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Archives pour la catégorie ‘藝術 Art’

Tomas Saraceno自然生態的「On air」個展:

Tomas Saraceno「On air」個展:入口

闡述「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘:「事件的視野」聲音裝置 2018 擴音器

「at-tentsion蜘蛛網絡」之一 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之二 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「at-tentsion蜘蛛網絡」之三 2018 76 cadres d araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

「覺察的事件」《particular matters Jam session》 2018 araignees .soie d araignee .fibre de carborne dedo lights installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies) 2018 空間裝置installation

空氣狀況圖表(aerographies)局部 2018 空間裝置installation

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

there-la-bas 120x80cm 2018 photographie prise dans le salar d uyuni.Bolivie 2016 impresse jet d encre sup papier

les politiques des rythmes solaires :levitation cosmique 2018 video noir et blanc installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

熱力學想像 2018 installation

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

最戲劇性的「algo-rhiythms」2018 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「algo-rhiythms」2018 正在彈琴的觀眾 是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置

「Aerocene」展示 2018 想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。

太陽航空博物館 2018 由日常塑膠袋所拼貼而成的大汽球

圖文/陳奇相

時間:10月17日至2019年1月6日
地點:巴黎東京宮

你一定在戶外或屋簷角落看過蛛蜘及蛛蜘網?蛛蜘是藝術家嗎?那蜘蛛網是藝術嗎?誰曉得,你絕對沒聽過蛛蜘的細膩的聲音?讓人充滿好奇心的展覽,這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。沒想到在巴黎東京宮「On air」展中,看到整個展場都是蜘蛛網(而且是由東京宮裡的各種蜘蛛所編織),還能傾聽到東京宮裡蛛蜘美妙聲音與看到眾多有關蜘蛛之軼事。這是蜘蛛達人阿根廷藝術家Tomas Saraceno的傑作。藉蜘蛛網來闡述人類存在之相互關係和人與自然生存與共且息息相關,從蜘蛛或蜘蛛網的啟示中,也隱約的告訴世界就如康丁斯基所說:「當人類文化發展產生了危機時,必須重回到自然,重新向大自然學習」。

Tomas Saraceno1973年出生於阿根廷San MigueldeTucumán一個科學背景的家庭,是位旅居德國的阿根廷當代藝術家,曾參與美國國家航空航天局的計劃。以其蜘蛛編織的壯觀網絡而聞名,其思維與創作方式接近烏托邦,總是在超乎想像不可能下建構其作品,他的作品是對自然的真正讚美,在學科的十字路口,融合了詩意的形式,建築的維度和科學的結構。他的反思主要集中在城市生活方式以及如何以不同方式看待未來美麗的新世界。他布宜諾斯艾利斯國家美術學院獲得建築學碩士學位後,繼續到歐洲深造,進法蘭克福Städelschule習藝,然後繼續至威尼斯IUAV深造藝術和建築。2007年以Poetic Cosmos Of The Breath1等壯觀的裝置肯定其創作,2009年參予第53屆威尼斯雙年展,在2015年COP21之際,他展示對環境願景的Aerocene大作。他與藝術家Olafur Eliasson 是當今環境藝術的主要代表靈魂人物,整個藝術創作跨界融合建築、科學、自然科學及環境空間探討,建立在自然生態學,展示環保意識,創新及創意於全球運動願景上。

「On air」展就像一個運動生態系統,在人類、生物(蜘蛛)與自然間(空氣、風、陽光、宇宙灰燼及石頭等等)進行多種科學的勘探編排,在自然及科學、人類及非人類、生命及非生命、詩意及想像間,從作品中揭示了相互依存的大一統世界,脆弱和短暫的節奏和軌跡,將這些世界聯合起來。 這展建立歸功於眾多的這些存在,生命的與無生命的,闡述宇宙生存與共的自然生態。

他的創作分為兩大主軸:戲劇性的「蜘蛛」及「蜘蛛網」,意圖透過蜘蛛網向大自然學習及想像生存與共的合諧世界。與「Aerocene」想像出生活在空氣中的新方式,闢創沒有化石能源的美麗新世界之可能。詩意地重新思考我們居住的這個世界, 並重新評估我們作為人類的方式。

「蜘蛛」及「蜘蛛網」之美麗及奧秘的啟示::
入場一件同深咖啡色擴音器陳列平台上「事件的視野」:你聽過蜘蛛顫動的聲音嗎?這真是個宇宙事件,其振動是現場轉錄的,靜謐的人才能傾聽到一 隻棲息在東京宮地下室的holocnemus pluchei蜘蛛所發出振動聲音,通過想像人們可能會感覺到牠們的存在並與之對話之可能。這作品揭示了其他物種的感知範圍,宇宙網中其他物種的敏感性,我們都是其中的一部分。

大展場「at-tentsion」一片漆黑的空間中佈滿大大小小混合動力76座蜘蛛網,雕刻或是現成物呢?這些美麗又自然的星座般網絡由東京宮裡各種不同種類蜘蛛所編織,多元型態的網絡,往四面八方的空間伸延建構,整體形構成一座漂浮美麗又神秘的風景。網絡成為其感官世界相遇的地方,感覺的延伸,棲息空間,敏銳的聽覺,發送和接收振動 -也許是想法,一種讓牠與世界聯繫的方式。此展中這些蜘蛛被視為這個展覽完全參與者。據說五百多隻蜘蛛棲息在東京宮裡,這些星座網絡邀請我們反思我們與牠們的共存。

接著「空氣的聲音」輕巧詩意的空間裝置作品,是一種樂器,由5細長輕柔的細線組成,在空氣中漂浮和共鳴。在一系列力量和條件,改變空間及其動態:經由溫度變化引起的隱形運動,或是觀眾的呼吸所引發。通過將振動轉換為聲音頻率,這種裝置使我們能夠聽到空氣的聲音。

藝術家如是說:「看著蜘蛛,我意識到我是一個不斷發展的生態系統之一部分。…..讓我質疑人類如何在自然中找到自己的位置,與其他生物生存與共,而不是處於統治地位。 在這個展覽中,我試圖分享,關注他人,放大一些通常聽不見的聲音,還是在 空氣中,那給看不見的顆粒。 對我來說,觀察,保存,揭露這些蜘蛛網,揭示它們的美麗,根據物種的形式的多樣性,是為了表明我們被令人難以置信的藝術作品所包圍!(註1)

