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Christophe Chevance-「無題」的藝術哲理:中法對照

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之一

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之二

Christophe Chevance 簡稱為Toph在嘉義的工作室之三

尚未完成的構築一個無題畫作 80S 2019 壓克力彩

畫室牆面及壓克力顏料

畫家在無題-挖洞畫作前 作者陳奇相拍攝於畫室

圖文/陳奇相

詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享請細心品嘗閱讀。

法文筆記:Christophe Chevance
中文翻譯:Chen Chi-Hsiang 陳奇相

作為一名藝術家並非易事。就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論國家如何,我們都需要找到在社會中生存的方式。
但藝術家必須找到一種生存之道,同時也需要繼續創作和參展行動。
為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持。

在談論我的藝術作品之前,我想回答我的問題。
什麼是藝術? 特別是造型藝術。

很難準確解釋藝術是什麼。我不假裝持有真相,而我的真相可能不屬於你。 每一個真理都是獨一無二的,沒有絕對的真理。
然而,現代社會一些觀點可解釋藝術的消極性如何對我們所有人都有利。

負面意味著藝術與我們社會中的有用性對立。
與技術之對立。
我的意思是通過技術在藝術中對人類活動的有用性。
用技術反對這一點並沒有錯,因為該技術旨在將其產品用於人類活動。從這個意義上說,藝術是無用的。
與自然的對立。

自然是遵循某些規律和純粹的機械過程,符合物理決定論。
藝術本身預示著自由行為的干預,這在作品中實現了預先存在這工作的目的。
從這個角度來看,這項工作是“無用的”,或者更確切地說是無私和有限的。
與身體的對立。
因為不能說藝術品的質量和審美愉悅對身體或感官具有“實用性”。
與道德的對立。

藝術不同於在道德責任意義上做“好”的感覺。
藝術不遵循任何規則,擁有所有權利,包括可怕和殘酷的美麗。
藝術不僅是在陽光的熱量上升起的樹,也是在黑暗的寒冷深處的根。

所有這些從技術到藝術,自然,物質本身 甚至是道德的“消極”對立都揭示了藝術活動中具體而恰當的“積極”。
與社會相對的藝術不是必要的,沒用的,在這個意義上它成為是不可或缺的。

作為一名藝術家,它分享了他自己對世界的看法。 他是一位探究人員,受強烈想像力所激發的巨大好奇心的激勵。它毫無疑問地繼續學習。它傾聽一個人的感受並教育一個人的敏感性,以便讓其他人在沒有約束,沒有規則和完全自由的情況下教育自己。

所有知識都始於感情。
藝術是為了教育你的敏感性並挑戰你的感受。藝術提問你。這就是他反對社會的原因。
當我談到自我教育時,我不是在談論一般知識,而是談論自我知識。

雖然掌握一些理解藝術作品的關鍵很重要,但總是問問為什麼是沒用的。
當你聽音樂時,你不會問音樂家他為什麼按順序放音符。你喜歡和不喜歡音樂。
它應該與我們看到的不同。視覺和聽覺都不是一種感覺嗎?我們不能超越我們所看到的。

外表可能具有欺騙性,但我們仍然相信我們所看到的。
為什麼總是問為什麼藝術在那裡與你溝通。
答案必須來自你,並且會與另一個人不同。
在一個物質主義社會中所有這些問題都來自於我們生活,每個目標和每個行為都必須具有意義,必須能夠得到解釋。
不管它是什麼所有這一切都是為了獲利。

但不要忘記,藝術的積極性來自於對社會的反對。
對我來說,在我的藝術作品中提出的問題往往沒有理由。
藝術並非旨在提供答案,而是幫助您提出問題。關於你自己的個人問題,你自己可以回答。

現實絕不是藝術作品,而是觀眾的心靈。
眼睛只是一種迴聲,是與我們大腦相關的共鳴。
就像我們的其他感官一樣。
對於任何能夠超越形式的人,都可以建立對話。
形狀,紋理和顏色的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。

這是藝術的本質,是與你的關係和對話。
在我的藝術作品中,我沒有尋找顏色的象徵意義。
顏色的象徵意義取決於我們的傳統和我們的時間起源,與我們的個人情感無關。

顏色對我來說最重要的是與我們的感官互動的能力。顏色有音樂,味道和氣味。
顏色的語言不能用文字轉譯。
顏色是在我們中呼喚或撫慰我們的情感和感受的語彙。
喚醒我們超越人類狀況的意識的感覺語彙。
對於大多數人來說,很難相信顏色可以是他們所看到的以外的任何顏色。
但顏色是音樂,氣味,味道,可以讓我們所有的感官與我們振動和對話。
顏色是對話的邀請,不能保持沉默。

只有黑色和白色的兩種極端顏色,從中散發出無限的灰色,鼓勵沉默,使對話更加平和。
但事實仍然是他們無法保持沉默。
所有其他顏色或多或少地表達自己,並根據他們的關聯或多或少地冷靜。
無論如何,顏色總是有話要說,你可以學習聽到它們,感受它們並聽取它們。

在我的藝術作品中,沒有無辜的顏色,他們聲稱,他們的不完美表現出他們的純潔。
純色是不完美的,這些缺陷揭示了純色。
如果你接受這樣一個事實,即純色是不完美的,並通過它的缺陷顯露出來,那麼顏色就會顯示出來,而不是它的外觀。

也許你只會繼續相信你看到的東西,只會在畫布上看到彩色斑點。
但在我的作品中,所有這些顏色都有理由。它們代表同一實體的三個符號。形成一個整體的三個原則。

它們不是存在的存在之三位一體。
他們是三位一體,不存在的存在。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

它們具有多元性,多樣性和獨特性。
我們周圍世界的多元性,多樣性和獨特性。
我們內部世界的多元性,多樣性和獨特性。

在我活生生主題中並因此受到有機過程的影響,主題內部的內容是多元性,多樣性和獨特性的來源。主題的外部是解構的來源。

但這不是生命的感官之一,也是許多恐懼的根源。
多重性,多樣性和獨特性是我認為是我們應該進化的世界本質,是每個人應該成為的本質,我們宇宙的本質。
他們反對我們社會所倡導的一致性。
這種均勻性在我的藝術作品中以單色代表。

在我的風景中,我希望通過我們周圍世界的互惠顏色來對待。如果綠色消失,我們的風景會是什麼?地球的顏色將變得占主導地位,而少數顏色如紅色和黃色則會強加於自身。
大自然遵循純粹的機械過程,絕不是慷慨或豐富。自然界豐富最常導致物種滅絕。

我的風景邀請您質疑您對沒有綠色的世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。他們邀請您提出有關所有生活形式和您想要的生活方式的問題。
我的風景由不同的顏色,形狀和材料組成,因為這裡也有多重性,多樣性和獨特性。
無論什麼主題,都可以應用這種多重性,多樣性和獨特性的三位一體。

我說無論主題是活的還是惰性的,因為一個物體,只要它們不是來自一個過程,它的目的是複制和復制相同的物體,三位一體的一部分。
作為一個對象,藝術作品從這個角度來看是這三位一體的完美例證。

如果這個標題“無題”的展覽,而我一些畫作沒有標題,那麼由於一個簡單的原因,它是一個無題的,沒有外表和沒有讓步的自我,它被認為是通過以同樣的方式,它是富繞的財富,一個人不能失去的,它是拒絕其他人的無知,因為我們經常相互交叉而從未真正相遇。
這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇。
成為一個無題是自由的。

重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。
做你自己,感受自己,與藝術對話。

通過藝術,無需不斷尋找答案,而是試著回答問題。所以也許有一天你會在沒有意識到的情況下生活在答案中。
藝術在那裡向你提問,答案只能是個人和個人。因為這裡又是多重性,多樣性和獨特性。
想要談論藝術工作經由作品等於隔離交響樂的音符。它將喪失了所有的意義。

孤立的藝術作品可以在特定的時刻表達一種感覺,一種感覺,但不表達藝術家整體的藝術研究。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。
要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。
藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。

藝術可以改變的是你對世界的看法。
藝術可以改變的是作為一個人的你。
因為如果藝術題問你,或你提正確的問題,那麼你對於你自己,將比你自己演練的那些更重大和更謙虛的…更有所掌握。

正如藝術家在創作中自由。
你可以自由地愛或不愛。
你可以自由地感受到。
你可以自由地質疑自己。
你對藝術作品沒有任何解釋。
你沒有任何想像力。
你可以自由地適應作品。
藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。
成為屬於自己的自由。

你是這種多元性,多樣性和獨特性三位一體的一部分嗎?
你是多色還是單色?
你的內心世界和周圍的人是完美的還是不完美的?
它是土地,行星還是宇宙?
這也是我的藝術作品對你的質疑。
除了你所有的外表外,它質問你一個簡單的問題。
你到底是誰?

