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Archives pour la catégorie ‘藝術 Art’

Marinella Senatoreu-解放社會的藝術展演:

P1630174 Marinella Senatore -the school of narrative dance 2017-06

義大利藝術家Marinella Senatoreu邀請觀眾參與的舞蹈展演 龐畢度中心-現場

P1630175 Marinella Senatore -the school of narrative dance 2017-06

義大利藝術家Marinella Senatoreu邀請觀眾參與的舞蹈展演 龐畢度中心-現場

P1630175-3 Marinella Senatore -the school of narrative dance 2017-06

義大利藝術家Marinella Senatoreu邀請觀眾參與的舞蹈展演 龐畢度中心-現場

圖文/陳奇相

當今的現代舞蹈受名舞蹈家Pina Bausch的啟示,經由名編舞者Jerome Bel及軀體舞者Xavier Le Roy的積極解放後,舞蹈從過去的遺興娛樂,成為一種思考的工具,舞蹈在當今跨界溶合過去的偶發藝術及軀體表演藝術,加入當今的參與美學,不斷擴展造型藝術範疇,創造其更多的可能性,例如結合劇場、舞蹈及造型藝術的Tino Sehgal,或是李明維的藝術展演都是當下傑佳藝術創作案列,就不用質疑-他們所作的到底是藝術還是舞蹈。

義大利藝術家Marinella Senatoreu(1977年出生)是當前跨界融合參予式的新世代藝術家之一,她具有雙層的藝術養成教育-古典音樂與電影藝術,還開發多元的創作:展演、錄像、裝置、雕刻、聲音、相片及繪畫等等,融合貫通出非傳統性參與性舞蹈,介於個體及集體之肢體語彙、行為態度及展演,發展出一種非比尋常的過程,經由她的統籌策劃建構,邀請觀眾們參與其計畫,並召集所有社區,讓他們書寫劇情接著借助更清晰地電影技術演出,最後凸顯出其強而有力的群眾創作,並著手進行一場口述故事、文化及社會結構的對話。

藝術家Marinella Senatoreu一直思考的教育過程,在解放及編舞,如是於2013年創立「敘事舞蹈學校(the school of narrative dance)」,說故事的觀念如同經驗能夠協助編舞的開發,借助一種水平的學習,驅使個人及一個積極公民的發展,經由非正規教育。這學校提供一種替代的藝術教育,鼓勵每個人分享他所懂的。這舞蹈學校利用舞蹈作為共同語言團聚和頌揚鄉土與愛好者們。邀請觀眾參與新的知性交流類型的舞蹈展演經驗。透過她個人的展演探討都會問題、及解放社會種種議題藝術,公平地經由藝術:舞蹈、繪畫、剪貼、裝置、錄像、相片及聲音,讓社會更民主化。

註-資訊來自龐畢度中心第一屆「Move」藝術展簡介Marinella Senatoreu訪談。

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李明維-窺見生命本地風光「我們的迷宫 」 :

P1630217-8 Lee Mingwei -our labyrinth 2017 Jean-Gabriel Manolis 2017-06

李明維-「我們的迷宫 」展演 儀式性的出場 2017 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

P1630218-2 Lee Mingwei -our labyrinth 2017 Jean-Gabriel Manolis 2017-06

等候入場儀式性 2017 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

P1630222 Lee Mingwei -our labyrinth 2017 Jean-Gabriel Manolis 2017-06

進退舞者交班時接掃把互相行禮 法國舞者Jean-Gabriel Manolis 2017-06

P1630229 Lee Mingwei -our labyrinth 2017 Jean-Gabriel Manolis 2017-06

一筆一畫進行式的發展成形 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

P1630230 Lee Mingwei -our labyrinth 2017 Jean-Gabriel Manolis 2017-06

豐富形象隨著肢體動作幻變 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

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行雲流水的意象隨著時空運轉 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

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行雲流水的意象隨著時空運轉 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

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陰陽頓錯緩慢姿體動作書寫「米」之心象風光 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

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陰陽頓錯緩慢姿體動作書寫「米」之心象風光 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

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米畫- 活生生的自然生物型態圖像

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戲劇性的圍著米堆-終場 法國舞者Jean-Gabriel Manolis

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場景-禪意十足的完成一趟圓滿地身心之旅

圖文/陳奇相

地點:巴黎龐畢度文化中心
時間:6月2日至6月26日

前言:
李明維(1964年出生)是台灣當下最受矚目的國際行動觀念藝術家之一,作品如生活,創作如呼吸般的自由自在,難能可貴地其作品充滿人性化具有敏銳、細膩、感性、內省、東方哲思。他出生於台灣,14歲時離家背井赴美國加州求學,1997年耶魯大學藝術研究所雕塑創作碩士學位,後旅居紐約,今轉移陣地定居藝都巴黎。以其內省式的參與關係美學著名(經由參與作品才完成),透過陌生人間的互動私密與交流對話,省思當下人際關係與社會脈絡的互動,人與人、人與自已、環境及世界間的關係與聯結,建構人類存在意識,勘探信賴、親密、自我意識等議題。

李明維的創作從生命自我觀照與生活參照開始,面對外婆的死亡藉由觀察與體會「水仙的一百天」(1995)之綻放到枯萎來闡述宇宙生命的圓滿,於是敲開他藝術之路,他的創作都由藝術家個人的存在體驗及生活經驗記憶中蘊育而生,其豐富的創作以計畫成形,經由物體於時間與空間之互動裝置建構,時常都是開放性的場景,建立在日常生活互動,依不同觀眾參與主動參與功能進行,展覽結果不設限就在其中發展轉化,引人注目地例如行坐臥晚餐計畫(1997)、睡寢計畫(2000)、補裳計畫(2009)、客廳計畫、魚雁計畫(1998)、女媧計畫(2005)、如沙的格爾尼卡(2006)、織物的回憶(2006)、移動的花園(2009)、聲之綻(2013)。總之李明維與他的關係:參與的藝術 – 透過觀照、對話、贈與、書寫與飲食串起與世界的連結」。

藝術家李明維說「我的創作並不是為了要在大美術館展覽而作,它的自然性就好像呼吸一樣,這是我生活態度的一部分,當它受到別人的認同,還邀我去展覽時,就好像火上澆油一樣,促使我更進一步探索,我覺得這就是很幸運的事情。更重要的是,沒有這些陌生的參與者,我的作品是無法完成的。」(註1-)。

窺見生命本地風光:

李明維「我們的迷宫(our labyrinth) 」創於2015年於台北市立現代美術館的展演作品 ,這件充滿儀式性的作品靈感來自於藝術家至緬甸旅行時,觀察到佛教信徒們每天風雨無阻靜默地清掃到廟宇間的道路,完全沉浸一種謙誠靜心儀式裡,淨化的不只是途徑同時也自已的心靈,於東方內省之生命哲思及情境下。展覽主題「迷宫」充滿生命的隱喻意涵,對人類存在的生老病死之困惑及生活中的種種困境,活著就必須睿智地解惑迷津勇往探尋出生命之道。至於藝術家選擇「米」不只是素材或物質,更是種文化,且是一種非凡獨特的精神性,藝術家說:「米對台灣原住民是特別的。「米」的精神時常被認為是完全女性化如同一個母親的身影,稻米聯繫天及地,凡人和神。在「我們的迷宫」,米粒一步步引導舞者,一次次回顧深層節奏的關係,壯麗的我們與肥沃大地分享」(註2-)。

李明維這次巴黎的展演「我們的迷宫」共邀請11位舞者參與展演出,舞者是藝術家親自在巴黎舞界中所精挑細選的,一位日本人、韓國人、多數法國舞者與兩位來自台灣,年輕世代的專業或業餘舞者(還有是舞蹈學校學生),於多元文化,多種軀體舞蹈型態,看到每個舞者背後固有的文化及肢體語彙,其共通性及差異性下,展開一場文化驚艷藝術展演與交流。巴黎「我們的迷宫」展演,觀眾並沒有直接的參與機會,只能親臨現場觀賞並細細品嘗舞蹈的奧秘及感知美感經驗。重要地交流是每位舞者在其固有的文化及極富詩意的軀體語彙下能互相觀摩與學習。

李明維在這展演中,與舞者們間取得一種完全默契信賴合作,藝術家只給予一些基本觀點,其餘由每位舞者隨著身體及意識當下即興發揮,從整堆稻米中緩慢地一筆一畫的掃畫出行雲流水的起伏幻變線條形象,境由心生,所以每位舞者或每次的展演,揮毫書寫出千變萬化的的形象每個舞者都會各有千秋,抒情寫意:具象、抽象、意象、心象等,富於詩意無論自然或超自然形象都是舞者當下存在的真實。

