Marina Abramovic 「巴爾幹放肆的色情」 個展:

巴爾幹放肆的色情」(Balkan Erotic Epic)系列 2006年作

「巴爾幹放肆的色情」(Balkan Erotic Epic)是歐洲身體藝術及錄影藝術最具代表性的藝術家Marina Abramovic,最新作品發表個展在Cent8畫廊舉行,從元月6日至2月24日。Marina Abramovic(1946年出生於南斯拉夫)是當今最重要的身體藝術家之一,很早就從環境中肯定身體展演,其展演都環繞在人類的痛楚及時間與空間等問題上,探討身體及心理極限的範疇,近來作品明顯地則加入政治意識,尤其專注探究巴爾幹走廊的政治變遷與傳統社會意識。從1972年至1974年展出〈Rhythm〉要命的系列作品,例如藝術家一直尖叫,叫到無聲為主。一直跳舞,跳到精疲力盡而跌倒在地上。一直撞機器,撞到昏(倒)迷不醒。服毒品直到昏昏沈沈,引起幻覺。或躺臥在星型的火圈中,都呈現成一種危機感及暴力,好幾次都死去活來的經由觀眾的拯救才挽回一條命,有時展演時使用各式各樣工具(刀、槍和火),並邀請觀眾的參與。1975年定居荷蘭阿姆斯特丹,在那兒與荷蘭藝術家Uwa Laysiepen(簡稱Ulay)會合,並一起合作展演,他們最重要的展演有1975年〈Thomas s Lips〉及〈Freeing the Body〉作品,1988年〈The Lovers:Walk on the Great Wall〉作品,都確立在肉體痛楚中,共同考慮限制在男人及女人、現代與傳統及東方與西方之間。90年代返回個人展演,並透過系列較緩和的裝置物體-雕刻,就像表演藝術般,邀請觀眾參與那些過度的物體,如90年代〈電影,礦石〉作品,四塊(綠色、黑色、明亮及紫晶的)自然石英及四座板凳裝置,板凳可隨意移動及休息用,而在反常的主題〈電影〉上,引現一種純粹精神狀態的放映空間,浸入「礦物質的思考」類型等等。

1997年起在後冷戰的東歐政治形勢下,特別是其祖國南斯拉夫的解構裡,Marina Abramovic開始經由其固有身份探討巴爾幹半島的後政治形態與固有傳統文化,從1997年威尼斯雙年展中的「巴洛克之巴爾幹」裝置系列,經由2003年的「Count On Us」系列至今天的「巴爾幹放肆的色情」錄影及相片系列,都試圖探究巴爾幹的政治形勢、歷史情懷,開發經由異教徒的文化與習俗中的人類軀體、情色及性,這系列都穿著象徵性的傳統南斯拉夫Serbe的服飾,在種戲劇性的傳統宗教儀式情境下大膽的經由曝露男女的性器官,例如在系列相片影像中,在田園中一群傳統女農婦們集體的狂妄尖叫的掀開裙子大展其性器官祈求上蒼的恩賜(求下雨),相當肉麻性感並充滿象徵性。錄影藝術中更是精采,藝術家在錄影藝術中穿著傳統服飾帶著黑頭巾袒胸露臂,不斷的撫模香酥的胸部,充滿性慾及快感(如圖右)。另一錄影則呈現藝術家半裸長髮掩蓋著臉部,站在傳統南斯拉夫紅色掛毯中,不斷地拿著顝顱頭擊撞胸前,節奏性的發出擊撞與氣瑞的聲音,在身體的極至考驗下,發出對生命及傳統文化的悲情與關懷(如圖中)。最具紀念碑形式的錄影裝置(如圖左局部),是最戲劇性及最壯觀的錄影裝置,左右對稱各站立一排5位穿著傳統服飾帶著紅帽之年輕人,雙手拉著黑色小背心如士兵般整齊劃一,黑色褲管下人們看到他們露出雄糾糾氣昂昂的小鳥,中間則呈現一位尊貴穿著晚禮服的女高音歌手,間段性才開口唱一段歌曲,宛若一場邀請起舞的感受,性成為傳統文化儀式的核心,也是建構社會及家庭的和諧的軀體語言,Marina Abramovic這一係列充滿眾多的政治、社會、經濟、文化等等的隱喻性。2007-2-15