Toph法文原稿;
Etre un artiste n’est pas une vie facile. Tout comme la majorité d’entre nous, que nous soyons artiste ou non et quelques soit le pays, il faut trouver un moyen de survivre dans notre société.
Mais un artiste doit trouver un moyen de survivre mais aussi un moyen de continuer à travailler et exposer.
Pour cela je voudrais remercier … pour leur support à cette exposition et le support qu’ils apportent a la création artistique de Chiayi.

Avant de parler de mon travail artistique, je souhaiterai apporter ma réponse à une simple question qui n’en demeure pas moins complexe.
Qu’est-ce qu’est l’art ? Et principalement l’art plastique.

Il est difficile d’expliquer précisément ce qu’est l’art. Je ne prétends pas détenir la vérité, et ma vérité n’est peut-être pas la vôtre. Chaque vérité est propre à chacun et il n’y a pas de vérité absolue.
Toutefois il y a certains points de vue de la société moderne qui explique à quel point la négativité de l’art peut être positive pour chacun d’entre nous.
J’entends par négatif, l’opposition de l’art par rapport à son utilité dans notre société.

Une opposition avec la technique.
J’entends par technique l’utilité de l’art dans l’activité humaine.
Il n’est pas faux de faire cette opposition avec la technique car la technique vise l’utilité de son produit dans les activités humaines. Dans ce sens l’art est inutile.
Une opposition avec la nature.
La nature suit certaines lois et procédés purement mécaniques, se conforme à un déterminisme physique.
L’art lui-même suppose l’intervention d’un acte libre, qui réalise dans l’œuvre une fin qui préexiste à cette œuvre.
De ce point de vue, l’œuvre est « inutile » ou plus exactement désintéressée et fini.
Une opposition avec le physique.
Car on ne peut pas dire que la qualité et le plaisir esthétique de l’œuvre d’art ait une « utilité » pour le corps ou les sens.
Une opposition avec la morale.
L’art se distingue du sentiment d’accomplir quelque chose de « bon » au sens d’un devoir moral.
L’art ne suit aucunes règles et a tous les droits, y compris celui d’être terrible et d’une beauté cruelle.
L’art n’est pas seulement un arbre s’élevant sous la chaleur du soleil mais aussi les racines s’enfonçant profondément dans la froideur des ténèbres.
Toutes ces oppositions « négatives » de l’art à la technique, à la nature, au physique et même, au moins parfois à la morale, révèlent ce qui est spécifique et proprement « positif » dans l’activité artistique.
L’art par opposition à la société n’est pas nécessaire et n’a aucune utilité, c’est en ce sens qu’il est indispensable.
Etre un artiste, c’est partagé sa propre perception du monde. C’est continué à apprendre sans aucunes certitudes. C’est être à l’écoute de ses sentiments et éduquer sa sensibilité. C’est permettre aux autres de s’éduquer eux-mêmes, sans contraintes, sans règles et en toute liberté.
Quand je parle de s’éduquer soi-même, je ne parle pas de connaissance générale, mais de connaissance de soi.
Toutes connaissances commencent par les sentiments.
L’art est là pour éduquer votre sensibilité et interpeler vos sentiments. L’art vous questionne sans jamais affirmer.
C’est aussi en cela qu’il se situe en opposition par rapport à la société.
Même si il est important d’avoir certaines clefs afin de comprendre un travail artistique, il est inutile de demander tout le temps pourquoi.
Quand vous écoutez une musique, vous ne demandez pas au musicien pourquoi il a mis les notes de musique dans cet ordre. Vous appréciez la musique ou non.
Doit-il en être diffèrent avec ce que l’on voit. La vision n’est-elle pas un sens au même titre que l’ouïe. Ne peut-on pas voir au-delà de ce que l’on voit.
Les apparences peuvent être trompeuses mais nous continuons à croire en ce que l’on voit.
Pourquoi toujours demandé pourquoi alors que l’art est là pour communiquer avec vous.
Les réponses doivent venir de vous et seront différentes d’une autre personne.
Toutes ces questions viennent du fait que nous vivons dans une société matérialiste ou chaque but et chaque acte doivent avoir un sens, doivent pouvoir s’expliquer.
Tout ce que l’on fait doit apporter un bénéfice quel qu’il soit.
Mais n’oubliez pas que la positivité de l’art vient, entre autre, de son opposition à la société.
Bien souvent les questions qui me sont posées sur mon travail artistique ont, à mes yeux, aucunes raisons d’être.
L’art n’a pas pour but d’apporter des réponses mais est là pour vous aider à vous poser des questions. Des questions personnelles propres à vous-même dont vous êtes les seuls à pouvoir répondre.
La réalité n’est jamais dans le travail artistique mais dans l’esprit du spectateur.
Les yeux ne sont qu’un écho, une résonance liée à notre cerveau.
Tout comme nos autres sens.
Pour quiconque sait voir au-delà des formes, un dialogue peut être établi.
Un langage de formes, de textures et de couleurs qui ont la capacité de mettre en résonance nos sens.
C’est l’essence même de l’art, d’être en relation et de dialoguer avec vous.

Dans mon travail artistique, je ne recherche pas la symbolique des couleurs.
La symbolique des couleurs dépende de nos traditions et de nos origines dans le temps et n’a rien à voir avec nos émotions personnelles.
Ce qui m’importe dans les couleurs c’est cette habilité à dialoguer avec nos sens. Les couleurs ont une musique, un gout et une odeur.
Les couleurs ont un langage qui ne peut pas être retranscrit par les mots.
Les couleurs sont le langage des émotions et des sentiments qui crient en nous ou nous apaisent.
Le langage des sentiments qui éveille notre conscience au-delà de notre condition humaine.

Il est difficile pour la plupart des gens de croire que les couleurs peuvent être autre chose que ce qu’ils voient.
Mais les couleurs sont musiques, odeurs, gouts et peuvent mettre tous nos sens en vibration et dialoguées avec nous.
La couleur est une invitation au dialogue et ne peut se taire.
Seul les deux couleurs extrême que constituent le noir et le blanc, d’où émanent une infinité de nuances de gris, incitent au silence et rendent le dialogue plus paisible.
Mais il n’en reste pas moins qu’elles ne peuvent se taire.
Toutes les autres couleurs s’expriment de manière plus ou moins bruyante et selon leurs associations d’une manière plus ou moins calme.
Les couleurs ont toujours quelque chose à dire et c’est à vous d’apprendre à les entendre, à les sentir et à les écouter.
Dans mon travail artistique, il n’y a pas de couleurs innocentes, elle revendique, elles clament et leurs imperfections révèlent leurs puretés.
Une couleur pure se veut imparfaite, une couleur pure se révéler grâce à ces défauts.
SI vous accepter le fait qu’une couleur pure se veut imparfaite et se révèle grâce à ses défauts, des lors la couleur se révèle telle qu’elle est et non pas telle qu’elle parait.

Peut-être continuerez-vous à ne croire que ce que vous voyez et ne verrez que des points de couleurs sur une toile.
Mais dans mon travail artistique, tous ces points de couleurs ont une raison d’être.
Ils représentent trois symboles d’une même entité. Trois principes qui forment un tout.
Ils sont multiplicité, diversité et unicité.
Ils sont la trinité non pas de l’existence mais d’exister.
Ils sont la trinité non pas de l’être mais d’être.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes qui nous entourent.
La multiplicité, la diversité et l’unicité des mondes à l’intérieur de nous.
Dans mes sujets vivant et donc assujettie a un processus organique, ce qui est intérieur du sujet est source de multiplicité, de diversité et d’unicité. Ce qui est extérieur du sujet est source de décomposition.
Mais n’est-ce pas là un des sens de la vie et la source de nombreuses peurs.
La multiplicité, la diversité et l’unicité sont ce qui constitue, à mes yeux, l’essence même du monde dans lequel nous devrions évoluer, l’essence même de ce que chacun devrait être, l’essence même de notre univers.
Ils se trouvent en opposition à l’uniformité préconisé par notre société.
Cette uniformité qui dans mon travail artistique est représenté par la monochromie.

Dans mes paysages, j’ai voulu traité par le biais de la couleur de la réciprocité du monde qui nous entoure. Que serait nos paysages si le vert venait à disparaitre. Les couleurs terre deviendraient prédominantes et des couleurs minoritaire tel que le rouge et le jaune s’imposerait d’elle-même.
Mes paysage invitent à vous questionnez sur votre vision d’un monde sans vert et ce que serait notre place dans une nature ou le vert disparaitrait. Ils vous invitent à vous questionner sur le chemin que prend toutes forme de vie et celui que vous souhaitez emprunté.
La nature suit un procédé purement mécanique et n’est en aucun cas généreuse ou abondante. L’abondance dans la nature mène le plus souvent à l’extinction d’une espèce.
Mes paysages se composent de diverses couleurs, forme et matière, car là aussi il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Quel qu’en soit le sujet, cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité peut être appliquée.
Et je dis bien quel qu’en soit le sujet, vivant ou inerte, car un objet, à la condition qu’ils ne soient pas issus d’un procédé ayant comme finalité la duplication et la reproduction d’objets identiques, fait lui aussi partie de cette trinité.
L’œuvre d’art, en tant qu’objet, est de ce point de vue une parfaite illustration de cette trinité.