儀式性的「我們的迷宫」是沒有任何音樂及聲音的伴隨展演(在這龐畢度中心樓下,是出入口處人群交會的地方相當嘈雜,樓下之義大利藝術家游牧的敘事舞蹈音樂滿天飛,舞者專注走入內在-動中靜地行禪,觀者也不列外,且要全然投入其中,於吵雜聲中發現充滿節奏性的一片廣裘汪洋大海),整個展演僅然有序,素色的舞者腰部圍著藍色,以竹掃把為「筆」在開放性場域隨著時間的發展,儀式性的出場、進退舞者交班時接掃把互相行禮、緩慢進場、本能與感性的拈手一筆揮毫導引、進入行動靜心、一筆一畫進行式的發展成形、豐富形象隨著肢體動作幻變、行雲流水的意象隨著時空運轉、陰陽頓錯緩慢姿體動作書寫「米」之心象風光,然後,內聚收形、繼續順其所然往內推壘、縮筆成堆、舞者從箱盒中取出白色摺紙圈、戲劇性的圍著米堆、行禮鞠躬的緩慢退場,禪意十足的完成一趟圓滿地身心之旅。每場舞都自成一個時空,隨著能量流意識之不可思議的身體,把觀眾帶往高潮,進入沉思默想的心靈意識裡悠遊,從中感受一股深層的美感經驗,見證寂靜的力道,窺見生命本地風光。

註1-2012/11/10 聯合報藝文版。
註2-來自龐畢度中心第一屆「Move」藝術展簡介李明維訪談。

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龐畢度中心第一屆「Move」藝術展:

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台灣藝術家李明維「我們的迷宫(our labyrinth)」現場展演

P1630217-1 Lee Mingwei -our labyrinth 2017

台灣藝術家李明維「我們的迷宫(our labyrinth)」現場展演

P1630175-2 Marinella Senatore -the school of narrative dance 2017-06

義大利藝術家Marinella Senatoreu游牧的「敘事舞蹈學校(the school of narrative dance)」現場展演

P1630202 Youssef Nabil l saved my belly dancer 2015 film HD coutur son 12 m

「舞蹈錄像」 Youssef Nabil l saved my belly dancer 2015 film HD coutur son 12 m

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「舞蹈錄像」Alil Yalter 沒頭女人的肚皮舞 1974 黑白錄像 聲音 24m47se

圖文/陳奇相

龐畢度中心第一屆「Move」藝術展,整合思考當下多元跨界融合於當代舞蹈、表演與動態影像之間的議題,探究當今社會的藝術創作專題和公眾的參與是主要的,是首屆「Move」的專題。邀請觀眾們發現當今所流行參與互動創作,於作品不同關係間的勘探實驗。

邀請兩位當下專注參與互動的藝術家,現場展演:台灣藝術家李明維「我們的迷宫(our labyrinth)」,寂靜儀式性(沒有任何音樂與聲音)藉由舞者以掃把經由緩慢姿體動作書寫「米」之心象風光,邀請觀眾進入沉思默想的心靈意識悠遊。義大利藝術家Marinella Senatoreu游牧的「敘事舞蹈學校(the school of narrative dance)」邀請觀眾一種新的知性交流類型的舞蹈展演經驗。

此活動中也包含龐畢度中心從1982年所創的「舞蹈錄像」,作為核心,今年的大主題是業餘愛好者,同時啟開其他觀點重新審視這些重要編舞家如Magy Marin、Lucinda Childs、Anne Teresa de Keersmaeke。

最後「臀部不撒謊(hips don’t lie)」結合藝術家與編舞家的錄像藝術展,解構觀賞的一種實踐於中東肚皮舞多重幻想的核心,藉此機會對照沉重的習俗與異國情調之重新閱讀。有Zoulikna Bouabdellah、 Alil Yalter、Kader Attia、Youssef Nabil 等等作品。

資訊來自於龐畢度中心第一屆「Move」藝術展簡介。

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Tino Sehgal -藝術作品在那,是我們:

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Felix Gonzalez-Torres 的大珠鍊簾進入

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主展廳前Daniel Buren裝飾性的天花板

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入空無一物的主展廳-一位八到十歲的小朋友跑到我面前來,說「我是作品」並提問我「什麼是進步《progresse》」 啟開對話

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接著一位中學生年齡女孩前來接手,繼續針對《進步》主題閒聊

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中途一位四五十歲的中年人接棒,深談人類的進步或進化,對話中激發一些思緒火發,他拒絕我拍-趁他背後拍張再說

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轉個空間一位退休的婦人迎接,他為我講了一個深思孰慮的故事,來結束這一場藝術對話

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入地下大展廳,一群人對角線的來回空間散步或舞步,到底是甚麼回事

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終究發現是一場無止盡流動的人群-意旨日常生活街頭的情境

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這是藝術家Philippe Parreno及Pirre Huyghe們的日本卡漫人物作品

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當錄像閉幕後,燈光一亮,一位活生生女孩在人們面前比手畫腳,並與面前一位小朋友觀眾對話

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下地下室二樓,迎這光線走入一條走道,在入口處卻被走弄,終究進入

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嗡嗡的聲音,到底是誰在哼唱呢?仔細觀察,是面對牆壁的四個人,包含入口處那一位

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東京宮我孰悉的空間,怎麼牆角落在落水呢?必有玄機,可想而知,藝術無所不在

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喔個黑漆媽黑的空間裡,有群人蹲在牆前驚叫喚醒我的注意,前往察看牆面黑色斑斑,牆面及地面都是黑蒼蠅,哈哈,這非藝術不可,這是我開閃光燈所拍

圖文/陳奇相

「藝術並不存在,藝術是你們」

Benjamin Péret

地點:巴黎東京宮
時間:9月7日至12月31日

這個戲劇性的展覽是2016年巴黎秋季嘉年華會的活動大戲碼,結合劇場、舞蹈及造型藝術的環境空間裝置,主展場裡卻空無一物,讓人一頭霧水,罕見的潔白牆面,望眼而去一群人來回在這「空」間中悠遊散步,罕見地還有專人伴隨你散步聊天並向你提問,一雙雙一對對互相交談宛若劇場般的偶發表演情境,沒任何東西或物體可攔劫人們的視線,到底是在賣什麼膏藥,當然在當代藝術展裡已經見怪不怪,不怪就不太藝術了,既然是來參觀的就這樣撩下去。很有條理了之組織展覽,並要請眾多當前誇領域各路英雄好漢的藝術家們參展,觀眾們被動地並引導參與這場遊戲,這是當下流行的參予式的展覽,觀眾是作品的主要元素,沒有觀眾作品就不存在,既來之就深入看個究竟。那藝術作品在那呢?是我們本身嗎?

Tino Sehgal(1976出生英國,現旅居柏林)是歐洲新生代最令人矚目展演藝術家之一,依時空形勢建構其作品,重新創立作品及觀眾間的會合,是當今引領風騷的互動美學最佳的案例,他的藝術展演就像一場儀式,透露藝術非物質化的看法,挑戰人們的感知。更甚的他傳遞作品從沒書寫草稿原本,並沒有任何買賣的行為(他以口頭方式在代書前傳遞訂製計畫),從不簽合約書,展覽從不出畫冊也從不拍照存檔(註1),他一直處在生活當下,展覽從不留下任何痕跡就像流水般似的永不回頭。

他曾參與幾乎所有重要的雙年展與大展,2005年以最年輕的一位藝術家代表德國參威尼斯雙年展,兩年後在首次在美國芝加哥當代藝術美術館與Kiss展演,之後個人巡迴歐洲各大都會,並於2013年參予義大利威尼斯雙年展(獲大獎)及德國文件展等。Sehgal很年輕就投入現代舞蹈,跟隨名編舞者Jerome Bel及他的麻吉名軀體舞者兄弟Xavier Le Roy,身受名舞蹈家Pina Bausch 之啟示,他們深信認為舞蹈並非遣興娛樂,而是種極自由解放如同一種思考的工具。如是他尋求更多的可能性從舞蹈跨入融合造型藝術,他以一種別開生面的構思創立其造型藝術,他唯一的基本元素是人,如同其他素材,藉由各種形勢建構其思維並塑造感性,藝術家說:「我所感興趣地是這素材的耐力,及每個人的主觀意識。我探討創立那種形勢,在那裡個體及集體能會合」,策展人Rebecca Lamarche-Vade接著說:「對照他的那些作品請求觀眾一種不可思議的能量,因為經由 與他人會合顯現一種極豐盛固定的物質 」(註2)。