Jan Fabre 「斬首死亡的信息」 個展 :

(上)斬首死亡的信息-貓頭鷹系列 2006作。(下左)痛苦的雕像 2006年作 每座200x100x100公分。(下右)瘋死狗的嘉年華戲劇性環境裝置 2006。

Jan Fabre以命題為「斬首死亡的信息」(Les messagers de la mort décapités)個展,從元月19日至2月24日在Daniel Templon畫廊展出。Jan Fabre出生於1958年於比利時的Anvers,是當今歐洲最具代表性的造型藝術家及劇場導演,曾受邀在法國南部亞維濃戲劇華年會中展演出,其行動性劇場相當前衛充滿戲劇性,更以其赤裸裸的暴力行為展現聞名。這次巴黎個展以充滿隱喻性的「斬首死亡的信息」為題,以充分傳遞死亡及暴力的意涵。這些作品來自2006年與Anvers皇室美術館典藏作品對話的創作系列,這些作品都在雕刻、物體及裝置間,混淆著動物(貓頭鷹及狗)及人的形象,也就是思考在自然及人類軀體間,經由巧思造化的戲劇性建構及場景,充滿詼諧、神秘、形而上及充滿死的隱喻,這異想天開的世界打擾人們的視覺並引發想像。最引人注目地有「痛苦的雕像」系列,兩座人等身的裸維納斯石膏雕像,身上前後叉著刀並手腳上及肩下攜帶著玻璃器皿。充滿軀體的悲痛及生命的脆弱。最詩意的系列是「斬首死亡的信息-貓頭鷹」,相當巧思的建構在貓頭鷹及人的偶意形象中,在比利時的民間傳統中貓頭鷹隱喻智慧及巟繆的信息傳帶者,禪擾著弗蘭特Bosche及Bruegel的傳統信息與對話,諷刺及詼諧的是「瘋死狗的嘉年華」環境裝置,相當戲劇性地狗及節慶日的彩色絲帶建構嘉年華會場景,充滿夢幻、詼諧、諷刺及生與死的混淆隱喻。

「貨輪的神話」(Le mythe du cargo)專題展

Tue Greenfort 07 Taillefine 125x97x60公分

Tue Greenfort 07 Taillefine 125x97x60局部-Tue Greenfort 06

以上六幅影像為旅居德國柏林的瑞士藝術家 Daniel Pflumm 2004年作品「 Paris 」錄影藝術32分鐘 music by the customers

貨輪的神話(Le mythe du cargo)主題展,是由德國策展人Bettina Klein為巴黎近郊 IVRY藝術中心的Fernand Leger畫廊所策劃。於元月26至3月11日。針對當今消費社會裡無所不在的工商業廣告影像傳媒的當代藝術探討。共邀請7為藝術家:兩位屬於歐洲敘述性寫實的畫家Gerard Fromanges(1939年出生)、Bernard Rancillac(1931年出生),其他年輕一輩的有Iren Stehli(1953年出生)、Franck Scurti(1965年出生)、Daniel Pflumm(1968年出生)、Christine Wurmell(1972年出生)、Tue Greenfort(1973年出生)。當今消費社會之廣告瀰漫整個都會環境,其視覺污染程度似乎以侵犯到我們日常生活,舉目都是從都會裡的大小型廣告看版至電視中的視聽廣告,報章雜誌、超市宣傳廣告、收音機裡及網際網路世界中無所不包,都以污染了我們的生活社會環境。在當今有增無減而不間斷的廣告傳媒的催眠下,似乎都以根殖於人們的潛意識深處,或以麻木不仁了或已視而不見,難怪巴黎聖保羅市長Gilberto Kassab在去年秋天聲明將創立一條新法律制裁這些囂張淹沒都會的廣告,引起世界各大都會的共鳴,尤其在當今環保意識的時刻下。