Si cette exposition a pour titre « Sans titre » et que certains de mes tableaux sont des sans titres, c’est pour la simple raison qu’être un sans titre et être soi sans apparence et sans concession.
C’est pensé par soi-même.
C’est être riche d’une richesse que l’on ne peut pas perdre.
C’est refusé l’ignorance des autres, car trop souvent nous nous croisons sans jamais vraiment se rencontré.
C’est refusé l’ignorance des choix car dans un monde ou l’information est si facilement accessible, l’ignorance est devenu un choix.
Etre un sans titre, c’est être libre.

Soyez vous-même, loin de toute apparence, car la société quel qu’elle soit, est trop souvent dénué de sentiments et l’uniformité et la moralité y règne en maitre.
Pensez, ressentez par vous-même et dialoguer avec l’art.
La connaissance de soi commence par les sentiments et l’art peut vous aidez à éduquer votre sensibilité.
A travers l’art, ne cherchez pas continuellement des réponses mais essayé de vivre la question. Alors peut-être un jour vivrez-vous dans la réponse sans même vous en rendre compte.
L’art est là pour vous questionner et la réponse ne peut être que personnel et individuelle. Car là encore il s’agit de multiplicité, de diversité et d’unicité.
Vouloir parler d’un travail artistique à travers une œuvre équivaut à isoler les notes de musique d’une symphonie. Elle en perd tout son sens.
Une œuvre d’art isolée peu exprimer un sentiment, un ressentit a un moment donné, mais n’exprime en rien la recherche artistique de l’artiste dans sa globalité.
Un véritable artiste a pour vocation à évoluer et son travail artistique évolue avec lui.
Pour comprendre un travail artistique, il est plus important de comprendre le créateur que sa création.
Un travail artistique ou un artiste ne changera jamais le monde et ceux qui pensent le contraire vivent dans une illusion, car la perception de l’art est individuelle et non collective.
Ce que l’art peut changer, c’est votre perception du monde.
Ce que l’art peut changer, c’est vous en tant que personne.
Si l’art vous interroge et que vous vous posez les bonnes questions.
Il n’y aura pas de maitrise plus grande et plus humble que celle que vous exercerez sur vous-même.
Tout comme l’artiste est libre dans sa création.
Vous êtes libre d’aimer ou non.
Vous êtes libre de ressentir ou non.
Vous êtes libre de vous questionner ou non.
Vous êtes libre de toute interprétation du travail artistique.
Vous êtes libre de toute imagination.
Vous êtes libre de vous appropriez l’œuvre.
La seule liberté que l’art ne pourra pas vous donner car cette décision n’appartient qu’à vous.
C’est la liberté d’être vous-même.
Faites-vous parti de cette trinité de la multiplicité, de la diversité et de l’unicité ?
Etes-vous multi couleur ou monochrome ?
Votre monde intérieur et celui qui vous entoure se conjugue-t-il au parfait ou à l’imparfait ?
Est-ce une terre, une planète ou un univers ?
C’est aussi en cela que mon travail artistique vous questionne.
Par-delà toutes vos apparences, il vous pose une simple question.
Qui êtes-vous ?

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Christophe Chevance-「無題」個展:

左-無題-挖洞 120s 中- 無題-在雨中 200F 右-無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

無題-挖洞 120s 2018 壓克力彩

無題-在雨中 200F 2018 壓克力彩

無題-面向背景 120S 2018 壓克力彩

構築一個無題 80S 2019 壓克力彩

沒有綠色的景觀 各60F 2018 壓克力彩

沒有綠色的景觀 120F 2018 壓克力彩

風暴臨窗 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

混沌中心 100F 2016 油畫克力彩

左-風暴臨窗 80F 2016 右-沒有綠色的景觀 100F 2016 壓克力彩

左-窗口 80F 2018 壓克力彩 右-在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

在公園的樹 80F 2016 壓克力彩

蘋果 80F 2018 壓克力彩

Christophe Chevance 簡稱為Toph與國際藝評人陳奇相

圖文/陳奇相

「要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。」

Christophe Chevance (簡稱為Toph)

時間:2月18日至3月15日
地點:嘉義市地檢處大廳

前言-「無題」:
「無題」個展呼應其「無題」畫作,「無題」並非無內容物,盡在不言中之沉默語言,話語是多餘地,多元多樣與豐富獨特性造型語彙,賜給觀眾一雙翅膀展翼翱翔,敞開其感知與想像空間,自由心證。身為異鄉人Toph有一種特立獨行的處世態度、哲理及美感,認為他的生活也是「無題」,其實真實的存在是無解的。畫家說:「這『無題』個展標題,眾多畫作也『無題』,那因這個無題的,沒有任何表象和沒有讓步的自我,它被認為是通過 以同樣的方式,它富饒而豐富,是一個人無法丟失的,它是拒絕他人的無知,因為我們經常相互交會而從未真正相遇,這是對無知選擇的否定,因為在信息如此容易獲取的世界中,無知已經成為一種選擇」「作為一個『無題』,它是自由的」。(註1)

在嘉義的一個法國畫家的故事:
Christophe Chevance 簡稱為Toph是位大叢朵鼻啊法國人,〝 嫁〞給一位纖細精明能幹的台灣夫人Sunny,並為愛漂泊至異鄉-美麗島嶼,家-成為法國佬的避風港,台灣人的洋女婿,三個台灣孩子的巴,桃城成為其落地生根的-家,天涯一方舟他鄉成為我鄉。他敏銳善感,有一對尖銳的眼睛擅長於觀察與思考,做事認真細心,其法國身分隱藏於流利的英文裡,「無題」的有意選擇不學(講)台語或中文,放下身段做個若隱若離的異鄉人,隱世於台灣社會複雜的人情世故後,喜歡獨處及家庭生活,過著他簡樸而富繞且自如的「無題」生活,這完全是個人的選擇。

異鄉人Toph從小就對畫情有獨鍾,一生著迷於畫,為追求藝術,很年輕就離開他心愛的海岸故鄉布列塔尼到巴黎奮鬥,生活的坎坷經由職訓成為劇場舞台設計技能,擅長畫及裝修的他,白天從事劇場舞台設計晚上熱情奮進的揮毫其藝術。為了追求自已的夢,不管生存多坎坷困難都一值念念不忘初衷-想望藝術之夢,畫是存在的出口駛向意識汪洋大海,藝術的道途千辛萬苦想望生命的未來。婚後,為愛漂泊至異鄉台灣,首先落腳於台北奮進,而後又跟隨愛妻從繁華的都會來到南島庄腳都市,落腳定居在桃城-嘉義娘家。

Toph很清楚身為畫家並非易事, 就像我們大多數人一樣,無論我們是否為藝術家,無論在那個國家,我們都必需找到一種在社會中生存的方式。藝術家必須找到一種生存之道,同時也必須繼續創作和參予活動。搬回桃城觸礁於現實生活裡,為了基本餬口與創作資源,下海開啟法國迷惑人的餐飲料理,開了間個性風味小餐廳。精於畫及裝修的他,將一間廢棄破舊木屋整整發了一年時間,日以繼月親自一手整裝成一間溫馨個性嘉義法式餐酒館,生意蒸蒸日上,成為桃城最有質感且亮麗的個性小餐廳之一,為追憶巴黎蒙馬特取名為「小黑貓」,經營一年因租約到期,便將所有建立的一切讓渡與屋一同歸還屋主。

他接受命運之安排,一切歸零,異鄉人不免心生吶喊「無題」遭遇,帶著重挫所攜帶的力量,再次至林森路一間倒塌危樓破舊木屋重新起灶,大費周章一年多,再次傾其心力整修一番,為了生活捲土重來,「小黑貓」又重出桃城。小小法式餐飲店,在愛妻大力協助與支持下,夫婦倆用心經營下的「小黑貓 」一如旭日再次東昇,逐漸佳績,佳評廣播,成為地方異國婚姻融入社會成功案列,吸引在地眾多傳媒的關注。然而每次的「小黑貓」嘉義法式餐酒館之新聞報導,都讓Toph哭笑不得,漠視地稱他為法國廚師,陰錯陽差下畫家心底在哭泣,台灣人舌尖文化太糜爛了,命運捉弄,為了現實生活而遠離其想望的繪畫創作,其心理是多麼的掙扎與困惑。三年多來經常徘迴在午夜夢醒的藝術,念念不忘創作的初衷,
Toph由衷感謝這次台灣嘉義地方檢察署的邀請個展,讓他重拾起畫筆耕耘其心所愛的藝術心田,畫家說:「為此,我要感謝……他們對本次展覽的邀約以及他們對嘉義藝術創作的支持」。