他編導式的展演,在那裡,觀眾都屬於動人的部分,藉此思考全部的提問:舞蹈、藝術物體及觀眾們。這次整個東京宮空間都獻給這位年輕藝術家,入展門口就有莫名其妙的人迎接你(還以為惡作劇),主展場空無一物,觀眾無法自主參觀(有人會到你面前迎接你),並被提問且循著這主題互動的交談,經由人生的四個層次的對話塑造出觀眾的主觀情感及覺知,這是我三十幾年來首見的展覽型態,人們從沒見過的類型展覽 ,在那裏藝術作品-是我們」之特展。

這個別開生面的展覽是由Tino Sehgal本人主導與策展,共邀請來自全球各路英雄好漢的藝術家們(各種跨領域新類型)參與其展覽,名單上幾乎都是當前頂紅的藝術家有:With、Fredrique Ait-Touati、Daniel Buren、James Coleman、Markus Gabriel 、Felix Gonzalez-Torres、Pirre Huyghe、Kaori Kinoshita et Alain Della Negra、Isabel Lewis、Celime Minard、Philippe Parreno、Mathieu Potte-Bonneville、Apichatpon Weerasethakul。

從入展覽門口人們從Felix Gonzalez-Torres的大珠鍊簾進入,啟開活生生的戲劇性展演,有時還有演員們以搞笑的形式前來迎接觀眾,拉開展覽序幕,經過紅黃藍圓圈燈光天花板(Daniel Buren的作品) 的劇場廊道。來廊道盡端進入空無一物的主展廳,只看到一群人漫步於空間中渡來渡去的私密交談,啟開一趟尤里西斯之旅。當我在猶疑參觀甚麼時,一位八到十歲的小男孩跑到我面前來,跟我招呼自並我介紹一番說「我就是作品」,喔!讓我傻眼怎麼了,並丟給我一個問題「什麼是《progres》」,這字意味著:前進、進步、發展,進步是形容日漸擴充,日進向前的樣子,發展則是向前展揚。如是他陪我啟開散步交談對話。與小朋友談「進步的概念」我直覺地回答是「向前」,但這裡指的是人類的發展或是文明的進步,很難從小朋友的與談中得到明確的指引,在模糊概念的探尋中。接著一位中學生年齡女孩前來接手,繼續閒聊《進步》,向前不是盲目地,必要時停聽看甚至迴轉,以免直接撞牆步入死胡同。進步是人類為改善生活中所發展出的種種現實,與多元科學發展所帶來的結果。

還在對話的思緒中一位四五十歲的中年人前來接棒,深談人類的「進步」,空前絕後的人類來到日新月異科層技術與大自然疏離的時代裡,物質雖改善人類的存在條件,便利日常生活,貪婪的人類盲目的生產無節制地消費,環境的惡化,自然資源的浪費,腐化的人心,卻瓦解人類的心智,在盲目進步主義下摧毀人類所有美好的未來。與中年對話中激發一些思緒火發,還在腦袋裡翻滾中,轉入另一空間一位退休的婦人前來迎接,看看當今的歷史情境,隨著科技及生活時空幻變,她為我講了一個深思孰慮的故事,來結束這一場藝術對話,故事的意旨是告訴人們,如果把進步當成工具時,誰掌控工具就握有實際權力就能翻雲覆雨,權力就可支配與統治人們,既可造福人類也可將人類帶到懸崖,要看個人良知。如擁有一國國家錢幣發行權-誰當總統都是他的傀儡,當今世界幾乎都被世界寡頭金融大鰐所支配,誰掌握大眾傳媒就能操縱群眾,誰擁有最先進或致命的武器就能以各種理由侵犯別人的主權,誰掌控氣候就能隨心所欲地讓人死活,誰擁有更多股票內幕信息就能大勞一筆,或是當下大眾都被電視或手機所支配,成為低頭族或鼻子連在銀幕上而不之知,或為消費而消費的終究成為物奴等等,蘇俄藝術家Kabakov及Emilia Kabakov說:「世界全部都是如此的急速幻變,讓人們忘記生活本身的感受」或「偉大進步、科學、與人類高尚的景象,它帶引人們來到災難的邊緣」。

主展館雖空無一物,但觀眾們卻進入一趟尤里西斯之旅,在那裡,觀眾體驗他個人主觀性錯綜複雜的經驗,且在那種散步與主題的交談形勢下銘刻他所對照的內外情境。入地下大展廳,空無一物,摟空的柱樑,摸摸頭藝術品在那,空間中有一群小朋友圍繞著老師在畫畫、一些零星遊走的觀眾、樓梯間坐著聊天的人們等,明顯地看到一群人(男女老少)有組織的在建築空間對角線散(舞)步不停地來回運轉,到底是怎麼一回事展演,進入空間場域地都屬於站眼的一部份嗎?終究發現如平常繁榮都會街道煕煕攘攘或出入地鐵口上下班一波又一波無止盡流動的人群,呈現一股活生生的能量在空間中運轉,揭示日常生活街頭的集體意識與情境。

地下室一樓除主展場外,另一空間,展示Sehgal麻吉的藝術家Philippe Parreno及Pirre Huyghe們的日本卡漫人物錄像作品。當錄像閉幕後,燈光一亮,那位錄像的人物,化身出一位活生生女孩在人們面前比手畫腳,並與面前一位小朋友觀眾對話。他們的作品都以走出傳統藝術的框架,進入生活場域與情境中與觀眾互動。

下地下室二樓,迎著光線走入一條走道,在入口處一個人(展演者)堵在門口,有意無意的與觀眾互動(故意阻擋觀眾)玩起捉迷藏遊戲,增添幾分情趣。終究放人們進入,輕飄飄嗡嗡嗡的聲音縈繞著場域,到底是誰在哼唱呢?分不出展演者或觀眾,稍清醒時,仔細觀察,聲音是來自那四位面對牆壁的人,包含在入口捉弄觀眾的那位。每個空間是走一趟尤里西斯之旅,進入個場域中,親身品味自身的感知及對照當下的情境。

東京宮我孰悉的空間,怎麼沿著牆角落在落水呢?必有玄機,在那駐足關注,看到導覽帶一批人到下面參觀,可想而知,藝術無所不在,接近生活,或是生活本身就是藝術,看每個人如何去面對自已當下的情境及意識。一片黑漆媽黑的空間裡伸手不見五指,一群人蹲在牆面前幹甚麼,喚醒我的注意,前往察看黑色斑斑鋪滿牆面,牆面及地面都是黑蒼蠅,哈哈,這非藝術不可,於是我開閃光燈拍下當下所見的,藝術似乎總在不知所云下見證當下。最後在牆角落一漆黑傾斜空間裡,安置一件錄像作品,只聽到碰碰碰的聲音及一閃一閃的光線,只能在這一秒及一秒間窺見到是兩個拳擊手對打的影像。內容是拳擊賽,或是是碰碰碰的聲音,還是一閃一閃的光線呢?這就是藝術所闡述的全部吧。終於我明白了,藝術無所不在,不在乎是藝術,生活即是藝術。

註1-art media agency-19 octobre 2016 p 61 Tino Sehgal. Artiste de l ephemere。
註2-Le monde 2015-10-11 culture-Tino Sehgal. createur d echappees 。

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蘇國慶:生命的原鄉-風景:

001 白天到晚上-季節 91.5x549 cm 1992-1994 油彩 畫布

白天到晚上-季節 91.5×549 cm 1992-1994 油彩 畫布

003 時間風景130x772 cm 2015 油彩 麻布

時間風景130×772 cm 2015 油彩 麻布

004 寂靜 130x386cm (Diptych) 2015-16 油彩 畫布

寂靜 130x386cm (Diptych) 2015-16 油彩 畫布

005 世外桃源 122x435 cm 2010 油彩 畫布

世外桃源 122×435 cm 2010 油彩 畫布

009 午夜磔刑(台北之二) 130x97 cm 2000-2008 油彩 畫布

午夜磔刑(台北之二) 130×97 cm 2000-2008 油彩 畫布

010 重生 130x97cm 2000-08 油彩 畫布

重生 130x97cm 2000-08 油彩 畫布

011 天國之路 130x97cm 2008 油彩 畫布

天國之路 130x97cm 2008 油彩 畫布

010 天涯路斷 112x145 cm 2008 油彩 畫布

天涯路斷 112×145 cm 2008 油彩 畫布

016 百年孤寂 One Hundred Years of Solitude 2015-16 油彩 麻布 Oil on linen 130x193cm

變調的生命 193×260 cm 2009 油彩 畫布

P1600970 蘇國慶 綿延山丘 112x145cm 2014-15

綿延山丘 112x145cm 2014-15

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金蕉園 水彩連作-02 2012

P1690388

畫家蘇國慶於中和工作室 2016-03-04拍於工作室

圖文/陳奇相

「我用風景繪畫來傳遞內心底層的人類共同情感」

蘇國慶

前言:

後現代之後,繪畫似乎已經迷惘沒落,那在當今過分科層化與大自然疏離的時代,對山水風景畫寓意漠視的年代,鍾情風景畫的蘇國慶,似乎不合時宜,對這等待偉大風景的蘇國慶無疑有一種深層苦悶感及孤獨感,衷於自已,他只能千山萬水我獨行。在當今甚麼都可以的時代裡,那以風景表現有何不可?當今如何畫風景畫,畫甚麼樣的風景呢?如何表現風景,現代或當代性的風景面貌該如何之可能?是一大考驗,國慶似乎將風景作為生命的救贖,風景自然而然成為他生命的本地風光?

