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Franz Kline(1910-62) Meryon 1960-61 英國泰德美術館典藏

Jackson Pollock (1912-1956 )Summertime -Numbre 9A 1948 英國泰德美術館典藏

Barnett Newman 左-Adam 1951-52 右-Eve 1950 英國泰德美術館典藏

Georges Mathieu 1921出生 steinkerque的戰鬥 97x195cm 1959 私人收藏

Nicolas de Stael(1914-55) 樂團 1953 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

Antoni Tapies (1923出生) 顛倒的帽子 1967 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

Alberto Burri (1915-1995) 燒焦的塑膠布 1964 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

Lucio Fontana(1899-1968) 空間交響曲 1960 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

Zao-wou-ki (1921出生) may的記憶 1972 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

五十年代抽象世界：紐約派－抽象表現與巴黎派－抒情抽象之比較：

共同點：

都是承繼立體派﹑表現主義﹑抽象藝術(康丁斯基﹑蒙特里安等等)的內在底之表現意象﹐或掌握超現實主義中純粹精神之無意識行為﹐透過自動性技巧來表達人類內在深處的世界﹐注重心象意圖﹐而展現一種感性語言及想像空間形式之繪畫。

差異性：

紐約派－抽象表現：

解脫物體形象之描繪﹐注重支架表面上的形式語言。 追求形式語言﹐嘗試著開發﹐繪畫形式美學(形式主義的)。樂觀進取﹐開放並充滿活力(面對工業文明中的樂觀﹐以戰勝國強權領導地位之姿態﹐成為西方社會政經的主導)

巴黎派－抒情抽象：

在解脫物體形象之描繪時﹐尚具有自然形式底之抽象。 追求形式語言﹐加入歐洲傳統人文精神(非形式主義的)。沉靜憂鬱的—新生與幻滅中﹐迎接未來的新世界(大都出生於第一次世界大戰前後﹐成長在二次世界大戰中的一代)。

作品風格：

紐約派－抽象表現：豪爽﹑不拘章法。

巴黎派－抒情抽象：保守﹑拘泥傳統中。

作品表現：

紐約派－抽象表現：激情﹐大方﹐雄壯。

巴黎派－抒情抽象：抒情﹐疑思﹐優雅。

紐約派－抽象表現與巴黎派－抒情抽象感性展現：

純粹都是視覺形式語言之沉思默想﹐並不是繪畫之表象﹐而是感性之表白

對繪畫素材之開發：

如Pollock的非油畫顏料﹐Fautrier 的石膏物質﹐Francis之水性顏料﹐Burri和Tapies非傳統素材的應用等等﹐都對後期抽象藝術有其深刻的影響。

大白平行線 195×310cm 1962 龐畢度現代藝術美術館典藏

達比埃斯(A.Tapies 1923~2012)西班牙畫家、雕塑家，歐洲50年代物質抽象繪畫最具代表性的藝術家，很早就肯定物質形式繪畫，透過日常生活各式各樣最平淡及貧乏的素材物質建構，從1947年起〈畫像〉一作，以繩索及米組構成別出心裁的人像繪畫。50年代從繪畫至集景及雕刻，椅子上覆蓋白床單、辦公桌上堆積稻草、舊報紙堆積在臉盆中、灰色床單中堆積稻草等等。60年代創作其最具代表性的「牆」系列，透過各種物質造化和象徵性的符號，特別是十字架、爭扎或不安形式符號，感性的創造空前的物質能量，呈現繪畫肌理及張力，展現生命意志，如藝評家Marcelin Pleynet寫到「繪畫，在它唯物主義者的轉換，成為一種知性的物體，如此充分的展現或多或少這些素材力量之才智，並客觀的工作在歷史的事實裡」。

達比埃斯擅長使用各種素材，加上其充滿活力及多元的符號，塗寫在這些粗糙、晦暗的物質畫面上，豈不是一堵陳舊的牆面呢！尤其在歐洲這古老的城市裡，到處可見舊牆在歲月中褪色、破裂、剝落的痕跡。在達比埃斯巧妙熟練的物質肌理轉換中，透過嚴謹的大平行線、垂直線和一些意外效果，產生一種「內在色彩」，表達藝術幾乎無法形容的感知及想像。藝術家對這系列寫道：「現實在繪畫裡不可靠，因為我們所探討的並不能在繪畫裡找到真相」，因為繪畫只是一種「符號，一種暗示現實的符號」。當然藝術家是透過物質繪畫表達受壓迫的西班牙之衝突及災難，經由解放的喘息寫道：「繪畫對於我是人類的一種活動……我相信繪畫的語彙，史前直到當今可能都有效……」

