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Archives pour la catégorie ‘藝術 Art’

曾雍甯-「燦燦光彩」個展:

曾雍甯-「燦燦光彩」個展現場

左-花團圓 166x154cm 2018 原子筆 金箔 紙 右-四季系列 2018

左 -原風景 121x243cm 2013 中-春天里 02 155x228cm 2018 右- 原風景05 121x243cm 2013 原子筆 彩鉛 紙

波光01 02 03 150x103cm 2014 礦物彩 紙

迴旋 02 206x306cm 2014 礦物彩 紙

左-是幻01 103x153cmx9p 2013-15 原子筆 紙

2019 空間裝置 鏡面

綻放 28 162x243cm 2012 原子筆 紙

左-四季 秋彩 右-四季 冬暖 各114x280cm 2018 綜合媒材 紙

四季 冬暖 局部 114x280cm 2018 綜合媒材 紙

圖文/陳奇相

時間:元月25日至4月14日
地點:彰化縣立美術館

「形象是種感覺,色彩則是論證」

曾雍甯(1978年出生鹿港人)是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,更是台灣新生代平面繪畫最耀眼的一位,以其光彩奪目原創性原子筆畫著名,在現代主義精神下勘探工具之新繪畫語彙,專注於紙繪本,他創作一場又一場的「繁花似錦」且「燦燦光彩」。他的創作靈感來自原鄉傳統民藝形式、色澤及文化裝飾性,森羅萬象的形式及繽紛燦爛色彩,形構令人目眩神迷萬花筒綺麗裝飾性繪畫風格,充滿在地的能量、意識及震盪。圖形為意志的強度,色彩成為感情溫度,「形象是種感覺,色彩則是論證」或「形象作為軀體,色彩化為靈魂」。其眩漾的視覺效果作品展露細膩、樂觀、律動的愉悅美學,「繁花」之曼陀羅成為畫家生命煉金術,承載著其豐富感情及心靈意識。

曾雍甯最獨道的風格是裝飾性的愉悅美學,對他而言形與色是一體,必需思考形式,再加上對色彩豐富想像力。他對色彩沒有禁忌也不設限,偏愛純色亮麗的高彩度色相,時溫馴合諧,時奔放對比,意圖解放傳統色彩,表現無比的張力。謎樣的色彩在他直覺及想像裡發揮至登峰造極,是當今台灣藝壇上最傑出的色彩魔術師,高更說:「色彩帶給我們的感官刺激,其本身就如謎,所以邏輯說來,也只能謎一般運用。每一次,使用色彩不是為了描繪,而是取色彩自身流瀉出的音樂感覺,色彩的特質,內在神秘的謎樣力量。憑藉著精巧的和諧,可以,創造出象徵。色彩是和音樂一樣的顫動,足以觸動自然界最普遍,而且無處不在的,最廣泛的內在力量。」

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台北第一屆當代藝術博覽會省思:

台北第一屆當代藝術博覽會-這新型藝術品場景顛覆台灣觀眾的視野

難得一見的日本最頂紅藝術家-草間彌生的大作 06 Yayol Kusama flowers that bloom at midnight list g-2010 及 d-2016

東南亞藝術家 Isabel and Alfredo Aquilizan( b-1965 1962) left wing project-(belok kiri jalan terus)302x85cm 2017-18 hand-forged sickles 302x85cm

英國著名藝術家 Sarah Lucas b-1962 the good ,the bad and the ugly 2014 g-left chair d-right chair 84×40,5x52cm

Vivian Suter 3 individual works,each untitled,undated mixed media on canva dimension variable

當代藝博出現一張 Georg Baselitz漂亮的 the messenger 1984 250x200x4cm oil on canvas,旁邊是名英國雕塑家Tony Cragg的大作

左-Shirazeh Houshiary b-1955 feel 2018 120x120cm pencil and pigment on black aqucry on canvas and aluminium 右-Anish Kapoor b-1954 untitled 2014 alabester 83x82x63cm

台灣新生代藝術家Chou Shin Hsiung b-1989 100 faces of youth 2019 1152x600x413cm oil in pesrpex

圖文/陳奇相

台北第一屆當代藝博會啟開台灣藝術市場進入全球化的戰國時代,激發台灣藝術產業及挑戰在地的創作,無法跟上時代產業價值的畫廊,將黯然失色,也會自動消失(或許成為飯店博覽會展的藝品店)。那無法與時俱進的創作將無法立足,將自閉中窒息。殘酷的事實中,甚至於台灣高等藝術大學也不列外,呼嚨學生的藝術課程及方法,不只無法與時俱進及無法激起學生創意的教學,也將受到學生質疑,甚至於挑戰。當代藝術西方當然不是我們藝術的版本及指引,但他山之石,足以顛覆我們的思考與產業。台灣藝術、藝術教育及藝術產業加點勁吧,創作自已的價值,心想著,我們被全球化了嗎?

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南北藝術家大會聚於曾雍甯「燦燦光彩」個展開幕:

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕海報

曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕-大合照

中間是藝術家曾雍甯-左旁邱樑城及其弟弟與兒子與我 右旁-蘇國慶、許雨人、蔡宜儒

藝術家曾雍甯及王品驊與陳明德夫婦及孩子與我

陳世明綜探語境紛絲團-藝術家及林賢俊、郭淑莉與我

南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦與我

圖文/陳奇相

在台灣我罕少主動去參加藝術展覽開幕(除非好朋友或受邀對談等),這並不代表我不看展覽,看展是我最喜歡最享受的時刻,喜歡獨自安安靜靜不受干擾的享受看展,逍遙於藝術的森林裡悠悠自如,靜謐地與藝術對話或談情說愛。

今年將第一個參加開幕,獻給曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展,這是受邀的承諾,也很期待看雍甯的新作。尤其對台灣新生代藝術創作的好奇,從這世代創作或多或少都窺探到台灣當代藝術的新能量。

沒想到曾雍甯「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕聚集台灣南北藝壇的人氣,請一遊覽車台北的藝術家朋友們南下,南部藝術家們前來,南北藝術家大聚陣的會師彰化之盛況,幾乎都是中青輩藝術朋友,及畫家的北藝大藝術家同學們,輸人不輸陣般,大致上都是熟悉面孔的藝術家朋友們,很高興的都在這「燦燦光彩」彰化美術館個展開幕團聚。