國慶對繪畫的執迷狂愛純粹是一種嚮往,無可救藥的,根基於生存條件的一種表現迷戀,是生活態度與人生夢想的結合,他說:「取悅評論者或觀賞者並不是我作畫的目標,呈現我內心對生命的探索與感懷,才是令我沉迷,執著一生創作力的來源」(註1)。風景是國慶觸景生情之內心關照的主觀表達,他以文學的手法畫他心目中之人生的風景或心景,且隨著生活參照與觀察一直在幻變中,他一直在追尋生命的那把鑰匙想解開存在的密碼,他的風景畫是生命追尋的紀錄,是紀錄那消失(註2)。綜觀他的風景畫分為三:都會風景-具象、自然風景-意象、內心風景-心象,德國象徵主義畫家C‧ David Friedrich說:「風景即畫家的心境」,蘇國慶認為這有兩層面,一是「畫家用心眼在看世界」,另一說法則是「畫家用風景表達他的心象世界」(註3)。

他的風景絕不是伊甸園,具有強烈的「孤寂美感」,而是畫家個人生命的隱喻?確實,風景觸擊到畫家內在深層意識,是存在的場域與情境,面對當下風景的冥想,與當下感情與經驗是不可分的,風景成為畫家自我內心的剖析,抒發的是對人間的感觸與體悟,在可見的與非可見的,指涉及隱喻中,闡述畫家壯闊生命裡美麗波濤洶湧風光,畫家說:「我用風景繪畫來傳遞內心底層的人類共同情感」(註4),他雄心壯志探討,意圖呈現台灣偉大風景畫的典範。

畫家的初心:

蘇國慶(1947出生)於山明水秀台南白河,記憶中從六歲幼稚園起開始塗鴉,八、九歲時就用剪刀在黑紙上剪出風景圖樣,很幸運地進入全國最注重美育的白河國小,校長本身是美術老師出身,對兒童美育情有獨鍾,學校在「生活及教育」方針,多元性的教育下。自然教室及美術教室都是國慶的最愛,獨鍾美術課是從寫生開始,生物課及自然生態,教導他觀察與實驗,歷史及地理課啟蒙他時空地理與人文景觀,加上罕見地家事課(烹飪、縫紉) 、勞作課與電影教室,發現日常生活的樂趣,打下他的人文基礎教育。得天獨厚阿舅又是美術老師,經常與他一起外出寫生,培養興趣,深受影響。阿舅對台灣藝壇活動的關注,家有不少台陽美展畫冊,少年就成為文青,在藝術上很早熟,國小就對台灣藝壇有初步認知,小三時意外的得到世界兒童繪畫大獎。初中時受美術老師黃水文的啟發及鼓舞,決心當畫家。

嘉中時美術教室最吸引他,在教室裡盡情模仿西洋名畫,對西洋名畫有更深層的認識,對民俗民藝甚感興趣。那印象最深刻的當然是家中客廳懸掛著兩幅巴比松名畫家米勒家戶人曉精典「晚禱」及「拾穗」,從小就看這兩幅複製圖畫長大,在這環境下潛移默化,也嚮往畫藝之路。高中時癡迷於畫畫,一口氣狂妄的畫了百張畫,在鄉間只有自然風光尤其是樹木林立,以純粹素描的方式只畫沒有樹葉的樹(枝幹),專注於線條的演練,迷戀樹及林。過於沉浸迷惑於畫畫,耽誤學業,首次投考藝專卻名落孫山。

當完兵後就以高分考上藝專西畫組,築夢的年輕人邁向畫家初心的途徑,當時藝專師資強大陣容,台灣畫家先拜都在此授課如楊三郎、李梅樹、廖繼春,洪瑞麟、李澤籓及剛返國的陳景容老師等,他勤於技藝的演練,深受老師觀念性的啟發,體會洪瑞麟老師老實畫畫之精神,陳景容說:「當畫家是一輩子的志業,就像馬拉松賽跑般,必須要終點才知曉」(註5),李澤籓擅於寫生對於水彩如是:「畫水彩,水要多,顏色也要多」(註6)等等的啟發及引導,國慶專情水彩及勤於演練下,成為他那時代水彩畫的一把刷子。

國慶鍾愛寫生是從小所培養來的,是習藝的養成過程 ,這份來自鄉間對自然濃厚的情感之寫生,畫風景成為他的獨鍾,在東方及五月抽象風暴下,同學程延平與一批激進年輕藝術學子們都跑去跟李仲生學藝-自動性技法時,國慶卻不動於衷偏愛自然風景,確實,性格決定一個人的命運,畫風景就成為國慶的藝術宿命及個人風格。

國慶早就對西方哲學及文學的偏愛,以及看著七等生的小說成長的文青,60年代受畫外畫會(註:畫外畫會在鄉土論戰之前在東方及五月之後1966-1974年間)新思潮之影響及鄉土文學運動的啟發。1974年畢業後,以現代主義形式方式呈現城鄉地景,尤其表現現代都會間人與人之間的疏離冷漠及苦澀,1977年首個展與美國新聞中心,隔年遊歷美國各大都會(六個月),見證西方現代及美國當代藝術超強威力,撼動他所有藝術細胞,白天參觀晚上在旅館以剪貼方式,紀錄美國現代化的生活情境(建築物及高速公路)景觀。1981年於南畫廊「美國印象-美麗新世界」個展,1984年移居美國洛杉磯,為了養家生活,毅然決然放下他鍾愛的情人-畫畫,暫緩求事業發展,如是,他間斷畫藝達八年,對酷愛畫的人,恍若是失落的人生般。

他很清楚其實工作是為了畫的初衷,1992年某天睡夢中憶起席德進臨終一段話而驚醒,隨即鼓起勇氣重拾畫具,以鍾愛風景寫生為修行,1993-94年間以日記形式記錄完成「加州Diamond Bar水彩日記」,並完成他最具代表性的「白天到晚上」油畫系列,1994年於美國洛杉磯舉辦「時間性的風景」個展。1997年又被徵招回台灣工作,1999年派駐中國大陸,繪畫工作又再次停擺,畫家說:「我只喜歡畫畫,只會畫畫,也願意畫畫,但是我更需要的是先生活,所以我大部分的人生就在這樣的爭執矛盾中與踽踽前行,(……)。尤其當意識到風格的誘惑時,要堅持自由真是煎熬,困難而痛苦,往往在夜眠中驚醒,久久瞪著虛空暗黑」(註7)。一直至2004年完全從工作中解放開來,終可全力以赴投入鍾愛的繪畫創作,象徵孤獨無助生命的「樹」系列的出現,預兆著自已命運的先驗圖「午夜磔刑
」。2007年間意外發現患淋巴癌,重大手術兩年多的化療生活在死亡的陰影中,與死神叉身而過,他更加勇敢面對生命的課題,更積極的創作,堅定「有藝術創作的地方就沒有死亡」(註8)。

生命的原鄉-風景:

國慶對風景畫一往情深,寫生開啟他的創作,風景雖源自於寫生,卻終究於主觀意識下的想像編撰,自然是創作文本,文學為創作的底蘊,傾訴他在現實及理想間天譴的宿命。自然風景作為生命的救贖,更深層地是探觸人類存在的課題,以充滿文學性、敘述性、故事性、寓意性,闡述人從那裏來,在這裡做甚麼,往那裏去。他擅長風景語彙:樹、樹林、田野、荒原、森林、高山、峽谷、湖泊、原野與田園風光等,畫家說:「畫命運,畫人生
,我的風景畫就是我的人生,生命的呈現,一種人生風景」(註9) ,確實,風景是他的故事,人類的故事,存在的故事與畫家生命省思地映現。

風景無他就是他,生命的原鄉-風景,風景成為國慶反芻生死的場域,以樹和樹林為象徵人及人群,他借風景譬喻生命榮枯,亦反映人生命運的無常與變調。畫家寫道:「風景其實就是我內心的圖像,心中的風景,即使是沉默無聲,隔絕人的。那是心靈風景視野開闊,我的人生記憶。紀錄現實景物與幻想情境,透過雲彩呈現光影造型,表現思維過程。現實風景瞬間的印象或許混沌或許清晰,但在畫面定格之後那永恆的圖像就已經成立。」(註10)

