何東西的東西」,那麼,就不需要浪費時間徘徊在這些無可爭議的參考色彩和標題上。(參照Olivier Mosset -「Olivier Mosset」個展新聞稿)

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Francois-Xavier Lalanne-個展:

Francois-Xavier Lalanne 兔子 13x33x13公分 1987-95 青銅

Francois-Xavier Lalanne 鳥 22.5×116.5
x120公分 2003-2008 青銅

Francois-Xavier Lalanne 1927-2008 花園裡的鳥 120x130x190公分 1974 axier poli et cuivre

Francois-Xavier Lalanne 綿羊 90x99x36公分 1995 青銅

Francois-Xavier Lalanne 驢 143x155x202公分 1990-2002 青銅

Francois-Xavier Lalanne 綠色雕塑龜 43X123X76公分 1992-2003 青銅和植物

Francois-Xavier Lalanne 大犀牛 V 129X265X75公分 1991 青銅

Francois-Xavier Lalanne Nathalie的驢子 182x187x53公分 1973-2007 青銅與木材

Francois-Xavier Lalanne 大麋鹿 233x151x127公分 1996-99 青銅

Francois-Xavier Lalanne 北極熊 300x127x120公分 1994-2015 青銅

rancois-Xavier Lalanne 風景魚 IV 170x116x40公分 2007 青銅

圖文/陳奇相

時間:6月2日至7月28日
地點:Mitterrand畫廊

「最高的藝術是生活的藝術」

Lalanne

François-Xavier Lalanne(1927-2008)與Claude Lalanne(1924年出生)是法國罕見著名的夫妻檔藝術家,兩位都從事他們認為的「最高的藝術是生活的藝術」:其作品既是藝術品又是生活居家功能性器物與雕刻,François-Xavier以他具現代性的動物雕刻著名。他是雕刻家及版畫家, 1949年上巴黎在蒙巴納斯Julian畫室學習素描、雕塑和繪畫,並在畫室旁租了工作室與名雕塑家布郎庫西為鄰,明顯地François-Xavier現代性雕刻是受布氏的潛移默化所致,經布氏引薦認識當時活躍的藝術家如馬格里特、達利與杜像,也無形中受到超現實主義者們的影響。1950年幫Dior時尚服飾店裝飾,兩年後他在巴黎開了個人首次(繪畫)個展。(註1)

François-Xavier與Claude這對夫妻檔藝術家從1956起就一起工作,也因巴黎市場公園重建案件兩人開始從事立體三度空間的雕塑,1967兩人結為連理。上世紀60年代開始Lalanne在自然界中發現傳統形狀,從線條和紋理中找到靈感,Claude特別受植物和花卉啟示,François-Xavier則對動物感興趣。並開始受藝都公眾的關注,當時聖羅蘭和皮埃爾 伯格(Pierre Bergé)委託他們系列製作後,使他們更具國際知名度。1976法國家戶知曉的名歌手Serge Gainsbourg選擇他們的作品作唱片專輯封面。1983年為巴黎市政府廣場設計巨大噴泉,接著倫敦紐約都有他們的公共雕刻藝術作品,如紐約52街「紐約蘋果」,53街的「羊」等。2013年秋天Lalanne的綿羊群戲劇性地出現在曼哈頓切爾西地區的加油站。(註2)

François-Xavier著力以精簡強而有力的雕刻,流線型的形式及札實的體積,有家禽動物如兔子、綿羊、鳥、烏龜及驢子或野生犀牛及北極熊等,實用功能性的雕刻設計器物如犀牛或驢子辦公桌、沙丁魚沙發床盒、花園鳥搖擺椅等,花園器物如綿羊群、烏龜及驢子花盆、視窗牛或魚物體雕刻等,在爐火純青的焊接電鍍及翻模技術下,精品中散發一股奇幻超現實之頌歌。

註1-2:來自生平資料來自維基百科。

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Claude Lalanne-個展:

Claude Lalanne 愛情座 84X130X72公分1972-2011 青銅和銅 edition de 8

Claude Lalanne 舒適的玉簪 86.5x45x43.5公分 1972-2011 青銅和銅 edition de 8

Claude Lalanne 坐在森林裡 87x155x82公分 2017 青銅 edition de 8

Claude Lalanne 舒適的玉簪 84X130X72公分1972-2011 青銅與銅 edition de 8

Claude Lalanne bambiloba II 104x122x82公分 2005-2012 青銅 edition de 8

Claude Lalanne 蛇桌 49X90公分 1972-2017 青銅和電鍍銅

Claude Lalanne 大洞穴 180X180X66公分 2000-2013 青銅 edition de 8

圖文/陳奇相

時間:4月14日至5月27日
地點:Mitterrand畫廊

「最高的藝術是生活的藝術」

Lalanne

Claude Lalanne (1924年出生)與François-Xavier Lalanne(1927-2008)是法國最著名且罕見的夫妻檔藝術家,兩位都受過正規高等美術教育,Claude先在巴黎美院之後裝飾藝術學院畢業於建築系,François-Xavier於蒙巴納斯Julian畫室學藝-素描、雕塑和繪畫,兩人共同以Lalanne為他們創作精緻完美藝術家具及裝飾物體。創作建立在「最高的藝術是生活的藝術」概念,既是藝術品又是生活居家器物與物體。兩位的創作都來自於自然-François-Xavier偏好動物,Claude則喜歡植物花草,這對夫婦通過自然界中的紋理,線條和形狀找到了某種形式的靈感和互補性。Claude的創作承先啟後上世紀的新藝術,擅長以植物花草的蔓生藤蔓區線條及葉片建構家具及裝飾物體,透過獨道地精勘的青銅模壓和鍍鋅技藝,溫馨柔和的作品與物體,展現出自然卓越完美的境界。

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當代藝術不「難」-「難的」是那麼「容易」:

Signer ne1938 Suisse start 2014 video couleur par A Signer son 1min 42s en boucle

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圖文/陳奇相

當代藝術有些看起「容易」的東西,其實並沒有那麼「容易」,我經常說:「當代藝術並不「難」-「難的」是那麼「容易」」,尤其在抽象畫或觀念藝術上爭議性特別明顯,有人說:「那種畫連小孩子都會畫」,「而且都畫得比畫家好」,後面既然沒有問號?至於觀念性的作品,任何東西都可能成為藝術的當今,更令人目瞪口呆,那也叫「藝術」,令人驚嘆或驚喜的東西,超乎日常平凡的非凡東西,在乎的是喚起人們日常生活中的冷感,激發出觀賞者的本能、感性、想像力及冒險性,藉藝術之名喚回感知及敏銳及生命的活力。

例如當下巴黎紅屋所舉辦的「飛行或飛行的夢想」專題展中,瑞士藝術家Roman Signer命題「start」的錄像作品( 2014):將一輛三輪車轉化成為一台即將升空的太空艙。當代藝術不難,難的是那麼容易,確實,多點想像力-生活會更有趣及美好。

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「藝術家與機器人」專題展:

「藝術家與機器人」專題展海報

Nicolas Schoffer 1918-1992 cysp-1 1956

Nam June Paik 1932-2006 olympe de Gouges 1989 video installation

JeanTinguely 1925-1991 meta-matic 繪畫機器 no-6 1959

葡萄牙藝術家 Leonel Moura ne1948 機器藝術(robot Art )2017

日本藝術家Takahiro &Yamaguchi ne1984 senseless drawing bot 2011 installation

英國藝術家 Patrick tresset ne1967 human study-2 la grande vanite au corbeau et au renard

巴西藝術家 Raquel Kogan ne1955 reflexao-2 installation generative logicies castomises miroire et projection

法國藝術家 Edomond Couchot ne1932 &Michel Bret ne1941 les pissenlits 1996-2017 installation interaction en temps reel

義大利藝術家 Jacopo Baboni Schilingi ne1971 義 argo 2018 composition musicale generative et interactive duree illmitee

旅法的墨西哥藝術家 Miguel Chevalier ne1959 Mexique extra-natural 2018 realite virtuelle generative et interactive

德國藝術家 Michael Hansmeyer ne1973 astana columns 2017 20000 feuilles de papier carton decoupees au laser installation