明顯地60年代的美國普普藝術就以針對美國消費社會形勢的探討,相當曖昧在既諷刺、批判又頌揚的情境下,最具代表性的當然是Andy Warhol。經由90年代的新普普藝術家Jeff Koons更瘋狂的扭轉廣告影像及物體世界,在消費藝術及藝術消費下操縱大眾傳媒物體。至當今一些年輕藝術家承先啟後繼續針對大眾廣告傳媒的操弄轉化探究,更有效的操縱消費社會徵兆性的影像
標誌如瑞士年輕藝術家Daniel Pflumm,他相當巧妙的轉換娜用電視廣告裡眾多消費社會標誌及影像,經由錄影藝術的視覺播放加上強烈反覆單音節奏音樂。丹麥年輕藝術家Tue Greenfort轉化消費物體建構一種較觀念性的藝術物體。德國年輕藝術家Christine Wurmell建構廣告圖騰影像在藝術及非藝術,,廣告及非廣告中,都成為當代藝術的神話。法國年輕藝術家Franck Scurti神話般的廣告物體。瑞士藝術家Iren Stehli展出布拉格首都商店櫥窗相片(從70年代至今的系列黑白相片),呈現非比尋常的社會主義消費影像。

Alechinsky「廢石堆」個展


廢石堆」系列 2006年作

這是今年85歲高齡的眼鏡蛇畫派健將Alechinsky2006年的新作發表(在巴黎Lelong畫廊個展,2006年12月16日至2007年2月10日),命題為(廢石堆)。這充滿是詩意的系列24幅大小作品都以山-金字塔形象造型為主體,有時框架在黑色漫畫形像中,有時在彩繪的形式下。在感性的抽象形式及隱喻性形象中相當穩重有力建構其異想天開的世界,這些茅屋、小丘、廢石堆形象都來自畫家童年的回憶,及滑鐵盧(Waterloo)的紀念碑與Borinage那些廢石堆的記憶。

Alechinsky(1922年出生於布魯塞爾)是位多產的畫家﹐從1955年旅居日本後就開始宛若書畫家般﹐畫紙平鋪設地面上﹐藝術家蹲下來工作﹐從四面突擊畫面來作畫﹐這種技法使人聯想起Pollock的滴彩(dipping),今後就以中國毛筆畫畫並且都畫在棉紙或宣紙上,再裱張在畫布上。其繪畫大都是活潑的線條(流暢的、草雜的、不規則的等等)的瞄繪、塗鴉有時攙雜書寫所建構而成,敏捷靈活的線條就這樣飛舞在他整個畫布上﹐詮釋一種洋溢的感情從1947年起沒有停止地不斷更新直至當今。

陳幸婉-真執映照的藝術

這些圖片來自個人檔案資料,是幸婉親手送給我的大張相片影像,並沒有尺寸及題目,謹此提供大家賞析。

「生命就是一個人與他的環境之間發生衝突的純粹表白」在此衝突之中人們所擁有的武器,便是他的一些觀念(由外在所獲得的)和他的一些信念(由內在所產生的),而「生命並非以現成的形式賦予我們,而是我們必須用自己的力量來形成它」奧德嘉 賈塞特(Ortega y Gasset)

前言:

「人只是在充分了解環境之後,才能發揮他最大的能力,透過環境他才能與宇宙溝通,而所謂環境便是那無聲包圍我們周遭的東西,因為我們的命運無法與環境分開,因為環境便是我們生活底的世界」(註一)藝術創作就是基於這個我們所生活環境的底,從中生活、思考與創作,藝術是自我真執面對生活的反映,怎樣的生活意識就有怎樣的藝術,它是純粹一種自我意識生活表白,及思考形式之產物。當藝術家面對空白的畫面時,同時也背負著下意識的時代背景,透過每個藝術家個人熟悉的藝術語言、符號及形式,和應有的素材媒介,在時空物轉中凝固思想、感情與觀點。陳幸婉的藝術就是真執面對社會環境及周遭事物困擾種種的感同體悟,大膽透過實驗性的素材從中提煉別開生面的形象符號和物質本身能量意志,從抽象、非形象至具像意象所呈現出的精神狀態樣貌。

從外在的影響至靜觀自得:

綜觀幸婉近十年的藝術創作是有目共睹地,初期偏向一種別開生面的潛意識形式-意識結構組合的疏離,開放性分解形式下的建構形象狀態,在大膽強烈鮮艷色彩,加上特徵性的素材(油畫、壓克力、木條、石膏、布、紙漿、報紙及廣告影像等等),應用各種可能性的技法(黏、釘、剪貼、淋漓、厚塗等等),試圖建構各式各樣可能性形象,並從中章顯物質本身的肌理張力。初期的作品形式似乎比較接近於美國普普藝術,尤其參考在那色彩應用處或報章雜誌圖片剪貼方式,例如瓊斯(J Johne)1961-1962年的「Device」、1963-1964年的 「Field Painting 」 或1964年「According to What」作品等等的表達形式,還相當拘謹停留在平面空間佈置並有點造作,素材處理工整看不到偶然行為自然造化跡象,鮮艷平塗的色彩,色面與色面相互衝突,在一種疏離的人為結構中,缺乏自然生氣樣貌。雖受教於李仲生先生潛意識的開導,但在1982-1983年看不到這股活生生的潛在能量,過於意識到形式表達或受困於素材媒介的操作,這時期的作品都是編號沒有正式的標題。這些綜合媒材的實驗很快就成為熟練經驗,1984年橫或併置系列作品裡,平坦的鮮艷及混濁色彩互用於充滿肌理色調質量中,自然流暢的形象,不再那麼意識建構,意外成為畫面活源,一股前所未有的沉悶壓鬱力量。那在標題為「黑與白」的作品裡啟開一種新局面,不再有精心刻意作好圖畫的造作,顯得更自在及自然多了,強而有力的對比色彩,相得益彰的形式,穩固沉著的繪畫力量,這些空前的物質形式探討經驗,很快的進入她繪畫核心的實驗高潮。在求知及對藝術的熱情慾火下,1985年和程延平倆人蒞臨藝術家夢寐以求的巴黎,在開放自由的藝都裡真執的面對及思考,如魚得水般的游走涉獵其所愛的各式各樣藝術裡,著迷的電影、劇場、舞蹈、音樂、繪畫、雕刻、文學及藝術,不管是古今中外、古典、現代及當代無不試圖去掌握瞭解,全心全意投入參觀博物館、美術館、畫廊、大型展覽及馬不停蹄地旅行,在激進熱情的藝術野火下,試圖為自己的創作理出一條開放性的途徑。振盪的心靈、顛覆的精神、真執的生命、本能的衝動、戰鬥的靈魂,孤注一擲的藝術野火遼原般的創作欲望及意志,就這樣在地實驗空前絕後的系列創作,在種自發性的本能下,借助不少回收素材及化學原料,來滿足她創作的欲望和衝動,使心靈得以安撫,可惜這些作品都未留下來。這種素材媒介的實驗探討及生活經驗,將深深的影響到她一生的整體創作,成為生命的轉列點,也建立起個人藝術的見地,巴黎成為她最愛的藝術都會。

巴黎之行使她瞭解西方文化的厚度及面向,經由文明及藝術撞擊後使她的思想更加成熟,對藝術的堅持更加穩固,面對生命更加真執,賜予她勇往直前的勇氣,藝術化身為整體的生命及意志宛若其令尊般。從巴黎返回台灣並不是沒有爭扎地,哭泣的靈魂和微小的生命面對著所處的政治、社會、環境、景觀及人事物,更面對現實的生活,非有十足的勇氣及意志力,那能排除眾多不必要的困擾及藝術創作條件的困惑,經由藝術的信念及衝動,本著生命之能耐全力以赴的投入藝術創作,從愈理愈亂的繁瑣環境事務到千頭萬緒的創作狀態,展開生命意志的戰鬥。經由歐洲文明的洗禮後轉變其內在本質,從四方面來審視,色彩:較內練實質感性,有別於過去的裝飾性格,本能性的混而不濁的色彩帶有濃厚的感情,散發出一種精神狀態的意涵。形式:從疏離抽象形式結構中統合成半具象形體,顯得較完整有力形成可辨認的或隱喻人物形體,進入意象性抽象與具象並存之本質形式。素材:更豐富及成熟,富於變化的素材形構畫面張力,併發心靈狀態和本能感性,邁向一種本質性的原創力。標題:值得一提的是作品不再有抽象及編號的標題,如1987年「驚訝」、1988年「歲月」、1989年「剎那-永恆」、「事物的狀態」、「生命之旅」、「樹非樹」或「被沙網蓋住的」作品,人們可以直接從標題的引入其作品的思考,並進入其時空想像,掌握繪畫意涵或具有其弦外之音。從標題的挑選提供那種爭扎中的繪畫語言意涵,就像藝術家本人困擾於社會環境事物中的映照般,呈現出一種堅強意志的形式美學,漸從外在的影響至靜觀自得中建立起自己的獨特風貌。