「無題」沉默之言的新作:
Toph三年多沒創作的空白日子裡,無可承受的生命之輕以及對藝術深思的沉澱,孕育出他深厚的藝術哲理,與受強烈想像力所激發的巨大好奇心所驅使的創作。明顯地,藝術是Toph盡在不言中且最強而有力之沉默語言及內心的呼喚。感謝這次的個展及內人的支持,讓他敞開心胸鼓起十足勇氣重拾畫筆,克服萬難的創作,擁抱自已的熱情,煥然一新的創作視野,讓他的創作脫胎換骨。相由心生,境隨心轉,從早期盤根錯節的樹(根)作為其漂泊離鄉背井的徵象寫照主題中解放出來,遵循本能感性的表現,強烈感受與覺知下,借題移情抒發其情感及安撫其生靈,簡而意駭闡述其異鄉人存在意識。

Toph認為我們周圍世界是充滿多元性,多樣性和獨特性,他的創作及作品也不列外,解構是其創作源泉。他只探討一些純屬個人的東西,在主觀、本能、感性及表現性下擺脫全部模擬觸點及慣性圖畫,創作表現是多元與多樣,新系列:人物系列、風景系列及風暴在窗口系列,簡化形式下給予色彩一種感性的意義,意圖表現每樣東西的本質及同時回應情感上的沖擊之強度。

人物系列:
異樣穿草綠色彩迷裝如軍人之人物系列,是在這冷漠無感的世界裡,永遠看不到臉孔的人物,暗喻與指涉人類的虛無與自負虛榮,簡化人物形象及不實的身軀,行屍走肉經常相互交會而從未真正相遇的情境,畫面呈現一股強烈張力 。三位被淋著粗曠黑(筆觸)雨空間場景所吞沒之行人、一位巨大背向觀眾的中空人物及一位充滿肢體語彙軀體被畫框住的人物,另一最具徵象性手持電鑽開挖馬路的工人,示意對這無感無知冷漠社會之關愛。闡述Toph異鄉人的存在之焦慮、孤獨、苦悶、困頓、無助的心靈寫照,畫家寫道:「重要的是,在一個往往缺乏感情,統一性和道德至高無上的世界裡,你自己,遠非一切外表。做你自己,感受自己,與藝術對話。」

風景系列:
色面化的主觀意識之紅土高原風景,於後自然的超現實荒謬情境中,錯置的空間及想像,在現實及超現實,抽象及意象間。畫家邀請觀眾質疑對沒有綠色世界的看法,以及在綠色消失的大自然中我們的位置。 邀請我們提出有關所有生活形式和您想要過的生活方式的問題。其中一幅讓Toph憶起他故鄉的海灘風景意象,午夜夢醒的情境或遊子對故鄉思念的情懷。

窗上的風暴系列:
依畫面支架成型,垂直平性劃分窗戶架構,以對照性的色彩及大筆揮毫個性筆觸,借景移情抒發其情感及覺知意識。氣候就像脾氣反映人們強烈地的情緒感受,畫家睿智的借此系列覺知自已內在情緒風光,回應心情沖擊之強度梳理其能量,外境是內在的顯現,更是內心場景寫照,闡述畫家生命之起伏,藉此看見自已,傾聽自已內在聲音。畫家說:「我們都受情緒的影響。 這與良心無關,與任何人或我們以外的任何事物都沒互相關係。有時候,這些情緒可能是風暴發出必須通過的能量。如果被忽略或扼殺這種內在力量,它就會變成負能量並經常導致退縮。無論我們面對這場風暴的立場如何,無論我們是演員還是觀眾,我們都會受苦。如果我們與之力量對抗,它可能是破壞性的,但如果我們讓自己順其所然的梳理,它也可以成為更新的源泉。」(註2)

形式、色彩與質感:
本能及感性之大筆觸揮灑下的徵象性人物、風景或窗戶,都在簡化、平面化、色面化及主觀化特徵上,加上有溫度會說話的色彩,大器的構圖,畫面總是覆蓋著一層或多層白色隱藏眾多大小筆觸,細膩紋理的質感,彰顯形式的主體。形式化為畫的軀體,色彩成為靈魂,筆觸為情感的溫度,紋理質地作為感覺的載體。「形式、色彩及紋理質地的語言,能夠使我們的感官產生共鳴。且無論什麼主題,都可以應用這種多元性、多樣性和獨特性的三位一體。這多元性、多樣性和獨特性,畫家認為是我們應該發展的世界之本質,是每個人應該成為的本質。反對我們社會所倡導的一致性,這種均勻性在他的藝術作品中以單色來表現。」(註3)

具洞察力的「無題」藝術思維與哲理:
詢問畫家Toph:「藝術」對你而言是何物?沒想到他遞給我一份四張他對藝術肺腑之言筆記,具深刻洞察力的藝術思維及哲理,從中窺見他對藝術創作及藝術的真知灼見。在此我將這份睿智的法文筆記翻譯成中文,以便與大家分享,這文章結論擷取片段如下,請細心品嘗閱讀。

一個真正的藝術家依照他的志向進化,他的藝術作品也隨著他而演變。要理解藝術作品,理解創作者比創作更重要。藝術作品或藝術家永遠不會改變世界,而那些認為相反的人則生活在一種幻覺中,因為藝術的感知是個體而非集體。藝術可以改變的是你對世界的看法。藝術可以改變的是你作為一個人。因為如果藝術題問你和你正確的提題,那麼你將不會比你自己演練的那些更大和更謙虛的掌握。正如藝術家在創作中的自由。你可以自由地愛或不愛。你可以自由地感受。您可以自由地質疑自己。你對藝術作品沒有任何解釋。你沒有任何想像力。你可以自由地應適作品。藝術不能給你自由,因為這個決定只屬於你。必成為屬於自己的自由。(註4)

註1-4:來自Toph藝術思考筆記
2019-02-10 桃城-嘉義

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曾雍甯-「燦燦光彩」個展:

曾雍甯-「燦燦光彩」個展現場

左-花團圓 166x154cm 2018 原子筆 金箔 紙 右-四季系列 2018

左 -原風景 121x243cm 2013 中-春天里 02 155x228cm 2018 右- 原風景05 121x243cm 2013 原子筆 彩鉛 紙

波光01 02 03 150x103cm 2014 礦物彩 紙

迴旋 02 206x306cm 2014 礦物彩 紙

左-是幻01 103x153cmx9p 2013-15 原子筆 紙

2019 空間裝置 鏡面

綻放 28 162x243cm 2012 原子筆 紙

左-四季 秋彩 右-四季 冬暖 各114x280cm 2018 綜合媒材 紙

四季 冬暖 局部 114x280cm 2018 綜合媒材 紙

圖文/陳奇相

時間:元月25日至4月14日
地點:彰化縣立美術館

「形象是種感覺,色彩則是論證」

曾雍甯(1978年出生鹿港人)是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,更是台灣新生代平面繪畫最耀眼的一位,以其光彩奪目原創性原子筆畫著名,在現代主義精神下勘探工具之新繪畫語彙,專注於紙繪本,他創作一場又一場的「繁花似錦」且「燦燦光彩」。他的創作靈感來自原鄉傳統民藝形式、色澤及文化裝飾性,森羅萬象的形式及繽紛燦爛色彩,形構令人目眩神迷萬花筒綺麗裝飾性繪畫風格,充滿在地的能量、意識及震盪。圖形為意志的強度,色彩成為感情溫度,「形象是種感覺,色彩則是論證」或「形象作為軀體,色彩化為靈魂」。其眩漾的視覺效果作品展露細膩、樂觀、律動的愉悅美學,「繁花」之曼陀羅成為畫家生命煉金術,承載著其豐富感情及心靈意識。

曾雍甯最獨道的風格是裝飾性的愉悅美學,對他而言形與色是一體,必需思考形式,再加上對色彩豐富想像力。他對色彩沒有禁忌也不設限,偏愛純色亮麗的高彩度色相,時溫馴合諧,時奔放對比,意圖解放傳統色彩,表現無比的張力。謎樣的色彩在他直覺及想像裡發揮至登峰造極,是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,高更說:「色彩帶給我們的感官刺激,其本身就如謎,所以邏輯說來,也只能謎一般運用。每一次,使用色彩不是為了描繪,而是取色彩自身流瀉出的音樂感覺,色彩的特質,內在神秘的謎樣力量。憑藉著精巧的和諧,可以,創造出象徵。色彩是和音樂一樣的顫動,足以觸動自然界最普遍,而且無處不在的,最廣泛的內在力量。」

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台北第一屆當代藝術博覽會省思:

台北第一屆當代藝術博覽會-這新型藝術品場景顛覆台灣觀眾的視野

難得一見的日本最頂紅藝術家-草間彌生的大作 06 Yayol Kusama flowers that bloom at midnight list g-2010 及 d-2016