1968年5月14日 220×366cm 油畫 1968 龐畢度現代藝術美術館典藏

蘇拉吉(P.Soulage 1919~)是法國50年代抒情抽象最具代表性的畫家之一，從1946年起，開發一種具有書法形式風格的繪畫，作品建立在明暗(黑與白)對比的建構上，通常展現在垂直或平行的寬面上。這幅充滿活力之濃密黑色大畫，是蘇拉吉60年代大空間的作品。蘇拉吉在此去除繪畫現象學的主體，從這濃密厚實的黑色裡發展出了隱微神秘的「黑色光線」。

溫柔的女人 97×145.5cm 1946 龐畢度現代藝術美術館典藏

福泰爾(Jean Fautrier 1898~1964)法國畫家，是50年代最引人注目的是巴黎抒情抽象最具代表性的畫家之一，也是歐洲現代主義對物質的探討先鋒，早期傾向寫實主義，1942年起在其《人質》系列中，加一層深厚實料石膏物質，強調繪畫的肌理及物質的能量、觸覺性和視覺的衝擊力，物質成為繪畫的軀體，直接展現藝術家的感性及存在意志，成為不定形繪畫的創始者，起開繪畫的新紀元。

《溫柔的女人》一點都不性感，只看到一堆厚重粗糙的物質。這是繼戰爭期間著名的《人質》系列的又一展現，也是從戰爭的苦難、悲劇中解放出來的裸女系列作品之ㄧ。在這不定形式的物質上，透過畫家幾筆勾勒，暗示了女人的軀體，強調物質性及其觸感與感知。

強調物質性的 Jean Fautrier (1898-1964) 沉睡 1945 私人收藏

強調物質性的 Antoni Tapies(1923年出生) 顛倒的帽子 1967 私人收藏

存在主義的Mando Millares(1926-1972) cuadro120 1960 私人收藏

強調物質性的 Albero Burri 人質120x180cm 1961 私人收藏

Nicolas de Stael(1914-55) 交響樂團 1953 龐畢度現代藝術美術館典藏

Bra Van Velde(1885-1981) 無題 1957 私人收藏

Georges Mathieu(ne1921) 繪畫 50x60cm 1963 私人收藏

Henri Michaux(1899-1989) 無題 43.5x60cm 1979 私人收藏

Zao Wou-ki (ne1921) 風景 1984 私人收藏

Hans Hartung (1904-1989) 1935-1 95x140cm 1955 龐畢度現代藝術美術館收藏

P Soulage(1919) 繪畫-1964元月10 1964 法國St-Etienne美術館典藏

S Poliakoff(1900-69)組合 131x96cm 1956 法國St-Etienne美術館典藏

Atlan(1913-60) 法老146x114cm 1956-58 法國St-Etienne美術館典藏

Manessier(1911-93)晨間的空間 131x162cm 1949 法國St-Etienne美術館典藏

V da Silva(1908-92 Sylvestre 130x97cm 1963 法國St-Etienne美術館典藏

當文明通過暗色的和空無一物的荒地後，來到人類內在深淵。第二次世界大戰後，人類一切文明逐步走向幻滅。那時的藝術就試圖從人類心靈裡自我解放，以純粹形式和色彩，在形而上的精神領域中展現一種感性的語言，傾向於唯心論的境界，也試圖從中治療人生的幻滅及其心靈所受的創傷，這成為戰後抽象繪畫創作的本質。

戰後五十年代之巴黎抒情抽象藝術﹐是對戰前之幾何抽象藝術的單調﹑節制及禁欲﹑壓抑之非表現性的反動。他們繼承立體派、表現主義及康丁斯基﹑庫卡和克利等的內在意象之音樂抒情抽象繪畫藝術﹐試圖以點﹑線﹑面﹑空間之構成，注重表面支架上的形式。於歐洲人文主義裡，掌握超現實主義中的無意識行為，並透過自動性技法，從自由抽象的方法中解放出來，注重心象意圖，帶有濃厚的歐洲人文傳統精神。