激進而踏實的她,並不因風格的漸趨成熟而依循在其結果上,勇於嘗試及探討藝術最真執的自由,尋求解放自我的創作意識,今年初在一個交換工作室的機會,離開困擾她又是創作的根基地-台灣,來到歐洲人間天堂-瑞士巴塞爾,轉換一種飄泊離異矛盾的心理狀態,異鄉不是他鄉就是我鄉。異乎尋常地開始嘗試水墨創作,就此別忘了她從來就沒放棄過書法,這是她一直試探及實踐的功課,對中國固有文化的景仰和含蘊,啟開異鄉尋根的探討。在這後現代的藝術形勢裡,幸婉返回水墨並沒有像眾多藝術家們般的掉入異國情調風貌裡,反之更積極的提出一種現代化更新的可能性及包容性,或是中國現代主義所未完成的部份探究。真正潛入李仲生老師那兒所學到的潛意識自動技法得以自由自在的解放開來,親切的本能性「黑色量感」活生生的發揮在「水墨的負荷極致」中,釋放出物質及形象能量和氣質。經由中國最傳統的水墨及宣紙似乎最淋漓盡致的抒發其感性及本能,開創出別開生面的有機形象及本質性的藝術面向。心靈造化的形式順其所然地演繹成形,共分為四個進展過程:一、尋求一條自然天成而毫不矯揉造作的線條作為出發點,以滴墨手法在白色紙上,並提起讓其於空間裡自由流暢成形,並加上對質性的焦墨線條,形成類似有機浮游生物。二、滴墨、噴墨交叉使用,線與線交錯成動盪不定類生物或人形,展現出活生生的生命體在黑白對比的負荷極致空間中。三、甩墨、潑墨、噴墨及滴墨綜合使用,線性的具象形體輪廓顯得更實體,並因甩墨及潑墨之動勢形成畫的強度爆破張力及能量。四、畫幅擴張經由幾幅併置成巨幅自由聯想的人物意象,併置成為活動組構原素創作。水墨的創作可看作是彌補過去油彩及綜合媒體的僵化,較直接、中肯、自在、偶然,能淋漓盡致的抒發感性及本能,潛意識自動技法得以伸展自如之故,但總之卻又可看出其手法出之過去多媒介素材同一轍般的方法,並不矛盾只是素材及方法上的異同吧了。

潛意識的傾訴與有意識的交織:

幸婉的藝術表現是一種潛意識本能與有意識的交織的開發結果,抒情豪邁,雄偉壯麗。從各式各樣素材媒介之應用處理中解放出來,經由其獨特的敏銳度及感性的繪畫形式語言符號,深深映照創作者的心境及深層意識感受。其創作方式並沒胸有成竹的概略,淋漓盡致的經由潛意識行動創作的引導建構,直覺本性的解放心靈意識,自由自在奔馳那未知的新天地,顛覆固有理性思維的拘謹,深入無意識的狀態傾訴,經由物換星移的過程凝固成形,所以她的作品顯得那麼自然流暢。那麼!這種尋求解放的潛意識表現形式具有超越人類知覺與經驗範疇,意圖掌握一些超乎尋常的意外與偶然的形式及別開生面的自由意象,提昇混沌初開的原始狀態透過直覺性的證悟,再經由有意識的組織建構,均衡形式、強化色彩及突顯意像,畫龍點睛宛若天成的境遇,如1984年「黑與白」、1988年「驚訝」、 1988-1989年「美麗與哀愁」或19989年「剎那-永恆」及「樹非樹」等等都是這些明顯的例子。潛意識的運作是作為藝術解放,作為勘探人類未知的深層內在世界,幸婉的藝術就是這種自我面向深層意識的開鑿,探究超越人類先驗的知識及經驗狀態,深入不為理性所拘的境地中,試圖掌握生命的本性及藝術的本質,最為顯注地是其水墨畫創作系列近作上,在直接與自發性及本能的趨策下,完全釋放開來進入潛意識底探其就境,不受時空、理性與習性的束縛,解放自我之存在,於無我狀態接近空靈的意境,創作者化成為筆及墨自由流趟在黑色線條和白色心靈空間裡,逍遙自在於焦墨、滴墨、噴墨、甩墨、潑墨、心墨、意墨的浮游生物間,「黑色量感」的形式與「白色空間的負荷極致」中躍然紙上之宇宙裡,呈現出潛意識源源不絕的能量及張力。