奧地利藝術家 Peter Kogler ne1959 untitled 2018 impresion digitale sur vinyle installation

Chypre藝術家 Stelac ne1946 exoskeleton arm 機械手臂 2016 interactive installation

法國藝術家 Orlan Orlan & Orlanoide strip-teasp artistique electronique et verbal 自畫像機械人 2018 installation robotique et video

日本藝術家 Takashi Murakami ne1982 untitled Murakami archat robot 自畫像機械人 2016 silicone.FRP.animatronics

圖文/陳奇相

時間:4月5日至7月9日
地點:巴黎大皇宮

「只要他看起來像,事情就不需要是真實的」

Isaac Asimov的基礎週期 1953

在當今數位化世界及人工智能相關的科技等等突飛猛進的巨變時代裡,為樂觀進取的人類帶來空前絕後正負面衝擊,也徹底改變人們的生活、視域、感官及存在的條件。當今社會虛擬實境網際網路數位、3D與越來越機器人化下,形成新趨勢與挑戰,已超乎人們既可能的想像。一直致力於時代的延續性之藝術也不例外,新媒科技成為當下最夯的跨領域藝術探討,也提供了新機會,都成為年輕藝術家們創作的想望,窺探當下及未來之無限遐想,並與公眾進行交流,甚至互動,經由身體、接觸、聲音或是氣息改變作品,穿越時空擴展藝術美麗新視域世界之種種可能性,也改變藝術作品的新形態(生產、展覽、擴散與保護等)。

早在文藝復興時代藝術先知達文西就開創機器,隨著產業革命的發展,機器成為生產的新能量。十九世紀初工業化的機器時代之來臨,加速產業的革新,帶動了西方工商社會的發達,也改變人類生活情境及文明進化,建構了現代主義。二十世突飛猛進的科學與技術革新發展,到二十一世紀空前絕後的電子新科技網際網路的數位化時代,空前絕後的人工智能取代人類智慧的時代已悄悄登場。

明顯地,人類過去從體力至人工機械操作到當今機器完全自動化,從機器時代躍進電子化時代,從工人到機器人及到人工智能取代人類等。越來越先進,改善人們的日常生活及存在意識,縮短時空與距離,機器成為現代化生活必須的器物,現代生活與現代藝術創作息息相關,立體派的機械論與未來主義時空速度,構成主義的新媒建構,達達藝術家畢卡比亞的機械圖到杜象藉由小馬達動力的視覺作品,藝術都指向現代化機器動力的革新與創建。「藝術家與機器人」專題展則是針對五十年代至今有關藝術與機器及人工智能創建的發展,也是當今首次以機器創建的展覽。

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日本TeamLab《超出限制》數位藝術特展:

「鮮花和人們無法控制,但他們共同生活在一個小時內一整年」-繽紛燦爛的花海 互動數位藝術空間裝置

「鮮花和人們無法控制,但他們共同生活在一個小時內一整年」- 盛開的太陽花 互動數位藝術空間裝置

「鮮花和人們無法控制,但他們共同生活在一個小時內一整年」-嘩啦啦地下著雨 互動數位藝術空間裝置

「鮮花和人們無法控制,但他們共同生活在一個小時內一整年」-劃過花海的烏鴉 互動數位藝術空間裝置

海的途徑 互動數位藝術空間裝置

轟炸花朵塗鴉之一 互動效應的場景

轟炸花朵塗鴉之二 互動數位藝術空間裝置

人生短暫 – 人們創造空間和時間 互動數位藝術空間裝置

海的途徑 互動效應的場景

圖文/陳奇相

時間:5月15日至9月9日
地點:巴黎La Villette 大展廳

當下最夯的跨領域多元數位藝術發展和當今電腦程式、科技及人工智慧與時俱進,走在科技藝術的前端,藉由虛擬世界勘探存在未知的新領域,試圖創造藝術的各種可能性。日本TeamLab創意性團隊《超出限制》數位藝術空間裝置特展則是一個明顯地例子。這個創意團隊創於2001年包含藝術家、電腦程序專家、工程師、3D動畫製作者、數學家及建築師等,這個跨藝術,科學,技術和創意界面的沉浸式互動安裝,將展覽推向其極限。《超出限制》是這團隊在法國的第一個專題展覽。