北部悍圖社有:楊茂林、陸先銘等,及曲德義、蘇國慶、蔡宜儒、蔡宗隆、邱樑城及其兒子等。陳世明綜探語境粉絲團:林賢俊、郭淑莉等。南部高雄漁刺客:陳彥明、何佳真、王國仁及郭哲雄夫婦等,來自台南的許雨人、高雄的李宣霈及在地彰化的鍾敏建夫婦、陳明德夫婦與董明晉,來自宜蘭的林萬士。此展的策展人王品驊,來自台北的藝評人沈柏丞及張禮豪等等,還有雍甯的家人及親朋好友們齊聚一堂,不知道是否有收藏家參與開幕?開幕不該只是藝術家們自家取暖。我經常說「當藝術家真好,每次個展就像生日派對般,能聚集親朋好友們及久未會面的藝術家朋友們」。

隆重的開幕後,大聚陣的藝術家們移場至雍甯的故鄉-鹿港,畫家的家人請桌,大夥乘著大遊覽車來至古城-鹿港,華燈初上,我們參觀了歷史名勝古蹟龍山詩,參拜神明並體驗一下雍甯創作源泉的廟宇的裝飾圖案。最後來到鹿港的「紅樓餐廳」,藝術家們與雍甯父親地方父老級的朋友們,共有八或十桌,傳統辦桌十幾道鹿港家鄉風味佳餚配紅酒啤酒讓我們品嘗盡歡,不只畫家、策展人、畫家父親及鹿港鎮長都過來敬酒,享受藝術及美食的饗宴,在美酒笑談言歡裡,直到深夜,趕上最後一班火車返家。也認識一些新藝術家朋友們,由衷感謝雍甯夫婦及其父親的用心及細心,真是美好的一天。

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Anna Hulacova 袖珍型個展:

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)全景 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)局部 2018 雕刻 空間裝置

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至12月16日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館-開放空間

開放空間(Open Space)是Louis Vuitton美術館專門用來奉獻創建最當前藝術的展覽空間,定期邀請法國和國際藝術家想像一個特定的計畫。在美術館頂樓建築中的小小游牧空間,經常隱藏在館內大展中而不為人所知展覽,夾帶在大展中,這袖珍型空間變成化外之地,但這空間展出的作品卻值得大家回味,它都或多或少但有點時代的訊息,近年來眾多東歐新秀經常在此出現。

Anna Hulačová袖珍型個展則夾在Egon Schiele及Jean-Michel Basquiat繽紛燦爛回顧展間,觀眾們被這兩大藝術明星所吸引,卻忘了Anna Hulačová展的存在。作為一位藝術的狂熱份子沒有一樣展覽會被漠視,推開空無一人的展場,顧展美術館員用驚呀的眼光看著我,這並不列外,確實有點有眼不識泰山之感覺?

Anna Hulačová (1984年出生)出生於捷克目前工作與生活於首都布拉格,是東歐正冉冉昇起的當代藝術新秀,以其混凝土的群像雕刻著名,她的創作建立在多重靈感上,參雜著古希臘羅馬神話及捷克民間傳說並加入現代主義之元素,在後現代藝術的徵象裡。經常體現簡化的人物與動物之間的混合生物,在現實及超幻、詩意及想像、古老及未來之間,似乎是一個不斷幻變的世界寓言。

黑社會顛倒(Underworld Upside Down)(2018)則是一件人物及生物圖形群組的獨特空間裝置,以淺藍色倒立戶外小游泳池上斜躺身上冒著氣泡手拿著一串葡萄怪胎酒神為核心,周邊圍繞著一組四個人物頭上頂著或拿著無性別家電(如水壺,烤麵包機,機器人攪拌機等)的現代人,日常用品取代了神話故事中的食物及飲料。後面一系列裝飾性的生物或植物璇迴曲線戲劇性場景,混合現代及傳統、敘述及文學性的情境,欲圖指涉一個關於未來世界的幻想。藝術家說「我看到了孤零零的雕塑 – 無論是作為一個受環境影響的人之角色還是剪影,一組雕塑,相反,代表著一個影響我們經營環境的社會」。

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Egon Schiele「特展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Egon Schiele的展覽看板

Egon Scheiele 與雞的自畫像 1912 水彩及鉛筆/紙本

Egon Scheiele Danae 1909 油畫及金屬顏料/畫布

Egon Scheiele 小城IV 1914 油畫及黑蠟筆 /畫布

Egon Scheiele 背向男裸 1910 水彩及炭筆/紙

Egon Scheiele 年輕人畫像 1910 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 跪著半空女人 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 紅裙黑臂女孩 1911 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 白女人睡著 1914 水彩石墨/紙

Egon Scheiele 睡著的女人 1917 炭筆及彩色石墨/紙

Egon Scheiele 自畫像 1914 水彩及鉛筆/紙

Egon Scheiele 1890-1918 睡著紅色吊襪帶女人 1913 水彩鉛筆/紙

Egon Scheiele 自畫像 1916 鉛筆/紙

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton美術館

這次Louis Vuitton美術館隆重舉辦Egon Schiele的展覽,距離上次在巴黎展出已有25年之久,在這2018年作為Schiele去世百周年的紀念展,可以想像這個展出讓巴黎觀眾們喜出望外充滿好奇心及想望。在美術館很有意思的策畫下,讓兩位藝術天才針鋒相對,與上世紀末另一具傳奇性的畫家Jean-Michel Basquiat同時對照性的展出,兩位都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。這次特展之經典作品大部分來自於私人收藏,且眾多是罕見公開展出,此展以紙本作品為主體,幾幅油畫作品,足以完全滿足眾多藝術愛好者們的想望。

Egon Schiele(1890-1918)是上世紀初奧地利表現主義代表性畫家,顛覆維也納傳統的美感與經驗,以其創新強烈表現性之人物與身體扭曲著名,在主觀之肢體及質感線條、色彩塗抹的魅力下,觸及內心的悸動,示現出一種感性、內省、強烈慾望(充滿性慾)和其存在的不安與悲慘感覺令人著迷。主題環繞在觸及靈魂深處的人物、女裸或半裸體(撩人姿態)、眾多自畫像、肖像畫及少數風景建築畫,筆下人物都顯頹靡,曖昧神態,焦慮的眼神,令人坐立不安,作品充滿強烈豐富情感且性感十足。