此展中最戲劇性的「algo-rhiythms」讓觀眾陷入一個超大的蜘蛛網,是由眾多琴弦線幾何形式空間建構,其形式來自蜘蛛網的聯想及幾何方形式的延伸擴展,是一座聲音互動詩意星座網絡結構的空間裝置,這種結構改變了我們對自然現象的觀點。這別開生面的作品邀請觀眾們即興參加音樂演出,手指輕輕地在琴弦上撥彈,每條都會發出不同音調音階,並匹配他們周圍的節奏,每條線有不同頻率產生其共鳴,有些是聽得見的,有些聽起來像是振動。次聲放大器將地面變成巨大的外殼,躺在地上,我們的身體變成了一種寬廣的海灘,振動膜將我們的注意力轉移到其他感知模式。即興創作並成為意外網絡際遇。

空氣的勘探與「Aerocene」一個全新世的時代挑戰:
整個展覽就像一個整體,揭示了空氣中的實體的強度以及它們影響我們的方式:從二氧化碳(CO2)到宇宙塵埃,從基礎設施和無線電頻率到新的走廊, 空中機動性。 這些看不見的故事構成了我們所屬的本質,它邀請我們詩意地重新思考我們如何居住在這個世界 – 並重新評估我們作為人類的方式。(註2)

空氣是藝術家Tomas Saraceno最睿智最迷惑人的勘探主體,這些看不見的物質構成了地球存所有存在生靈所屬的本質,也是人類後工業時代未來存活的新元素與挑戰的課題。地下室展廳「覺察的事件」《particular matters Jam session 》是一件科學實驗勘探空氣的複雜裝置系列,試圖捕捉永久性攪動的空氣物質,我們如何怎麼能聽到漂浮粒子的運動呢?以一束光照亮家庭、地面、宇宙用空氣顆粒,藉由攝像機實時記錄他們的位置和速度,然後,這些數據在不同的音樂中被傳播在展覽空間中的一系列音箱中。這裡建構組合網上蜘蛛的震動,及直播來自地中海底的海豚聲,還有現場觀眾們走動呼吸混和的空氣。它讓我們將世界視為一個複雜的物質組合,人類與之密不可分。

別開生面的「空氣狀況圖表」牆面一大系列各式各樣蜘蛛網鉛筆素描,空間中漂浮輕巧透明塑膠氣球,線下綁著一隻鉛筆,隨著空氣的流動書寫記錄空氣圖表狀態。這裡測試不同的方式,人類,非人類和風的運動影響他們周圍的空氣。因氣球隨著自然及人的活動條件漂浮,自然所繪畫出跟踪航空圖的空氣的狀態,明顯的,整體這些航空圖表是如此多的符蹤和圖象特徵形成了一個全新世的時代。

「Aerocene的開發」是一件能漂浮沖空中而不需任何燃燒化石、氦氣或氫氣燃料的物體。它配備了幾個能夠測量溫度,濕度和氣壓質量的傳感器。它是一個以連續,開放和集體的方式建造的物體,一種詩意的工具,可以想像一個沒有化石能量的新時代。

「熱力學的想像力」(大小氣球與微妙光線投影之空間裝置):一片漆黑讓人如置宇宙星空,漂浮著幾大小黑球體行星,周邊陳列系列幾何形式的物體,牆面上投影出圓形球體與觀眾的身影,在壯麗永恆幻變的光與影景觀中。觀眾在行星形態的陰影中目睹了一連串的日食,宛如置身於宇宙中。喚起了熱力學原理,熱力學是研究熱能和能量的物理學的一個支。在這空間裝置裡,提醒觀眾們地球與太陽之間的聯繫依賴其元素與其影響之間生存與共的互惠關係。

「Aerocene」是一個國際化的多學科社區,想像著無邊界,沒有化石能量的新存在方式,這個空間是經由工作室及參與活動,推廣自已或集體動手的實踐,這些工作室提出了一個基本問題,在後化石能量裡我們呼吸的感覺如何?

在這工業掠奪性開採地球資源枯竭時代裡,威脅到整個生存與共的地球自然生態環境,「Aerocene」是藝術家Tomás Saraceno所發起的國際開源項目之運動,是一個跨學科的藝術項目旨在復興的共同想像與大氣和環境倫理的工作,邀請觀眾集體參與調協活動。

響應人類世界,提出了描述我們時代中空前絕後所面臨的挑戰,並開始檢討人類活動對地球生態系統的全球性的影響,他想像著地球歷史上的一個新時代,生態意識,道德和環境政策成為主要的社會價值觀。從這個新的歷史時代開始,Aerocene提供新的運動和感覺形式,與太陽能,風能和紅外輻射相協調。這就是為什麼不使用太陽能電池板和電池,沒有氦氣,氫氣或其他稀有氣體的情況下,Aerocene Explorer雕塑浮動而不燃燒化石燃料。從這個意義上說,他們遵循我們星球和它最近的恆星的最基本能量運動,處使公民主導的環境研究成為可能, 以及空中機動性的新理由。(註3)

註1:Telerame Stephane Renault 16/10/2018。
註2:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註3:策展人Rebecca Lamarche-Vadel展覽新聞稿。
註-全文參照展覽新聞稿。

Categories: 藝術 Art Tags:

2018年法國杜象獎入圍展:

2018年法國杜象獎入圍展

Thu-Van Tran 前-不客氣 (sois le bienvenu )2018 後-灰色的顏色 2018

Thu-Van Tran 不客氣 (sois le bienvenu )局部 2018 海藻粉 顏色

Thu-Van Tran 如果沒有任何東西從這裡出來 2018 film 16mm.8.07

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018
15m

Clement Cogitore 法國惡魔視頻裝置 2018 15m

Mohamed Bourouissa 阿爾及利亞沒有時間遺憾 2018 視頻安裝13m37s 與 O Mats合作

Mohamed Bourouissa 阿爾及利亞沒有時間遺憾2018 視頻安裝13m37s 與 O Mats合作

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

Marie Voignier tinselwood 2017-18 HD影片 82m

圖文/陳奇相

地點:巴黎龐畢度中心南畫廊
時間:10月10日至12月30日

近年法國杜象獎入圍創作展都在全球化的表徵下,每位藝術家揖注於其在地文化歷史情境,獨創其別開生面的內涵「新意」,這不難覺察這些東西,成為每個藝術家獨創價值及意義。無可質疑杜象獎是法國當下新生代藝術創作指標,反映當前全球化藝潮之氣象,為全球化市場注入新血。十八年來的法國藝壇觀察,從兩年前入圍新秀首次在龐畢度中心登場亮相展出,確定杜象獎的影響力,所以杜象獎入圍藝術家很快就成為體制和市場的新活力,每屆杜象獎得主皆成為體制及市場的寵兒,與英國泰納獎互別苗頭,互相抗衡及同具影響力。近年來杜象獎擺明的是全球化的立場,每屆入圍或得主不一定是法國藝術家,甚至於如去年入圍展中,獨缺法國藝術家之現象。當然入圍藝術家們創作都在巴黎或法國境內,可見巴黎國際藝壇是當今新生代兵家必爭之地。

今年入圍有兩位法國藝術家Clement Cogitore 及Marie Voignier,罕見一位來自東南亞新生代越籍藝術家Thu-Van Tran與北非阿爾及利亞藝術家Mohamed Bourouissa,他們或多或少已經取得巴黎藝壇的認肯。他們的創作建構在空間裝置上,表達共同的關注。如何在媒體飽和的時候重新思考敘述,或者世界本身似乎已達到了一種隱形?如何建構其記憶的時空關系,生活和互補的關係,將不會停留在這些證詞,文件,檔案上?藝術家經由他們明確藝術形式:繪畫、雕刻、錄像、影片、建築及設計,被視為闡述或批判其所處的社會、政治、歷史及全球化的關鍵工具。

越南藝術家Thu-Van Tran(1979年出生)的創作交錯在多元面向的探討:繪畫、雕刻、影片、裝置, 專注於素材及語彙上,建立在自已深切的移民經驗探討全球化的挫折。展出五件曖昧的作品,延伸2012年的勘探: 「灰色的顏色」(紀念碑的壁畫) (2018)在牆面上以彩虹除草劑的六種顏色通過層次巧妙重疊,應用不同的順序和不同透明度,一層有一層疊加將無可避免地產生灰色。並在灰色壁畫角落放映「如果沒有任何東西從這裡出來」16哩米影片,影片拍攝於亞洲及法國一座鑄造廠,在四次呼吸中揭示故事:首先-爆裂在崩潰和破碎中,從它的殼中解放出來; 誕生及訴說,經過時間和沈默的考驗,第二個想法-女人們不知疲倦地堅持戰鬥,第三幕-最後享受,日本火山只含它的質量,最後和原始的行徑; 撞擊材料並混淆,孩子從火花和顏色出現。「拖出的塵埃」(畫作) (2018)如火山爆發翻騰雲湧的一團灰燼,上面施洩著令人眼花繚亂的半音階(彩虹)。兩件闡述並轉移60年代越戰期間美軍所施放劇毒的彩虹除草劑持續地污染土壤徵象之災難。

地上引人注目的一件海藻粉所翻製白色雕刻「不客氣和火花」(2018),在身體的尺度上與觀眾見面,質疑空間分享的可能性。將一座《歡迎》兩字招牌解構成支離破粹大小碎片化石雕刻,通過可塑性材料和變形,抽空文字內涵,讓人們無法辨識,質疑全球化下人們的熱情好客背後的意義,成為藝術和創造的地方。藝術家操作語言的振盪,並表明歷史的關鍵流動性,中肯地寫道:「記憶是我們的媒介,而我們生活在這個問題上」。

法國藝術家Clement Cogitore (1983年出生) 的創作建立在影片的媒介上,在攝影和動態圖像之間移動,於電影院的分銷渠道和博物館裝置之間,儀式性的意義和加冕表現形成了整體。「法國惡魔視頻裝置」(2018)作品完全由先前存在的圖像(來自於大量網際網路之社群網站圖檔及商業廣告、大眾傳媒及政治影片)製成,她的影像都非常 (刻板化、商業化、娛樂化、戲劇化) 完美,由一位女性柔和的聲音敘述,通過匿名場景和刻板印象,表達當今全球化的信念及社區現象。藝術家以一種視覺強度和一種與夢幻般相關的故事感來對照和回應,成為一種新的勘探領域。

阿爾及利亞藝術家Mohamed Bourouissa (1978年出生)每個藝術計畫建立在非藝術場域的議定合作,在這視頻裝置「阿爾及利亞沒有時間遺憾」(2018) 就與 藝術家O Mats合作,於一座白色木材既心理的與軀體結構,這設計喚起如同恶魔狩猎在老药房。中間安置一座六立面旋轉電視銀幕,播放由一位曾是此精神醫院Fanony醫師治療受益患者Bourlem Mohamed訪談導引。闡述法國殖民時Blida-Joinville首座精神病院,創建於1937年。直到1950年由精神醫師與哲學家 Frantz Fanony革命性的改革引入接近園藝及劇場新療法,採取一種勞動療法和社會化形式,藝術家藉此韌性的概念質疑這段歷史,並追溯了瘋狂的觀念,過去殖民統治的實踐和種族主義理論。

法國藝術家Marie Voignier(1974年出生) 擅長於統合影像紀錄(傳達、轉化與重構)及闡述,其類人類學的創作與複雜歷史聯繫,混合著各種歷史與後殖民真相。她每個藝術計畫都按照單一方法隨著主題感覺構建。「tinselwood」 (2017-18) 一部長達82分鐘如報導HD影片,回應了2010年發起的搜索,她跟踪喀麥隆森林中的一個密碼,在非洲大陸被遺忘原始森林裡其居民記錄的虛構動物的踪跡上。經過多年來於原始熱帶林的追尋勘探,直到有一天與原住民(Salapoumbe)的際遇,深入訪談報導系列,意圖了解這被抹去的神秘密碼故事,她才恍然大悟對該地區殖民歷史的無知,藝術家說:「我的探究並不屬民族誌。但我意圖將這種觀察歷史化」。

註:參照2018年法國杜象獎入圍展展訊及現場解讀文案

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當代新媒藝術的新紀元:

台北國立教育大學-藝術及造型設計學系-演講海報

夢幻工廠-多媒體視聽數位藝術秀「光工作室」致力於藝術史上偉大畫家,開幕打著19世紀末「維也納分離派」最具代表性的兩位藝術家《克里姆(Gustav Klim)(1862-1918)》和《席勒(Egon Schierele)(1890-1918)》

當下最夯的跨領域多元數位藝術發展和當今電腦程式、科技及人工智慧與時俱進,走在科技藝術的前端,藉由虛擬世界勘探存在未知的新領域,試圖創造藝術的各種可能性。日本TeamLab創意性團隊《超出限制》數位藝術空間裝置特展則是一個明顯地例子。這個創意團隊創於2001年包含藝術家、電腦程序專家、工程師、3D動畫製作者、數學家及建築師等共四百位聯合成員,這個跨藝術,科學,技術和創意界面的沉浸式互動安裝,將展覽推向其極限。

日本TeamLab創意性團隊《超出限制》數位藝術空間裝置特展則是一個明顯地例子。這個創意團隊創於2001年包含藝術家、電腦程序專家、工程師、3D動畫製作者、數學家及建築師等共四百位聯合成員,這個跨藝術,科學,技術和創意界面的沉浸式互動安裝,將展覽推向其極限。

2018巴黎大皇宮「藝術家與機器人」專題展(artists &robots)

Teaser "Artists & Robots", Astana Contemporary Art Center, Astana (Kazakhstan) EXPO 2017 from Claude Mossessian on Vimeo.

2018「藝術家與機器人」專題展(artists &robots)

Miguel CHEVALIER Digital Arabesques 2018, Philharmonie de Paris, (France) from Claude Mossessian on Vimeo.

Miguel Chevalier 2018年參予巴黎交響樂廳-阿拉伯音樂大展的互動參與裝置作品

Miguel Chevalier 2018年巴黎大皇宮「藝術家與機器人」專題展

Ryoji Ikeda. Code-Verse. Centre Georges Pompidou, 2018 from Voir & Dire on Vimeo.

Ryoji Ikeda continuum 2018 巴黎龐畢度個展

Ryoji Ikeda continuum 2018 巴黎龐畢度個展

義大利藝術家Roberto Pugliese Equilibrium Variant Sonore 2012

義大利藝術家Roberto Pugliese Aritmetiche Architetture Sonore 2012

文/陳奇相

「數位科技結合藝術,正拉近了人和藝術之間的距離。究竟新科技為當代藝術發展,帶來什麼樣的改變呢?」

日本森美術館館長南條史生

杜象很早就認為新媒體的藝術更新,他說:「藝術家有新的媒材,新的顏色,新的照明法。現代世界取代了舊有的東西,甚至包括繪畫也是如此。新的世界迫使一切自然地,正常地轉變」,藝術也應善用新的媒材, 新的表現法, 和新的議題,而這正是目前新藝術的進程。(此段文字來自於李長俊臉書2019-03-21)

在這跨文化與資訊傳媒的時代裡,隨著數位科技、3D的日新月異與當今的人工智能時勢下,近年來與時俱進的數位藝術或新媒藝術正欣起一場空前絕後的藝術革命,為當下樂觀人類帶來空前絕後衝擊,也徹底改變人們的生活、視域、感官及存在的條件。更為藝術帶來新活力及能量,為當今藝術創作帶來無限的衝擊及新展望,也解放藝術的民主化、普及化之範疇、互動體驗、無限視野,讓更多人神遊、探索與發現,深入其中來感受藝術的神秘力量與美感。也讓人們重新思考藝術既有的價值觀與社會體系的連結。

數位化科技帶來一股空前絕後全新的藝術推動力量,藝術如脫韁之馬隨著新科技日新月異不間斷變革,尤其是當今複合多樣型態的藝術及視聽影音及空間環境的探討,發展出不同凡響的網路藝術及數位各種類型的藝術,以無遠弗屆的想像力闢創出全景視野的互動媒體藝術或虛擬實境世界,深改變人們觀看世界的視野。開發出一種奔放澎湃的感情、新經驗及想望,啟開新藝術之紀元。

數位科技的全方位藝術,解放藝術之疆域,改變欣賞、收藏、視野,打破空間次元,也打破作品與觀眾的關係,觀賞者浸入作品遊走在空間中的同時,能融入作品,甚至成為作品的一部分。「互動」、「轉化」、「體驗」,是跨界融合之創群族參與,而帶來鋪天蓋地的物質化及感官化,戲劇性與娛樂性、參與性綜合感染與影響。如巴黎2018年三月 「光工作室(Atelier des lumieres)」創立一座夢幻工廠-多媒體視聽數位藝術秀。日本去年六月於東京成立第一座巨型「數位藝術美術館 (teamLab Borderless)」,藉由虛擬世界勘探存在未知的新領域,試圖創造藝術的各種可能性。

(teamLab是當前巨型數位科技藝術的先鋒,創立於2001年的日本藝術團隊,由跨學界專業人士聚集而成,目標通過共同創作的行為融合藝術、科學、技術、設計、以及自然界。團隊成員包括藝術家、工程師、CG動畫師、數學家、建築師等。teamLab試圖通過藝術,探索人與自然的新關係,也透過數字技術讓曾物質與藝術的界限中解放藝術。)

科技與藝術的碰撞,將數位及新科的魅力帶來出無限的想望,又引發一股空前絕後的境遇。在這新科及自然現象的洞悉,影音與光線及動力環境造景中,意圖從新科技中擴展窺探無限之可能性,重新定義藝術新型態:如網路藝術(Net Art)、互動媒體(Interactive Art)、後網絡藝術(Post-Internet Art)例如-2015年巴黎市立現代美術館:「同事 (co-workers)」網絡作為一個藝術家 (le reseau comme artiste)主題展所呈現的藝術新形態。至新興的虛擬實境藝術(Virtual Reality Art)如數位藝術家Miguel Chevalier環境空間裝置。或是新科技的虛實境勘探,試圖開發新的感官及視聽與軀體的新經驗如西班牙藝術家Pablo Valbuena的影音及流動光線的探究。

融合科學與藝術之跨界成為全方位的境域,人工智能複構性再造及建構性,眾多屬於新科之物體-雕刻及確立空間或戲劇性環境裝置,讓觀者思考人自然與科技間的關係。例如汪洋輝-麻粒國際文化試驗公司的探究,或是新科藝術新秀-劉辰岫結合藝術家科學家工程師與設計師之跨領域人嶼團隊。