東南亞藝術家 Isabel and Alfredo Aquilizan( b-1965 1962) left wing project-(belok kiri jalan terus)302x85cm 2017-18 hand-forged sickles 302x85cm

英國著名藝術家 Sarah Lucas b-1962 the good ,the bad and the ugly 2014 g-left chair d-right chair 84×40,5x52cm

Vivian Suter 3 individual works,each untitled,undated mixed media on canva dimension variable

當代藝博出現一張 Georg Baselitz漂亮的 the messenger 1984 250x200x4cm oil on canvas,旁邊是名英國雕塑家Tony Cragg的大作

左-Shirazeh Houshiary b-1955 feel 2018 120x120cm pencil and pigment on black aqucry on canvas and aluminium 右-Anish Kapoor b-1954 untitled 2014 alabester 83x82x63cm

台灣新生代藝術家Chou Shin Hsiung b-1989 100 faces of youth 2019 1152x600x413cm oil in pesrpex

圖文/陳奇相

台北第一屆當代藝博會啟開台灣藝術市場進入全球化的戰國時代,激發台灣藝術產業及挑戰在地的創作,無法跟上時代產業價值的畫廊,將黯然失色,也會自動消失(或許成為飯店博覽會展的藝品店)。那無法與時俱進的創作將無法立足,將自閉中窒息。殘酷的事實中,甚至於台灣高等藝術大學也不列外,呼嚨學生的藝術課程及方法,不只無法與時俱進及無法激起學生創意的教學,也將受到學生質疑,甚至於挑戰。當代藝術西方當然不是我們藝術的版本及指引,但他山之石,足以顛覆我們的思考與產業。台灣藝術、藝術教育及藝術產業加點勁吧,創作自已的價值,心想著,我們被全球化了嗎?

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南北藝術家大會聚於曾雍甯「燦燦光彩」個展開幕:

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕海報

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕-大合照

中間是藝術家曾雍甯-左旁邱樑城及其弟弟與兒子與我 右旁-蘇國慶、許雨人、蔡宜儒

藝術家曾雍甯及王品驊與陳明德夫婦及孩子與我

陳世明綜探語境紛絲團-藝術家及林賢俊、郭淑莉與我

南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦與我

圖文/陳奇相

在台灣我罕少主動去參加藝術展覽開幕(除非好朋友或受邀對談等),這並不代表我不看展覽,看展是我最喜歡最享受的時刻,喜歡獨自安安靜靜不受干擾的享受看展,逍遙於藝術的森林裡悠悠自如,靜謐地與藝術對話或談情說愛。

今年將第一個參加開幕,獻給曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展,這是受邀的承諾,也很期待看雍甯的新作。尤其對台灣新生代藝術創作的好奇,從這世代創作或多或少都窺探到台灣當代藝術的新能量。

沒想到曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕聚集台灣南北藝壇的人氣,請一遊覽車台北的藝術家朋友們南下,南部藝術家們前來,南北藝術家大聚陣的會師彰化之盛況,幾乎都是中青輩藝術朋友,及畫家的北藝大藝術家同學們,輸人不輸陣般,大致上都是熟悉面孔的藝術家朋友們,很高興的都在這「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕團聚。

北部悍圖社有:楊茂林、陸先銘等,及曲德義、蘇國慶、蔡宜儒、蔡宗隆、邱樑城及其兒子等。陳世明綜探語境粉絲團:林賢俊、郭淑莉等。南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦等,來自台南的許雨人、高雄的李宣霈及在地彰化的鍾敏建夫婦、陳明德夫婦與董明晉,來自宜蘭的林萬士。此展的策展人王品驊,來自台北的藝評人沈柏丞及張禮豪等等,還有雍甯的家人及親朋好友們齊聚一堂,不知道是否有收藏家參與開幕?開幕不該只是藝術家們自家取暖。我經常說「當藝術家真好,每次個展就像生日派對般,能聚集親朋好友們及久未會面的藝術家朋友們」。

隆重的開幕後,大聚陣的藝術家們移場至雍甯的故鄉-鹿港,畫家的家人請桌,大夥乘著大遊覽車來至古城-鹿港,華燈初上,我們參觀了歷史名勝古蹟龍山詩,參拜神明並體驗一下雍甯創作源泉的廟宇的裝飾圖案。最後來到鹿港的「紅樓餐廳」,藝術家們與雍甯父親地方父老級的朋友們,共有八或十桌,傳統辦桌十幾道鹿港家鄉風味佳餚配紅酒啤酒讓我們品嘗盡歡,不只畫家、策展人、畫家父親及鹿港鎮長都過來敬酒,享受藝術及美食的饗宴,在美酒笑談言歡裡,直到深夜,趕上最後一班火車返家。也認識一些新藝術家朋友們,由衷感謝雍甯夫婦及其父親的用心及細心,真是美好的一天。

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Anna Hulacova 袖珍型個展:

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)全景 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至12月16日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館-開放空間

開放空間(Open Space)是Louis Vuitton美術館專門用來奉獻創建最當前藝術的展覽空間,定期邀請法國和國際藝術家想像一個特定的計畫。在美術館頂樓建築中的小小游牧空間,經常隱藏在館內大展中而不為人所知展覽,夾帶在大展中,這袖珍型空間變成化外之地,但這空間展出的作品卻值得大家回味,它都或多或少但有點時代的訊息,近年來眾多東歐新秀經常在此出現。

Anna Hulačová袖珍型個展則夾在Egon Schiele及Jean-Michel Basquiat繽紛燦爛回顧展間,觀眾們被這兩大藝術明星所吸引,卻忘了Anna Hulačová展的存在。作為一位藝術的狂熱份子沒有一樣展覽會被漠視,推開空無一人的展場,顧展美術館員用驚呀的眼光看著我,這並不列外,確實有點有眼不識泰山之感覺?

Anna Hulačová (1984年出生)出生於捷克目前工作與生活於首都布拉格,是東歐正冉冉昇起的當代藝術新秀,以其混凝土的群像雕刻著名,她的創作建立在多重靈感上,參雜著古希臘羅馬神話及捷克民間傳說並加入現代主義之元素,在後現代藝術的徵象裡。經常體現簡化的人物與動物之間的混合生物,在現實及超幻、詩意及想像、古老及未來之間,似乎是一個不斷幻變的世界寓言。

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)(2018)則是一件人物及生物圖形群組的獨特空間裝置,以淺藍色倒立戶外小游泳池上斜躺身上冒著氣泡手拿著一串葡萄怪胎酒神為核心,周邊圍繞著一組四個人物頭上頂著或拿著無性別家電(如水壺,烤麵包機,機器人攪拌機等)的現代人,日常用品取代了神話故事中的食物及飲料。後面一系列裝飾性的生物或植物璇迴曲線戲劇性場景,混合現代及傳統、敘述及文學性的情境,欲圖指涉一個關於未來世界的幻想。藝術家說「我看到了孤零零的雕塑 – 無論是作為一個受環境影響的人之角色還是剪影,一組雕塑,相反,代表著一個影響我們經營環境的社會」。

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Egon Schiele「特展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Egon Schiele的展覽看板

Egon Scheiele 與雞的自畫像 1912 水彩及鉛筆/紙本

Egon Scheiele Danae 1909 油畫及金屬顏料/畫布

Egon Scheiele 小城IV 1914 油畫及黑蠟筆 /畫布

Egon Scheiele 背向男裸 1910 水彩及炭筆/紙

Egon Scheiele 年輕人畫像 1910 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 跪著半空女人 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 紅裙黑臂女孩 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 白女人睡著 1914 水彩石墨/紙

Egon Scheiele 睡著的女人 1917 炭筆及彩色石墨/紙

Egon Scheiele 自畫像 1914 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 睡著紅色吊襪帶女人 1913 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 自畫像 1916 鉛筆/紙

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館

這次Louis Vuitton美術館隆重舉辦Egon Schiele的展覽,距離上次在巴黎展出已有25年之久,在這2018年作為Schiele去世百周年的紀念展,可以想像這個展出讓巴黎觀眾們喜出望外充滿好奇心及想望。在美術館很有意思的策畫下,讓兩位藝術天才針鋒相對,與上世紀末另一具傳奇性的畫家Jean-Michel Basquiat同時對照性的展出,兩位都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。這次特展之經典作品大部分來自於私人收藏,且眾多是罕見公開展出,此展以紙本作品為主體,幾幅油畫作品,足以完全滿足眾多藝術愛好者們的想望。

Egon Schiele(1890-1918)是上世紀初奧地利表現主義代表性畫家,顛覆維也納傳統的美感與經驗,以其創新強烈表現性之人物與身體扭曲著名,在主觀之肢體及質感線條、色彩塗抹的魅力下,觸及內心的悸動,示現出一種感性、內省、強烈慾望(充滿性慾)和其存在的不安與悲慘感覺令人著迷。主題環繞在觸及靈魂深處的人物、女裸或半裸體(撩人姿態)、眾多自畫像、肖像畫及少數風景建築畫,筆下人物都顯頹靡,曖昧神態,焦慮的眼神,令人坐立不安,作品充滿強烈豐富情感且性感十足。