畫家藉由內心的風光寫照個人存在意識,靈魂借畫布孤獨的無聲詠嘆,對台灣家園的天災人禍,土地即生命與共的人民命運,對未來的疑惑,與生命無常及死亡之陰影,映照著畫家心聲。他寫道:「作品的基調是充滿感傷與哀愁的靈魂詠嘆,色彩雖然明亮艷麗,但那是台灣海島南國色調,在高彩度背後,自然的災難,生命的威脅,命運的無常,人生的漂泊,內心潛藏的恐懼疑惑,死亡的陰影……每天我在孤獨中與自已奮戰,畫布是我的戰場,也是魂歸之地。作品就是見證就是紀錄,一點都虛假不來,再也沒有比作品更真實的了」(註11),生命的原鄉即風景也。

編導式的風景畫:

蘇式的獨特性風景畫是編導式,充滿想像空間的電影場景與戲劇性畫面,經由其有意編撰經營:布局、造景、色彩、光線、情境、場域及獨特的情感投射。巧思造化的劇場形式布局,藉由如夢如幻奇妙光線製造懸疑的情境,國慶對色彩特別敏感,對顏色的冷暖容顏與色彩的對比互補別有一番感悟,喜歡近乎不真實的濃烈及飽和鮮艷顏色,色彩作為情感的載體,主觀性地發揮其想像力,弔詭形構出一種令人深沉孤寂、與世獨立的淒涼感覺,揭示心理情境,指涉孤獨、憂愁與絕望的容顏。光線是他繪畫的靈魂,光源猶如探索生命的神秘原點,沒有光,一切將失去意義。他擅長編導微妙的逆光、測光、微光,雕塑生活中淡淡的哀愁。

國慶如導演般喜歡戲劇性的將人物或動物佈局於宏偉壯麗自然劇場間,建構一種自然與人文之間懸疑情境及心理張力,劇場性演出一場又一場活生生地夢幻人生,這 成為畫家內心生命自我剖析,如「騷動」(2006)男女主角戲劇性演出情境,或電影場景畫面的「寂靜」(2015-2016) ,游移俯視老鷹從一大片幽森林蔭中遨翔飛出,背向觀眾的畫家卻遠離畫布步入幽微山谷,暗喻著畫家千山萬水我獨行的壯志行徑命運。另一引人矚目的是不在現場的「人」的風景:如「暸望」(2009)及「永恆孤獨的象徵」(2014-2016) ,在明媚自然風景中,以椅子示意不在現場的人物,強烈指涉出一股耐人尋味的孤獨感。

充滿戲劇性的場景「騷動」(2006) :在大自然劇場裡身穿深藍襯衫的畫家正專心作畫
,忽然間一位穿成紅色旗袍的黑髮美女出現,畫家受到誘惑轉身的一陣騷動,體現一種深受打擾的情境。全景的自然劇場「寂靜」(2015-2016) : 自由翱翔的老鷹盤旋在幽森林蔭裡,風景間動靜的一種衝突,老鷹永遠都是一隻,老鷹隱喻畫家存在孤獨心境。左角大畫布指涉畫家的存在,背向觀眾的畫家卻驚慌失措地奔入一片漆黑未知的幽微森林中,暗喻生命的無常及存在的孤獨與困惑。

不在現場的風景「暸望」(2009)及「永恆孤獨的象徵」(2014-2016) 在綿延的山嶺青蔥
翠綠的風景中,前面一黃色平台,兩座椅子(木及導演椅),一引現空間透視的透明玻璃上停著一隻孤鳥及披放著一件白襯衫,如劇場般場景,人物還沒登場,體現人 不在現場的風景,闡述人類的存在之孤獨無助。編導式的對照:內與外、動與靜、日與夜、明與暗、表象及內心深層、色彩的對比與互補,自然及人文,現場及非現場之辯證。

人存在的處境「磔刑圖」系列:

素知國慶好愛大自然風景,特別喜愛樹,「樹」頂天立地一向都是人類的象徵,謹嚴的造型,如人的軀體,既孰悉又陌生。畫家認為樹是最接近人的存在,樹林猶如人間社會,發生過各種故事。他說每當他佇立於自然風景或人樹參雜的都會裡,「誰在那裏?」-(哈姆雷特)一劇開場的獨白就會在他耳中響起 (註12) 。 那誰在那裡,是畫家本人,因他就像一棵被「移植」的樹,甚至是生命遭遇「磔刑圖」之寫照。

擬人化的都會行人樹低吟著畫家深層的心思。人存在的處境之「移植與存活」系列,來自於西班牙畫家哥雅拿破崙軍隊槍殺無辜民眾「1808年5月3日」(1814)畫的啟示。畫家對樹雖懷抱著深情,看到都會的行人樹卻有說不出的感慨,樹的蒼白、空洞、截肢、支架綑綁及草繩纏覆,怵目驚心像是古時代的肢體分裂之磔刑,或像耶穌受難圖般,畫家感同身受難言生命之苦難、鬱悶、哀傷及悲憤。都會不安的樹象徵新生之可能,是漂泊者畫家的心境,移樹如移民流離顛沛,被連根拔起,移植至新土壤裡,適應新環境,否則就枯萎的情境般。

孤伶蒼白空洞的「午夜磔刑(台北之一)」 (2000-2008) 、草繩纏身支架夾持的「磔刑圖」(2005) 、草繩纏身摟著半身軀的「城市磔刑記」,與等候那一刻「午夜磔刑(上海
)」(2007)系列,是畫家生命的映現,是他自已罹癌的先驗圖,彷彿來到生命邊緣之投射
,示現坎坷命運在面對死亡陰影下的徵兆,「在樹林的邊緣,遠方刑場般支架環繞的孤伶伶在烈日下的回憶,樹林裡的時光是多麼舒暢愜意,那晨露、濕地、野草、微風、光影
……,但失去的卻永遠回不來了」命運的無常,人生的漂泊,生命的脆弱紛紛湧上心頭,畫布成了宣洩他的落寞與懷疑,意志與恐懼的舞台或者戰場。(註13)

人生並不是滾石唱片的快樂天堂(註14),生命由不得已,只能聽天由命的「充滿靈性的生命因素」 (2006) 、死亡陰霾恐懼下的「不安的樹靈」(2007) , 是畫家罹癌前後獨自落寞以對自我觀照生命情境鏡面。迷幻五彩天光的哀傷淒涼色彩「天涯路斷」到「天國
之路」(2008) 峰迴路轉,崎嶇生命過程,到重現屬光「初生」及「重生」(2000-2008
),終於從「變調的命運」(2006)中來到所見的本來面目「自畫像」(2009) 。這期間所畫的樹失去了青翠綠葉如寒冬 ,光禿禿枝與幹 ,孤伶伶在別開生面的紫色、藍黑、猩綠與清黃主觀表現性的詭譎難測背景下,深沉孤寂,遺世獨立的淒涼。感嘆,樹如人,歷史滄桑生死榮枯一夕之間,掙扎奮戰叩心自問。

走過化療的煎熬,遙不可及的走出死亡幻影,如夢似幻見到存在的「蜃樓」(2009)。2010是國慶創作最豐盛的一年,系列安撫生命大作誕生,也喻示他的生命蛻變。穿越死亡的幽谷,以橫躺在葉光影下的一截枯樹「海之際」、「夜之際」與「春之際」表現淒切、苦難、哀悼三聯作,絕望中繼續深入叩問「生命是甚麼?命運何其乖桀?生和死是不是一回事?」(註15),永遠參不透的生死,忽然天啟為之而開,存在無他,生命依樣堅強屹立不移,因為有藝術創作的地方就沒有死亡。神秘力量存在深邃無比,來到祈求樹靈的保佑平安「靈界之樹」,漂泊的旅人隨著生命蛻變,來到心壑中的原鄉-「世外桃源」(2010)。

時間的的容顏-「白天到晚上」系列:

國慶喜歡連續性或冊頁式畫幅的時間風景,展現全時性的時空視野,縮時攝影的視覺聯想
,光影色溫便是風景時間表述主要的力量,區隔不同光影的冷熱感覺、日夜時差,都是清楚細分人生不同歲月的記憶和記憶中的意義。時間風景是國慶從日常寫生中所觀察體驗時間變化的境域,從早畫到晚的時光移轉之日月時辰體驗,試圖從這地球時光運轉中,傳遞宇宙生生不息的信息,體悟出其意義,見證光天化日下的明媚世界,當黑夜來臨時,緩慢的吞沒一切事物時天際由一片漆黑慢慢淹沒,直到只能聽見自已的呼吸時,安詳寂靜降臨,面對著的是自已,那種美感經驗是眼睛所無法欣賞到的,詩意中提供一種別開生命地遐想空間,國慶寫道:「眼看著風景展現從白天到晚上,時辰更替,四時周始。風景‧恰如人生的紀錄,從光明到黑暗,到光明,循環不已」(註16)。