新科技新素材及新場景的建構、行為-觀念-素材及空間場域擴展、互動參與及跨界建構、物質化及感官化 娛樂化及戲劇化。

(台北國立教育大學-藝術及造型設計學系)演講以巴黎幾個展覽為列:
1.夢幻工廠-多媒體視聽數位藝術秀(atelier des lumieres)。2.日本TeamLab《超出限制》數位藝術特展(teamLab-au-dela des limites)。3.「藝術家與機器人」專題展(artists &robots)。4.日本藝術家Ryoji Ikeda。 5.旅法墨西哥藝術家Miguel Chevalier。6.義大利藝術家Roberto Pugliese。

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無盡光芒-向畫家李裕源展覽概念策畫方案:

無盡光芒-向畫家李裕源展覽入口意象

無盡光芒-向畫家李裕源展覽全景

以「揮別」與「無言等待」兩幅佳作作為主展場核心

感性與理性幾何對照的一偶

深邃自省的表現作品

主牆面延伸至畫室場景

畫室場景-畫家上畫家工作服之身影

鐵道畫室的重現

鐵道畫室多年累積下的生活情境

另一牆面-自然意象的風光「門外的季節」與「山中的聲音」兩大系列大作

沒時空性的「門外的季節」

櫥窗中的生活手稿及 創作草圖等等

畫家李裕源最後歷歷在目的書信

畫家李裕源最後的素描草稿

圖文/陳奇相

前言:
感謝天,感謝地,感謝母親允之地。
站在這塊土地上《我們都在同一條船上,創造力是在地的價值,在地更因創作力而偉大。藝術對人類而言,無論如何只能讓社會更美好》《確實,好作品與成就,沒人分享會更顯得孤獨,感謝大夥來參與分享。》攏嘛因為「藝術」,攏嘛是咱耶畫家好朋友「李裕源」這感恩耶特別日期招換咱大夥聚集在此,藉「無盡的光芒」向畫家李裕源致以最高敬意,身為展人由衷感謝大家,並祝福畫展圓滿順利。

關於此次的「策展」:攏嘛是因為「愛」,用行動「圓滿藝術」。
關於此次展覽「主題」:「無盡的光芒-向畫家李裕源致以最高敬意」,靈感來自於裕源這幅「光芒」(2013)。也體會生命之輕,藝術之重的感嘆,遙望天際,一起向咱耶朋友致以最高敬意,並透過作品與之對話。

有關於此展的「意義」:紀念懷思咱耶畫家好朋友。藉此展公開他豐富作品,讓咱大夥能有機會閱覽其一生的創作。裕源地創作成就是有目共睹,咱大夥及社會大眾都能更深入他的作品,趁著展覽發現其藝術的意義、價值及偉大。

展覽主題-「無盡的光芒」(大標題) -向畫家李裕源致敬(小標題)。

佈展方案:我們以全新視野裝置展覽方式呈現。包含各階段精彩或代表性作品(作為主體)、創作手稿、畫室創作生活物件、生活照、影音資料、另闢遙望天際書寫空間(一面牆) (後兩單元沒實現) ,全方位地規劃,讓咱大夥社會人士對畫家的深思懷念及回憶與感觸。

產學合作計畫:
此外有關此展可考慮與嘉義大學藝術系(產業)合作策展方案及空間裝置等,這具有教育的功能,難得的機會讓學生見習並親身參與此展。

讓學生可學習的面向:
有關一個展覽實踐方案:策畫、如何下定主題(主題的重要性)、作品的選項、空間概念的統籌、實際空間的操作、作品空間佈置、實際參與佈置、如何梳理展文書寫、如何創造一個展覽及展現的價值等等。

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「無盡的光芒」向畫家李裕源致敬:

「無盡的光芒」向畫家李裕源致敬:展覽邀請卡

告別 2009 150×150cm 油畫/畫布

祭師的對話 2004 30f 油畫/畫布

祭典裡的戰士 2004 20f 油畫/畫布

祭師的對陣 2008 20f 油畫/畫布

門外的季節第二章(4)五部落(Aya)2013 60×50cm 複媒/畫布

山中的聲音 200F 2016 複媒/畫布

圖文/陳奇相

展覽時間:11月14日12月2日
展覽地點:嘉義市文化中心四樓
開幕時間:11月17日上午10:30
策展人:旅法國際藝評人-陳奇相

「死亡就像一種美學的概念,是屬於生命的部分」

藝術家James Lee Byars

遙望天際,無盡的光芒,親愛的畫家朋友李裕源化為天際的靈光,在這周年特別的日子裡,我們在此藉「無盡的光芒」向畫家李裕源致以最高敬意。身軀是時空的旅人,藝術化為無盡光芒,照耀人間,繼續安撫存在生靈。由衷感謝『你』,因為藝術,你繼續與我們對話,想到你或看到你的畫作時我們就同在,藝術生命是無盡的光芒,直到那永遠的永遠。

李裕源是我們這一代裡最深邃的畫家,畫是生命的煉金術,與靈魂共振的作品,見證其個人存在,觸動人們的神經,具有時代罕見的純粹與真。其創作是來自內心的呼喚與靈魂深處的吶喊,開啟他存在對話的天窗,他的表現完全是個人生活歷練和內在深層意識, 在創作裡經驗他自已。李裕源寫道:「『藝術家是透過表現別人來表現自已,透過愛別人來愛自已』,藝術創作其實是傳達創作者自我情緒及思考方向,它可以是自傳,也可將矛盾和慾望放任於衝突之中,用作品在現實狀態中,作自我省思」(註1)。裕源的所有創作都忠實於他內心感受,靈性作家Richard Rohr一針見血:「我們看見的不是事物本身,我們看見的是自已」(註2)。