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Jean-Michel Basquiat「回顧展」:

巴黎Louis Vuitton美術館Jean-Michel Basquiat「回顧展」招牌

Jean-Michel Basquia 無題 1982 壓克力 噴漆 及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquia 無題 1981 壓克力 噴漆及粗鉛筆 /畫布

Jean-Michel Basquiat 囂張地警察 1981 壓克力及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 洗禮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 嬰兒潮 1982 壓克力 剪貼及粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 男孩和狗在johnnypump 1982 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat 奴隸拍賣 1982 壓克力
粗蠟筆及紙剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat 作為一個年輕無用的藝術家之肖像 1982 壓克力 油畫 粗鉛筆/木板及金屬

Jean-Michel Basquiat 第三世界的汽油價格 1982 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat gillo 1984 壓克力 粗鉛筆及剪貼/木板

Jean-Michel Basquiat Js Milagro 1985 壓克力 油畫 粗鉛筆及剪貼/門板

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol 精神能量 1985 壓克力/畫布

Jean-Michel Basquiat & Andy Warhol OP OP 1985 壓克力/畫布

jean-Michel Basquiat 彼得和狼 1985 壓克力 噴漆 粗鉛筆及剪貼/畫布

jean-Michel Basquiat 無題 1987 壓克力 油畫 石墨 毛氈顏色及剪貼/畫布

Jean-Michel Basquiat exu 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

Jean-Michel Basquiat 「騎死了」 1988 壓克力 粗鉛筆/畫布

圖文/陳奇相

展出時間: 10月3日至2019年元月14日
展出地點:巴黎Louis Vuitton基金會

巴黎2018年下半年最盛大與不能錯過的經典展覽,就在Louis Vuitton美術館,同時兩個對照性展覽:上世紀初的畫家 Egon Schiele(1890-1918)特展與上世紀末的 Jean-Michel Basquiat(1960-1988)回顧展,兩位都是傳奇性與悲劇性的代表性畫家,兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(28歲)就消失於黑夜的星空,都為藝術史留下精彩絕倫的一章。

巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat)是當今藝術市場屢創高價最頂紅的藝術家,也是最傳奇性的一位,以其響亮且家戶人曉的街頭藝術著名。這次巴黎Louis Vuitton美術館所隆重舉辨的 「回顧展」是巴黎2018年下半年藝都最盛大與不能錯過的一個經典展覽, 更是近些年來Basquiat最完整最精采最豐盛的一場藝術的饗宴,從他早期剛出道的塗鴉「無題-車禍(1980)到最後的「騎死了」(1988)騎在死神上,死神接見預知其死期將至,包含素描、壓克力及油畫與多媒介大小畫作共有120多幅,幾乎他最經典作品都到齊,且眾多是首次公開展出。展覽佔領大半場館從地下層至四樓,經由未發表作品互相對照時間順序排列的節奏,主題比較和主要合奏。

從三幅具代表性「標誌性的頭腦像」揭開參展途徑,接著依照經由不同街頭作品,英雄及戰爭,音樂,大作品,與Andy Warhol 合作之作品,晚期作品,展覽結束於Basquiat最後一幅徵象性的「騎死了」(1988),在巴黎首次展出的驚人作品。。

Jean-Michel Basquiat的傳奇一生:
巴斯奇亞(Jean-Michel Basquiat(1960-1988年)是當代藝術裡最具傳奇性的藝術家,至今塗鴉幫中名聲最為響亮,與哈林(keith Haing)兩位都是紐約牆上塗鴉的明星,崛起上世紀80年代初於紐約蘇荷之東村,是當今藝術拍賣市場屢創高價最頂紅的藝術家。兩位都如彗星劃過深長夜空,閃爍著藝術的光彩,都正值年輕力壯時(前者28歲-後者32歲)就消失於黑夜的星空。巴斯奇亞出生於紐約布魯克林區是南美洲移民的第二代,父親是海地人,母親是波多黎哥人。他的母親從事印花布設計,對他的藝術有絕對性的影響,並鼓勵他往這方面發展。巴斯奇亞四歲就開始塗鴉,展現其才華,畫他所看到的及夢見的,從此愛不釋手,家又住在海地區,與典藏美國藝術的柏克林美術館毗鄰,經常有機會與母親一起参觀美術館。父親是爵士樂的歌迷,祖父曾是吉他手兼拉丁諾樂團指揮,巴斯奇亞在這藝術的薰陶下,小時一直夢想成為一位作家或漫畫家,就立大志「我十七歲以後,就想成為一位明星」。

巴斯奇亞的命運隨著七歲時一場意外車禍而住院,在醫院期間,母親送了一本命為「Gray s解剖學」的書,成為他住院期間最佳消磨光陰的書籍,這些圖象也深 深的影響他早期的畫作,也成為他往後樂隊的名稱。也是七歲時父母親不和而仳離。1974-1976年返回海地居住,1976年重返紐約,入學結交Ai Diaz成為好友。這時期他開始與Ai Diaz走上街頭塗鴉,活躍於蘇荷區畫廊一帶,自由形象的符號及書寫句子,帶有幾分詩意,經常簽上「SAMO」,戲謔或幽默意味著「同樣老套」的意思。

1978年他被勒令退學並離家出走,開始過著波西米亞式生活,為了生活在街道上販賣汗衫及明信片。開始著迷著音樂,参與樂團,進出紐約年輕人的地下文化基地「Mudd」及「
57」俱樂部。這是當時藝文界的天堂,在這人文薈萃的地方巴斯奇亞巧遇了搖滾樂手Bowie、Madonna、Warhol及哈林等人,其中Warhol也買了他親手所繪的明信卡片,給予不少的鼓舞及肯定其藝術才華。這時也認識策展人及藝評家Diego Cortez,隔年在紐約東村這藝文圈中漸漸走紅,經常上Glenn Obrien電視節目出現。1980年新時代的來臨,紐約正處在新舊交替的時刻,新藝術思潮的興起,六月天在紐約紅燈區第四十二街的時代廣場, 與龐克及塗鴉族的藝術家一起聯展,開始引起媒體的注意。隔年詩人及藝評家Rene Ricard,在著名的Artforum發表了一篇「容光煥發的孩子」一文,提拔並將巴斯奇亞推上國際舞台。另一貴人藝評家Diego Cortez對巴斯奇亞的畫情有獨鍾,不只以文介紹他並找人收藏他的作品。這時候巴斯奇亞與其塗鴉夥伴Ai Diaz分手個自尋求發展,巴斯奇亞正式畫了起來,街頭上不知何時有人書寫著「SAMO之死」的句子,喧示一個時代的結束。