康丁斯基聽到「色彩」的聲音, 國慶卻經常聽到「光線」的聲音,確實你專注甚麼,你就會發現甚麼,時間的風景中他以微妙的逆光、測光、微光作為時間的交響曲,鳴奏出宏偉壯觀的生命風光。時間的風景是國慶獨道的「光線」偉大風景典範,移動觀點的長卷格式,最具戲劇性的情境,與電影時空場景,是畫家透過想像力,意圖賦予時代精神性的風景面貌。在陽光陰影的幻化下,微妙神情在風景容顏上戲劇般的閃現,風拂過天空、山巒
、樹林、原野,他的風景隨風而來,每幅畫不同元素不同組合,不同時間不同空間,空氣溫度白天晚上代表不同寓意不同感覺,在這系列孰成的表現全時性的時間容顏。

白天光線下色彩是光鮮亮麗的, 夜晚茫茫一切淹沒在黑漆漆下色彩深沉被大而化之,安詳寧靜,並以明月築霜, 表現夜景寒意呈現「涼」的境界。國慶對黑夜特有感覺,尤其那月色茫茫下的氣氛及隱誨的光線如「月」(1994) 與「月光」(1996)。「白天到晚上‧季節」(1992-1994)以 四季的遞嬗暗示心靈的轉化及成長,季節成為畫家心境或人生際遇的一種隱喻。時間奏鳴曲「白天到晚上‧時差」及「白天到晚上‧觀察」(1994),時差:以光天化日下明媚的田園風光,對照見末入一片隱誨漆黑的山林,觀察:光鮮亮麗石塊風景,對照明月高掛下夜色茫茫的林園,時間進行曲,喻示「白晝黑夜同時存在我們的意識裡」。

涵蓋著白天晚上到清晨「時間性的風景」(2015-16) 是國慶時空經典之作,游移觀點所處裡的風景,從晴空僻壤映現藍天白雲的湖泊山林,隨著林間移轉時光緩慢的進入黃昏傍晚、黑夜降臨、漆黑一片的林木間,明月懸掛天邊與叢林間一隻覓食動物,漆黑中的林木顯得更安詳寧靜,緩慢的林園從晨間陽光中甦醒過來,來到青蔥翠的溪流間,細聽潺潺的流水聲,好不詩意的場域及心境。谷崎潤一郎認為:「美並不存在於物體,而在物體與物體間的陰與明暗之間」(註17)。確實,時間化時間性就成為國慶最獨道的風格,浪漫情懷下具體敘述或象徵隱喻全都歌頌生命,即使有詛咒有無奈有悲觀依樣沒有減少生命的光輝生命依樣間堅強屹立不移。(註18)

存在主義的孤寂美感:

風景從不孤獨,是人的孤獨映現,孤獨是內心遺世獨立的自在,孤獨是藝術家或詩人獨特的性格質地,但唯有在孤獨中才能擁抱自已,才能自由翱翔於靈魂的天際間。對喜歡畫畫的國慶,於一個沒有畫畫的日子是多麼的孤獨,他的作品經常流露不掩其色的深沉孤寂感
,他說「一個人孤單地吃飯、休息、閱讀、連工作都是寂寞的」,一種存在主義的孤獨感油然而生:如「城市行人樹系列」(2000-08)經常都是一棵殘缺而孤伶伶的樹 、都會生活的孤獨「生之歌」(2003)、「暸望」(2009)風景中一塊石頭陪伴著孤獨的椅子、「永恆孤獨的象徵」(2014-16)自然風景劇場裡的那隻小鳥、「白年孤寂」(2015-16)暗喻溪潤間永遠孤寂地漂流木,一股深透人心濃烈的孤獨感。「寂靜」 (2015-16)隱喻畫家存在的孤獨,如查拉斯圖拉如是說:「別向人們去只留在森林中」(註19 ) ,但藉由一隻孤傲老鷹自由翱翔在其創作的天地間,繼續謳歌存在孤獨與自然孤寂之「美」。

現代化的「室內-室外」風景:

室內室外強調地是其結構性,內與外其實是一體而兩面,國慶藉此更新傳統風景繪畫,明
確地說是勘探自然風景的現代性與當代生活情境表現。以自然與現代建築物的空間切割之組合建構,掙脫出傳統風景視野的枷鎖,每一切割代表時間與空間的轉換,如同生命的每次蛻變,不管是刻意借用光束、窗格、建物、樹木、布幔……,或抽象或具象都是表現生命的乖桀變遷。特別是從室內(客廳)落地窗望出去的田野風光,示現都會風景的當代性,在建築及自然、垂直及平行、剛與柔、內與外、色彩對照之間。

室內-室外的心象世界:從1995年兩幅同樣田園風光為背景的室內藤椅沙發開始,「座
」窗外風景如一幅畫懸掛在竹編沙發上方牆面上,「內外」自然風景佔據五分之四畫面,沙發旁畫架上一幅側擺風景畫拉開空間深度,敞開內心世界的意像探討。

十年後,「移植」(2005)深夜裡白沙發後,透明玻璃劃分內外,右懸掛著沉重紅色窗簾
,中央一棵孤伶伶移植樹,在夜深人靜時示現一股濃烈孤獨感。「關在生命外的山峰」
(2006)內外一體,畫面作為框架懸掛著深藍色厚重窗簾,左一座俊偉尖俏山鋒,指出是生命無常心境。「風景看法的階段紀錄」(2007) 左現代都會的繁忙的高速與高架公路,及飛機橫越空中,右田園風光下的居家情節,闡述現代生活的時空情境。「窗外孤立的建築」(2008) 夜深裡黯淡的窗前,一座如夢似幻孤立的建築物,闡述畫家寂寞孤獨的靈魂。「變調的命運」(2009) 在強而有力對角線的窗框及土黃窗簾架構下,所窺見的都會蒼白支撐的行人樹,鳴唱著生命的哀歌。「世外桃源」(2010)是一座幾何形式的迷宮,複雜建築結構框架中遙望夢幻的心象風景,右側一棵扭曲奮戰的樹,意圖突破空間的規範向外發展,形構令人匪夷所思的生命觀,以藝術期許生命的永恆。

台灣水彩畫的一把刷子:

國慶是我看過最善於駕馭水彩的台灣水彩畫的第一把筊椅,對水彩媒介如數家珍,水分的控制和色彩的濃度,水彩中的濃稠色調的豐富及渾厚,色彩對比等技藝,加上參數筆觸幻變為形式自然而諧調。畫水彩最便利,寫生對他-直視為日常生活不變的習慣,間斷八年後寶刀原在的「加州水彩日記」 (1993-94)系列,以平實景物描繪,主觀化的色彩容顏(色彩純度很高的顏色:澄黃、鮮綠、指藍、群清等)傾訴生命的樂章,幽柔與激越呈現當下的感性及心境,闡述他在Diamond Bar山居歲月的日子,畫幅雖小但不失生命的莊嚴及嚴肅,從自我對話的日記圖畫開始,找回畫家的初心與信心。

生機總是在風景間「潮間帶與漂流木」(2012)系列,是國慶最精彩與台灣最經典的水彩畫作,將水彩畫推上登峰造極的境界。深邃蘊涵的台灣風景組畫,以自然為文本,文學為底蘊,作家林文義如是說:「蘇國慶以顏彩訴說每一時刻的情境,幽柔處猶若川端康成,激越處彷彿卡夫卡,如果他捨繪畫轉涉文學,必定會是個秀逸的詩人」(註20) 。對土地盛情的感知,表現莊嚴絕美的土地容顏,示現台灣風景繪畫美學。

註1:我的想法筆記。
註2:風景密碼 為崑山科大同學的說明 蘇國慶。
註3:蘇國慶 風景-我的內心世界 講義2011 三月。
註4:我的想法筆記。
註5:蘇國慶訪談錄 2016-03-08 新北市中和。
註6:蘇國慶訪談錄 2016-03-08 新北市中和。
註7:蘇國慶的水彩日記 P8。
註8:移植與存活 – 一個漂泊者的生命之樹 王溢嘉p15。
註9:這麼認為筆記。
註10:蘇國慶-我的想法筆記。
註11:移植與存活p87。
註12:風景‧我的內心世界 蘇國慶文 p47 講義三月號 2011王溢嘉引言。
註13:移植與存活 – 一個漂泊者的生命之樹 王溢嘉p13。
註14:移植與存活 –用生命鏤刻藝術的畫家 方惠光 p17。
註15:移植與存活 – 一個漂泊者的生命之樹 王溢嘉p14。
註16:蘇國慶畫冊全集 2009年於上海-奧賽畫廊個展畫冊p68。
註17:蘇國慶的筆記。
註18:蘇國慶畫冊全集 2009年於上海-奧賽畫廊個展畫冊p210。
註19:蘇國慶-我的想法筆記。
註20:潮間帶與漂流木 蘇國慶-台灣風景組畫 林文義/文