李裕源的畫以「人性」為本,從現實存在到「存在的存在」,表現圍繞著人間無常生滅幻變的軀體與靈魂劇場,從群像、眾生相到窺見真實的我相本質,在感性本能的表現性下,他畫中的「人場景」都怵目驚心、嘶力吶喊、際遇坎坷、窮愁潦倒及聲色歡娛的人間寫照,在後現代新表現的思潮下,感性、文學性、敘述性、寓意性。有人說他的畫作,只有「人」,沒有「景」及只有「人」,沒有「情」。在這人間煉獄的大苦難及身心的煎熬下,其實,人成為全景,人成為全情,人成為所有一切的世間戲碼。深入人,李裕源戲劇性的表達其深刻的人性觀察,及體驗與靈魂深處最令人悸動的部份:死亡、痛苦、孤獨、絕望、殘酷、人類生命的脆弱、堅毅與生死哀樂,從人的苦難和自我的陰影中,窺見自已生命的真實樣貌,體驗生活那不可能的事物,並藉由藝術的轉化與昇華,進入存在的堂奧。

裕源一向表達其深刻的人性觀察,創作境隨心轉,2006年走出生命的悲情,苦盡甘來在愛的滋潤下真情流露,「承諾與扶持」系列,示現雙人體的夫唱婦隨的相依相隨,有機形式重塑複雜的軀體,流線性的變形扭曲曲線構造,生動幻變,這系列一直延伸至2010年間。接著另一溫馨柔情的「似水」三連作系列(2009年),在愛的力量引導下,回到存在本質的「愛」,展現出溫馨的女性軀體(平面化與色面化)、柔和的線條與冷暖調色系的對照,激現一種空前絕後的柔情及溫馨。接著強調單形體之形塑人體的「坦承」、「秘密」及「寂–思」系列(2010年) ,意圖展現其存在的意志及個人豐富的情感及深邃感受。如是的繼續深入來到的「誰=真實」(2016年) 省思生命存在的疑惑,畫家寫道:「人生好玩,人生也好難,我們從不知,生命要給我們什麼樣的功課」註3)。

裕源創作的另一樂章是自然意象風景,看起來的確很抽象,但仔細審慎下卻如是具體
又具象,繼續纏繞他那生命不堪的深刻印記,無法磨滅的部落風景就是他那些在天災中失去原住民朋友們的原鄉。「門外的季節的第一章系列」(2004-05年)始,豁然開朗的「門外的季節第二章系列」 (2013-15),明顯地,門外是沒時間性的時空。季節成為時間的記憶,確實《咱啊打開心裡那片門,『天光』的入來》,無時間的季節,將成為原鄉的紀念碑。至孰成且純粹的「山中的聲音系列」 (2014-2016) ,畫家身心解脫啟開門外深層意識的季節,聆聽來自山中的聲音,靈光乍現下窺見存在風光。悼念台灣這塊土地的苦難及生命的不堪與美麗。於謹嚴結構,主觀形式及感性筆調,詩意的併發出繽紛斑爛色彩與表現性線條,淋漓盡致的表現其豐富情感及意識,示現畫家生命昇華之意象。

畫家對自我存在的思量:
「夜是那麼靜,我在思量。月是那麼明,我在思量。世間是那麼紛擾,我在思量。紅塵是那麼煩囂,我在思量。不覺東方既白,鬢滿花髮。我一直一直在想,如何讓這個世界更美麗,我真的一直一直都在想。有一天~忽然發現,身軀竟早已枯萎」(註4)。

註1:李裕源油畫集一:印象-人-群像畫冊 2006年出版。
註2:放下對立,遇見喜樂的內在世界 P124 Richard Rohr著 王淑玫譯 2012年啟示出版
註3:來自李裕源的作品自述。
註4:來自李裕源的作品自述。

2018-10-04 於巴黎

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李明維-「聲之綻」(Sonic Blossm)互動參予展演:

藝術家李明維與歌手

「Sonic Blossm」互動參予展演現場之一

「Sonic Blossm」互動參予展演現場之二

「Sonic Blossm」互動參予展演現場之三

圖文/陳奇相

地點-龐畢度巴黎現代藝術美術館(五樓-克萊茵作品前)
時間-10月10日-11月4日每天13點至19點

「藝術家-獻給美術館觀眾們的一個驚喜禮物」

李明維(1964年出生)是台灣當下最受矚目的國際行動觀念藝術家之一,作品如生活,創作如呼吸般的自由自在,作品人性化與內省之東方哲思。繼去年龐畢度中心第一屆「Move」藝術展後,再次獻給美術館觀眾們的一個驚喜「聲之綻」(Sonic Blossm)禮物。

「聲之綻」(Sonic Blossm)靈感來自於藝術家生命自我觀照與生活參照,於其照顧母親手術後康復期間藉由舒伯特藝術名曲安撫下,李明維將這種存在經驗轉化為其藝術的行動,證明了藝術可以為存在提供的答案。

「聲之綻」(Sonic Blossm)的展演是在美術館裡以一種親密的音樂與觀眾片刻分享,一位歌手在展廳裡,向觀眾提供一個驚喜禮物,請不期而遇地觀眾坐下來聆聽歌手高歌一曲的情境,以舒伯特浪漫曲的形式展開,觀眾們驚喜地接受的一種心靈禮物,享受展演片刻的情境,體驗生命昇華之意象,如是「Sonic Blossm」意圖讓藝術能量充滿人間。

邀請數名聲樂家輪流在展覽空間內演唱「你是安寧」、「給月娘」、「慕春」、「夜與夢」、「水上吟」等5首舒伯特(Franz Schubert)的歌曲。

演出者: Beibei Guan, Yeonji Lee, Marion Sicre, Shingo Nishizawa, Sara Kehder, Constance Malta-Bey, Stéphanie Bore Colonna, Julie Grutzka.