爭扎性的繪畫語言就像壓鬱於社環境間之靈魂:

藝術之表現是一種自我時空社會環境中的各面的深層體驗映照,更是潛入心靈底的呼喚與自白。時代背景正是藝術家們真執面對自已時所孕育成形的根源後盾力,透過他們敏銳的本能、感性及理性婉轉或直接回應其時代,所以藝術成為每個時空的心智及徵象實質產物與時代人類生存縮影。那麼!幸婉如宗教般的藝術是純然自我心境的寫照,當藝術家面對空白畫面時,同時也看到自己的影子,這個影子是其真執面對人類本身處於社會環境的基本意識。明顯地其爭扎性的繪畫語言,就像壓鬱於社環境間之哭泣靈魂所呈現出內心交戰的本質面貌,借由藝術創作來撫慰內在深層的靈魂。

西班牙哲學家奧德嘉賈塞特寫道:「生命就是一個人與他的環境之間發生衝突的純粹表白」而「生命並非以現成的形式之形成賦予我們,而是我們必須以自已的力量來形成它」確實藝術家只能坦承生命所承擔的歷史時空與社會環境,將這股時空意識轉換成藝術的創作原動力,敏銳掌握多重的社會環境狀態,經由間接或直接的造化形成並賦予其存在的特殊意涵及見地。如羅伯特 龍哥(Robert Longo)說:「我真的不喜歡紐約,人太多、太髒亂、貧富不均、富人住高樓上、窮人住樓下,甚至於街道上。社會有相當大的壓力、暴力、不安寧、物質化,而這個城市有股氣氛是正在惡化腐敗!但我也只能在這狀態下感覺社會壓力才能創作,這形成我的藝術,不能說我喜歡這個城市(紐約),更不能說我愛在一個集中營裡生活呢?」(註二)這種對社會環境保持警覺的一股沉重壓力下,就成為藝術創作的張力與決然戰鬥能量,來平息動盪不安的靈魂。我可意識在台灣這種社會環境狀態下的幸婉,是以何比的能耐勇氣面對著自己的創作,(只要不裝瞎)坦率映照出的一種困惑爭扎意志,這種爭扎的藝術是出自於其內在本質,就像她從瑞士返台後寄給我的第一封信寫道「從天堂返回地獄的日子。…你可以想像我的感覺,身邊的事物似乎愈理愈亂…」(註三)這種爭扎性的藝術語言早期隱藏在豔麗色彩及疏離形象結構中,不易覺察到。但巴黎之行後更加激盪的心靈,經由敏銳及感性的社會意識和深切內省,豪放大方的作品呈現一股壓鬱不安之爭扎形象,爆發出空前繪畫及物質的聲嘶力竭張力及能量,意圖安撫平息內在深處孤寂靈魂的吶喊,如1987年的「驚訝」、1987-1988年的「無題(作品4887)」、 1988年「摺之一(作品2388)」或1989年「遊戲的方法」及「被網所蓋住的」作品等等,都帶有相當表現性強烈形像和爆發性的不安色彩,疏離對勁的結構隱含一股無以倫比的繪畫張力貫穿畫面,紅與黑色的暴烈對峙達到緊繃飽和狀態,互相吶喊叫囂形成心象意志的對質,於象徵及隱喻和具象、半具象,甚至於抽象的內在表現性意象裡,傳遞震撼心靈的詩意、情感及時空精神狀態,沉著的創作正邁入成熟的個人風貌。

註一:哲學與生活Ortega y Casset,1957年作新潮文庫 劉大悲譯 志文出版P115。

註二:Robert Longo之訪問錄Art Press No149期。

註三:1990年陳幸婉之來信「從天堂回地獄的日子」。

1990年9月26日寫於巴黎

後記:

這篇「陳幸婉-真執映照的藝術」嘗試文章,是1990年幸婉於台灣個展時,請我及秦松各幫忙寫一篇文章。當時這篇文章寫的並不成熟,理所當然她採用秦松的文章。如此這篇文章經過17年之後的今天,完全依照文章的原意,重新精簡改寫過讓其價值顯章,及具有其可閱讀性及希望對幸婉80年代的創作有提共一點見解。獻上我對幸婉作品的一些淺見,在這三週年的紀念日裡與大家分享,希望引發更多人參與研究探討幸婉的藝術,並謹獻上我對真執友誼之朋友「幸婉」的尊重及追憶。