巴黎派的抒情抽象藝術大致上是探討與追求一種美學形式﹐他們從那敏銳之感性﹐及那種新穎而更加自由之抽象底的方法中解放出來﹐對於戰後充滿新生具有樂觀進取的精神﹐並沒有感染戰爭的憂鬱。當然反之﹐似乎有意和社會隔離﹐就像象牙塔中的藝術家般﹐在興奮敏銳機智的幻覺世界裡。當然也有例外的像Fautrier戰爭其間所創作出的傑作{人質}﹐是從外交在之感受到內在本質的展現。或西班牙畫家Tapies和Millares等人面對軍人獨裁﹐內在壓鬱所展現的意志形式。然而義大利畫家Burri也不例外﹐對人類本質內在深層形式之探討﹐透過各種素材之應用(麻布﹑塑膠布﹐用火燒過)﹐來表現存在之本質。他們這些作品都直接陳述著那種存在主義形而上之極度痛苦﹐但是實際上令人振奮的﹐乃是他們作品裡那種趣味性﹐以及它們那種平易近人之感覺。

綜觀巴黎派的抒情抽象藝術從其表達形式中共分三大類型:一﹑為不定形的表達(例如Wols和Fautrier)。二﹑形式表現主義者們(例如Hartung﹑Soulage或Tapies)。三﹑介於不定形與形式主義者之間(例如Mathieu)。

其主要代表性藝術家:法國Jean Fautrier (1897-1964) ﹑Wolfgang Wols(1913-1951) ﹑Hans Hartung
(1904-1989) ﹑Pierre Soulage (1919) ﹑George Mathieu (1921) ﹑Henri Michaux (1899-1984)
﹑Nicolas de Stael (1914-1955) ﹑Serge Poliakoff (1900-1969) ﹑Jean-Michel Atlan(1913
-1960) ﹑Jean-Paul Riopelle(1923-2002) ﹑Jean Messagi (1920-1998)﹑Alfred Manessier(1911
-1993) ﹑Maurice Esteve (1904-2001) 義大利Alberto Burri(1915-1995) ﹑Emilio Vedova(1919
-2006) ﹑Giuseppe Capogrossi(1900-1972) 。西班牙Antoni Tapies(1923) ﹑ Antonio Saura(1930
-1998) ﹑Manolo Millares(1926-1972) ﹑其他如 Bra Van Velde(1885-1981) ﹑Vieira da Silva
(1908-199) 及Zao-wou-ki (1921)等等。

如沃爾斯屬於自然形體的不定形抽象。哈同成捆或成紮的書法形式建構。馬休歐洲人文下的行動繪畫，細緻而優雅。史塔艾勒(Stael)追求综合現代與傳統的繪畫，強調色面，這正好和波里亞克夫(Poliakoff)接近。李奧佩爾(
Riopelle)強調色彩與肌理的不定形抽象。米修(Michaux)傾向東方情趣的抽象。和達比埃斯有異曲同工的義大利物質畫家布里(Burri)，透過貧窮素材(塑膠布、麻布等)來創作存在的本質，表現物質的趣味性，給人平易近人的感覺。空間主義的封坦納(Fontana)那些畫布挖洞、割裂的真實空間作品，都呈現在這些空間交響的繪畫和爆炸形式的陶工雕塑裡。

無題(褐色底上的黑色) 1964 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

羅斯科 (Mark Rothko 1903-1970 ) 是美國50年代抽象表現主義運動最具代表性的畫家之一，以寧靜沉著的大色面繪畫著名，滲透出一種非比尋常的靈感應知之精神性。早期在表現主義及超現實主義之間。從1947年轉向一種抒情冷靜的抽象繪畫，試圖經由不確定長方幾何圖形在對比或揪近的色相底組合，色面及平圖，沒甚麼筆觸，建立在敏銳色彩的顫動下，示現出一種微妙的光線，傳遞內心的感知及喚起內在精神意識，畫家說：「簡單表達一種複雜的思考」。

1950-1970年間繼續探討神秘的色彩節奏及微妙變化，漸漸從明亮的轉向陰沉誨暗的色象(差) 。「無題(褐色底上的黑色) 」作品證明這種探討的過程，在飽和的褐色面積底上環繞兩塊(一黑一褐)長方形，仰揚非物質性的色彩微妙光線的變化。羅斯科這種色面繪畫，就成為「繪畫性抽象後」的抽象藝術的另一起點。

Joan Mitchell Garden for Audrep 1979 私人收藏

再見門 280×720cm 1980 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

米契爾(J.Mitchell 1926~1992)美國畫家，屬於美國50年代抽象表現主義第二代最具代表性的畫家，自1960年起定居法國，直到去世。他的作品在氣勢及原創性上，接近德庫寧。透過其雜亂無章的大筆觸，顯現自然風景的意象。