TeamLab《超出限制》藝術特展與光工作室《克里姆》多媒體視聽數位藝術秀異曲同工的戲劇性及娛樂性,大小朋友老少咸宜都可參與的展覽,其最大差異是《超出限制》具有身臨其境的互動式裝置,受到電子和有機的啟發,影像根據觀眾的動作而演繹幻變。展覽本身成為一個活生生的數字有機體,不斷產生與我們日常生活完全破裂的新形象,為夢幻般的景觀變化而變化 (註1-來自於《超出限制》展官網)。TeamLab《超出限制》帶有濃厚的東方元素及日本獨特的文本,自然(植物花草)、季節(春夏秋冬) 、氣候(風雨雷閃電) 及日本民間故事,在自然與人文、具象與抽象、敘述、隱喻與表現中,虛實幻滅闡述天地及生命之道, 其千變萬化的互動影像隨著身體介入幻變,美感經驗鋪成在時空裡無限的感知。

觀眾身臨其境繽紛燦爛的動態流變影像包圍,沉浸節奏性的音樂裡,互動發展與觀眾的聯繫和關係,自由行動無所拘經由身體的參與介入數位有機體夢幻中,影像隨著觀眾的動作而演變,孕育了無限的世界。整個展覽劃分幾個區塊:A「自然峽谷區」專為兒童們所提共的區域,在自然花草植物影像的幻變中小朋友們嬉戲參與。B「轟炸花朵塗鴉」群蝶飛翔而過,隨之五顏六色花朵怒放、凋謝、溶解消失,影像隨著觀眾的動作,當花朵散開時,花瓣的軌跡畫出新的線條。C「即使沒有秩序,和平也是可能的 – 人們和動物在舞台之外跳舞」-戲劇性迷宮(鏡廳)展場中,在系列透明壓克力板上投影載歌載舞走唱樂師,當人們進入裝置中,這些走唱樂師就中斷演出。當人們站著不動或離開現場,走唱樂師們將重聚形成一個和諧的樂團,重新回歸演出。這群走唱樂師們也可以離開這裡走入整個展覽空間巡迴演出。

D「走走走:搜尋,成為,匯聚-人們和動物越過邊界跳舞」-東方韻味的荷花、成群蝴蝶飄舞、烏鴉劃過畫面空間、一群走唱樂師進場,並停在畫面上盛情演出,青蛙人物團隊出巡,接著穿著日本民間服飾身影的人物大搖大擺地走入田野進入森林,穿越整個展場。再從反方向走回,依順序由田園中的野兔引路等等。當觀眾觸摸影像時,畫面中的人物與動物有時候停下或改變方向,選擇走另一條路,如果人們在其中一個之前停下來,他會繼續與鄰居互動舞蹈。

E「烏鴉被追捕,驅趕牠們的烏鴉也注定要被追捕」-封閉昏暗展場,烏鴉劃過天空飛行,空間中畫出天馬行空的書法,留下了光線。烏鴉互相追逐對方,牠們是獵人,有時會被獵殺。當牠們衝突或接近你時,牠們會幻變成鮮花,然後投射到空間中。F「暫時的生活,人們創造空間和時間」-宛若東方書法水墨抽象表現的場景下,當人們接觸到空間時,一個圓形會成形並按照一定的節奏和特定的時間間隔增長輻射。

G「一個可愛而美麗的世界-誕生於黑暗」-這是此展中的重頭戲碼,從自然萬象中闡述宇宙的堂奧。於超越限制之千變萬化的影像中孕育了無限的世界,當你碰觸影像或一個人時,它所體現的世界顯現出來,在你眼前創造一個新的聯合體。蝴蝶對火焰感到恐懼,卻被花朵吸引。就像在自然界裡,沒有任何時刻是一樣的。世界的狀態,本質上過程及短暫,從來就不會相同。