「幸婉」三週年的天際之旅

這些圖片都是1992年,埃及圖片是幸婉寄給我的

時間過得很快,幸婉悄悄離開我們而去已經有三年,在這期間總覺得妳還在地球的任一方,因為妳總是像候鳥般的不停地飛來飛去,不在台灣照顧妳年老母親、整理父親的工作室及創作時,妳都浪跡於天涯海角尋思與創作,試圖經由此來肯定存在的本質及生命的意義。不論妳在那個地方都不會忘記表達人間珍貴的情誼,每每都會收到妳從遠方寄來的小卡片、畫展邀請卡或妳所拍的相片與我分享,這種又真又純的友誼及情感是我一生所無法忘懷地。

每次妳駐村於歐洲各區時總會邀請我,當然妳經過巴黎或停歇巴黎創作時就會登門拜訪,總都讓我們驚喜一歡,總不忘記為我這異鄉人帶點故鄉口味食品讓我解鄉愁及一些小禮物歲給內人及女兒,每次的來訪我們都敘談未盡,並都分享妳一次再一次的藝術及生命精進的體驗,每次經過巴黎我們都一起參觀畫廊,偶而也會一起去散步走走喝咖啡,妳喜歡巴黎的詩意及自由自在之日子或許是妳自我放逐最好的時刻(因為妳喜歡屬於妳自已)。一到巴黎妳總是馬不停蹄的參觀及看電影,幾乎是忘枕廢食讓人有點擔心,並將大部分時間投入樂此不疲的藝術創作,寂靜無音的自我對話成為妳創作的儀式,遨翔在妳形而上的繪畫世界成為妳的生命天地。一陣子過後妳又要離去巴黎,妳總會邀請我再次的登門造訪分享妳這些日子的創作,臨走時我總會拍幾張資料留念,如今我並不傷別妳的離去,就像妳又充滿信心的奔走於天涯海角之旅遊去了般,我經常意識到妳並不沒離開,因為只要我們看到妳的作品、相片、畫冊、談到妳或想到妳時似乎妳都與我們同在,因為我知道永恆的回憶是生命存在的一部份,因為我們的互相珍惜的友誼其意義更深究,因為生命的旅程裡總有一天我們還會相見的。

希望妳在那淨土的一邊安祥自在並還專注於藝術創作,別忘了有一天我會登門造訪,我們再一起去參觀畫展及散步,因為每次造訪妳的工作室時總讓人有所驚奇的發現,並分享妳的藝術創作經驗及生命感悟。在這三週年的紀念日時僅以此文獻上我的真情。

德尼(Maurice Denis1870-1943)特展覽

德尼「詩神們」1893年 168×135公分。

德尼充滿宗教性及象徵性的「受洗」1907年。- 德尼「向塞尚致敬」1900年180×240公分。
「德尼」 (Maurice Denis(1870-1943)) 2006年10月31日至2007年元月21日,在奧塞美術館,向先知派大師德尼至以最高敬意,展出其一生各個階段的藝術創作,透過這展覽人們可以一目了然其一生的創作特色風格。德尼除了是位傑出的畫家外還是位傑出的攝影師,人們還可看到其Pocket Kodak所拍的系列相片:生活照(家族、嬰兒、旅行、海灘等等)。

德尼是十九世紀末先知畫派主宰性的畫家及理論家,經由畫友塞魯希耶(Serusier)深受高更的綜合主義(Synthetisme)及義大利文藝復興繪畫(1895及1897年兩次造訪義大利)的影響。1890年德尼才20歲何其畫友波納爾(Bonnard)、烏依亞爾(Vuillard)、瓦羅頓(Valloton)及塞魯希耶(Serusier)等人成立先知派(如下註解) 。德尼從此圖畫就相當大膽,以平圖的色面及組織節奏,讓整個圖畫結構充滿裝飾性的力量。並提出其繪畫的理論「提到一幅畫之前是一隻慌張的馬,一位裸女,或一些寓意故事,現在主要的應是平面上覆蓋著僅嚴組織性的色彩」明顯地德尼或先知派以指出20世紀現代繪畫的探討面向。先知派畫家們認為純粹的色彩等同光線,而且就像精神喜悅的表達,這些都以指向抽象繪畫的藝術概念。德尼其繪畫特色是軼事性、裝飾性、平面化、圖案化,接近於新藝術之風範。