2017-04 於巴黎

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偷天換日Information Fiction Puplicité)團體 個展:

P1610159 Information Fiction Publicite granda surface -bleue variable dimensions 1987

Information Fiction Publicite granda surface -bleue variable dimensions 1987

P1610157 Information Fiction Publicite access IFP 198X419cm 1988 tarpaulin PVC

Information Fiction Publicite access IFP 198X419cm 1988 tarpaulin PVC

P1610163 Information Fiction Publicite la piot -IFP 25cmdimention 48.5 cm 1985 beton acier moteur electrique

Information Fiction Publicite la piot -IFP 25cmdimention 48.5 cm 1985 beton acier moteur electrique

P1610163-2 Information Fiction Publicite skylightbox 1992 16cm dimen 110cm

Information Fiction Publicite skylightbox 1992 16cm dimen 110cm

P1610161 Information Fiction Publicite la tribune des spectateurs chaque 10X3x37cm 1987-2017

Information Fiction Publicite la tribune des spectateurs chaque 10X3x37cm 1987-2017

P1610160 Information Fiction Publicite la tribune des spectateurs chaque 10X3x37cm 1987-2017

Information Fiction Publicite la tribune des spectateurs chaque 10X3x37cm 1987-2017

P1610167 Information Fiction Publicite skylightbox 1992 16cm dimen 110cm

Information Fiction Publicite skylightbox 1992 16cm dimen 110cm

P1610169 Information Fiction Publicite l ektascope 123x56x55cm 1987 acier emaulle methacrylate neno

Information Fiction Publicite l ektascope 123x56x55cm 1987 acier emaulle methacrylate neno

圖文/陳奇相

地點-巴黎Perrotin畫廊
時間-3月16日-5月13日

資訊虛構廣告(Information Fiction Puplicité)團體是活耀於80年代中期至90年代初的法國當代藝術團隊,不到十年就解散的團隊,現正在巴黎Perrotin畫廊個展,事隔近二十-三十幾年的舊作品,跨越時間鴻溝,如今看來還是很新鮮,尤其在那時電腦還不發達及普遍的年代,已經啟開資訊再造的創意,確實,當代藝術是探討未知的領略,猶如科學領略的勘探。

一篇90年代初的舊文章分享-收集在歐洲後現代一書與之分享。

資訊虛構廣告(Information Fiction Puplicité)團體: 簡稱為IFP﹐從團體的命名中就很清楚﹐他們的意圖﹐在當今大眾傳媒氾濫成災的時代裡﹐資訊﹑影像及廣告等等讓人眼花撩亂得形式是多麼豐富﹐採取挪用﹑虛構﹑轉移﹑剪輯﹑組合及建構﹐有時則透過裝置成形。早期挪用電視新聞之氣象報導為議題探討﹐並拍攝兩大塊雲彩﹐裝卸在廣告幻燈片箱﹐裝置在展覽室天花板上﹐詩情畫意﹐充滿想像空間的藍天白雲﹐不言而知是晴天霹靂的好天氣﹐和氣象報導影像聯繫起來﹐敘述性意含就明確不過了。進而挪用及轉移大眾傳媒的大型海報﹐尤其巴黎市內或地鐵下琳瑯滿目的廣告引入畫廊及美術館﹐並以地鐵裡的座椅有序的裝置成形﹐透過借屍還魂的絕招恢復視若無睹的大眾美學。當然人們會質疑到底在這藝術制度權威承諾下的廣告﹐真的是藝術品嗎?廣告和藝術品區別在那﹐是甚麼條件使它成為藝術﹐問題就出來了﹐這豈不是藝術家神奇非凡的力量﹐可不是嗎?並不稀奇因為杜象的子孫在當今是很活躍的﹐雖然藝術家具有神奇的力量但藝術是平淡無奇的東西吧﹐請勿緊張﹐沒有甚麼好嚴肅的﹐要不然就請教杜象爺爺﹐到底他在搞甚麼鬼﹐難道當今的藝術家都鬼斧神工或是鬼話連篇呢?

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耶-巴黎東京宮的小雞終於孵出來了:

P1610424-2 Abrahan Poincheval oeuf 2017 performance du 29 mars jusque a l eclosion des oeufs

藝術家Abraham Poincheval在東京宮孵蛋

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4/18日星期二藝術奇蹟地終於孵出小雞 圖片來自網路小雞圖檔

圖文/陳奇相

戲劇性的 Abraham Poincheval終於當了雞「爸」,於適當的溫度及耐心的時間考驗下
,不是蓋的,經過三星期的身體行為展演,4/18日星期二藝術奇蹟終於出現-小雞一隻又一隻從他屁股下鑽出來,這雖是生物學的結果,但這種藝術孵化的行為,不只異想天開,也讓人們會心一笑,「奇蹟」永遠存在,只要人類想要新生是可能的,具有深層意義及象徵性,剛好也碰到西方復活節,選這日子並不意外。這身體行為展演成為存在不可思議的經驗,也闡述生命的神奇與堂奧 。

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異想天開的- Abraham Poincheval個展:

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「瞭望」(2016 ) 是去年底白晝夜時我在巴黎里昂車站廣場上所境遇的作品

P1610403-3 Abrahan Poincheval gyrovage . le voyage invisible 2011-12 materiaux divers video

無法見的旅行 2011-12 materiaux divers video

P1610404-2 Abrahan Poincheval ours 2014 peau d ours bois plastique mousse polyurethane accessoires

熊 2014 peau d ours bois plastique mousse polyurethane accessoires

P1610405-2 Abrahan Poincheval bouteille 2015 plexiglass materiaux divers

大瓶子 2015 plexiglass materiaux divers

P1610422-3 Abrahan Poincheval pirre 2017 pirre calcalre materiaux divers performance du 22 fevrier au 1 mars j

石頭 2017 pirre calcalre materiaux divers performance 2月22日至3月1日

P1610422 Abrahan Poincheval pirre 2017 pirre calcalre materiaux divers performance du 22 fevrier au 1 mars j

石頭 2017 pirre calcalre materiaux divers performance 2月22日至3月1日

P1610424 Abrahan Poincheval oeuf 2017 performance du 29 mars jusque a l eclosion des oeufs

孵蛋 2017 performance 從3月29起直到孵出小雞為止

P1610431 Abrahan Poincheval oeuf 2017 performance du 29 mars jusque a l eclosion des oeufs

孵蛋 2017 performance 從3月29起直到孵出小雞為止

P1610438-3 Abrahan Poincheval oeuf 2017 performance du 29 mars jusque a l eclosion des oeufs

孵蛋 2017 performance周邊的生活物件

P1610439 Abrahan Poincheval oeuf 2017 performance du 29 mars jusque a l eclosion des oeufs

孵蛋 2017 performance 圖檔來自於Orton Huang的臉書

P1610439-2 Abrahan Poincheval oeuf 2017 performance du 29 mars jusque a l eclosion des oeufs

我要我要孵蛋 2017 performance海報

圖文/陳奇相

地點-東京宮
時間-2月3日至5月8日

Abraham Poincheval(1972年出生)是當前法國新生代最獨道的身體行為藝術家,一直都不能滿足藝術的勘探者,生活在馬賽,以其異想天開的自給自足、封閉性、動彈不得或漸進喪失感覺的身體行為藝術展演及超乎想像雕刻-物體令人為之側目,其雕刻-物體都是他身體行為表演的空間場域,考驗存在意志、精神及身體極限的行為展演,體驗生命的不可能性,意圖開發人類存在的本能。

Poincheval眾多雕刻-物體都是他身體行為之生活於其中的物體,如「熊」(2014),一隻雄壯黑熊標本,側面有扇天窗,裡面安置有長枕墊牆懸掛著能自給自足的存活日常物件,有一次在巴黎自然及狩獵博物館展出時,他曾居住在這動物體內躺著生活待了十三天,可想像這物體也是身體的戰場。藝術家說:「時間被地點吸納過程就如同神秘的消化。必須 要有足夠的時間讓我極致體會接納經驗,在這手法中直到消逝無蹤
,和讓我能夠同時間絲毫無損地離開,成為功能性的狀態」(註)。