這大主題下有三子題「鮮花和人們無法控制,但他們共同生活在一個小時內一整年」-人們沉浸春夏秋冬不斷變化藉由四季的花草在一個小時內蓬勃演化發展,觀看花開花謝生死幻變永不停的環轉。當觀眾站著不動時,繽紛燦爛的花朵盛情怒放,如果去觸摸,花朵將一致分散。「花的精神」-四季的花朵(如梅花、百合、向日葵等)在人們眼前以快節奏的萌芽、花蕾、盛開、怒放和凋謝腐化消融,花開花謝都有時無限循環,闡述自然生界的本質。但別忘了,花是互動的,當人們觸摸一個表意文字時,花瓣就枯萎或消失無蹤。

「超出限制範圍的水粒子之宇宙」-烏鴉劃過繽紛燦爛的花海,就慢慢地嘩啦啦下起雨,越下越大,成為壯觀的瀑布。身歷其境從銀幕流過觀眾的身上或是用手去觸摸瀑布時,水像碰到岩石受阻般,慢慢水流從旁側擴展開來,水流不斷變化,從中體驗人與世界的密切與共之關係,在這夢幻中的風景裡人成為新世界的載體。「觀眾在藝術品的世界中迷失了。 沒有停止,這些都根據我們每個人的存在和游離而變化。當我們將自己和自己沉浸在這個統一的世界中時,我們探索一種超越個人之間和人類與世界其他地方之間界限的新關係。」(註2)

註1-來自於《超出限制》展官網
註2-來自於《超出限制》展官網

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巴黎夢幻工廠-多媒體視聽數位藝術秀:

「維也納分離派」鼎紅藝術家《克里姆》多媒體藝術秀場景-1

「維也納分離派」鼎紅藝術家《克里姆》多媒體藝術秀場景-2

「維也納分離派」鼎紅藝術家《克里姆》多媒體藝術秀場景-3

《席勒》多媒體藝術秀

建築師畫家《Friedensreich Hundertwasaer》多媒體藝術秀場景

建築師畫家《Friedensreich Hundertwasaer》多媒體藝術秀場景

最具當代性數位藝術探討的詩意《Ai par le collectif Ouchhh》藝術團隊作品

最具當代性數位藝術探討的詩意《Ai par le collectif Ouchhh》藝術團隊作品場景

影片來自https://www.youtube.com/watch?v=Vbd6j28s7To

圖文/陳奇相

多媒體數位藝術已成為當今藝術創造及生活遣興夢幻工廠,具有文化及商業雙重的價值。如今成為當下最夯新興的多媒體數位影音燈光藝術秀產業,巴黎今年三月中開幕的「光工作室(Atelier des lumieres)」是屬空間文化(Culturespaces)公司的巴黎展場,專注多媒體數位藝術秀的觀光遣興工業。「光工作室」展場空間有1500多坪方,高10米,共使用140台雷射投影機與50多個大音箱,全方位的投影在各個牆面及地上,是目前全世界最大的多媒體裝置空間。參觀沒有任何文字解讀,像電影院般,沒有座位,任觀眾自由流動,展演都具有藝術文化內涵,讓人身心全方位浸染其中,享受一場視聽藝術饗宴。

「光工作室」致力於藝術史上偉大畫家,開幕打著19世紀末「維也納分離派」最具代表性的兩位藝術家《克里姆(Gustav Klim)(1862-1918)》和《席勒(Egon Schierele)(1890-1918)》,接著承先維也納分離派精神的建築師畫家《Friedensreich Hundertwasaer(1928-2000)》,最後當代數位藝術團隊《Ai par le collectif Ouchhh》黑白形象、跳躍光線、充滿節奏性的聲音弦律下展演,引人注目具探討性。讓觀眾浸染在紀念性展覽於繽紛燦爛的動態世界名畫,及五顏六色的色彩及幻變得光線中,並陶醉在世界名曲:華格納、斯特勞斯、貝多芬的旋律裡。讓人身歷其境,主持人Bruno Monnier 所說:「展覽沒有傳統典型的解釋。 讓人們沉浸其時空中。 享受一場視聽的獨特情感體驗」。

註:《克里姆》藝術秀至11月11日,人門票成人:14.5歐、半票:9.5歐,開放時間:每天早上10點至22點,地址:38 rue Saint Maur 75011 Paris。網址- Atelier des lumieres。

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