在1981年這新時代的藝術更替裡,巴斯奇亞参與Diego Cortez策畫的一個「紐約/新潮流」大型展覽在長島市的P.S.1,如此正式把巴斯奇亞推上紐約藝壇,受到很多藏家的青昧及收藏,時來運轉的走紅。隔年經常與80年代的重要名家Julian Schnabel、David Salle、Francesco Clemente及Enzo Cucchi們一起展出,這股新潮流人們很快稱為新表現主義,一種新時尚及新風格的崛起。明顯地,在這190-82年時期的影像,強烈表現性的色彩,充滿文學性及感性,經常出現骷顱人物及類似面具的頭像,還有其街頭生活的元素如汽車、警察、建築物等,加上書寫文句與自由形象的塗鴉符號。

為了現實的生活,巴斯奇亞與安妮娜 諾賽畫廊合作,並在安妮娜 諾賽的鼓勵下拼命畫畫。畫廊以廉價贈品的方式大力推銷他的作品,並在1982年為他舉行個展,獲得眾多好評,奠定他成名的基石,也在這期間巴斯奇亞染上毒癮,他說「我為了紓解壓力吸了不少毒品」。1983年巴斯奇亞成為紐約竄紅的明日之星,在這期間與其心目中的明星Andy Warhol見面,這對藝術家有十分鼓舞的作用,因為「每個人都會成名十五分鐘」,並與Warhol合作作畫,兩人建立濃厚的感情。他並加盟當時最受注目的畫商Mary Boone手下,1984年5月的為他舉行盛大的個展,巴斯奇亞一炮而紅,並藉助Andy Warhol的媒體影響力,就這樣從新秀成為明星。這期間他凸顯其個人歷史及獨特的黑人身分,畫作中出現眾多黑人形像、街頭藝人、婦女、玩具、卡漫人物等等,經由剪貼、書寫、大小拼圖之多重元素組合建構,在表現性及主觀的色彩下,充滿暴力及能量,作品都相當感興與文學性。1985年巴斯奇亞成為紐約雜誌的封面風雲人物,在「新藝術、新金錢及一位美國藝術家的推銷」主題下,巴斯奇亞成為家喻戶曉的紅頂藝術家。

巴斯奇亞聲望日正當中,藝術創作進入成熟階段,以一種新技法混和繪畫、塗鴉及剪貼,集景式樣拼置畫面,開發一種新類型的自由形象繪畫風格。在這期間以完全依賴毒品過活,1987年 Andy Warhol去逝,也深深的在巴斯奇亞心裡投下陰影。長期在過分毒品的摧毀下,身以不由已,1988年8月12日因吸毒過量致死,結束戲劇性及傳奇性的一生,宛若一顆彗星畫過星空,流下藝術永恆的光彩。

註:Jean-Michel Basquiat的生平來自「自由的藝術」回顧展一文
於2010年10月15日至2011年元月30日於巴黎市立現代藝術美術館展出。)

2019-01-03 於台灣桃城

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Tomas Saraceno自然生態的「On air」個展:

Tomas Saraceno「On air」個展:入口

闡述「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘:「事件的視野」聲音裝置 2018 擴音器

「at-tentsion蜘蛛網絡」之一 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之二 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之三 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「覺察的事件」《particular matters Jam session》 2018 araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies)局部 2018 空間裝置installation

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

les politiques des rythmes solaires :levitation cosmique 2018 video noir et blanc installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「algo-rhiythms」2018 正在彈琴的觀眾 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「Aerocene」展示 2018 想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。

太陽航空博物館 2018 由日常塑膠袋所拼貼而成的大汽球

圖文/陳奇相

時間:10月17日至2019年1月6日
地點:巴黎東京宮

你一定在戶外或屋簷角落看過蛛蜘及蛛蜘網?蛛蜘是藝術家嗎?那蜘蛛網是藝術嗎?誰曉得,你絕對沒聽過蛛蜘的細膩的聲音?讓人充滿好奇心的展覽,這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。沒想到在巴黎東京宮「On air」展中,看到整個展場都是蜘蛛網(而且是由東京宮裡的各種蜘蛛所編織),還能傾聽到東京宮裡蛛蜘美妙聲音與看到眾多有關蜘蛛之軼事。這是蜘蛛達人阿根廷藝術家Tomas Saraceno的傑作。藉蜘蛛網來闡述人類存在之相互關係和人與自然生存與共且息息相關,從蜘蛛或蜘蛛網的啟示中,也隱約的告訴世界就如康丁斯基所說:「當人類文化發展產生了危機時,必須重回到自然,重新向大自然學習」。

Tomas Saraceno1973年出生於阿根廷San MigueldeTucumán一個科學背景的家庭,是位旅居德國的阿根廷當代藝術家,曾參與美國國家航空航天局的計劃。以其蜘蛛編織的壯觀網絡而聞名,其思維與創作方式接近烏托邦,總是在超乎想像不可能下建構其作品,他的作品是對自然的真正讚美,在學科的十字路口,融合了詩意的形式,建築的維度和科學的結構。他的反思主要集中在城市生活方式以及如何以不同方式看待未來美麗的新世界。他布宜諾斯艾利斯國家美術學院獲得建築學碩士學位後,繼續到歐洲深造,進法蘭克福Städelschule習藝,然後繼續至威尼斯IUAV深造藝術和建築。2007年以Poetic Cosmos Of The Breath1等壯觀的裝置肯定其創作,2009年參予第53屆威尼斯雙年展,在2015年COP21之際,他展示對環境願景的Aerocene大作。他與藝術家Olafur Eliasson 是當今環境藝術的主要代表靈魂人物,整個藝術創作跨界融合建築、科學、自然科學及環境空間探討,建立在自然生態學,展示環保意識,創新及創意於全球運動願景上。