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Jean-Michel Basquiat「回顧展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Jean-Michel Basquiat「回顧展」招牌

Jean-Michel Basquia 無題 1982 壓克力 噴漆 及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquia 無題 1981 壓克力 噴漆及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquiat 囂張地警察 1981 壓克力及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 洗禮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 嬰兒潮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 男孩和狗在johnnypump 1982 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat 奴隸拍賣 1982 壓克力
粗蠟筆及紙剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat 作為一個年輕無用的藝術家之肖像 1982 壓克力 油畫 粗鉛筆/木板及金屬

Jean-Michel Basquiat 第三世界的汽油價格 1982 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat gillo 1984 壓克力 粗鉛筆及剪貼/木板

Jean-Michel Basquiat Js Milagro 1985 壓克力 油畫 粗鉛筆及剪貼/門板

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol 精神能量 1985 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol OP OP 1985 壓克力/畫布

jean-Michel Basquiat 彼得和狼 1985 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

jean-Michel Basquiat 無題 1987 壓克力 油畫 石墨 毛氈顏色及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat exu 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 「騎死了」 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton基金會

巴黎2018年下半年最盛大與不能錯過的經典展覽,就在Louis Vuitton美術館,同時兩個對照性展覽:上世紀初的畫家 Egon Schiele(1890-1918)特展與上世紀末的 Jean-Michel Basquiat(1960-1988)回顧展,兩位都是傳奇性與悲劇性的代表性畫家,兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。

巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat)是當今藝術市場屢創高價最頂紅的藝術家,也是最傳奇性的一位,以其響亮且家戶人曉的街頭藝術著名。這次巴黎Louis Vuitton美術館所隆重舉辨的 「回顧展」是巴黎2018年下半年藝都最盛大與不能錯過的一個經典展覽, 更是近些年來Basquiat最完整最精采最豐盛的一場藝術的饗宴,從他早期剛出道的塗鴉「無題-車禍(1980)到最後的「騎死了」(1988)騎在死神上,死神接見預知其死期將至,包含素描、壓克力及油畫與多媒介大小畫作共有120多幅,幾乎他最經典作品都到齊,且眾多是首次公開展出。展覽佔領大半場館從地下層至四樓,經由未發表作品互相對照時間順序排列的節奏,主題比較和主要合奏。

從三幅具代表性「標誌性的頭腦像」揭開參展途徑,接著依照經由不同街頭作品,英雄及戰爭,音樂,大作品,與Andy Warhol 合作之作品,晚期作品,展覽結束於Basquiat最後一幅徵象性的「騎死了」(1988),在巴黎首次展出的驚人作品。。

Jean-Michel Basquiat的傳奇一生:
巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat(1960-1988年)是當代藝術裡最具傳奇性的藝術家,至今塗鴉幫中名聲最為響亮,與哈林(keith Haing)兩位都是紐約牆上塗鴉的明星,崛起上世紀80年代初於紐約蘇荷之東村,是當今藝術拍賣市場屢創高價最頂紅的藝術家。兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(前者28歲-後者32歲)就消失於黑夜的星空。巴斯奇亞出生於紐約布魯克林區是南美洲移民的第二代,父親是海地人,母親是波多黎哥人。他的母親從事印花布設計,對他的藝術有絕對性的影響,並鼓勵他往這方面發展。巴斯奇亞四歲就開始塗鴉,展現其才華,畫他所看到的及夢見的,從此愛不釋手,家又住在海地區,與典藏美國藝術的柏克林美術館毗鄰,經常有機會與母親一起参觀美術館。父親是爵士樂的歌迷,祖父曾是吉他手兼拉丁諾樂團指揮,巴斯奇亞在這藝術的薰陶下,小時一直夢想成為一位作家或漫畫家,就立大志「我十七歲以後,就想成為一位明星」。

巴斯奇亞的命運隨著七歲時一場意外車禍而住院,在醫院期間,母親送了一本命為「Gray s解剖學」的書,成為他住院期間最佳消磨光陰的書籍,這些圖象也深 深的影響他早期的畫作,也成為他往後樂隊的名稱。也是七歲時父母親不和而仳離。1974-1976年返回海地居住,1976年重返紐約,入學結交Ai Diaz成為好友。這時期他開始與Ai Diaz走上街頭塗鴉,活躍於蘇荷區畫廊一帶,自由形象的符號及書寫句子,帶有幾分詩意,經常簽上「SAMO」,戲謔或幽默意味著「同樣老套」的意思。

1978年他被勒令退學並離家出走,開始過著波西米亞式生活,為了生活在街道上販賣汗衫及明信片。開始著迷著音樂,参與樂團,進出紐約年輕人的地下文化基地「Mudd」及「
57」俱樂部。這是當時藝文界的天堂,在這人文薈萃的地方巴斯奇亞巧遇了搖滾樂手Bowie、Madonna、Warhol及哈林等人,其中Warhol也買了他親手所繪的明信卡片,給予不少的鼓舞及肯定其藝術才華。這時也認識策展人及藝評家Diego Cortez,隔年在紐約東村這藝文圈中漸漸走紅,經常上Glenn Obrien電視節目出現。1980年新時代的來臨,紐約正處在新舊交替的時刻,新藝術思潮的興起,六月天在紐約紅燈區第四十二街的時代廣場, 與龐克及塗鴉族的藝術家一起聯展,開始引起媒體的注意。隔年詩人及藝評家Rene Ricard,在著名的Artforum發表了一篇「容光煥發的孩子」一文,提拔並將巴斯奇亞推上國際舞台。另一貴人藝評家Diego Cortez對巴斯奇亞的畫情有獨鍾,不只以文介紹他並找人收藏他的作品。這時候巴斯奇亞與其塗鴉夥伴Ai Diaz分手個自尋求發展,巴斯奇亞正式畫了起來,街頭上不知何時有人書寫著「SAMO之死」的句子,喧示一個時代的結束。

在1981年這新時代的藝術更替裡,巴斯奇亞参與Diego Cortez策畫的一個「紐約/新潮流」大型展覽在長島市的P.S.1,如此正式把巴斯奇亞推上紐約藝壇,受到很多藏家的青昧及收藏,時來運轉的走紅。隔年經常與80年代的重要名家Julian Schnabel、David Salle、Francesco Clemente及Enzo Cucchi們一起展出,這股新潮流人們很快稱為新表現主義,一種新時尚及新風格的崛起。明顯地,在這190-82年時期的影像,強烈表現性的色彩,充滿文學性及感性,經常出現骷顱人物及類似面具的頭像,還有其街頭生活的元素如汽車、警察、建築物等,加上書寫文句與自由形象的塗鴉符號。

為了現實的生活,巴斯奇亞與安妮娜 諾賽畫廊合作,並在安妮娜 諾賽的鼓勵下拼命畫畫。畫廊以廉價贈品的方式大力推銷他的作品,並在1982年為他舉行個展,獲得眾多好評,奠定他成名的基石,也在這期間巴斯奇亞染上毒癮,他說「我為了紓解壓力吸了不少毒品」。1983年巴斯奇亞成為紐約竄紅的明日之星,在這期間與其心目中的明星Andy Warhol見面,這對藝術家有十分鼓舞的作用,因為「每個人都會成名十五分鐘」,並與Warhol合作作畫,兩人建立濃厚的感情。他並加盟當時最受注目的畫商Mary Boone手下,1984年5月的為他舉行盛大的個展,巴斯奇亞一炮而紅,並藉助Andy Warhol的媒體影響力,就這樣從新秀成為明星。這期間他凸顯其個人歷史及獨特的黑人身分,畫作中出現眾多黑人形像、街頭藝人、婦女、玩具、卡漫人物等等,經由剪貼、書寫、大小拼圖之多重元素組合建構,在表現性及主觀的色彩下,充滿暴力及能量,作品都相當感興與文學性。1985年巴斯奇亞成為紐約雜誌的封面風雲人物,在「新藝術、新金錢及一位美國藝術家的推銷」主題下,巴斯奇亞成為家喻戶曉的紅頂藝術家。

巴斯奇亞聲望日正當中,藝術創作進入成熟階段,以一種新技法混和繪畫、塗鴉及剪貼,集景式樣拼置畫面,開發一種新類型的自由形象繪畫風格。在這期間以完全依賴毒品過活,1987年 Andy Warhol去逝,也深深的在巴斯奇亞心裡投下陰影。長期在過分毒品的摧毀下,身以不由已,1988年8月12日因吸毒過量致死,結束戲劇性及傳奇性的一生,宛若一顆彗星畫過星空,流下藝術永恆的光彩。