此展是龐畢度中心與巴文合作。

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白晝夜-巴黎國家交響樂廳:聽音樂是聽到飽的

2018年白晝夜-巴黎國家交響樂廳燈光海報看板

凌晨經過巴黎國家交響樂廳-燈光看板

白晝夜-巴黎國家交響樂廳:聽音樂是聽到飽的

凌晨的巴黎國家交響樂廳還是人潮

圖文/陳奇相

2018年的白晝夜,巴黎國家交響樂廳首次參與活動,今年從周六晚上20點開始五大交響樂團,接力賽的演出,似乎輸人不輸陣,一直衝到凌晨兩點。接著,同在這交響樂廳Pierre Boulez大演奏廳(可容納三千觀眾),播放名鋼琴家Nicola Horvath音樂會影片至早上五點半,讓大家聽音樂聽到飽聽到撐,讓人們整個白晝夜沉迷在音樂裡,而不亦樂乎。

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2018巴黎白晝夜-看展是吃到飽的:

Felicie d Estienne d Orves 音樂-Franck Vigroux 「SUN 」 聲音及光線裝置

Julien Berthier e與Tatane 兩人合作的「遊戲規則」

Serial Yogger & Nicole-Marty 拉筋做瑜珈

Serial Yogger & Nicole-Marty 拉筋做瑜珈

以橋作為藝術及人文與社會交流的橋樑 Thanks for Nothing le pont des echangs ideally this text will maky you levitate Laure Provest 2018

Eric Michel 與 Akari-Lisa Ishil之「platonium」 聲音及光線裝置

Fabien Leaustic 的「geysa」引現活火山的壯觀情境

打開聲音及光線的「Termenss wardenclyffe 」,戲劇性的雷光閃現之燈光秀風光

引人注目的瘋狂地數位 – 多學科的「冬季的奇遇與對話,晦澀與明亮之平台」

一個關於水資源問題的瘋狂數位工作過程:水潛在的影像

Athem與Cruz-Diez工作室和巴黎藝術團隊製作視頻

藉由影像闡述時間及歷史與人文

Florian Viel的「城市叢林」

圖文/陳奇相

一年一度的白晝夜,像往常一樣,比聖誕節或新年更喜氣洋洋整個都會都熱鬧滾滾,不輸給任何嘉年華會,這場共襄盛舉的藝術活動,宛若全民運動般,整個巴黎到處都是人潮,不管是挫熱鬧也好,藉機出去享受一下藝術場域情境的閒情逸致氣息,看看晝夜下美麗的巴黎夜景,感染一下巴黎人的藝文能量,都值得。

今年巴黎白晝夜已經進入十七年,每年都由不同風格的策展人(今年是Gaël Charbau)策畫,每年都在巴黎各個不同區域展出,更新賭注閃耀首都的標誌性地方,今年共分為四大星座區,從市中心的聖路易島開始(也是首次在這島上舉行白晝夜),經由市政府及市場區,Invalides軍事博物館經過塞納河最漂亮的亞歷山大橋,大小皇宮及香榭里拉大道,北邊的整個 Villette公園,從科博館到音樂城(巴黎交響樂廳),南邊的dorée門延伸至凡仙森林及動物園近郊。讓人跌破眼鏡,白晝夜的藝術活動出現在不該出現的(如動物園)地方,讓藝術感染力無所不在(落實於生活),甚至於在環城輕軌站上。

今年展出的作品相當多元複合性,繪畫、雕刻、物體、錄像、相片、數位(虛擬實境)、聲音、燈光、展演、舞蹈、閱讀、遊戲、運動、街頭藝術、機械人與各式各樣音樂會(個人或樂團,尤其是巴黎交響樂廳,三大交響樂團六小時的接力演出)等等,此除,白晝夜提供藝術家重新審視的運動,美食,藝術活動以及向所有人開放的各種活動。此活動眾多環境空間裝置,偏重於互動及活動類型,戲劇性及娛樂性。

因白晝夜分四大星座區,一個晚上光跑都跑不完,而且每個室內的展覽都大排長龍方能看展(很浪費時間),只能策略性的光顧兩大區域,我選擇先參觀Invalides軍事博物館區,以速戰速決的方式,出快車捷運口,身敏眼快參觀甚麼還不清楚,就排進一列看展隊伍,很快進入擠滿人潮的燈光秀中,在意外驚奇下,迎來是新生代藝術家Felicie d Estienne d Orves以強光投影在穿洞的圓盤上,隨著Franck Vigroux的音樂節奏緩緩往前滑行的光線,很戲劇性。出來整個Invalides廣場草坪與馬路上都是好奇地觀眾,迷惑人的燈光下,一群又一群人的圍觀,進行式的展演,新生代藝術家 Julien Berthiere與Tatane 兩人合作的「遊戲規則」,闡述足球賽規則如生活般,三位足球明星的紙片人像,小朋友踢足球的現場。在隔岸草坪上另一場足球賽,隨小球員跑步節奏的聲音,又是一場遊戲性的互動展演。本想進去參觀軍事博物館內的展覽,看到大排長龍的隊伍(至少五十公尺長),腳都軟了。繼續往大皇宮路線前進,草坪上眾多成群年輕人席地而坐悠哉地喝啤酒或吃東西聊天,在人群中享受美好的白晝夜。真妙還有一群人正在拉筋做瑜珈,前面台上Serial Yogger及 Nicole-Marty老師引領著,這是藝術嗎?確實生活的藝術。法國的臉書也出現在此,人們可躺在椅子上遙望以數位虛擬實境方式展出的巴黎星空,平常巴黎人太忙了,都忘了華燈初上後的星空。巴黎最漂亮的亞歷山大橋上,來往擁擠人潮,五大座土黃色中空方形,展出五個有名的非政府組織機構(如著名的貧窮協會)與文化協會,理想性地,以橋作為藝術及人文與社會交流的橋樑。往前想進入大皇宮看展,卻排錯隊伍,花了近半個小時方知方向錯誤,快跑。

乘坐地鐵直赴巴黎北部Villette,來到這寬闊戶外的公園,還是人群,但不擁擠舒服多了。在工業城正門口前享受一件輕鬆自在的音樂燈光秀,是藝術家Eric Michel 與 Akari-Lisa Ishil之「platonium」,是種多媒體作品讓人們沉浸在色彩和聲音的和諧之中。轉個角落,在工業城後面新生代藝術家Fabien Leaustic 的「geysa」,是今年白晝夜所看過最精采最令人難以忘懷的作品,一池暗紅色泥漿水,定時從噴出高二十米高的噴泉,充滿想像空間,引現活火山的壯觀情境,在工程和造型藝術的邊界。在工業城後面的鏡面圓球上,打開聲音及光線的「Termenss wardenclyffe 」,戲劇性的雷光閃現之燈光秀風光。跨過運河,來到對岸,引人注目的瘋狂地數位 – 多學科的「冬季的奇遇與對話,晦澀與明亮之平台」,一個關於水資源問題的瘋狂數位工作過程:水潛在的影像。來到音樂城的第一交響樂廳前,系列影像牆不段的更替,是Athem與Cruz-Diez工作室和巴黎藝術團隊製作視頻 ,藉由影像闡述時間及歷史與人文。旁邊是第二交響樂廳,看看時間已經是凌晨一點,就此打道回府,結束今年的白晝夜巡禮,心滿意足地,乘著便捷的環乘輕軌返家,沒想到在輕軌站上又巧遇Florian Viel的「城市叢林」,作為晚安-巴黎的禮物。