「大瓶子」(2015) 還記得小瓶子投海的信息故事嗎?這裡藝術家建造了一座人等身的透門玻璃瓶實現他童年夢想。瓶裡裝有太陽能板、塑膠水壺、自給自足的物件三箱,曾從萊茵河口經卡馬格到冰川靠岸,在每個旅站他宿營一周在他自給自足異類的船隻上,經常引人注目地擱淺在沙灘上、公園裡或博物館前,讓人議論紛,這雕刻-物體每到各場景中引現一種夢幻的情境,迥響著投入汪洋大海信息的小瓶子,如是「它在人們之間創造出一個與界面」(註),讓大家會合與一起討論。

「瞭望」(2016 ) 是去年底白晝夜時我在巴黎里昂車站廣場上所境遇的作品,「瞭望」示意居高遙望遠處,藝術家在一根鐵柱高20米裸空平台上(備有自給自足的物件及糧食)以自已的軀體(日夜)生活六天的表演,很戲劇性呈現一種非凡張力,不管是否為藝術而藝術,確實是一大身體及意志力的考驗。如今又在東京宮室內展場看到這件「瞭望」,沒人在上面展演,(除非現場見證過的朋友們)要不然誰能想像那場景,支架成為一個空殼子。

這次東京宮的展覽中,兩件最戲劇性的作品,一件是礦物性的「石雕」另一件是動物性的,這兩件都須以身體力行的行為展演大作。「石雕」(2017)橢圓的外型凹雕姿勢依照藝術家的座姿身影形象雕成,分兩辦宛若盒狀,在表演前是兩扇啟開的展示,人們可以明顯地看到左右相似的凹陷身影。展演時藝術家坐在裡面(備有自給自足的物件及糧食),密閉合起來如同太空船飛倉般,完全與外隔離一周,於漆黑的空間中進入一趟軀體及精神的內在之旅,考驗藝術家那不可能性的心智及意志力是無法預料的,實現那不可能的行為展現。藝術家意圖逃離人類的時間與體悟礦物的速度,藝術家說:「印象中我們的速度只聯繫於我們,在我們固有的觀點上」(註)。

摸擬動物的「孵蛋」(2017)首次藝術家面對活生生的世界,藝術家說:「人孵蛋我有興趣因為這提問轉化及態度的問題,這是很明確陳述能夠一下子成為多細孔、侵蝕及轉化的」(註),藝術家安置於玻璃櫥窗裡,裹袱著被單坐在雞蛋上,周邊有自給自足的物件及糧食飲料等。如是,超乎想像的像母雞般的孵直到小雞孵出來才罷休,以戲劇性的代替母雞之行為展演,須經由日以繼夜21日或26日時間嚴肅之考驗下,在有限玻璃透明櫥窗空間內,閑散著面對觀眾,但在適當的溫度及耐心的時間考驗下奇蹟地新生。這身體行為展演成為存在不可思議的經驗,還闡述生命的神奇與堂奧 。

註-來自於異想天開的- Abraham Poincheval個展現場展覽資料。

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JR-Clichy-Montfermeil城鎮年代肖像群:

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JR於東京宮特展記者會的神情

P1610481-5 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

史詩般宏偉巨大紀念碑形式的Clichy-Montfermeil年代壁畫 高4米長48米

P1610513 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

整幅畫人擠人的街頭就像電影般的情節

P1610514 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

圍繞球星的年輕學子們

P1610516 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

煙幕彈中的人群

P1610517 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

街頭玩手機的群眾們

P1610519 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

人群中耍腳踏車的年輕人

P1610519-2 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

疲於奔命的消防隊員

P1610519-8 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

搶百貨公司的情景

P1610519-9 JR chroniques de Clichy -Montfermeil 48x4metres 2017 plus 700 habitants

街頭暴動的情景

圖文/陳奇相

地點:巴黎東京宮
時間:4月2日至4月13日

JR(1983年出生於巴黎郊區) 生活及工作於巴黎及紐約,是當今街頭藝術與法國藝術家中最具影響力與最具全球視野的一位,活躍於全球各大都會,從巴黎、紐約、倫敦、聖保羅、伊斯坦丁堡、經由巴西及肯亞的貧民區到等等,以其市井小民大型黑白輸出匿名肖像著名。2011年他獲取世界著名的TED大獎,2014年啟開他「Inside Out」參與式相片計畫,他2013年在巴黎東京宮,2014在倫敦的時間廣場,2015年巴黎的萬神殿展出(有關這幾個展覽請參照我的部落格)。

JR出生與成長於Clichy-Montfermeil種族混合的郊區,很早就走上街頭藝術,表達郊區次文化及社會張力,於2001年他於巴黎地鐵上拾到一台相機,生命意外的風景就這樣造成他走上以黑白相片創作的途徑,開始以相機記錄他晚間地鐵行走及巴黎屋頂行動的周邊人事物,然後將這市井小民黑白肖像相片突擊在巴黎的街頭牆面,闢創出他深邃紀念碑的黑白相片工作,經常都張貼在公共空間揭露他們的容顏及證明這些隱形世界小人物沉默的存在。2014年啟開他具代表性的一代肖像計畫,同年他拍攝家鄉Bosquets居民的大幅肖像,並把它張貼在這區域牆面上,這些畫像在郊區造反起義的背景下,藝術家回憶說:「是第一次我意識到影像的衝擊力,我決定控制相片的擴散,只用作藝術計畫的傳播」。(註1)

JR獨一無二的專門黑白肖像參與社會,藉由藝術行動引發關注討論,尤其是當今資本主義的貧富不均、下階層的生活狀態、被遺落的都會郊區與族群等等社會問題,意圖改造社會,讓族群更和諧融洽。在面對自已的家鄉的社會形勢及情境時 JR說:「十幾年來我經常與導演朋友Ladj Ly經常回到Clichy-Montfermeil,每次返鄉環境都已全然改變,一切生活總是如此激奮。我的工作牽涉到建築:建築能統一如同包圍。這壁畫是樹立Clichy-Montfermeil的一幅肖象,組合不同年代的畫像,人們烏托邦的看到這城鎮的沉悶破舊不堪、苦難與加劇的社會張力沸騰已到了極點。這是從2005年兩位年輕人Zyed及Bouna身亡後,所引發法國歷史從沒有如此劇烈的暴動。意圖從水泥詩歌恢復那些正在努力的一幅肖像。」(註2)

JR這幅都會郊區史詩般宏偉巨大紀念碑形式的Clichy-Montfermeil年代壁畫,靈感來自於墨西哥壁畫家Diego Rivera,這計畫從2016年底開始,黑白相片高4米長48米,畫中共有市井小民700多位,不分族群、社會階級、老中青各年輩分、職業及婦女等社會每一份子都參與其中,JR以Rivera史詩般的編導式組合建構成形,史詩般的演出社會的各種事件及生活情境與社會場域,整幅畫人擠人的街頭就像電影般的情節如:宛若示威遊行的混亂人群、暴動、搶百貨公司的情景、煙幕彈中的人群、圍繞球星的年輕學子們、街頭玩手機的群眾、偷車的情境、疲於奔命的消防隊員及街頭祈禱的穆斯林等等,包容萬象整個社會幾乎都在壁畫中。

JR這「Clichy-Montfermeil的年代」壁畫只在巴黎東京宮展出兩星期,之後將至美國紐約Orbe也展出兩個星期,最後將回家安置在Clichy-Montfermeil城鎮裡。

註1及2:資料來自於東京宮JR-Clichy-Montfermeil的年代新聞稿。

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與藝術家有約-莊明旗大師:

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我心目中的大師-莊明旗

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「木頭在吶喊」系列-臭屁馬

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叫告爽歪歪「木頭在吶喊」系列

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工作室裡正在創作的雕刻

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無三小路用-啊是阿貓要是阿狗

圖文/陳奇相

一個週六(2/24)下午開始與畫家好友蘇國慶南部藝術家巡迴之旅,與藝術家有約,週日一早漫步在月世界上,中午去萬蠻大快剁耳吃豬腳,吃喝玩樂不亦樂乎。下午一起前往屏東莊明旗工作室,拜訪我心目中的大師-莊明旗,與其南藝大藝研所的學妹夫人迎接我們,邀請我們一起去傾聽他樓上的「木頭在吶喊」系列,哀爸叫母、悽慘落魄、叫告爽歪歪、讓我們性奮到不行,情不自禁,只能站在吶喊的噢塞馬前亮相拍照,本想騎著拉佞馬落跑,唉耶-卻只能在原地落跑。大師-莊明旗下下星期六 (3/4至4/23日),就將落跑到「屏東美術館-吶喊」個展,有閒無嫌耶朋友作伙來搖擺-吶喊,但不能吃搖頭丸。

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