註:Jean-Michel Basquiat的生平來自「自由的藝術」回顧展一文
於2010年10月15日至2011年元月30日於巴黎市立現代藝術美術館展出。)

2019-01-03 於台灣桃城

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Tomas Saraceno自然生態的「On air」個展:

Tomas Saraceno「On air」個展:入口

闡述「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘:「事件的視野」聲音裝置 2018 擴音器

「at-tentsion蜘蛛網絡」之一 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之二 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之三 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「覺察的事件」《particular matters Jam session》 2018 araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies)局部 2018 空間裝置installation

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

les politiques des rythmes solaires :levitation cosmique 2018 video noir et blanc installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「algo-rhiythms」2018 正在彈琴的觀眾 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「Aerocene」展示 2018 想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。

太陽航空博物館 2018 由日常塑膠袋所拼貼而成的大汽球

圖文/陳奇相

時間:10月17日至2019年1月6日
地點:巴黎東京宮

你一定在戶外或屋簷角落看過蛛蜘及蛛蜘網?蛛蜘是藝術家嗎?那蜘蛛網是藝術嗎?誰曉得,你絕對沒聽過蛛蜘的細膩的聲音?讓人充滿好奇心的展覽,這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。沒想到在巴黎東京宮「On air」展中,看到整個展場都是蜘蛛網(而且是由東京宮裡的各種蜘蛛所編織),還能傾聽到東京宮裡蛛蜘美妙聲音與看到眾多有關蜘蛛之軼事。這是蜘蛛達人阿根廷藝術家Tomas Saraceno的傑作。藉蜘蛛網來闡述人類存在之相互關係和人與自然生存與共且息息相關,從蜘蛛或蜘蛛網的啟示中,也隱約的告訴世界就如康丁斯基所說:「當人類文化發展產生了危機時,必須重回到自然,重新向大自然學習」。

Tomas Saraceno1973年出生於阿根廷San MigueldeTucumán一個科學背景的家庭,是位旅居德國的阿根廷當代藝術家,曾參與美國國家航空航天局的計劃。以其蜘蛛編織的壯觀網絡而聞名,其思維與創作方式接近烏托邦,總是在超乎想像不可能下建構其作品,他的作品是對自然的真正讚美,在學科的十字路口,融合了詩意的形式,建築的維度和科學的結構。他的反思主要集中在城市生活方式以及如何以不同方式看待未來美麗的新世界。他布宜諾斯艾利斯國家美術學院獲得建築學碩士學位後,繼續到歐洲深造,進法蘭克福Städelschule習藝,然後繼續至威尼斯IUAV深造藝術和建築。2007年以Poetic Cosmos Of The Breath1等壯觀的裝置肯定其創作,2009年參予第53屆威尼斯雙年展,在2015年COP21之際,他展示對環境願景的Aerocene大作。他與藝術家Olafur Eliasson 是當今環境藝術的主要代表靈魂人物,整個藝術創作跨界融合建築、科學、自然科學及環境空間探討,建立在自然生態學,展示環保意識,創新及創意於全球運動願景上。

「On air」展就像一個運動生態系統,在人類、生物(蜘蛛)與自然間(空氣、風、陽光、宇宙灰燼及石頭等等)進行多種科學的勘探編排,在自然及科學、人類及非人類、生命及非生命、詩意及想像間,從作品中揭示了相互依存的大一統世界,脆弱和短暫的節奏和軌跡,將這些世界聯合起來。 這展建立歸功於眾多的這些存在,生命的與無生命的,闡述宇宙生存與共的自然生態。

他的創作分為兩大主軸:戲劇性的「蜘蛛」及「蜘蛛網」,意圖透過蜘蛛網向大自然學習及想像生存與共的合諧世界。與「Aerocene」想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。詩意地重新思考我們居住的這個世界, 並重新評估我們作為人類的方式。

「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘的啟示::
入場一件同深咖啡色擴音器陳列平台上「事件的視野」:你聽過蜘蛛顫動的聲音嗎?這真是個宇宙事件,其振動是現場轉錄的,靜謐的人才能傾聽到一 隻棲息在東京宮地下室的holocnemus pluchei蜘蛛所發出振動聲音,通過想像人們可能會感覺到牠們的存在並與之對話之可能。這作品揭示了其他物種的感知範圍,宇宙網中其他物種的敏感性,我們都是其中的一部分。

大展場「at-tentsion」一片漆黑的空間中佈滿大大小小混合動力76座蜘蛛網,雕刻或是現成物呢?這些美麗又自然的星座般網絡由東京宮裡各種不同種類蜘蛛所編織,多元型態的網絡,往四面八方的空間伸延建構,整體形構成一座漂浮美麗又神秘的風景。網絡成為其感官世界相遇的地方,感覺的延伸,棲息空間,敏銳的聽覺,發送和接收振動 -也許是想法,一種讓牠與世界聯繫的方式。此展中這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。據說五百多隻蜘蛛棲息在東京宮裡,這些星座網絡邀請我們反思我們與牠們的共存。

接著「空氣的聲音」輕巧詩意的空間裝置作品,是一種樂器,由5細長輕柔的細線組成,在空氣中漂浮和共鳴。在一系列力量和條件,改變空間及其動態:經由溫度變化引起的隱形運動,或是觀眾的呼吸所引發。通過將振動轉換為聲音頻率,這種裝置使我們能夠聽到空氣的聲音。

藝術家如是說:「看著蜘蛛,我意識到我是一個不斷發展的生態系統之一部分。…..讓我質疑人類如何在自然中找到自己的位置,與其他生物生存與共,而不是處於統治地位。 在這個展覽中,我試圖分享,關注他人,放大一些通常聽不見的聲音,還是在 空氣中,那給看不見的顆粒。 對我來說,觀察,保存,揭露這些蜘蛛網,揭示它們的美麗,根據物種的形式的多樣性,是為了表明我們被令人難以置信的藝術作品所包圍!(註1)

此展中最戲劇性的「algo-rhiythms」讓觀眾陷入一個超大的蜘蛛網,是由眾多琴弦線幾何形式空間建構,其形式來自蜘蛛網的聯想及幾何方形式的延伸擴展,是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置,這種結構改變了我們對自然現象的觀點。這別開生面的作品邀請觀眾們即興參加音樂演出,手指輕輕地在琴弦上撥彈,每條都會發出不同音調音階,並匹配他們周圍的節奏,每條線有不同頻率產生其共鳴,有些是聽得見的,有些聽起來像是振動。次聲放大器將地面變成巨大的外殼,躺在地上,我們的身體變成了一種寬廣的海灘,振動膜將我們的注意力轉移到其他感知模式。即興創作並成為意外網絡際遇。

空氣的勘探與「Aerocene」一個全新世的時代挑戰:
整個展覽就像一個整體,揭示了空氣中的實體的強度以及它們影響我們的方式:從二氧化碳(CO2)到宇宙塵埃,從基礎設施和無線電頻率到新的走廊, 空中機動性。 這些看不見的故事構成了我們所屬的本質,它邀請我們詩意地重新思考我們如何居住在這個世界 – 並重新評估我們作為人類的方式。(註2)

空氣是藝術家Tomas Saraceno最睿智最迷惑人的勘探主體,這些看不見的物質構成了地球存所有存在生靈所屬的本質,也是人類後工業時代未來存活的新元素與挑戰的課題。地下室展廳「覺察的事件」《particular matters Jam session 》是一件科學實驗勘探空氣的複雜裝置系列,試圖捕捉永久性攪動的空氣物質,我們如何怎麼能聽到漂浮粒子的運動呢?以一束光照亮家庭、地面、宇宙用空氣顆粒,藉由攝像機實時記錄他們的位置和速度,然後,這些數據在不同的音樂中被傳播在展覽空間中的一系列音箱中。這裡建構組合網上蜘蛛的震動,及直播來自地中海底的海豚聲,還有現場觀眾們走動呼吸混和的空氣。它讓我們將世界視為一個複雜的物質組合,人類與之密不可分。

別開生面的「空氣狀況圖表」牆面一大系列各式各樣蜘蛛網鉛筆素描,空間中漂浮輕巧透明塑膠氣球,線下綁著一隻鉛筆,隨著空氣的流動書寫記錄空氣圖表狀態。這裡測試不同的方式,人類,非人類和風的運動影響他們周圍的空氣。因氣球隨著自然及人的活動條件漂浮,自然所繪畫出跟踪航空圖的空氣的狀態,明顯的,整體這些航空圖表是如此多的符蹤和圖象特徵形成了一個全新世的時代。

「Aerocene的開發」是一件能漂浮沖空中而不需任何燃燒化石、氦氣或氫氣燃料的物體。它配備了幾個能夠測量溫度,濕度和氣壓質量的傳感器。它是一個以連續,開放和集體的方式建造的物體,一種詩意的工具,可以想像一個沒有化石能量的新時代。

「熱力學的想像力」(大小氣球與微妙光線投影之空間裝置):一片漆黑讓人如置宇宙星空,漂浮著幾大小黑球體行星,周邊陳列系列幾何形式的物體,牆面上投影出圓形球體與觀眾的身影,在壯麗永恆幻變的光與影景觀中。觀眾在行星形態的陰影中目睹了一連串的日食,宛如置身於宇宙中。喚起了熱力學原理,熱力學是研究熱能和能量的物理學的一個支。在這空間裝置裡,提醒觀眾們地球與太陽之間的聯繫依賴其元素與其影響之間生存與共的互惠關係。

「Aerocene」是一個國際化的多學科社區,想像著無邊界,沒有化石能量的新存在方式,這個空間是經由工作室及參與活動,推廣自已或集體動手的實踐,這些工作室提出了一個基本問題,在後化石能量裡我們呼吸的感覺如何?