「On air」展就像一個運動生態系統,在人類、生物(蜘蛛)與自然間(空氣、風、陽光、宇宙灰燼及石頭等等)進行多種科學的勘探編排,在自然及科學、人類及非人類、生命及非生命、詩意及想像間,從作品中揭示了相互依存的大一統世界,脆弱和短暫的節奏和軌跡,將這些世界聯合起來。 這展建立歸功於眾多的這些存在,生命的與無生命的,闡述宇宙生存與共的自然生態。

他的創作分為兩大主軸:戲劇性的「蜘蛛」及「蜘蛛網」,意圖透過蜘蛛網向大自然學習及想像生存與共的合諧世界。與「Aerocene」想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。詩意地重新思考我們居住的這個世界, 並重新評估我們作為人類的方式。

「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘的啟示::
入場一件同深咖啡色擴音器陳列平台上「事件的視野」:你聽過蜘蛛顫動的聲音嗎?這真是個宇宙事件,其振動是現場轉錄的,靜謐的人才能傾聽到一 隻棲息在東京宮地下室的holocnemus pluchei蜘蛛所發出振動聲音,通過想像人們可能會感覺到牠們的存在並與之對話之可能。這作品揭示了其他物種的感知範圍,宇宙網中其他物種的敏感性,我們都是其中的一部分。

大展場「at-tentsion」一片漆黑的空間中佈滿大大小小混合動力76座蜘蛛網,雕刻或是現成物呢?這些美麗又自然的星座般網絡由東京宮裡各種不同種類蜘蛛所編織,多元型態的網絡,往四面八方的空間伸延建構,整體形構成一座漂浮美麗又神秘的風景。網絡成為其感官世界相遇的地方,感覺的延伸,棲息空間,敏銳的聽覺,發送和接收振動 -也許是想法,一種讓牠與世界聯繫的方式。此展中這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。據說五百多隻蜘蛛棲息在東京宮裡,這些星座網絡邀請我們反思我們與牠們的共存。

接著「空氣的聲音」輕巧詩意的空間裝置作品,是一種樂器,由5細長輕柔的細線組成,在空氣中漂浮和共鳴。在一系列力量和條件,改變空間及其動態:經由溫度變化引起的隱形運動,或是觀眾的呼吸所引發。通過將振動轉換為聲音頻率,這種裝置使我們能夠聽到空氣的聲音。

藝術家如是說:「看著蜘蛛,我意識到我是一個不斷發展的生態系統之一部分。…..讓我質疑人類如何在自然中找到自己的位置,與其他生物生存與共,而不是處於統治地位。 在這個展覽中,我試圖分享,關注他人,放大一些通常聽不見的聲音,還是在 空氣中,那給看不見的顆粒。 對我來說,觀察,保存,揭露這些蜘蛛網,揭示它們的美麗,根據物種的形式的多樣性,是為了表明我們被令人難以置信的藝術作品所包圍!(註1)

此展中最戲劇性的「algo-rhiythms」讓觀眾陷入一個超大的蜘蛛網,是由眾多琴弦線幾何形式空間建構,其形式來自蜘蛛網的聯想及幾何方形式的延伸擴展,是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置,這種結構改變了我們對自然現象的觀點。這別開生面的作品邀請觀眾們即興參加音樂演出,手指輕輕地在琴弦上撥彈,每條都會發出不同音調音階,並匹配他們周圍的節奏,每條線有不同頻率產生其共鳴,有些是聽得見的,有些聽起來像是振動。次聲放大器將地面變成巨大的外殼,躺在地上,我們的身體變成了一種寬廣的海灘,振動膜將我們的注意力轉移到其他感知模式。即興創作並成為意外網絡際遇。

空氣的勘探與「Aerocene」一個全新世的時代挑戰:
整個展覽就像一個整體,揭示了空氣中的實體的強度以及它們影響我們的方式:從二氧化碳(CO2)到宇宙塵埃,從基礎設施和無線電頻率到新的走廊, 空中機動性。 這些看不見的故事構成了我們所屬的本質,它邀請我們詩意地重新思考我們如何居住在這個世界 – 並重新評估我們作為人類的方式。(註2)

空氣是藝術家Tomas Saraceno最睿智最迷惑人的勘探主體,這些看不見的物質構成了地球存所有存在生靈所屬的本質,也是人類後工業時代未來存活的新元素與挑戰的課題。地下室展廳「覺察的事件」《particular matters Jam session 》是一件科學實驗勘探空氣的複雜裝置系列,試圖捕捉永久性攪動的空氣物質,我們如何怎麼能聽到漂浮粒子的運動呢?以一束光照亮家庭、地面、宇宙用空氣顆粒,藉由攝像機實時記錄他們的位置和速度,然後,這些數據在不同的音樂中被傳播在展覽空間中的一系列音箱中。這裡建構組合網上蜘蛛的震動,及直播來自地中海底的海豚聲,還有現場觀眾們走動呼吸混和的空氣。它讓我們將世界視為一個複雜的物質組合,人類與之密不可分。

別開生面的「空氣狀況圖表」牆面一大系列各式各樣蜘蛛網鉛筆素描,空間中漂浮輕巧透明塑膠氣球,線下綁著一隻鉛筆,隨著空氣的流動書寫記錄空氣圖表狀態。這裡測試不同的方式,人類,非人類和風的運動影響他們周圍的空氣。因氣球隨著自然及人的活動條件漂浮,自然所繪畫出跟踪航空圖的空氣的狀態,明顯的,整體這些航空圖表是如此多的符蹤和圖象特徵形成了一個全新世的時代。

「Aerocene的開發」是一件能漂浮沖空中而不需任何燃燒化石、氦氣或氫氣燃料的物體。它配備了幾個能夠測量溫度,濕度和氣壓質量的傳感器。它是一個以連續,開放和集體的方式建造的物體,一種詩意的工具,可以想像一個沒有化石能量的新時代。

「熱力學的想像力」(大小氣球與微妙光線投影之空間裝置):一片漆黑讓人如置宇宙星空,漂浮著幾大小黑球體行星,周邊陳列系列幾何形式的物體,牆面上投影出圓形球體與觀眾的身影,在壯麗永恆幻變的光與影景觀中。觀眾在行星形態的陰影中目睹了一連串的日食,宛如置身於宇宙中。喚起了熱力學原理,熱力學是研究熱能和能量的物理學的一個支。在這空間裝置裡,提醒觀眾們地球與太陽之間的聯繫依賴其元素與其影響之間生存與共的互惠關係。

「Aerocene」是一個國際化的多學科社區,想像著無邊界,沒有化石能量的新存在方式,這個空間是經由工作室及參與活動,推廣自已或集體動手的實踐,這些工作室提出了一個基本問題,在後化石能量裡我們呼吸的感覺如何?