這幅壯觀、迷人的全景式大畫，是米契爾的傑作，就像佛蘭西斯《親切的藍》，足以讓人進入繪畫時空裡漫遊奇境。

米契爾由於深愛莫內晚年的風景畫及《荷花》系列，自1960年起就定居在塞納河畔，離吉維尼莫內工作室不遠的小鎮，因此她的抽象繪畫作品，有時被人們稱為「印象派主義者的抽象」。這裡，在他豪放到幾乎狂亂的大筆觸橫掃中，顯現出物象在其鮮豔對比色彩(綠色、深綠色、藍色、黑色、白色……)交錯重疊，提供一種感性的表現形式。對其繪畫，她說道：「表達一種來自內心的感覺……、激情的狀態」。

親切的藍 300×700cm 1955~1957 巴黎龐畢度現代美術館典藏

法蘭西斯(Sam Francis 1923~1995)是美國50年代抽象表現主義中最具歐洲人文傳統的畫家之ㄧ(1950~1958年旅居法國)。初期作品在幾乎白色透明的筆觸裡傾向於不定形抽象。而後大膽地解放，納入洋溢的色彩，在豪放水性顏料中組織建構，氣勢十足，尤其在那爆發性的衝勁下，產生強大張力。

這幅激情、豪放的巨大全景式作品，是佛蘭西斯巴黎時期最重要且最大的一幅傑作，其富於詩意的主題，來自德國浪漫主義詩人歐特琳(Holderlin)的詩。在巴黎時期，法蘭西斯沉浸於歐洲人文傳統裡，使其作品更和諧，有素養，大膽而含蓄，尤其在法國繪畫的潛移默化中，這親切之藍，使人想起馬諦斯那豪放自如而又紮實的藍。那全景式的圖畫似乎是受到莫內晚年《荷花》系列的啟示，特別在這系列裡，有一些流動性的形式及充滿文學性的空間。

照亮喬治 290×442cm 1961 巴黎龐畢度現代藝術美術館典藏

紐曼(B.Newman 1905~1970)是美國50年代抽象表現主義運動最具代表性的畫家，從1946年起，在垂直結構裡，展現其最平靜、最純粹的大色域抽象，傾向於東方精神的，對美國年輕一代的藝術家有舉足輕重的影響(尤其是60年代的後期色彩抽象藝術的主要畫家路易斯Louis和諾蘭Noland、70年代的極限藝術，乃至80年代的新幾何)。

紐曼的作品一向都由畫布形式來決定畫面結構，畫面經常是由一條或數條垂直線(色帶)形式劃分，在對比穩健的色彩裡透過形式/色彩來隱喻。特別是在1957年，紐曼心臟病突發，從生死邊緣返回人間，將生命體驗深入藝術之中。尤其1961年2月，其兄喬治與世長辭，面對死亡，黑色成為繪畫的象徵，使紐曼更深沉針對精神狀態的新探討。紐曼說道：「黑色是當一位藝術家嘗試創作一些新東西時才使用。在這巨大白畫布無限的空間裡，只有三條莊嚴的垂直線，以中間這條黑寬線條為主軸，它畫分左右不等的區域，左邊接近白布邊緣，一條精細黑線條、右邊一條中空留白，使人聯想起上帝受難像所戴的有刺的桂冠。題獻追悼其兄「喬治」，希伯來語「喬治」之名是發光動詞的形式之一，特別是通過這無限(留白，延伸至畫外整個牆面)的空無境界。紐曼寫道：「空無並不是那麼容易的，問題它是由繪畫來製造的」。

無題XX 202.5×177.5cm 1976 荷蘭阿姆斯特丹現代藝術美術館典藏

德庫寧(De Kooning 1904~1997)，美籍的荷蘭人，是美國50年代抽象表現主義最具代表性的藝術家，早期致力於抽象畫，到了1946年，在超現實主義的潛意識自動性技法影響下，呈現其內在強烈意象，尤其在《醜女人》系列連作裡格外展現力量。他的作品後來成為行動繪畫的先鋒。

他的繪畫風格，就像50年代北歐的眼鏡蛇畫派；在美國50年代抽象表現主義中，以庫寧的作品最具雄渾氣勢，從70年代起，庫寧漸瓦解過去抽象的形象(50年代的《醜女人》至60年代的風景意象)，趨向更純粹的抽象。在這幅作品中，穩定的結構，由顏色肌理本身提升意象。