在這工業掠奪性開採地球資源枯竭時代裡,威脅到整個生存與共的地球自然生態環境,「Aerocene」是藝術家Tomás Saraceno所發起的國際開源項目之運動,是一個跨學科的藝術項目旨在復興的共同想像與大氣和環境倫理的工作,邀請觀眾集體參與調協活動。

響應人類世界,提出了描述我們時代中空前絕後所面臨的挑戰,並開始檢討人類活動對地球生態系統的全球性的影響,他想像著地球歷史上的一個新時代,生態意識,道德和環境政策成為主要的社會價值觀。從這個新的歷史時代開始,Aerocene提供新的運動和感覺形式,與太陽能,風能和紅外輻射相協調。這就是為什麼不使用太陽能電池板和電池,沒有氦氣,氫氣或其他稀有氣體的情況下,Aerocene Explorer雕塑浮動而不燃燒化石燃料。從這個意義上說,他們遵循我們星球和它最近的恆星的最基本能量運動,處使公民主導的環境研究成為可能, 以及空中機動性的新理由。(註3)

註1:Telerame Stephane Renault 16/10/2018。
註2:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註3:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註-全文參照展覽新聞稿。

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2018年法國杜象獎入圍展:

2018年法國杜象獎入圍展

Thu-Van Tran 前-不客氣 (sois le bienvenu )2018 後-灰色的顏色 2018

Thu-Van Tran 不客氣 (sois le bienvenu )局部 2018 海藻粉 顏色

Thu-Van Tran 如果沒有任何東西從這裡出來 2018 film 16mm.8.07

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018
15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Mohamed Bourouissa 阿爾及利亞沒有時間遺憾 2018 視頻安裝13m37s 與 O Mats合作

Mohamed Bourouissa 阿爾及利亞沒有時間遺憾2018 視頻安裝13m37s 與 O Mats合作

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

圖文/陳奇相

地點:巴黎龐畢度中心南畫廊
時間:10月10日至12月30日

近年法國杜象獎入圍創作展都在全球化的表徵下,每位藝術家揖注於其在地文化歷史情境,獨創其別開生面的內涵「新意」,這不難覺察這些東西,成為每個藝術家獨創價值及意義。無可質疑杜象獎是法國當下新生代藝術創作指標,反映當前全球化藝潮之氣象,為全球化市場注入新血。十八年來的法國藝壇觀察,從兩年前入圍新秀首次在龐畢度中心登場亮相展出,確定杜象獎的影響力,所以杜象獎入圍藝術家很快就成為體制和市場的新活力,每屆杜象獎得主皆成為體制及市場的寵兒,與英國泰納獎互別苗頭,互相抗衡及同具影響力。近年來杜象獎擺明的是全球化的立場,每屆入圍或得主不一定是法國藝術家,甚至於如去年入圍展中,獨缺法國藝術家之現象。當然入圍藝術家們創作都在巴黎或法國境內,可見巴黎國際藝壇是當今新生代兵家必爭之地。

今年入圍有兩位法國藝術家Clement Cogitore 及Marie Voignier,罕見一位來自東南亞新生代越籍藝術家Thu-Van Tran與北非阿爾及利亞藝術家Mohamed Bourouissa,他們或多或少已經取得巴黎藝壇的認肯。他們的創作建構在空間裝置上,表達共同的關注。如何在媒體飽和的時候重新思考敘述,或者世界本身似乎已達到了一種隱形?如何建構其記憶的時空關系,生活和互補的關係,將不會停留在這些證詞,文件,檔案上?藝術家經由他們明確藝術形式:繪畫、雕刻、錄像、影片、建築及設計,被視為闡述或批判其所處的社會、政治、歷史及全球化的關鍵工具。

越南藝術家Thu-Van Tran(1979年出生)的創作交錯在多元面向的探討:繪畫、雕刻、影片、裝置, 專注於素材及語彙上,建立在自已深切的移民經驗探討全球化的挫折。展出五件曖昧的作品,延伸2012年的勘探: 「灰色的顏色」(紀念碑的壁畫) (2018)在牆面上以彩虹除草劑的六種顏色通過層次巧妙重疊,應用不同的順序和不同透明度,一層有一層疊加將無可避免地產生灰色。並在灰色壁畫角落放映「如果沒有任何東西從這裡出來」16哩米影片,影片拍攝於亞洲及法國一座鑄造廠,在四次呼吸中揭示故事:首先-爆裂在崩潰和破碎中,從它的殼中解放出來; 誕生及訴說,經過時間和沈默的考驗,第二個想法-女人們不知疲倦地堅持戰鬥,第三幕-最後享受,日本火山只含它的質量,最後和原始的行徑; 撞擊材料並混淆,孩子從火花和顏色出現。「拖出的塵埃」(畫作) (2018)如火山爆發翻騰雲湧的一團灰燼,上面施洩著令人眼花繚亂的半音階(彩虹)。兩件闡述並轉移60年代越戰期間美軍所施放劇毒的彩虹除草劑持續地污染土壤徵象之災難。

地上引人注目的一件海藻粉所翻製白色雕刻「不客氣和火花」(2018),在身體的尺度上與觀眾見面,質疑空間分享的可能性。將一座《歡迎》兩字招牌解構成支離破粹大小碎片化石雕刻,通過可塑性材料和變形,抽空文字內涵,讓人們無法辨識,質疑全球化下人們的熱情好客背後的意義,成為藝術和創造的地方。藝術家操作語言的振盪,並表明歷史的關鍵流動性,中肯地寫道:「記憶是我們的媒介,而我們生活在這個問題上」。

法國藝術家Clement Cogitore (1983年出生) 的創作建立在影片的媒介上,在攝影和動態圖像之間移動,於電影院的分銷渠道和博物館裝置之間,儀式性的意義和加冕表現形成了整體。「法國惡魔視頻裝置」(2018)作品完全由先前存在的圖像(來自於大量網際網路之社群網站圖檔及商業廣告、大眾傳媒及政治影片)製成,她的影像都非常 (刻板化、商業化、娛樂化、戲劇化) 完美,由一位女性柔和的聲音敘述,通過匿名場景和刻板印象,表達當今全球化的信念及社區現象。藝術家以一種視覺強度和一種與夢幻般相關的故事感來對照和回應,成為一種新的勘探領域。

阿爾及利亞藝術家Mohamed Bourouissa (1978年出生)每個藝術計畫建立在非藝術場域的議定合作,在這視頻裝置「阿爾及利亞沒有時間遺憾」(2018) 就與 藝術家O Mats合作,於一座白色木材既心理的與軀體結構,這設計喚起如同恶魔狩猎在老药房。中間安置一座六立面旋轉電視銀幕,播放由一位曾是此精神醫院Fanony醫師治療受益患者Bourlem Mohamed訪談導引。闡述法國殖民時Blida-Joinville首座精神病院,創建於1937年。直到1950年由精神醫師與哲學家 Frantz Fanony革命性的改革引入接近園藝及劇場新療法,採取一種勞動療法和社會化形式,藝術家藉此韌性的概念質疑這段歷史,並追溯了瘋狂的觀念,過去殖民統治的實踐和種族主義理論。

法國藝術家Marie Voignier(1974年出生) 擅長於統合影像紀錄(傳達、轉化與重構)及闡述,其類人類學的創作與複雜歷史聯繫,混合著各種歷史與後殖民真相。她每個藝術計畫都按照單一方法隨著主題感覺構建。「tinselwood」 (2017-18) 一部長達82分鐘如報導HD影片,回應了2010年發起的搜索,她跟踪喀麥隆森林中的一個密碼,在非洲大陸被遺忘原始森林裡其居民記錄的虛構動物的踪跡上。經過多年來於原始熱帶林的追尋勘探,直到有一天與原住民(Salapoumbe)的際遇,深入訪談報導系列,意圖了解這被抹去的神秘密碼故事,她才恍然大悟對該地區殖民歷史的無知,藝術家說:「我的探究並不屬民族誌。但我意圖將這種觀察歷史化」。

註:參照2018年法國杜象獎入圍展展訊及現場解讀文案

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