在這工業掠奪性開採地球資源枯竭時代裡,威脅到整個生存與共的地球自然生態環境,「Aerocene」是藝術家Tomás Saraceno所發起的國際開源項目之運動,是一個跨學科的藝術項目旨在復興的共同想像與大氣和環境倫理的工作,邀請觀眾集體參與調協活動。

響應人類世界,提出了描述我們時代中空前絕後所面臨的挑戰,並開始檢討人類活動對地球生態系統的全球性的影響,他想像著地球歷史上的一個新時代,生態意識,道德和環境政策成為主要的社會價值觀。從這個新的歷史時代開始,Aerocene提供新的運動和感覺形式,與太陽能,風能和紅外輻射相協調。這就是為什麼不使用太陽能電池板和電池,沒有氦氣,氫氣或其他稀有氣體的情況下,Aerocene Explorer雕塑浮動而不燃燒化石燃料。從這個意義上說,他們遵循我們星球和它最近的恆星的最基本能量運動,處使公民主導的環境研究成為可能, 以及空中機動性的新理由。(註3)

註1:Telerame Stephane Renault 16/10/2018。
註2:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註3:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註-全文參照展覽新聞稿。

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2018年法國杜象獎入圍展:

2018年法國杜象獎入圍展

Thu-Van Tran 前-不客氣 (sois le bienvenu )2018 後-灰色的顏色 2018

Thu-Van Tran 不客氣 (sois le bienvenu )局部 2018 海藻粉 顏色

Thu-Van Tran 如果沒有任何東西從這裡出來 2018 film 16mm.8.07

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018
15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Mohamed Bourouissa 阿爾及利亞沒有時間遺憾 2018 視頻安裝13m37s 與 O Mats合作

Mohamed Bourouissa 阿爾及利亞沒有時間遺憾2018 視頻安裝13m37s 與 O Mats合作

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

圖文/陳奇相

地點:巴黎龐畢度中心南畫廊
時間:10月10日至12月30日

近年法國杜象獎入圍創作展都在全球化的表徵下,每位藝術家揖注於其在地文化歷史情境,獨創其別開生面的內涵「新意」,這不難覺察這些東西,成為每個藝術家獨創價值及意義。無可質疑杜象獎是法國當下新生代藝術創作指標,反映當前全球化藝潮之氣象,為全球化市場注入新血。十八年來的法國藝壇觀察,從兩年前入圍新秀首次在龐畢度中心登場亮相展出,確定杜象獎的影響力,所以杜象獎入圍藝術家很快就成為體制和市場的新活力,每屆杜象獎得主皆成為體制及市場的寵兒,與英國泰納獎互別苗頭,互相抗衡及同具影響力。近年來杜象獎擺明的是全球化的立場,每屆入圍或得主不一定是法國藝術家,甚至於如去年入圍展中,獨缺法國藝術家之現象。當然入圍藝術家們創作都在巴黎或法國境內,可見巴黎國際藝壇是當今新生代兵家必爭之地。

今年入圍有兩位法國藝術家Clement Cogitore 及Marie Voignier,罕見一位來自東南亞新生代越籍藝術家Thu-Van Tran與北非阿爾及利亞藝術家Mohamed Bourouissa,他們或多或少已經取得巴黎藝壇的認肯。他們的創作建構在空間裝置上,表達共同的關注。如何在媒體飽和的時候重新思考敘述,或者世界本身似乎已達到了一種隱形?如何建構其記憶的時空關系,生活和互補的關係,將不會停留在這些證詞,文件,檔案上?藝術家經由他們明確藝術形式:繪畫、雕刻、錄像、影片、建築及設計,被視為闡述或批判其所處的社會、政治、歷史及全球化的關鍵工具。

越南藝術家Thu-Van Tran(1979年出生)的創作交錯在多元面向的探討:繪畫、雕刻、影片、裝置, 專注於素材及語彙上,建立在自已深切的移民經驗探討全球化的挫折。展出五件曖昧的作品,延伸2012年的勘探: 「灰色的顏色」(紀念碑的壁畫) (2018)在牆面上以彩虹除草劑的六種顏色通過層次巧妙重疊,應用不同的順序和不同透明度,一層有一層疊加將無可避免地產生灰色。並在灰色壁畫角落放映「如果沒有任何東西從這裡出來」16哩米影片,影片拍攝於亞洲及法國一座鑄造廠,在四次呼吸中揭示故事:首先-爆裂在崩潰和破碎中,從它的殼中解放出來; 誕生及訴說,經過時間和沈默的考驗,第二個想法-女人們不知疲倦地堅持戰鬥,第三幕-最後享受,日本火山只含它的質量,最後和原始的行徑; 撞擊材料並混淆,孩子從火花和顏色出現。「拖出的塵埃」(畫作) (2018)如火山爆發翻騰雲湧的一團灰燼,上面施洩著令人眼花繚亂的半音階(彩虹)。兩件闡述並轉移60年代越戰期間美軍所施放劇毒的彩虹除草劑持續地污染土壤徵象之災難。

地上引人注目的一件海藻粉所翻製白色雕刻「不客氣和火花」(2018),在身體的尺度上與觀眾見面,質疑空間分享的可能性。將一座《歡迎》兩字招牌解構成支離破粹大小碎片化石雕刻,通過可塑性材料和變形,抽空文字內涵,讓人們無法辨識,質疑全球化下人們的熱情好客背後的意義,成為藝術和創造的地方。藝術家操作語言的振盪,並表明歷史的關鍵流動性,中肯地寫道:「記憶是我們的媒介,而我們生活在這個問題上」。