先知畫派 那比(Nabis)是希伯來語,它的意思是「先知」,這個名字是名詩人卡查利斯(Cazalis)於1888年封給一個年輕繪畫團體的。該畫派成立於1890年,其成員有畫家:波納爾(Bonnard)、德尼斯(Denis)、烏依亞爾(Vuillard)、瓦羅頓(Valloton)及塞魯希耶(Serusier)等人,他們認為純粹的色彩等同光線,而且就像精神喜悅的表達。他們了解全部藝術都是一種轉換,就像一種接收的感覺,也了解客觀的變形,它依靠於純粹美學及裝飾性的觀念。這種特別的著色技巧及客觀的變形就進入藝術家個人的表現裡
。那比畫派的繪畫特徵是軼事性、裝飾性、平面化、圖案化,接近於19世紀末的新藝術(Art Nouveau)。

「探討生產力的範疇-1」展覽(Zones de Productivités Concertées-1 )

Sheena Macrae「 Odyssey」2006年錄影裝置。

Francois Paire 「Sliding Idoi」2006年。 Claude Ratault 確定/方法1975-96年。

Daniel Chuet Peters「裝樣子」2001-02年。Nicolas Floc ‘h「偶發繪畫 – 4」2006年。

Nicolas Floc ‘h「多樣功能結構」局部2000-06年。

商討生產力的範疇-1」展覽(Zones de Productivités Concertees-1 ) 2006年10月13日至2007年元月14日,在巴黎南邊近郊的瓦爾 德馬捺當代藝術美術館(Musee d’Art
Contemporain du Val-de-Marne) 展出。這是藝術及經濟間之關係,針對藝術生產力範疇之別開生面系列探討專題展,是由經濟學家Fabrice Tricou及策展人Frank Lamy兩人共同策劃,藝術-經濟或經濟-藝術,藝術-商品或商品-藝術,藝術家-勞動者或藝術家-出售者,藝術生產力及實質經濟在當今藝術市場流通,經濟扮演其重要及實質的功能,藝術成品成為當今高級社會消費品,文化產品成為當今藝術家生產力的經濟現象。這「探討生產力的範疇-1」展覽分三檔期的展出(至2007年8月19日為止),共有21個(21個當代藝術家) 的特展,在他們天南地北相當特別的各自藝術探討面向,經由展現過程提出藝術成品營造的條件:如何創作、轉換、成品、儲備、參與活動、功能、流動、工作室等等。並非是主題展的規劃,藉此分析其營造-提問他們的觀念及思考,就如同對一些當代造型藝術創作的考證審識。每個檔期有6至8位歐洲當代藝術家們的參與,第一檔期有6位藝術家:法國藝術家Claude Ratault(1941年出生)、Nicolas Floc ‘h(1970年出生)及Francois Paire(1964年出生)、西班牙藝術家Daniel Chuet Peters(1965年出生)、德國藝術家Jonathan Monk(1969年出生)、英國藝術家Sheena Macrae (1972年出生) 。這些藝術家中以Claude Ratault年齡最大,其探討範疇在藝術產品條件,從1973年起開始確定創作方法(Definitions/methodes),質疑畫的條件與章程,公開展示(覽)才是他最主要的作品呈現,在另類的觀念藝術上。Nicolas Floc ‘h創作經由觀眾的參與章程如「偶發繪畫系列」,另系列經由觀眾及展演可塑性的多元成形的「多樣功能結構」。Francois Paire轉換資本主義裡的商業廣告及招牌影像,操縱其張章程,解構或建構成為作品。Daniel Chuet Peters呈現其工作室,在單一形式之多元素材建構物體及裝置章程下建構,展現其產品的條件。Jonathan Monk在語言的敘述下,以霓虹燈文字展現其展出畫廊的開放時間,呈現品銷售的條件。Sheena Macrae,壓縮大眾流行電視或電影影像系列錄影藝術,展現讓人目不暇給的當今影像大量及超速消費的現象及文化產品。