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Ivan Argote-激發想法的「深情」個展:

「另一個的想法(紐倫堡紀事報)」 1493 2018 230x410x6cm 2018 corten steel lasser cut bois

as far as could gel 2017 video HD7 sequences duration -duiee 21;00

Colombie about a place -we are malting 2018 100 dalles installation

proudly 33×10.5×13.5cm 2018 bronze

g-skin-with us 181x140x6cm 2018b d-setting up a system-the idea of limit 2018

skin-melting.our bodies melting 210x438x7cm 2018 fibere concrete ,oil based peint

proudly 36x14x25cm 2018 bronze

proudly 31×17.5×16.5cm 2018 bronze

圖文/陳奇相

時間:6月2日至7月28日
地點:Perrotin畫廊

Ivan Argote(1983年)是當今崛起串紅的南美洲新生代藝術家,出生於哥倫比亞在一個左派思想的家庭,很年輕就體悟政治及社會與歷史對個人生命的深刻影響,在當今多媒體之跨領域展開思考性系列勘探,藉由錄像、文本、相片、雕刻、展演、影片等等,傾向觀念性的作品審視當前全球化下之社會及政治處境。他的藝術探討建立在歷史、政治和我們個人主體性建構間的關係,和我們與他人間的關係上,參與社會具批判與辯證性,激發人們的思考,如2009年在蒙特爾當代藝術展覽中提出「關於如何共同生活的問題以及我們日常生活中的力量和歷史」。

Ivan Argote在這「深情(Deep affection)」個展中,藝術家提出關於我們與歷史以及我們與歷史的關係的詩意,和他人之社會學和政治討論。展覽隨著1493年出版的一本主要百科全書中的圖標「他者的想法(紐倫堡紀事報)」展開,一裸體人物蹲坐在地面上,引人注目的是變形的倒著腳形象,藝術家意圖就這影像建立一個系統,以便找到對立概念的起源,成為此展的核心。大展廳一部「盡可能」錄像,以兩個截然對照的地理城市:哥倫比亞的Neiva和印度尼西亞的Palembang,聯繫兩地的地理環境及日常生活情境,無形中闡述一種他者的想法之後殖民批判性的歷史聲音,而錄像環繞展開在視聽分離主軸線上,藝術家使用對映軸來鼓勵對我們如何看待對方的反思。

隨著章節的展開,錄像的結束,燈光一亮,觀眾踩在(地面大型裝置)「關於一個地方」刻有詩歌的粉紅色混凝土板,我們以一種親密,倫理和政治兩種方式質疑他們所處空間的地位。他們面臨的情境有時候是矛盾與複雜的,比如展覽空間或更普遍的世界地理位置。 我們與上下文的關係具有我們可以塑造,批判和辯論的意義。

在大展室中牆面上安置一件「傲然」小雕像,雙手抱胸,引人注目的是有一雙變形的倒著腳,在空間中趾高氣昂的傲視我們,幾分幽默及挑戰人們的視野,闡述與他人的關係。自豪的形象,在這全球一致化、表徵化的時代,與眾不同成為獨特性,驕傲地與眾不同,差異成為新價值。明顯地,從他早期關注的「其他,我和其他人」互動參與事件中就了解,與他人的關係一直是Argote創作的核心,所以在這展中三座另一個的想法「「傲然」小雕像陪伴我們。

觀念形態的兩大系列探討:強調身體與觸覺作為反思的「皮膚」圖畫系列,皮膚是血肉之軀的表裡,內外及表裡間之閾界。這系列在水泥片上藉由拼置解構口號強調身體概念與政治思想形成了診色情的接觸。藝術家喚起溫柔,身體和触覺作為反思的工具,如「皮膚 – 與我們」「靠近我的眼睛」「皮膚融化。我們的身體融化」等等。另一立體作品「建立系統」系列,書寫口號在上下拼置網狀板上,事件想法和影響系統性建立在歷史、政治和個人主體性建構間的關係,如「建立一個系統 – 影響和事件」與「建立系統 – 限制的想法」兩作品上。

三張家族像冊略帶紫色相片,我們看到藝術家幼年在父親的陪同下,參與示威的老相片,教導他們的正義行動與反叛,對其生命的啟示。最後七部短片「盡可能凝固 」錄像,引人注目的「Reddishblue的記憶」,闡述藝術家父母親堅強的政治活動及行動的故事,都深深的影響藝術家對 人世間的土地、人文與歷史意識及他者之反思,散發一股視覺及聽覺強大的力量。似乎只有藝術讓人曲終不散,繼續徘迴在心豁中直到永遠。

註-此短文參照Ivan Argote「深情」個展新聞稿

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Jan Fabre-美的戰士的「比利時性民間傳說」個展:

比利時性天使 2017 93.4×88.4×23.4cm bois .pigments.papier.polymere.

比利時野蠻的性感 2017 146.6×145.2×42.1cm bois .pigments.papier.polymere. et elements electronique

比利時貝殼或守護你的黑色 2018 31.4×19..8×9.9cm bois .pigments.papier.polymere. et coquillage

比利時貝殼 lecheur 2018 24.2×56.1×27.6cm bois.pigments.papier.polymere. et coquillage

圖文/陳奇相

時間:5月17日至7月21日
地點:Templon畫廊

Jan Fabre是國際藝壇上最具代表性中堅藝術家人物之一,多樣才華,不只在造型藝術,還是其年代中一位傑出最具革新的劇作家及劇場靈魂人物,從事多元的勘探從身體藝術、展演、雕刻、物體、素描、空間裝置等等。這位全方位的藝術家誰都知道他如何將多方創作的領域推到極限,是位一個美的戰士和絕望的騎士。藝術家Jan Fabre藉這個「比利時性民間傳說」及「北海性比利時」兩大系列來描繪了他祖國比利時的全方位複雜和顛覆性肖像,如同以一種批判的愛做為聲明。

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