法國藝術家Clement Cogitore (1983年出生) 的創作建立在影片的媒介上,在攝影和動態圖像之間移動,於電影院的分銷渠道和博物館裝置之間,儀式性的意義和加冕表現形成了整體。「法國惡魔視頻裝置」(2018)作品完全由先前存在的圖像(來自於大量網際網路之社群網站圖檔及商業廣告、大眾傳媒及政治影片)製成,她的影像都非常 (刻板化、商業化、娛樂化、戲劇化) 完美,由一位女性柔和的聲音敘述,通過匿名場景和刻板印象,表達當今全球化的信念及社區現象。藝術家以一種視覺強度和一種與夢幻般相關的故事感來對照和回應,成為一種新的勘探領域。

阿爾及利亞藝術家Mohamed Bourouissa (1978年出生)每個藝術計畫建立在非藝術場域的議定合作,在這視頻裝置「阿爾及利亞沒有時間遺憾」(2018) 就與 藝術家O Mats合作,於一座白色木材既心理的與軀體結構,這設計喚起如同恶魔狩猎在老药房。中間安置一座六立面旋轉電視銀幕,播放由一位曾是此精神醫院Fanony醫師治療受益患者Bourlem Mohamed訪談導引。闡述法國殖民時Blida-Joinville首座精神病院,創建於1937年。直到1950年由精神醫師與哲學家 Frantz Fanony革命性的改革引入接近園藝及劇場新療法,採取一種勞動療法和社會化形式,藝術家藉此韌性的概念質疑這段歷史,並追溯了瘋狂的觀念,過去殖民統治的實踐和種族主義理論。

法國藝術家Marie Voignier(1974年出生) 擅長於統合影像紀錄(傳達、轉化與重構)及闡述,其類人類學的創作與複雜歷史聯繫,混合著各種歷史與後殖民真相。她每個藝術計畫都按照單一方法隨著主題感覺構建。「tinselwood」 (2017-18) 一部長達82分鐘如報導HD影片,回應了2010年發起的搜索,她跟踪喀麥隆森林中的一個密碼,在非洲大陸被遺忘原始森林裡其居民記錄的虛構動物的踪跡上。經過多年來於原始熱帶林的追尋勘探,直到有一天與原住民(Salapoumbe)的際遇,深入訪談報導系列,意圖了解這被抹去的神秘密碼故事,她才恍然大悟對該地區殖民歷史的無知,藝術家說:「我的探究並不屬民族誌。但我意圖將這種觀察歷史化」。

註:參照2018年法國杜象獎入圍展展訊及現場解讀文案

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當代新媒藝術的新紀元:

台北國立教育大學-藝術及造型設計學系-演講海報

夢幻工廠-多媒體視聽數位藝術秀「光工作室」致力於藝術史上偉大畫家,開幕打著19世紀末「維也納分離派」最具代表性的兩位藝術家《克里姆(Gustav Klim)(1862-1918)》和《席勒(Egon Schierele)(1890-1918)》

當下最夯的跨領域多元數位藝術發展和當今電腦程式、科技及人工智慧與時俱進,走在科技藝術的前端,藉由虛擬世界勘探存在未知的新領域,試圖創造藝術的各種可能性。日本TeamLab創意性團隊《超出限制》數位藝術空間裝置特展則是一個明顯地例子。這個創意團隊創於2001年包含藝術家、電腦程序專家、工程師、3D動畫製作者、數學家及建築師等共四百位聯合成員,這個跨藝術,科學,技術和創意界面的沉浸式互動安裝,將展覽推向其極限。

日本TeamLab創意性團隊《超出限制》數位藝術空間裝置特展則是一個明顯地例子。這個創意團隊創於2001年包含藝術家、電腦程序專家、工程師、3D動畫製作者、數學家及建築師等共四百位聯合成員,這個跨藝術,科學,技術和創意界面的沉浸式互動安裝,將展覽推向其極限。

2018巴黎大皇宮「藝術家與機器人」專題展(artists &robots)

Teaser "Artists & Robots", Astana Contemporary Art Center, Astana (Kazakhstan) EXPO 2017 from Claude Mossessian on Vimeo.

2018「藝術家與機器人」專題展(artists &robots)

Miguel CHEVALIER Digital Arabesques 2018, Philharmonie de Paris, (France) from Claude Mossessian on Vimeo.

Miguel Chevalier 2018年參予巴黎交響樂廳-阿拉伯音樂大展的互動參與裝置作品

Miguel Chevalier 2018年巴黎大皇宮「藝術家與機器人」專題展

Ryoji Ikeda. Code-Verse. Centre Georges Pompidou, 2018 from Voir & Dire on Vimeo.

Ryoji Ikeda continuum 2018 巴黎龐畢度個展

Ryoji Ikeda continuum 2018 巴黎龐畢度個展

義大利藝術家Roberto Pugliese Equilibrium Variant Sonore 2012

義大利藝術家Roberto Pugliese Aritmetiche Architetture Sonore 2012

文/陳奇相

「數位科技結合藝術,正拉近了人和藝術之間的距離。究竟新科技為當代藝術發展,帶來什麼樣的改變呢?」

日本森美術館館長南條史生

杜象很早就認為新媒體的藝術更新,他說:「藝術家有新的媒材,新的顏色,新的照明法。現代世界取代了舊有的東西,甚至包括繪畫也是如此。新的世界迫使一切自然地,正常地轉變」,藝術也應善用新的媒材, 新的表現法, 和新的議題,而這正是目前新藝術的進程。(此段文字來自於李長俊臉書2019-03-21)

在這跨文化與資訊傳媒的時代裡,隨著數位科技、3D的日新月異與當今的人工智能時勢下,近年來與時俱進的數位藝術或新媒藝術正欣起一場空前絕後的藝術革命,為當下樂觀人類帶來空前絕後衝擊,也徹底改變人們的生活、視域、感官及存在的條件。更為藝術帶來新活力及能量,為當今藝術創作帶來無限的衝擊及新展望,也解放藝術的民主化、普及化之範疇、互動體驗、無限視野,讓更多人神遊、探索與發現,深入其中來感受藝術的神秘力量與美感。也讓人們重新思考藝術既有的價值觀與社會體系的連結。

數位化科技帶來一股空前絕後全新的藝術推動力量,藝術如脫韁之馬隨著新科技日新月異不間斷變革,尤其是當今複合多樣型態的藝術及視聽影音及空間環境的探討,發展出不同凡響的網路藝術及數位各種類型的藝術,以無遠弗屆的想像力闢創出全景視野的互動媒體藝術或虛擬實境世界,深改變人們觀看世界的視野。開發出一種奔放澎湃的感情、新經驗及想望,啟開新藝術之紀元。

數位科技的全方位藝術,解放藝術之疆域,改變欣賞、收藏、視野,打破空間次元,也打破作品與觀眾的關係,觀賞者浸入作品遊走在空間中的同時,能融入作品,甚至成為作品的一部分。「互動」、「轉化」、「體驗」,是跨界融合之創群族參與,而帶來鋪天蓋地的物質化及感官化,戲劇性與娛樂性、參與性綜合感染與影響。如巴黎2018年三月 「光工作室(Atelier des lumieres)」創立一座夢幻工廠-多媒體視聽數位藝術秀。日本去年六月於東京成立第一座巨型「數位藝術美術館 (teamLab Borderless)」,藉由虛擬世界勘探存在未知的新領域,試圖創造藝術的各種可能性。

(teamLab是當前巨型數位科技藝術的先鋒,創立於2001年的日本藝術團隊,由跨學界專業人士聚集而成,目標通過共同創作的行為融合藝術、科學、技術、設計、以及自然界。團隊成員包括藝術家、工程師、CG動畫師、數學家、建築師等。teamLab試圖通過藝術,探索人與自然的新關係,也透過數字技術讓曾物質與藝術的界限中解放藝術。)

科技與藝術的碰撞,將數位及新科的魅力帶來出無限的想望,又引發一股空前絕後的境遇。在這新科及自然現象的洞悉,影音與光線及動力環境造景中,意圖從新科技中擴展窺探無限之可能性,重新定義藝術新型態:如網路藝術(Net Art)、互動媒體(Interactive Art)、後網絡藝術(Post-Internet Art)例如-2015年巴黎市立現代美術館:「同事 (co-workers)」網絡作為一個藝術家 (le reseau comme artiste)主題展所呈現的藝術新形態。至新興的虛擬實境藝術(Virtual Reality Art)如數位藝術家Miguel Chevalier環境空間裝置。或是新科技的虛實境勘探,試圖開發新的感官及視聽與軀體的新經驗如西班牙藝術家Pablo Valbuena的影音及流動光線的探究。

融合科學與藝術之跨界成為全方位的境域,人工智能複構性再造及建構性,眾多屬於新科之物體-雕刻及確立空間或戲劇性環境裝置,讓觀者思考人自然與科技間的關係。例如汪洋輝-麻粒國際文化試驗公司的探究,或是新科藝術新秀-劉辰岫結合藝術家科學家工程師與設計師之跨領域人嶼團隊。

新科技新素材及新場景的建構、行為-觀念-素材及空間場域擴展、互動參與及跨界建構、物質化及感官化 娛樂化及戲劇化。

(台北國立教育大學-藝術及造型設計學系)演講以巴黎幾個展覽為列:
1.夢幻工廠-多媒體視聽數位藝術秀(atelier des lumieres)。2.日本TeamLab《超出限制》數位藝術特展(teamLab-au-dela des limites)。3.「藝術家與機器人」專題展(artists &robots)。4.日本藝術家Ryoji Ikeda。 5.旅法墨西哥藝術家Miguel Chevalier。6.義大利藝術家Roberto Pugliese。

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無盡光芒-向畫家李裕源展覽概念策畫方案:

無盡光芒-向畫家李裕源展覽入口意象

無盡光芒-向畫家李裕源展覽全景

以「揮別」與「無言等待」兩幅佳作作為主展場核心

感性與理性幾何對照的一偶

深邃自省的表現作品

主牆面延伸至畫室場景

畫室場景-畫家上畫家工作服之身影

鐵道畫室的重現

鐵道畫室多年累積下的生活情境

另一牆面-自然意象的風光「門外的季節」與「山中的聲音」兩大系列大作

沒時空性的「門外的季節」

櫥窗中的生活手稿及 創作草圖等等

畫家李裕源最後歷歷在目的書信

畫家李裕源最後的素描草稿

圖文/陳奇相

前言:
感謝天,感謝地,感謝母親允之地。
站在這塊土地上《我們都在同一條船上,創造力是在地的價值,在地更因創作力而偉大。藝術對人類而言,無論如何只能讓社會更美好》《確實,好作品與成就,沒人分享會更顯得孤獨,感謝大夥來參與分享。》攏嘛因為「藝術」,攏嘛是咱耶畫家好朋友「李裕源」這感恩耶特別日期招換咱大夥聚集在此,藉「無盡的光芒」向畫家李裕源致以最高敬意,身為展人由衷感謝大家,並祝福畫展圓滿順利。

關於此次的「策展」:攏嘛是因為「愛」,用行動「圓滿藝術」。
關於此次展覽「主題」:「無盡的光芒-向畫家李裕源致以最高敬意」,靈感來自於裕源這幅「光芒」(2013)。也體會生命之輕,藝術之重的感嘆,遙望天際,一起向咱耶朋友致以最高敬意,並透過作品與之對話。

有關於此展的「意義」:紀念懷思咱耶畫家好朋友。藉此展公開他豐富作品,讓咱大夥能有機會閱覽其一生的創作。裕源地創作成就是有目共睹,咱大夥及社會大眾都能更深入他的作品,趁著展覽發現其藝術的意義、價值及偉大。

展覽主題-「無盡的光芒」(大標題) -向畫家李裕源致敬(小標題)。

佈展方案:我們以全新視野裝置展覽方式呈現。包含各階段精彩或代表性作品(作為主體)、創作手稿、畫室創作生活物件、生活照、影音資料、另闢遙望天際書寫空間(一面牆) (後兩單元沒實現) ,全方位地規劃,讓咱大夥社會人士對畫家的深思懷念及回憶與感觸。

產學合作計畫:
此外有關此展可考慮與嘉義大學藝術系(產業)合作策展方案及空間裝置等,這具有教育的功能,難得的機會讓學生見習並親身參與此展。

讓學生可學習的面向:
有關一個展覽實踐方案:策畫、如何下定主題(主題的重要性)、作品的選項、空間概念的統籌、實際空間的操作、作品空間佈置、實際參與佈置、如何梳理展文書寫、如何創造一個展覽及展現的價值等等。

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